Tive a oportunidade de revisitar o jogo antes e depois dessas atualizações, o que mostra o comprometimento do estúdio em trazer uma experiência definitiva. As mudanças aplicadas impactam diretamente a gameplay, tornando o jogo ainda mais fluído. Mesmo diante das polêmicas iniciais, Crimson Desert se mantém como um forte candidato a jogo do ano, com mecânicas únicas inseridas em um mundo vasto e repleto de descobertas. No fim das contas, trata-se de um jogo imersivo de RPG em mundo aberto, capaz de oferecer mais de 100 horas de conteúdo.

Pensando nessa experiência, a equipe da República DG teve a oportunidade de testá-lo no PS5 Pro. Mas afinal, Crimson Desert realmente vale a pena? É isso que você irá descobrir em nossa análise!

Perdido na imensidão de Pywell

Conforme novos anúncios e trailers eram publicados, o continente de Pywell se mostrava vasto e repleto de atividades que refletiriam durante a campanha, seja no momento de exploração, missões secundárias ou até mesmo na narrativa que era complementada com o conteúdo secundário do jogo. Aqui, era nítido ver como o jogo era grandioso. Após jogá-lo eu tive certeza que o jogo entregava uma experiência única e diferente de tudo aquilo que já havia visto em jogos do gênero, porém, com uma identidade própria e repleto de segredos que surpreendem os jogadores a cada momento.

Em Crimson Desert, os jogadores assumem o papel de Kliff, um guerreiro determinado e líder dos mercenários conhecidos como Jubas Cinzentas. Após serem surpreendidos por uma emboscada do grupo Ursos Negros, a maior parte de seus companheiros é massacrada em um evento que mudaria completamente o rumo de sua vida, fazendo-o carregar o peso do fracasso como líder.

Embora essa seja apenas a base da narrativa, a história se desenvolve de forma mais complexa ao longo da jornada. Novos personagens surgem, antigos aliados são revelados como sobreviventes, e Kliff inicia uma busca para reunir uma equipe novamente. Seu objetivo passa a ser claro por aqui: reconstruir seu grupo e enfrentar o clã responsável pela emboscada, colocando um fim definitivo aos ataques sangrentos.

Para retomar seu posto de liderança, enfrentamos uma verdadeira jornada brutal. O guerreiro é obrigado a selar pactos com corruptos para financiar seu exército e recrutar novos combatentes. Entre a busca por armas poderosas e a reconstrução de um império, Kliff luta para sobreviver às cicatrizes de uma catástrofe que ainda assombra seu passado.

As missões secundárias também desempenham um papel importante na construção da narrativa. Embora algumas possam parecer superficiais ou com objetivos pouco relevantes, elas recompensam o jogador com itens únicos que contribuem diretamente para a progressão e evolução do personagem, como espadas, escudos e armaduras capazes de influenciar seus atributos.

Atividades como contratos de mercenário, solicitações de moradores de pequenos vilarejos, caçadas a monstros lendários e até desafios de puzzle estão espalhadas pelo mapa, incentivando a exploração. Além disso, áreas secretas escondem itens valiosos que contribuem diretamente para deixar o personagem ainda mais forte.

Apesar da grande quantidade de conteúdo secundário, fica a impressão de que a história principal acaba funcionando apenas como um pano de fundo para a progressão até o final do jogo. Isso porque as atividades paralelas de Crimson Desert se mostram muito mais divertidas do que a trama central, que segue uma abordagem baseada na clássica jornada de vingança e na busca por aliados. Veja bem… a campanha não chega a ser ruim, muito longe disso, mas deixa algumas pontas soltas e acaba recorrendo a elementos mais clichês.

Outro ponto que me incomodou bastante foi a falta de carisma dos personagens, que acabam sendo pouco memoráveis e, em muitos casos, parecem estar ali apenas para preencher lacunas na narrativa. Em diversos momentos, surge aquela sensação de “qual o propósito disso?” ou até mesmo “por que esse personagem está aqui?”, o que enfraquece o envolvimento com a história.

Tive a oportunidade de explorar Pywell por muitas horas e fiquei extremamente surpreso com muitas descobertas que fiz ao longo dessa jornada. Um exemplo disso é que algumas paredes escondiam grandes segredos, e que ao serem revelados, te mostram a real importância de explorar todo o mapa, além do mundo estar em constante evolução, onde você nunca ficará enjoado de explorar por horas.

Um dos principais problemas que notei em Crimson Desert está justamente no ritmo (pacing) da experiência. A campanha demora a engrenar, especialmente por conta da grande quantidade de tutoriais concentrados logo nas primeiras horas. Em vários momentos, acabei não utilizando muitas dessas mecânicas apresentadas, seja por simplesmente esquecer ou por parecerem pouco relevantes durante a exploração.

Por outro lado, assim que as primeiras horas se passam, o jogo finalmente revela seu verdadeiro potencial. É nesse momento que o mundo se abre de forma mais orgânica, incentivando a exploração e permitindo descobrir os inúmeros segredos espalhados por cada canto do mapa, bem como as missões e vilarejos descobertos.

E por falar na quantidade de sistemas, Crimson Desert entrega uma variedade impressionante de mecânicas, o que o torna um título complexo e bastante diferente do padrão do gênero. Com o tempo, o jogo recebeu atualizações importantes baseadas no feedback da comunidade, refletido principalmente em redes sociais e vídeos.

Essas melhorias ajudaram a refinar diversas mecânicas, simplificando algumas ações e tornando a experiência mais intuitiva. Como resultado, o gameplay se torna mais fluido e prático, sem a necessidade de executar diversos comandos para realizar determinadas ações.

Ao me aprofundar ainda mais no jogo, os confrontos contra chefes se destacaram de forma positiva. A variedade de inimigos é significativa, reforçando que a experiência não se torna repetitiva, seja pela diversidade de mecânicas, pela quantidade de NPCs ou pela variedade de missões. Além disso, os chefes apresentam uma boa variedade em seu moveset, muitas vezes exigindo preparo adequado em equipamentos por parte do jogador, tornando-se desafiador em diversos momentos.

No fim das contas, a Pearl Abyss entrega uma das experiências de mundo aberto mais marcantes de 2026, fazendo jus à proposta de oferecer algo próximo de um verdadeiro MMO. Mesmo com muitas dúvidas por parte do público, a empresa se mostrou competente e está sempre ouvindo o feedback para tornar o jogo cada vez melhor a cada atualização!

Combate único e estratégico

Após abordar as mecânicas de exploração, é importante destacar que o jogo também entrega uma experiência bastante imersiva no combate. O sistema permite a execução de combos com ataques fortes e fracos, além do uso de habilidades ativas e passivas, o que adiciona profundidade e torna as batalhas mais dinâmicas e envolventes.

Ainda assim, nem tudo funciona perfeitamente. Em alguns momentos, os combates podem se tornar cansativos, principalmente por conta da alta quantidade de HP de certos inimigos. Como já mencionado, alguns chefes exigem preparo estratégico e bons equipamentos para enfrentar as grandes hordas. Para quem aprecia um sistema de combate mais robusto, Crimson Desert certamente entrega, ainda mais após as atualizações que aprimoraram significativamente a jogabilidade.

O jogo apresenta uma árvore de habilidades (skill tree) segmentada em diferentes categorias. Entre elas, estão os atributos de saúde, que influenciam diretamente na sobrevivência, força e vitalidade; a stamina, essencial para a execução de combos, esquivas e a mobilidade de Kliff; e o espírito, responsável por liberar habilidades especiais, além de aprimorar a defesa e os contra-ataques.

Essas habilidades não são adquiridas apenas com o avanço de nível. O jogo também permite desbloquear novos movimentos por meio dos Artefatos do Abismo ou até mesmo ao observar e replicar técnicas utilizadas por inimigos durante os combates.

Crimson Desert não é um jogo para todos

Polêmico ou não, Crimson Desert entrega uma experiência imersiva e única, mas está longe de ser um título para qualquer pessoa. O jogo exige dedicação e paciência para dominar seu combate e compreender a ampla variedade de mecânicas disponíveis. Além disso, a narrativa pode não agradar a todos em diversos momentos, chegando a prejudicar o ritmo da progressão. Mesmo com certa variedade, algumas missões secundárias acabam se tornando repetitivas e cansativas ao longo da jornada.

O ritmo também pode parecer lento por muitas vezes, tendo em vista que o jogo não oferece recompensas imediatas para os jogadores, focando mais em premiar aqueles que estão explorando todos os cantos de Pywell.

Mais uma vez, vale reforçar: o jogo não é ruim, muito pelo contrário. Ainda assim, pode frustrar quem espera algo nos moldes de Skyrim ou The Witcher, títulos que combinam diversas mecânicas com uma narrativa envolvente do início ao fim. Confesso que minhas primeiras horas foram difíceis, principalmente pela quantidade excessiva de sistemas, que acabam tornando a experiência cansativa. Com o tempo, no entanto, fui me adaptando e passei a aproveitar bem mais o que o game tem a oferecer.

Aspectos técnicos

Como já era esperado, Crimson Desert surgiu como um dos projetos mais ambiciosos já anunciados, gerando enorme empolgação entre o público. No entanto, em diversos momentos, esse hype acabou “esfriando”, principalmente pela ausência de demonstrações do jogo rodando em consoles, o que acabou levantando dúvidas e gerando certa desconfiança por parte dos jogadores.

No aspecto técnico, envolvendo gráficos e desempenho, o jogo apresenta uma experiência sólida após as atualizações. Nos consoles, é possível escolher entre modos distintos: o modo desempenho, que prioriza 60 FPS com resolução dinâmica em torno de 1440p utilizando upscaling, e o modo qualidade/fidelidade, que entrega 4K nativo a 30 FPS.

Ainda assim, o título sofre com pop-ins frequentes, especialmente em áreas mais densas, como florestas ou vilarejos com grande concentração de NPCs. Essa questão se torna ainda mais perceptível nos consoles, devido às limitações de hardware. No PlayStation 5 Pro, por outro lado, há a opção do modo equilibrado, que oferece 40 FPS com Ray Tracing. Mesmo assim, ainda é possível notar pequenos engasgos em determinados momentos.

Visualmente, o jogo impressiona pela riqueza de detalhes, evidenciando o cuidado e a dedicação do estúdio. Esse capricho vai além do level design, refletindo também na construção do mundo e na elaboração dos puzzles, que contribuem para uma experiência mais imersiva.

A trilha sonora também se destaca, adaptando-se aos diferentes momentos do jogo. É possível perceber variações claras entre combates comuns, batalhas contra chefes e outros trechos da experiência, o que contribui para a imersão. Os efeitos sonoros complementam esse conjunto, com conversas de NPCs e sons ambientes bem trabalhados, como cachoeiras e o movimento da vegetação. No geral, trata-se de um projeto ambicioso e que consegue surpreender.

Review de Crimson Desert – Vale a Pena?

Dizer que Crimson Desert certamente não é um jogo para todos certamente pode acabar assustando alguns jogadores, mas precisamos destacar aqui que é necessário que os jogadores alinhem sua experiência para não achar que estarão jogando um título como The Witcher 3: Wild Hunt.

Com a vasta quantidade de conteúdo secundário, puzzles e exploração praticamente infinita, Crimson Desert se mostra como uma experiência obrigatória para todos, porém, a decepcção pode vir por parte da campanha, personagens com pouco carisma (assim como Kliff) e até mesmo a apresentação de milhares de mecânicas que fazem o jogo perder o ritmo e muitas se tornam até irrelevantes.

De forma geral, a Pearl Abyss entrega uma experiência envolvente e bastante competente, com potencial para figurar entre os principais concorrentes a jogo do ano em 2026.

O que reforça essa evolução constante é a atenção ao feedback da comunidade, refletida em atualizações frequentes que aprimoram a experiência. No fim das contas, Crimson Desert é o tipo de jogo capaz de garantir muitas horas de diversão e que, com as melhorias contínuas, tem tudo para se consolidar como um título indispensável para todos os jogadores!

Esta review foi produzida graças a um código de PS5 cedido gentilmente pela Pearl Abyss.

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Ground Zero chega para PlayStation 5, Xbox Series S/X e PC no dia 16 de abril de 2026. Ele foi desenvolvido pela Malformation Games e distribuído pela Kwalee. Esta review foi realizada com a versão de PS5 base do game.

Depois de passar um tempo em Busan, a sensação é de que Ground Zero não está apenas tentando replicar o passado, mas sim entender o que fazia esse estilo funcionar e aplicar isso com pequenas evoluções.

E o resultado, no geral, é bem consistente, ainda que com alguns pontos que poderiam ser melhor trabalhados.

Quer saber se o game pode matar a sua saudade de jogos survivor horror retrô? Pois fica comigo nessa review de Ground Zero e descubra.

Uma narrativa mais séria do que o esperado

A história começa com um desastre em Busan, na Coreia do Sul, após a queda de um meteoro que desencadeia mutações e transforma a população em criaturas que querem arrancar pedaçoes seus, literalmente. No controle de Seo-Yeon, somos enviados para investigar o que realmente está acontecendo.

Vale mencionar que o jogo acerta ao não cair totalmente no tom exagerado de muitos títulos retrô.

Apesar de uma introdução que flerta com algo mais simples, a narrativa rapidamente se ajusta e passa a tratar seus eventos com mais seriedade, envolvendo até interesses políticos e sociais sobre o que está acontecendo em Busan. Os diálogos funcionam bem e a história possui um clima denso e crescente.

Jogabilidade clássica com boas ideias no combate

Aqui é onde Ground Zero mostra que entende o gênero.

A base segue o padrão clássico: câmeras fixas, movimentação mais cadenciada e gerenciamento de recursos. Você pode escolher entre a jogabilidade tanque ou uma jogabilidade mais moderna. Joguei com os controles mais atualizados.

Se-Yeoun possui um arsenal interessante, mas nada de inovador. Ela faz uso de revolvér, escopeta, submetralhadora, lança-chamas, alguns tipos de granadas, etc. Além de enfrentar os seres humanos que viraram criaturas hostis, precisamos lidar com animais e até dinossauros.

O jogo adiciona algumas ideias que deixam o combate mais interessante. Diferente dos títulos mais antigos, aqui você não fica travado ao atirar. É possível se movimentar enquanto mira, além de contar com esquiva e até um parry em determinados momentos. Isso deixa os confrontos mais dinâmicos sem descaracterizar a proposta.

Outro ponto interessante está no sistema de recompensas. Ao derrotar inimigos, você coleta Geoma, uma espécie de moeda do game que pode ser usada em estações espalhadas pelo mapa para comprar recursos, como munição.

E o detalhe curioso é que a quantidade recebida varia de acordo com a forma como o inimigo é derrotado.

Se você usa armas mais pesadas, como uma escopeta e lança-chamas, o corpo fica mais danificado e a recompensa é menor. Já eliminações mais “limpas”, como com faca ou tiros bem precisos, rendem mais recursos. É uma mecânica que lembra bastante o sistema de qualidade de caça de Red Dead Redemption 2, e funciona bem dentro da proposta.

Tensão e gestão de recursos

Se tem algo que Ground Zero faz bem é manter a pressão.

A munição é limitada, os inimigos são perigosos e nem sempre o melhor caminho é enfrentar tudo. Em vários momentos, correr ou evitar confronto é a melhor decisão.

O sistema de salvamento também reforça isso. Aqui, o save manual está ligado a um item, mas ele costuma estar disponível próximo aos próprios pontos de salvamento e isso é ótimo, afinal quem nunca sentiu raiva de chegar em uma sala segura e não o recurso para salvar o game??

Level design traz variedade e escolhas

Um dos pontos mais interessantes está na estrutura dos cenários.

O jogo apresenta uma boa variedade de ambientes, de áreas urbanas a locais mais específicos como parque de diversões e regiões costeiras. E mais do que isso, ele permite escolhas de rota que impactam diretamente a experiência.

Logo no início, por exemplo, é possível escolher entre caminhos mais longos e seguros ou trajetos mais curtos, porém com maior dificuldade. Esse tipo de decisão adiciona uma camada estratégica interessante à progressão.

Os puzzles também aparecem com frequência, incluindo uma mecânica curiosa envolvendo cofres. Diferente do padrão clássico, aqui você precisa resolver pequenos enigmas para acessar o armazenamento de itens.

São desafios simples, mas que deixam essa interação mais ativa. E, no mesmo local, geralmente estão os pontos de salvamento, centralizando bem os sistemas.

Outro detalhe positivo é a possibilidade de ajustar separadamente a dificuldade do combate e dos puzzles, permitindo uma experiência mais personalizada.

Visual retrô funciona, mas poderia ir além

Visualmente, Ground Zero abraça totalmente a estética retrô e isso é parte importante da identidade do jogo.

Mas confesso que, em alguns momentos, ele acaba indo longe demais nessa proposta.

O estilo lembra bastante jogos da era PS2, com modelos e cenários mais simples. Funciona dentro da ideia do projeto, mas fica a sensação de que dava para dar um pequeno salto de qualidade sem perder essa identidade.

Não precisava deixar de ser retrô, mas um refinamento maior nos modelos e ambientes ajudaria bastante. Do jeito que está, em alguns momentos o visual soa mais datado do que deveria.

Trilha sonora cumpre bem seu papel

A parte sonora é um ponto positivo.

A trilha segue uma linha mais voltada para o suspense, ajudando a manter a tensão constante durante a exploração. Não é algo que chama atenção o tempo todo, mas funciona muito bem para reforçar a atmosfera.

Problemas de câmera e pequenos ajustes necessários

Nem tudo funciona perfeitamente.

A câmera, em especial, pode atrapalhar em alguns momentos. Como é comum nesse estilo, os ângulos mudam ao avançar pelos cenários, mas isso nem sempre é bem feito e acaba irritando e atrapalhando o controle do personagem.

Em algumas situações, você acaba andando na direção errada ou se reposicionando de forma confusa até se adaptar ao novo enquadramento. Pode ser questão de costume, mas ainda assim falta um pouco mais de refinamento.

Além disso, senti falta de uma maior variedade de inimigos ao longo da experiência. O jogo mantém bem a tensão, mas poderia diversificar mais os encontros para evitar repetição.

Review de Ground Zero – Vale a pena?

Finalizo esta review de Ground Zero dizendo que deu pra matar um pouco da saudade dos jogos antigos de franquias como Resident Evil, Alone in the Dark e Silent Hill. Ele é um survival horror que sabe exatamente o que quer ser.

Ele resgata elementos clássicos e adiciona pequenas melhorias que me divertiram, ainda que com algumas limitações técnicas e de variedade.

Após mais de 10 capítulos e de enfrentar alguns animais como chefes, digo que Ground Zero possui um bom tempo de campanha e isso é ótimo.

No fim, é o tipo de jogo que conversa diretamente com fãs do gênero e que, com alguns ajustes, pode se tornar algo ainda mais relevante dentro da cena atual.

Curtiu esta review de Ground Zero? Então fica de olho em outras análises do nosso time:

• Review – Mouse: P.I. For Hire (PC)
• Review: Marathon (PS5)
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E isso define bem o que você vai encontrar ao longo da jornada.

Geck Gods é desenvolvido pelo estúdio Irensin e publicado pela Super Rare Games. O título chega no dia 16 de abril para PlayStation 5, PlayStation 4, Nintendo Switch e PC. Além disso, o game tem uma demo na Steam, para quem quiser testar o jogo.

Passei boas horas explorando esse mundo como uma largatixa e tenho boas coisas para contar nesta review de Gecko Gods. Ah e vale ressaltar que o game está todo localizado para o PT-Br.

Uma aventura que prioriza o conforto do jogador

No controle da lagartixa, exploramos diferentes áreas de um arquipélago cheio de caminhos alternativos, segredos e pequenos quebra-cabeças. A progressão é totalmente livre, sem punições severas ou aquela sensação de estar seguindo um caminho “errado”.

Tudo flui de forma natural. Cada parede escalável e cada estrutura funciona como um convite para explorar mais um pouco. Não existe pressão em Gecko Gods, apenas curiosidade de ver o que tem pela frente.

Isso faz com que Gecko Gods funcione muito bem como uma experiência mais tranquila, ideal para quem quer jogar sem compromisso ou apenas relaxar.

Jogabilidade simples, mas eficiente

A base da jogabilidade é direta, mas cumpre bem o seu papel.

A movimentação da lagartixa é fluida e casa perfeitamente com a proposta do jogo. Como era de se esperar, subir paredes, contornar estruturas e alcançar pontos mais altos é algo natural e é justamente aí que entra um dos pontos que mais gostei: a verticalidade dos cenários.

O jogo aproveita muito bem essa característica. Em vez de limitar a exploração ao plano horizontal, Gecko Gods incentiva o jogador a olhar para cima o tempo todo. Escalar ruínas e encontrar caminhos alternativos faz parte da progressão, deixando a exploração mais interessante e orgânica.

Além disso, o jogo introduz a navegação com um pequeno barco, conectando diferentes ilhas e ampliando a sensação de descoberta.

Os quebra-cabeças seguem a mesma filosofia do restante da experiência: são tranquilos de resolver. A ideia não é travar o jogador, então não se preocupe, você não vai precisar de guias para isso.

Existe combate e coletáveis em Geck Gods?

O jogo também adiciona alguns elementos que ajudam a dar mais ritmo à exploração. Existem inimigos espalhados pelo caminho, mas nada muito complicado, no geral, são fáceis de enfrentar. Além disso, pequenos insetos que a largatixa consome funcionam como uma espécie de coletáveis, incentivando o jogador a explorar melhor cada área.

Outro ponto importante são as relíquias escondidas em locais secretos, espalhadas por todas as ilhas. Elas reforçam o senso de exploração e recompensam quem se dedica a observar o cenário com mais atenção.

Por outro lado, um detalhe que poderia ser melhor trabalhado é a ausência de uma barra de vida. Quando a largatixa recebe dano, ela apenas muda de cor, sem indicar claramente o quanto ainda resta de vida, o que pode deixar o jogador sem noção se está perto de morrer ou ainda pode arriscar mais.

Vale destacar que Gecko Gods não tenta reinventar o gênero, assim ele prefere trabalhar com mecânicas simples, mas bem aplicadas.

Direção de arte é um dos grandes destaques

Visualmente, o jogo acerta bastante.

A direção de arte é repleta de cenários minimalistas e uma estética que valoriza a contemplação. Em vários momentos, é inevitável lembrar de experiências como em Sable e até The Legend of Zelda: Breath of the Wild, principalmente na forma como o mundo incentiva a exploração.

Nada é exagerado visualmente, e isso ajuda a manter a leitura dos cenários limpa e agradável.

A trilha sonora merece destaque, pois, ela segue uma linha mais suave e relaxante, funcionando quase como um complemento da exploração. Em vários momentos, o som ajuda a ditar o ritmo da experiência, reforçando a sensação de calma e tornando a jornada ainda mais agradável.

Bugs e problemas técnicos

Durante a jornada, alguns problemas técnicos acabam aparecendo e podem atrapalhar a experiência em determinados momentos. Em algumas situações, a largatixa pode acabar entrando em partes do cenário, como paredes, o que exige um certo esforço até conseguir sair e retomar o controle normal.

A câmera também apresenta inconsistências pontuais. Em vez de ajudar na navegação, ela pode acabar dificultando a visão em espaços mais fechados ou durante movimentações específicas, prejudicando um pouco a leitura do ambiente.

Além disso, outro ponto que chama atenção é um bug mais incomum, em que o chão simplesmente desaparece. Nessas horas, a largatixa cai em uma espécie de “limbo” e leva alguns segundos até que o jogo normalize a situação e reposicione o personagem.

Entretanto, apesar desses problemas, a desenvolvedora já confirmou que está ciente dessas falhas e pretende corrigi-las em uma atualização no lançamento, o que deve melhorar a estabilidade geral da experiência.

Um jogo que entende sua proposta

Talvez o maior mérito de Gecko Gods seja justamente saber o que ele quer ser.

Ele não tenta competir com jogos mais complexos ou focados em ação. Aqui, o objetivo é oferecer uma experiência acessível para todos os estilos de jogadores.

Isso pode não agradar quem busca desafios mais exigentes, mas funciona muito bem para o público que procura algo mais leve e focado em exploração.

Review de Gecko Gods – Vale a Pena?

Finaliza este review de Gecko Gods dizendo que, se você busca um game para relaxar, que possui um visual e uma trilha sonora agradável, ele pode fazer parte de sua biblioteca, sim!

A experiência não tenta ir além do necessário, mas entrega exatamente o que promete: um mundo convidativo que é feito para você explorá-lo como uma boa largatixa.

Geck Gods entrega um jogo curto para os padrões atuais, o jogador que quiser fazer os 100%, vai levar alí por volta de 7 a 8 horas.

No fim, Gecko Gods é o tipo de jogo que funciona melhor quando você entra na proposta que ele quer te entregar e pode te fazer ficar boas horas explorando a ilha como uma largatixa.

Essa review de Gecko Gods foi feita na versão de PlayStation 5 do game. O mesmo chega para PlayStation 4 e 5, além do PC e Nintendo Switch em 16 de abril de 2026.

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Como era de se esperar, Mouse seria comparado com Cuphead pelo estilo artístico, porém, com uma identidade própria, com um universo único e uma experiência diferente de tudo aquilo que já estamos acostumados.

À primeira vista, Mouse parece um desenho dos anos 30 que eu encontrei perdido em um sótão qualquer. Mas bastam apenas alguns minutos com a arma nas mãos para entender que Jack Pepper não é o Mickey Mouse, mas sim um investigador pronto para eliminar a corrupção a todo custo.

É um misto de nostalgia com uma das melhores experiências que tive nos games em 2026 até agora, se tornando com folga meu jogo favorito do ano. Mesmo com o ano apenas começando, esse é aquele tipo de experiência que fica marcada pra sempre.

Depois de passar mais de 30 horas no controle do detetive Jack Pepper, a pergunta que fica é: Mouse: P.I. For Hire é apenas um jogo bonito com filtro de 1930 ou ele realmente tem a essência para prender o jogador? É isso que você irá descobrir em nossa Review!

Uma investigação em um mundo de Corrupção

Pronto para encarar a corrupção dos anos 30, Jack Pepper, um rato e ex-herói de guerra, se torna detetive após um desaparecimento misterioso, que rapidamente evolui para um caso envolvendo assassinato e corrupção em Ratópolis. Mesmo diante dos perigos impostos pela máfia e por policiais corruptos, ele decide se infiltrar em delegacias, portos e até nas ruas dominadas pelo crime.

Um dos grandes destaques perceptíveis já nos primeiros minutos de gameplay é a variedade de armas, combinada com elementos de metroidvania, segredos espalhados pelos cenários e missões secundárias liberadas ao chegar à base de investigações de Jack. O local funciona como um hub, onde é possível organizar as provas coletadas, participar de mini-games de beisebol com cartas, que rendem moedas para desbloquear um item secreto, além de comprar colecionáveis e muito mais. Essas evidências também destravam novas missões, armas e itens.

Mesmo com uma progressão linear, Mouse incentiva a exploração ao esconder áreas secretas que podem ser acessadas com habilidades como pulo duplo, gancho e até o uso do rabo do protagonista, que funciona como uma hélice para flutuar.

Mesmo com uma narrativa presente, fica evidente que o foco principal de Mouse: P.I. For Hire está no combate. A grande quantidade de inimigos em tela cria uma sensação de dificuldade, lembrando a pegada frenética de jogos como Doom. E não se deixe enganar pelo visual: o ritmo é acelerado e pode se tornar bastante desafiador, dependendo da dificuldade escolhida ao longo da campanha.

Ainda assim, a experiência não se torna cansativa ou repetitiva, já que o jogo se renova constantemente com a introdução de novas armas, chefes e missões.

O jogo apresenta personagens cativantes que dão vida à história e garantem que o conteúdo secundário seja tudo, menos entediante. Eles servem como peças-chave para os mistérios do enredo, destacando-se por sua personalidade marcante e piadas fora de hora com um humor ácido.

Apesar de complementarem a trama e manterem o jogador focado, essas atividades pecam pela falta de inovação, limitando-se a tarefas repetitivas de busca, coleta ou entrega de itens.

Como destacado, embora a narrativa não seja o foco central, o título brilha ao investir em mecânicas de combate e exploração. Além disso, os colecionáveis espalhados pelo mapa desempenham um papel fundamental ao tentar aprofundar o enredo.

Um FPS caótico e viciante

Se há algo que Mouse: P.I. For Hire entrega com maestria, é um combate caótico e frenético. Com hordas de inimigos, chefes imponentes e um arsenal variado que vai de pistolas a bazucas, a ação é constante. No mapa, os jogadores podem liberar itens semelhantes a pergaminhos que permitem aprimorar o armamento, aumentando a cadência de tiro, o dano e a capacidade do pente, além de desbloquear habilidades especiais.

Os pergaminhos de upgrade nem sempre estão à vista, exigindo que o jogador explore o mapa com cautela em busca de áreas secretas e resolva puzzles para abrir cofres, que podem emperrar permanentemente caso ocorra um erro. Essa dinâmica torna o jogo mais desafiador para aprimorar o vasto arsenal com mais de 10 armas.

Embora Jack possa recorrer a socos e pontapés, o combate corpo a corpo é visivelmente menos eficaz que o armamento do detetive. O combate também vai muito além de armas, explorando os objetos de cenário: é possível chutar barris, detonar galões de fogo ou gelo e derrubar objetos suspensos para esmagar os adversários.

Estrategicamente, usar o ambiente a seu favor funciona melhor, mas o título peca por não permitir um estilo de jogo stealth. Em níveis de dificuldade elevados, onde cada bala conta, a furtividade seria essencial para escapar. Como o combate é “pé no chão”, habilidades como a esquiva tornam-se essenciais para escapar das balas e compensar a falta de recursos.

O design de inimigos e chefes é um dos pontos altos na gameplay. A cada nova área, somos apresentados a adversários com movesets diferentes, que alternam entre o poder de fogo e o combate corpo a corpo. A galeria de chefes é gigante e memorável, com destaque especial para o trecho da delegacia, que funciona como uma excelente homenagem à franquia Resident Evil.

Em Mouse, não basta só sair atirando, o segredo é saber usar o cenário a seu favor e economizar bala, tudo isso sem parar de se mexer nem por um segundo. P.I. For Hire vai muito além do visual de desenho antigo, o que atrai mesmo é esse combate ágil que não deixa o ritmo cair!

Um misto entre erros e acertos

Depois de exaltar tantas qualidades, é preciso pontuar onde Mouse: P.I. For Hire escorrega, já que nenhum jogo é perfeito. Embora seja meu favorito de 2026 até agora, ele peca na falta de conteúdo pós-campanha. O combate frenético até convida a jogar de novo, mas a ausência de modos extras, como um sistema de hordas ao estilo Call of Duty: Zombies, pode afastar quem busca fator replay.

Além disso, a narrativa por vezes parece apenas um pretexto para avançar de fase. Veja bem… ela não é ruim, mas falta a imersão que os ótimos personagens secundários do jogo oferecem.

O mini-game de beisebol até diverte nos primeiros minutos, mas rapidamente se torna cansativo. Falta variedade e novas mecânicas ao longo do tempo, o que faz com que a experiência fique repetitiva, especialmente ao exigir 35 partidas para liberar recompensas. Além disso, não há opção de acelerar as partidas, mantendo sempre o mesmo ritmo contra uma CPU bastante fácil de vencer.

Na parte técnico, mesmo rodando em hardware como uma RTX 5090 e o Legion GO 2, notei pequenos engasgos em trechos com spawns de muitos inimigos. Embora sejam falhas pontuais e raras, é um detalhe que não poderia passar batido nesta análise.

Aspectos técnicos

Se tem algo que surpreende em Mouse: P.I. For Hire, é sem sombra de dúvidas os gráficos e o estilo artístico optado pelo estúdio para tornar o jogo um verdadeiro noir clássico dos anos 30. A escolha pelo estilo ‘rubber hose’ não é apenas algo estético, ela cria um contraste absurdo entre o velho e o novo. É como se estivéssemos jogando um curta perdido da era de ouro da animação, mas com uma metralhadora na mão.

Mais do que um “rostinho bonito”, o jogo brilha na construção dos cenários. O level design é surpreendente, recheado de rotas alternativas e colecionáveis que se camuflam na própria arquitetura do mapa. É o tipo de jogo que exige atenção: se você correr demais e explorar pouco, perde os detalhes que realmente trazem a atmosfera dos anos 30 e os segredos presentes em cofres e portas secretas para o 100% do game.

O visual te atrai, mas o level design te prende. O mapa é um labirinto de segredos que recompensa o jogador, escondendo detalhes da história em áreas que muitos deixariam passar batido. Dá para sentir que cada canto foi pensado para reforçar essa ambientação de época, transformando a exploração em algo tão divertido quanto o combate em si.

O design de som brilha ao usar o jazz e a música clássica dos anos 30 para elevar a imersão. Cada detalhe foi planejado, desde o ruído das armas até os filtros sonoros que trazem variação à trilha sem cansar o jogador, mantendo o estilo impecável ao longo das cerca de 20 horas de campanha.

Review de Mouse: P.I. For Hire – Vale a Pena?

Mouse: P.I. For Hire sempre exalou brilho, desde o anúncio que paralisou a internet com seu visual único. Testá-lo agora, perto do lançamento, só confirmou minhas expectativas: é, sem dúvidas, um forte candidato a Jogo do Ano e um dos títulos mais divertidos de 2026! Com combate frenético e um mundo repleto de segredos, o jogo é ousado e viciante.

Mesmo com deslizes técnicos e uma trama simples, ele entrega o que o mercado atual raramente oferece: uma experiência inovadora e puramente divertida. É uma verdadeira carta de amor aos fãs do gênero.

Não restam dúvidas, esse é um jogo obrigatório para todos!

Esta review foi produzida graças a um código de PC cedido gentilmente pela Fumi Games.

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A jornada começa de forma direta: uma fuga, um corpo humano e uma consciência que ainda tenta entender o que está acontecendo. Uma escolha de narrativa prende atenção logo no início e evolui como uma série tensa e muito bem dividida em dez capítulos. O jogador avança sem todas as respostas, e isso ajuda a construir um clima constante de “preciso de mais respostas”.

Um mundo tecnológico, mesmo que ainda esteja nos anos 80

Replaced se passa em uma versão alternativa dos anos 80, marcada por uma catástrofe nuclear. A Cidade de Fênix surge como um contraste forte entre quem está dentro das muralhas e quem vive do lado de fora. Esse recorte social é importante, porque guia boa parte das interações e do contexto da história.

Os chamados “Descartes” vivem à margem da sociedade, tratados como vidas descartáveis em um sistema que claramente favorece poucos. R.E.A.C.H., que antes era um programa dentro de um computador, agora vive no sistema que ele mesmo fomentou sob o controle de Warren, seu operador imediato. Essa inversão não é apenas narrativa, ela molda a forma como o jogador enxerga o mundo ao redor.

Ao longo da jornada, o jogo apresenta personagens que carregam suas próprias motivações e limites. Não existem respostas fáceis aqui. As intenções da corporação, por exemplo, não são mastigadas. O jogo evita rotular tudo como certo ou errado, e isso deixa espaço para interpretação e discussão. E esse gosto de quero mais também se transmite para o que mais pesa em um jogo: o gameplay.

Gameplay tem uma punição “gostosa” e justa

Se a narrativa segura o jogador, o gameplay é o que mantém o ritmo. Replaced aposta em um combate que lembra coreografias bem ensaiadas. Cada movimento importa, e apertar botão sem pensar não leva muito longe. Existe um tempo certo para tudo.

Os combates funcionam quase como um aprendizado constante. Um combo simples pode abrir espaço para uma defesa no momento exato. Um disparo inimigo exige reflexo imediato. Não é só atacar, é entender o que está acontecendo em volta.

Essa construção lembra muito um estilo mais cadenciado, onde o erro é punido, mas também ensinado. O jogo não pega na mão, mas também não é injusto. Quando algo dá errado, geralmente fica claro o motivo.

Apertando quadrado no DualSense (jogamos com o controle de PS5 conectado ao PC), você encaixa os combos no melhor estilo hack’n slash. Com X, você rola como nos jogos souls. Com triângulo, um bloqueio seguido de uma brecha para punir seu alvo pode se abrir. É tudo muito encaixado, e evolui ao longo da jogatina.

Afinal, junto dos Descartes, você conhece um local onde a vida humana sobrevive com pouquíssimos recursos em torno de uma Estação. Lá, há hospitais, cafés, e um governo com uma Matriarca que deu seu próprio braço para um cientista continuar trabalhando em seus projetos. Esse cientista, conhecido como Yo-Yo, vê em R.E.A.C.H., que não revela ser uma IA nem ao teimoso Tempest, a chance de dias melhores para seu povo.

Afinal, ele entende que nem toda forma de vida seria capaz de mexer nas armas da Corporação sem sofrer danos consideráveis. Yo-Yo percebe algo de diferente, mas compra a briga e se cala. Tempest, que sofre represálias dos governantes, enfim consegue sonhar com dias melhores. É a receita perfeita, e no início, tudo se encaixa.

Essa parte da história está sendo citada junto ao gameplay por um simples motivo: é o momento onde o protagonista mais aprende novas mecânicas ao usar esse equipamento. Com pouco tempo ao lado de Tempest e Yo-Yo, você passa a repelir projéteis com R1, dar pulos duplos em rajadas de vento, e cortar armaduras com o seu gancho apertando O. E o sistema não para de crescer!

Um sistema que cresce junto com o jogador

Conforme novas mecânicas são introduzidas, o jogo muda. Inimigos ficam mais resistentes, padrões mudam e o jogador precisa se adaptar. Não existe sensação de repetição prolongada, porque sempre há algo novo sendo exigido.

Essa evolução não fica presa apenas ao combate. A exploração também acompanha esse crescimento. Elementos como saltos, uso de ambiente e movimentação começam simples e ganham novas camadas com o tempo.

O interessante é como essas duas partes conversam entre si. O que é aprendido em combate aparece na exploração, e vice-versa. Isso cria uma experiência mais integrada, onde tudo parece fazer parte do mesmo sistema.

Isso sem falar na sua responsabilidade como “cidadão Descarte”, que cresce conforme você progride e interage com as pessoas na estação. Há missões e histórias secundárias que merecem muito a sua atenção por lá e podem enriquecer grandemente o peso da trama.

Estilo visual e som que trabalham juntos

A estética em pixel art chama atenção logo de cara, mas o impacto vai além do visual. O jogo usa iluminação, enquadramento e movimento de câmera para dar peso às cenas. Não é só bonito, é funcional dentro da proposta.

Existem momentos em que o cenário ajuda a contar a história sem precisar de diálogo. Ambientes degradados, luzes de néon e espaços industriais criam uma identidade forte. Cada área visitada parece ter algo a dizer.

A trilha sonora segue o mesmo caminho. Sons eletrônicos e batidas tensas acompanham tanto momentos de ação quanto trechos mais silenciosos. Não existe quebra de imersão. Tudo trabalha na mesma direção.

Quando a exploração perde precisão

Apesar dos acertos, REPLACED também apresenta problemas que não passam despercebidos. O principal deles aparece na exploração, especialmente quando o jogo introduz o uso do gancho.

A ideia é boa, mas a execução não acompanha. Em alguns momentos, prender-se em superfícies não responde da forma esperada. O comando parece impreciso, o que quebra o ritmo e gera frustração.

Esse tipo de falha pesa mais justamente porque o restante do jogo é bem ajustado. Quando o combate funciona com precisão, qualquer deslize na movimentação fica evidente. A sensação é de que faltou um ajuste mais fino.

Com o avanço da campanha, esses problemas diminuem. Ainda assim, os primeiros contatos com a mecânica deixam uma impressão que poderia ser melhor. Não chega a comprometer toda a experiência, mas incomoda.

Review de Replaced – Um dos grandes indies de 2026!

Mesmo com os tropeços citados nesse review de Replaced, o jogo mantém uma identidade clara do início ao fim. A combinação de narrativa, combate e ambientação cria uma experiência que se sustenta bem. O jogo tem o seu próprio tempero, e isso funciona muito bem. Existe uma proposta definida, e ela é seguida com consistência. Quem entra na ideia tende a se envolver até o final.

No geral, Replaced entrega uma experiência de alto nível. O combate é preciso, o mundo é interessante e a narrativa instiga. As falhas existem, principalmente na exploração, mas não apagam o conjunto.

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A história

A história começa com Cronos tendo tomado o controle do submundo, aprisionando Hades e toda a sua família. O único membro que escapou foi Melinoë, filha de Hades, salva ainda na infância e criada sob a tutela de Hécate para um único propósito: destruir Cronos e libertar sua família. É uma premissa que soa grandiosa no papel e que se sustenta com muita competência ao longo de toda a experiência.

O que mais impressiona na construção narrativa de Hades 2 é a forma como ela equilibra a escala épica do conflito com momentos de uma intimidade surpreendente. O jogo lida com um Titã aprisionando deuses, com batalhas que envolvem forças primordiais, mas nunca perde o foco no lado humano, ou melhor, divino dos personagens. Melinoë é uma protagonista com camadas, motivada por lealdade e determinação, mas também carregando o peso de uma identidade construída inteiramente ao redor de uma missão que ela nem escolheu.

A escrita da Supergiant continua sendo de outro nível. Os diálogos são afiados, os personagens secundários têm personalidades marcantes e o jogo usa o próprio formato roguelike de forma inteligente na narrativa. Cada morte de Melinoë conta para narrativa e faz parte da história, e o jogo aproveita isso para construir relacionamentos e revelar informações de forma gradual, sem nunca parecer forçado.

Os desfechos das duas rotas principais, a do submundo e a do Olimpo, são satisfatórios e recompensam as horas investidas com sequências memoráveis. Só recomendo não procurar spoilers, pois a revelação dos chefes finais de cada caminho é uma das melhores surpresas que o jogo oferece.

A jogabilidade

Se a história já é excelente, é no gameplay que Hades 2 atinge seu pico mais alto. A base de combate hack-and-slash do primeiro jogo retorna mais fluida e expandida, mas o que realmente diferencia Melinoë de Zagreus é a bruxaria.

Enquanto Zagreus dependia das bênçãos dos deuses do Olimpo para potencializar suas armas, Melinoë opera em uma camada adicional de complexidade. Ela possui uma barra de mana, ataques carregados e um Hex concedido por Selene, que funciona como uma habilidade especial upgradável com efeitos que vão desde cura até explosões que limpam salas inteiras. O cast, aquele projétil de suporte do primeiro jogo, também foi reimaginado como uma armadilha mágica que pode ser transformada através das bênçãos para se adaptar ao estilo de jogo de cada um.

Tudo isso poderia parecer complicado demais, mas Hades introduz todas essas mecânicas de forma devagar e muito inteligente. O jogo vai apresentando os sistemas aos poucos, de um jeito que quando você percebe já está dominando builds elaboradas sem nem ter notado quando isso aconteceu, a curva de aprendizado é bem calibrada e nunca intimida.

O sistema de Arcanas é outra adição que merece destaque, no primeiro jogo o Espelho da Noite oferecia bônus passivos estáticos, mas aqui as cartas de Arcana funcionam como uma grade estratégica onde posicionamento importa, pois cartas adjacentes podem ativar efeitos extras. É uma camada de customização que abre espaço para planejamento de build mesmo fora das runs, algo que o original só pincela por cima.

As duas rotas da campanha, submundo e Olimpo, oferecem experiências distintas e igualmente completas. O caminho pelo submundo revisita locais conhecidos do primeiro jogo, mas em sentido inverso e com contexto completamente diferente. Já a rota do Olimpo apresenta ambientes novos com identidade própria, e a cidade de Etira em particular é um dos destaques de level design de todo o jogo, com progressão não-linear e mecânicas que fogem do padrão dos outros biomas.

Onde o jogo acumula horas de forma quase irresponsável é na progressão do metagame. Diferente de muitos roguelikes que dependem de uma moeda principal para o progresso entre runs, Hades 2 distribui múltiplos recursos com raridades e métodos de obtenção distintos. O resultado é que mesmo as runs que terminam cedo ou que saem completamente erradas ainda oferecem algum tipo de avanço. É difícil parar de jogar quando cada derrota parece um passo em direção a algo novo.

O único ponto que pode gerar atrito para alguns jogadores é a demanda de tempo no final do jogo. Depois de vencer os chefes finais de ambas as rotas, o ritmo muda. As runs passam a ser mais direcionadas para otimizar recursos específicos do metagame, o que é menos empolgante do que a fase de descoberta inicial. Não é necessariamente um problema, é a progressão natural do conteúdo, mas quem joga de forma casual vai sentir a diferença.

A parte técnica

Já sobre o quesito audiovisual, a Supergiant Games tem uma identidade visual absolutamente inconfundível, e Hades 2 não só mantém esse padrão como o eleva. A mistura de Art Nouveau com elementos clássicos da mitologia grega resulta em um jogo visualmente deslumbrante, com personagens expressivos, ambientes detalhados e uma paleta de cores que comunica a identidade de cada região de forma imediata.

Cada novo deus introduzido tem um design que reflete sua esfera de influência sem precisar de uma linha de diálogo: Hestia parece uma chama personificada, Apollo irradia luz e confiança, Hefesto carrega o peso e a textura de algo forjado à força e assim por diante. É um trabalho de direção de arte que vai além do decorativo e comunica identidade de forma constante.

Em trilha sonora, Hades 2 também eleva o jogo a outro patamar. As faixas dos chefes são memoráveis, com destaque para o tema de Cila, com a trilha de sua luta inteira soando como se fosse composta por alguém que entende que a música nesse jogo não é apenas ambiente, mas é parte fundamental da personagem.

A dublagem acompanha esse nível da trilha sonora. Cada personagem tem uma voz que soa exatamente como aquele personagem deveria soar, e o volume de diálogo gravado é absurdo considerando quantas variações contextuais o jogo usa para o formato roguelike.

Review de Hades 2 – Vale a pena jogar no PS5?

Hades 2 é um dos melhores jogos já feitos dentro do gênero roguelike e uma das sequências mais bem executadas da história dos games. A Supergiant não se contentou em repetir a fórmula do primeiro jogo com novos personagens. Ela dobrou o escopo, adicionou sistemas que aprofundam a experiência sem complicar o acesso, construiu uma narrativa à altura do original e ainda entregou tudo isso com uma apresentação audiovisual de deixar qualquer desenvolvedor constrangido.

Se você já jogou o primeiro Hades, vai se sentir em casa imediatamente e logo vai perceber o quanto o jogo cresceu. Se é sua primeira vez no submundo, melhor ainda: você tem um dos melhores ponto de entrada do gênero esperando por você. É o tipo de jogo que você instala para testar por uma hora e acorda três dias depois perguntando onde o tempo foi.

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Uma história sobre o que nos faz humanos

Como mencionei anteriormente, a história de Pragmata tem dois protagonistas – Hugh e Diana. Hugh é um agente da corporação Delphi que é enviado para a Base Lunar da companhia para investigar um incidente.

A empresa usa a base para criar basicamente qualquer coisa usando os Lunafilamentos, um material com uma capacidade excepcional de transformação, mas com uma durabilidade frágil. Nos minutos iniciais da história, um terremoto atinge a base, fazendo com que Hugh se separe de sua equipe e vá ao encontro de Diana, uma Pragmata.

Na breve introdução que temos de Hugh, ele declara abertamente que não confia em Bots, androides super tecnológicos que foram criados para substituir o trabalho braçal da humanidade. Apesar do jogo deixar isso bem claro, ele confia em Diana desde o primeiro encontro entre eles, coisa que achei mal formulada de início.

Apesar do começo da relação ser abrupta, a troca entre Hugh e Diana é um dos pontos fortes do jogo. A Pragmata nunca teve contato com as coisas terrenas e, sob a lente e narração de Hugh, ela passa a aprender sobre vários conceitos do nosso cotidiano, fazendo com que o game se torne um belo lembrete do que nos faz humanos.

Ver Diana interagindo com objetos da Terra é maravilhoso, gerando uma reflexão em quem joga. Curioso que um game eletrônico protagonizado por uma robô consegue nos fazer pensar sobre a beleza das coisas simples da vida.

A história principal se desenvolve bem, levando a um desfecho magnânimo que se tornou a marca registrada da Capcom em seus AAAs. A lore é expandida através de colecionáveis que são bem dosados e bem escritos, dando gosto da leitura. E, bom, o timing do lançamento do jogo é perfeito.

Com IAs e exploração espacial sendo temas fortíssimos da vida real, é legal ver um AAA fresquinho tratar desses temas com inteligência. Vale mencionar que Pragmata não é uma história de hard sci-fi. A narrativa é propositalmente fácil de ser compreendida para evitar que o tema acabe se transformando em uma barreira de entrada e não um convite.

A duração da história segue o padrão que a Capcom usa em Resident Evil, podendo durar entre 10 a 12 horas para ser concluída, vai depender da experiência de quem joga e, claro, o nível de exploração secundária realizado. Um ponto digno de menção é que Pragmata está completamente localizado em PT-BR e a qualidade da dublagem é ótima, facilitando o entendimento da história e, obviamente, proporcionando um nível maior de imersão para quem não entende inglês.

Um jogo dentro de outro

A jogabilidade de Pragmata é genial e apresenta um conceito que não lembro de ter visto em outro jogo AAA. Diana fica “acoplada” nas costas de Hugh, contudo, nós controlamos os dois de maneira simultânea. Isso ajuda a fugir daquela síndrome de “pai triste” e posiciona Diana com um grande papel atuante, sendo muito mais do que uma garotinha indefesa.

Hugh é o famoso brucutu, responsável por proteger a dupla e, claro, atirar nos bots. Já Diana, a Pragmata, fica a cargo do hackeamento, deixando os bots em estado Exposto para que Hugh atire em seus pontos fracos, além de aplicar efeitos debilitantes como Paralisia, Confusão e mais.

No começo, a proposta causa um pouco de estranheza, contudo, a curva de aprendizado é excelente e ao chegar à metade do jogo você já vai estar um expert em atirar e hackear ao mesmo tempo. E, confesso, a mecânica é incrivelmente viciante e eu espero ver mais dela em jogos vindouros!

Para sua progressão e exploração, Pragmata bebe da fonte de vários jogos que servem como inspiração, sendo Dark Souls um dos maiores expoentes. O level design é enxuto, mas inteligente, apoiando-se na verticalidade para manter o jogador ocupado. Logo nas horas iniciais é possível desbloquear um sonar que marca os objetos próximos, destacando a nova postura mais acessível da Capcom.

Agora, você deve estar se perguntando, como assim Pragmata, um jogo de tiro e hackear robôs, se inspira em Dark Souls? Vamos lá. Primeiramente, no combate. Esquivar e pular gastam a Barra de Propulsão, funcionando como uma Barra de Estamina. A progressão também se inspira nos Souls.

Ao derrotar Bots, ganhamos um recurso chamado de Lunafilamentos, o equivalente às almas de Dark Souls. Esse recurso permite melhorar as Unidades de Ataque, Defesa e Tática (armas e gadgets finitos), aprender novas habilidades, melhorar capacidades do traje de Hugh e aprimorar os Nodos de Hackeamento que Diana pode acionar no combate.

A exploração é dividida em Blocos, onde, no início de cada Bloco encontramos uma Escotilha de Fuga para voltar ao Abrigo, o equivalente às fogueiras, e, ao retornar, os Bots respawnam. O game conta até com um inimigo chamado de Drone Escavador que foge ao chegarmos perto e, caso seja hackeado com sucesso, larga uma grande quantidade de Lunafilamentos, fazendo alusão ao Lagarto de Cristal de Dark Souls.

Os inimigos apresentam uma barra de calor, que, quando preenchida, permite que o jogador pressione um botão para acionar um ataque crítico devastador. Além disso, a apresentação dos chefes ocorre em arenas, do jeito pomposo que a FromSoftware acostumou a comunidade.

E por falar em chefes, eles possuem um design mecânico e visual fantástico, tornando as lutas memoráveis. Mas calma. Apesar das óbvias inspirações, Pragmata é muito mais acessível no que diz respeito à dificuldade, apresentando um modo Casual. E por falar em dificuldade, no modo Padrão ela é justa até metade do game, depois, caso você faça o conteúdo secundário, você se torna incrivelmente poderoso e atropela tudo pelo caminho, até os chefes.

O jogo tem uma excelente variedade de armas, gadgets e inimigos. A cada 10-15 minutos, nos deparamos com uma novidade, seja um inimigo inédito, uma arma nova ou um gadget fresco que tem grande utilidade nos embates. Os gadgets envolvem coisas como uma Rede que mantém os inimigos estáticos, uma espécie de lança granadas que derruba os bots, minidrones que atiram e por aí vai.

A variedade de armas também impressiona mas é preciso destacar que o game tem dois tipos de armas. Existe a arma fixa de Hugh, com bala infinita (mas pente recarregável) e que funciona como uma pistola ou fuzil de assalto, e as Unidades de Ataque, armas com munição limitada e com grande poder de fogo. Temos rifles que disparam um feixe de laser, um lançador de mísseis teleguiado, uma espingarda e muito mais. A frequência com que elas surgem no mapa é bem dosada e o jogo incentiva bastante o uso de equipamentos novos.

Apesar do incentivo, antes de irmos para um Setor, podemos montar um loadout no Terminal Bondeviário, escolhendo os equipamentos e nodos prediletos, funcionando como uma espécie de build.

Mas nem tudo em Pragmata é perfeito, existem certos elementos burocráticos que incomodam um pouco após algumas horas. Por exemplo, sempre que você morre, você retorna ao Abrigo. Seria fantástico ter a opção de voltar na última Escotilha de Fuga visitada. O game também tem pouquíssimas animações de “finalização”, o Tiro Crítico acionado por Hugh quando os inimigos atingem o pico de temperatura.

DNA arcade

Com o passar dos anos, a Capcom foi aprimorando suas habilidades de storytelling, entregando jornadas com um grande apelo emocional por pura exigência do mercado e demanda dos fãs.

Mas um aspecto louvável da publisher é que ela nunca abandonou seu DNA arcade, entregando jogos que, apesar do forte teor narrativo, continuam se portando como um jogo e não um filme jogável.

Além das missões principais, Pragmata tem um conteúdo secundário interessante, com uma boa dose de variedade. Um desses conteúdos é chamado de Simulação de Treinos. Nesse modo, o jogador precisa concluir testes com tempo e condições específicas para obter recompensas que ajudam e MUITO na progressão de Hugh e Diana.

Além da Simulação, os jogadores também podem encontrar e atirar em pequenas estátuas de Mini Cabin. O recurso é claramente inspirado no icônico Mr. Raccoon da franquia Resident Evil. Por fim, mas não menos importante, nos cenários podemos nos deparar com Salas Vermelhas, ambientes perigosos que colocam o jogador para enfrentar uma horda de inimigos em troca de recompensas valiosas.

Por falar em missões principais, tenho certeza de que a duração da campanha de Pragmata vai gerar debates online, afinal, para muitos, é impensável um jogo AAA durar entre 10 a 12 horas nos tempos atuais. Contudo, após ter zerado o jogo e feito todo o conteúdo secundário, penso que Pragmata tem a duração perfeita.

No fim da aventura, fica o gostinho de quero mais e não aquela sensação de alívio gerada ao concluir jogos que acabam durando mais do que deveriam. E reforço que o fim da campanha é apenas o começo. A Capcom usou toda sua experiência com fator replay e retenção de jogador e implementou um ótimo conteúdo pós-jogo que incentiva a rejogada.

Chamada de Lunática, a dificuldade é desbloqueada após zerar Pragmata pela primeira vez e ela muda fundamentalmente a experiência, apresentando inimigos mais letais e um nível de tensão maior graças à mecânica de atirar/hackear. Além da dificuldade nova, desbloqueamos o NG+ e um modo extra com novas doses de desafio. É interessantíssimo ver o tratamento que a Capcom dá ao “pós-jogo” de suas obras e o quanto ela respeita o tempo de seus consumidores.

Todo o conteúdo adicional é valoroso e esculpido com esmero, indo além do propósito de inflar horas de jogatina!

RE Engine brilha como o Sol

Tecnicamente falando, Pragmata beira a perfeição. Muito pela aplicação da RE Engine que é aprimorada a cada novo jogo da Capcom. Joguei 28h no PlayStation 5 Pro e não tive nenhuma queda de frame, bug ou crash.

Em uma única vez, meu áudio ficou “estourado” e o problema foi solucionado ao fechar o jogo e abrir novamente mas, como mencionei, isso aconteceu apenas uma vez em 28 horas. A parte sonora de Pragmata é fantástica.

As vozes, tanto em inglês quanto em português, combinaram muito bem com os personagens. Os efeitos sonoros são de ponta, com armas e bots emitindo barulhos bem credíveis que ajudam na imersão.

A direção de arte é genial. Os desenvolvedores saíram da “caixinha” pra não apresentar mais um jogo que se passa em uma estação espacial. Graças ao apoio da lore com os Lunafilamentos, percorremos trechos que lembram uma floresta, em outro uma grande cidade urbana e por aí vai.

O que a Capcom fez com a RE Engine é absurdo e o motor gráfico aos poucos vai se tornando uma espécie de monstro que evolui enormemente após cada lançamento.

Review de Pragmata: Outro acerto gigantesco da Capcom

A consistência da Capcom é assustadora e, fico feliz em encerrar este review de Pragmata cravando que eles fizeram de novo. A publisher prova que é capaz de entregar muito mais do que as joias da casa, apresentando uma nova IP altamente viciante com personagens memoráveis.

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Caso queira saber um pouco mais a respeito de outras Nintendo Switch 2 Edition já lançadas anteriormente, você pode conferir as nossas análises de Super Mario Party Jamboree — Nintendo Switch 2 Edition + Jamboree TV e Kirby and the Forgotten Land – Nintendo Switch 2 Edition + Star-Crossed World. Como você pode notar pelos subtítulos, esse tipo de pacote é similar ao que temos em Vamos ao Parque Belabel, já que todas essas atualizações trazem não apenas melhorias pensadas no hardware mais poderoso de Switch 2, mas também novas fases e modos de jogo. São, de fato, expansões da experiência original

Há, contudo, uma grande questão que permeou as análises dessas versões: muitas vezes, o conteúdo novo adicionado a esses jogos parece ser curto demais, não fazendo valer a pena a aquisição do pacote como um todo. Ademais, também aconteceu casos em que a implementação desse novo conteúdo não é das melhores. No caso de Mario Party, por exemplo, as melhorias e novos modos eram relegados a um menu à parte, não conversando com o conteúdo já existente no jogo original.

Diante disso, e considerando o preço de Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Vamos ao Parque Belabel (R$ 109,90 pelo pacote de atualização ou R$ 439,90 pelo jogo completo), a principal pergunta que eu me fazia enquanto jogava o título para essa análise era: será que as melhorias e conteúdos novos justificam um valor tão alto? A resposta é um pouco complexa, já que vai depender bastante do tipo de jogador no qual você se enquadra.

Mario Wonder, ainda mais fenomenal

Para compreender tudo o que Vamos ao Parque Belabel tem a oferecer, acho importante separar essa análise em três partes distintas. A primeira delas está ligada a todas as melhorias e novidades que o pacote incorpora ao jogo base; a segunda trata dos novos conteúdos single-player adicionados pelo pacote; e a terceira (e talvez mais expressiva novidade), está relacionada aos diversos modos multiplayer local e online que compõem o titular Parque Belabel.

Se tratando do primeiro aspecto do jogo, não tem como não dizer que essa Nintendo Switch 2 Edition melhora enormemente um jogo já quase perfeito. Em minha análise original (que você pode ler clicando aqui), eu teci enormes elogios ao modo como Super Mario Bros. Wonder revitaliza e evolui o formato de plataforma 2D da franquia Super Mario Bros. Criatividade, diversão e surpresas embalam toda a campanha do jogo original.

Por meio de Vamos ao Parque Belabel, essa campanha, que já era muito boa, se torna ainda melhor graças às diversas melhorias técnicas, novos personagens, novas opções de acessibilidade e um novo potencializador. Nesse sentido, vale reforçar que Super Mario Bros. Wonder já era um jogo lindo, que rodava super bem no Switch original. O hardware do Switch 2 eleva essa experiência visual fantástica, já que oferece gráficos 4k nativos na TV e 1080p no modo portátil, com um framerate estável de 60fps em todos os modos de jogo.

As novidades para a campanha também incluem Rosalina como nova personagem jogável, Luma, como uma personagem controlável com o modo mouse, o poder do superbroto (que oferece uma roupa baseada em flores, com poderes únicos), além de novas insígnias duplas, que misturam habilidades presentes no jogo base. São diversas novidades que adicionam um fator replay sem igual, já que você agora pode rejogar a campanha toda com esses novos personagens, habilidades e variações.

Vamos ao Parque Belabel também “corrige” questões de acessibilidade do jogo original, pois agora existe um modo ajuda que pode ser ativado para todos os personagens do jogo, permitindo que crianças pequenas joguem o título sem morrer ao tocar em inimigos ou cair em buracos. No jogo original, apenas Yoshi e Ledrão ofereciam ajudas do tipo, o que era um tanto quanto limitante. Agora, uma criança pode jogar com Mario ou Rosalina, por exemplo, e ainda contar com a ajuda nas fases mais desafiadoras.

Brigando com Koopinchas

Para além de todas essas melhorias que afetam também a campanha original do jogo, Vamos ao Parque Belabel introduz uma área inédita, que traz tanto conteúdos single-player, quanto multiplayer. Após acessar o titular Parque Belabel pela primeira vez, o Capitão Toad surge para apresentar ao jogador a Brigada Toad — um grupo de corajosos personagens que estão à procura dos Koopinchas, os sobrinhos do Bowser, que decidiram invadir o Reino Flor.

De modo geral, a Brigada Toad funciona como uma mini-campanha extra, que é constituída por sete novas batalhas contra chefes, além de 60 mini-desafios com formatos e objetivos distintos. Aqui está, inclusive, a minha primeira crítica mais severa à Vamos ao Parque Belabel: o conteúdo single-player apresentado possui muita qualidade, porém ele é bastante curto, deixando um enorme gosto de “quero mais” àqueles jogadores que, como eu, possuem predileção por conteúdos single-player.

As novas fases de chefe com cada um dos sete Koopinchas são absolutamente fantásticas, apresentando um ótimo nível de desafio, além de um nível de criatividade digno dos melhores momentos da campanha principal de Super Mario Bros. Wonder. Nessas fases, Larry, Morton, Wendy, Iggy, Roy, Lemmy e Ludwig se apropriam das Flores Fenomenais e se transformam em chefes únicos e variados, cada um com desafios diferentes e muito divertidos.

As fases de desafio também são ótimas, já que apresentam formatos variados. Em algumas delas, você não pode tocar nas moedas ou inimigos. Em outras, você precisa concluir a fase em uma corrida frenética, coletando estrelas pelo caminho. Surpreendentemente, algumas dessas fases incluem até mesmo mecânicas que não existiam no jogo base. É uma pena, contudo, que elas são bastante curtas em sua maioria. Mesmo com 60 delas, elas terminam mais rápido do que eu gostaria.

Quem tem amigos, tem tudo

Embora Vamos ao Parque Belabel não apresente uma quantidade tão expressiva de conteúdo inédito single-player, a situação muda enormemente quando você considera todos os modos multiplayer que o jogo tem a oferecer. Logo de cara, fica claro que o foco principal deste pacote de atualização está nesse extenso conteúdo multijogador, já que Vamos ao Parque Belabel claramente tenta transformar a experiência de Super Mario Bros. Wonder em algo mais “party”.

O jogo apresenta um total expressivo de 23 diferentes modos de partidas multiplayer, sendo que eles são divididos entre 17 modos focados em multiplayer local, e 6 modos exclusivos do multiplayer online. Há também a inclusão de um modo gincana, que permite combinar diferentes modalidades de multiplayer local em um torneio sequencial, no qual a pontuação de diferentes mapas é utilizada para definir o grande vencedor — algo muito similar ao que encontramos em jogos da franquia Super Mario Party.

Em termos de qualidade pura, as opções de multiplayer de Vamos ao Parque Belabel são surpreendentemente divertidas. Cada modo de jogo oferece uma experiência única, que é agrupada em modalidades de cooperação, como o modo no qual todos os jogadores precisam pular no ritmo certo, ou ainda modalidades de competição, incluindo corridas frenéticas com itens específicos, ou ainda modos que exploram ideias de esconde-esconde, ou ainda combates envolvendo itens especiais.

Tudo muito bom, tudo muito lindo, se não fosse por algumas limitações esquisitas presente nos modos multiplayer. Se por um lado os modos de jogo locais já limitam um pouco a experiência, visto que só funcionam em momentos nos quais você é capaz de reunir seus amigos em um mesmo lugar, por outro, os modos online são igualmente limitantes, já que não possuem qualquer tipo de lobby online. Isso significa que você só consegue jogar os modos onlines com pessoas que estejam na sua lista de amigos!

O jogo compensa um pouco essa limitação com a bem-vinda função do GameShare. Por meio desse modo, você pode convidar um amigo que não tenha o jogo para jogar contigo. Mesmo assim, o fato de o jogo não oferecer qualquer tipo de opção para ser jogado com estranhos online mata muito do potencial desses modos. Se você tiver amigos com quem consiga jogar frequentemente, a experiência de Vamos ao Parque Belabel é super divertida. Porém, sem a opção de simplesmente entrar e pular em uma sala online, o jogo fica limitado de uma maneira bastante comprometedora.

Review de Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Vamos ao Parque Belabel – ótimo, se você tiver com quem jogar

No final das contas, é óbvio que Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Vamos ao Parque Belabel melhora (em muito!) a experiência original de Super Mario Bros. Wonder. Todavia, por ser um pacote que oferece coisas muito diferentes uma das outras, não é todo tipo de jogador que aproveitará todo o seu conteúdo em plenitude, ao ponto de justificar o seu preço elevado.

Caso você seja um jogador single-player, existe sim um ótimo conteúdo a ser explorado em Vamos ao Parque Belabel – mas ele não é dos mais extensos. Caso você seja um jogador multiplayer, o jogo oferece uma quantidade bastante expressiva de conteúdo. Porém, devido à algumas limitações presentes no modo online, você precisa de amigos para realmente aproveitar todo esse conteúdo incrivelmente divertido.

Se você for o tipo de jogador que se encaixa nessas duas categorias, então eu digo sem medo que Vamos ao Parque Belabel vale todo o seu dinheiro. Por outro lado, caso você se encaixe apenas em um lado, ou em outro, então talvez seja melhor analisar se o novo conteúdo vai ser interessante para você. Em todo o caso, Super Mario Bros. Wonder é um jogo fantástico por si só, e certamente seu conteúdo básico será mais do que o suficiente para diversos jogadores. Caso você queira mais, aí sim Vamos ao Parque Belabel se torna uma pedida certa.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Nintendo.

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Em um cenário no qual o público demonstra cada vez menos paciência com experiências que exigem dedicação constante, a aposta em um extraction shooter competitivo já colocava o projeto sob pressão desde o início.

Esse contexto ajuda a explicar por que Marathon se transformou tão rapidamente em um jogo divisivo. A Bungie tenta, ao mesmo tempo, reinventar uma franquia clássica, estabelecer uma nova aposta comercial de longo prazo e manter uma identidade artística extremamente forte.

O resultado é um título que impressiona em vários aspectos fundamentais, mas também tropeça em decisões de design que limitam bastante seu alcance.

Artisticamente impecável

A primeira grande qualidade do jogo tá em sua direção de arte. Marathon é visualmente marcante e constrói uma estética futurista muito própria, apoiada em cores agressivas, silhuetas fortes, interfaces carregadas de personalidade e um universo que mistura frieza corporativa com ameaça constante.

Tau Ceti IV é um mundo que chama atenção de imediato, com seus corredores sintéticos, design das armas, propagandas das facções e ambientes abandonados criando uma atmosfera que realmente parece distinta dentro do mercado atual.

No entanto, esse mesmo estilo tão forte cobra seu preço. Em sessões mais longas, Marathon pode se tornar cansativo justamente por exagerar em contraste, ruído visual e excesso de informação.

Em combate, isso pesa ainda mais, pois em alguns momentos, diferenciar rapidamente um inimigo controlado pela inteligência artificial de um jogador humano não é tão simples quanto deveria. E, dentro de um extraction shooter, qualquer detalhe pode ser fatal.

O jogo acerta ao construir um dos universos visuais mais autorais dos últimos tempos, mas falha quando precisa transformar essa estética em algo compreensível e de domínio fácil.

Gunplay de Marathon faz frente com grandes FPS

Se existe um campo em que a Bungie continua sendo referência, porém, é no tiro em primeira pessoa. O gunplay de Marathon é excelente, com cada arma transmitindo peso, impacto, resposta e personalidade.

O recuo, o áudio, a velocidade dos disparos e o tempo de abate formam um conjunto muito sólido, e atirar continua sendo extremamente prazeroso. Isso sustenta boa parte da jogabilidade mesmo quando outros sistemas não são tão bons.

O arsenal também contribui bastante pra essa sensação. Há muita variedade entre as armas, e o sistema de modificações ajuda a tornar o equipamento mais flexível. Marathon acerta ao não transformar a raridade em único critério de valor.

Uma arma relativamente comum, por exemplo, ainda pode ser muito útil se estiver bem montada e adequada ao estilo do jogador. Essa lógica incentiva experimentação e evita um pouco aquela sensação automática de trocar tudo apenas porque encontrou equipamentos com atributos melhores.

Extraction shooter ou hero shooter?

Os corredores, que funcionam como classes, também ajudam a dar profundidade às partidas. O toque de hero shooter muda bem a dinâmica do jogo e faz com que mobilidade, suporte, infiltração, defesa e controle de espaço ganhem peso.

Há personagens ótimos pra emboscadas e fugas rápidas, enquanto classes de suporte ou reconhecimento se destacam mais em equipes coordenadas. Tudo isso garante boas possibilidades estratégicas, e a composição dos esquadrões realmente importa.

O problema é que Marathon não faz um bom trabalho ao introduzir tudo isso. O jogo explica pouco, ensina mal e joga uma quantidade grande de sistemas, contratos, facções, upgrades, itens e menus na frente do jogador sem construir uma curva de aprendizado agradável. E a interface piora ainda mais essa sensação.

Os menus são, sem exagero, um dos aspectos mais frustrantes. A navegação é truncada, os ícones se parecem demais, a tipografia é agressiva e falta clareza nas coisas que mais importam. Organizar inventário, comparar itens, entender mods, administrar a progressão das facções e escolher contratos poderia ser muito mais intuitivo.

A interação com loot dentro das partidas também sofre com isso. Abrir caixas, avaliar recursos e decidir rapidamente o que vale a pena carregar nem sempre flui bem, o que gera uma sensação constante de exposição desnecessária em um gênero no qual segundos fazem muita diferença.

Marathon é bom, mas não é pra todos

Ainda assim, quando Marathon entra no seu loop principal, ele mostra por que esse tipo de experiência consegue atrair um público tão fiel. A estrutura é simples: entrar no mapa, cumprir objetivos, enfrentar IA hostil e outros jogadores, coletar recursos e tentar extrair vivo. Se sair, o progresso continua. Se morrer, a perda é imediata.

Essa lógica de risco e recompensa continua funcionando muito bem. Os melhores momentos do jogo surgem justamente quando você já conseguiu o que precisava, tá bem equipado e só quer sair em segurança. O som de passos ao longe, a dúvida entre lutar ou recuar e o receio de atravessar áreas abertas fazem Marathon atingir um nível de intensidade raro.

Os inimigos controlados pela máquina também ajudam bastante. Robôs e criaturas pressionam, punem quaisquer distrações e às vezes confundem a leitura da partida, justamente porque seus movimentos e sons podem se confundir com o de jogadores.

A progressão baseada em facções e contratos também tem méritos. Mesmo quando a extração falha, quase sempre existe alguma sensação de avanço. Reputação, desbloqueios e recompensas ajudam a evitar que derrotas virem perda total. Por outro lado, o fato de só ser possível avançar um contrato por vez torna esse sistema mais arrastado do que deveria.

A experiência solo reforça outro ponto importante. Marathon até oferece ferramentas pra quem prefere jogar sozinho, como o Rook, voltado pra infiltração e coleta, mas o jogo claramente favorece esquadrões. Boa parte do conteúdo mais interessante e lucrativo fica mais hostil sem um time fechado, e isso limita muito as coisas.

No fim, Marathon é um jogo cheio de qualidades evidentes e problemas igualmente difíceis de ignorar. Ele é brilhante no combate, excelente em som e visualmente muito forte, mas também é confuso, pouco acolhedor e escasso em conteúdos. Há potencial, só que também há um excesso de preciosismo em quase tudo que cerca a sua melhor parte.

Hoje, Marathon se estabelece como uma experiência competente e muito particular, mas ainda distante de ser uma recomendação. Pra quem já gosta do gênero e aceita aprender seus sistemas na marra, ele tem bastante a oferecer. Pra o restante do público, ainda soa como um jogo muito bom preso dentro de uma estrutura que insiste em dificultar a própria vida.

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Lançado originalmente em 26 de junho de 2025 para PlayStation 5, o jogo chegou ao PC em menos de um ano, reforçando a estratégia da Sony de expandir seu alcance e atingir um público além dos consoles. Como esperado, a versão de PC traz melhorias importantes, incluindo suporte a tecnologia de upscaling, taxa de quadros desbloqueada e outras melhorias significativas.

Mas afinal, vale a pena jogar Death Stranding 2: On the Beach no PC? Compensa revisitar o game novamente mesmo após zerar ou até platinar no PS5? É isso que você irá descobrir em nossa Review focada na parte técnica do game!

Esta review foi produzida graças a um código de PC cedido gentilmente pela PlayStation Brasil.

Pode ficar tranquilo(a): esta análise é totalmente livre de SPOILERS!

O retorno de Sam Bridges

Eu fiquei receoso com o que iria achar da narrativa da sequência, afinal, eu não joguei o primeiro. Todos os comentários sobre Death Stranding 1 reforçavam o quanto Kojima é um “gênio louco”, que a história era complexa e tudo mais.

Me preparei antecipadamente assistindo e lendo recapitulações e me joguei nessa sequência.

Eu fui jogar o 2 com essas expectativas e acabei me surpreendendo mas não de um jeito positivo. A história do segundo jogo é bem óbvia e o estúdio não faz esforço pra esconder os maiores segredos da aventura. Se você prestar atenção, muitos dos enigmas que servem de alicerce pra história podem ser desvendados logo nos capítulos iniciais.

O jogo também respeita e assume que muitos são novatos, explicando vários termos através dos diálogos. Isso é feito de uma forma inteligente e bem dosado, de modo que os veteranos não fiquem de saco cheio com a reexplicação das coisas.

No geral, meu sentimento é de que a história é ótima mas não chega a ser excelente.

Temos 3 narrativas que se desenrolam de maneira simultânea e o foco acaba sendo em explicar as coisas. Em virtude disso, eu acabei sentindo falta de um maior desenvolvimento de personagens e dos temas abordados na trama.

• Confira nossa Review completa do PS5 CLICANDO AQUI!

As melhorias da versão de PC

O port de Death Stranding 2: On the Beach ficou nas mãos da Nixxes, estúdio já conhecido por adaptar diversos títulos da PlayStation para PC. Antes de entrar nos detalhes desta versão, vale destacar a qualidade da Decima Engine, que continua entregando visuais impressionantes e um nível de realismo elevado, algo que já chamava atenção no PlayStation 5 e no PlayStation 5 Pro.

No PC, essa versão foi aprimorada com melhorias gráficas significativas, acompanhadas de um ótimo desempenho até mesmo em máquinas mais modestas. Antes de detalharmos os testes realizados e nossa avaliação final da versão de PC, vale destacar todas as novidades que estão inclusas, tornando-se a versão definitiva do jogo. Confira a seguir:

• Upscaling e Frame Generation – O jogo conta com suporte às tecnologias NVIDIA DLSS 4, AMD FSR 4 e Intel XeSS 2. Pela primeira vez em um título da PlayStation no PC, também foi implementada a tecnologia PICO (Progressive Image Compositor), conhecida como uma solução de upscaling da Guerrilla Games utilizada nas versões de PlayStation 5.
• Desbloqueio da taxa de quadros – Diferente das versões de connsole no qual o jogo foca em 30 e 60 FPS, no PC é possível desbloquear a quantidade de quadros de acordo com sua preferência.
• Novidades no Ray Tracing – O Ray Tracing está presente nos reflexos, e especialmente em superfícies como a água, elevando o realismo das sombras e da ambientação.
• Suporte a resolução Ultrawide – Suporte para monitores Super Ultrawide (32:9) durante a gameplay e Ultrawide (21:9) em cutscenes.
• Imersão com o DualSense – Suporte completo as tecnologias de feedback háptico e gatilhos adaptáveis do DualSense.

À primeira vista, as melhorias ficam evidentes principalmente nas áreas externas, com avanços na vegetação, no realismo do mar, nas montanhas e até em objetos de cenário. Vale destacar que a versão de PS5 já entregava um nível alto nesse aspecto, mas no PC tudo se torna ainda mais perceptível, especialmente com as configurações no preset “Alto”. Sem dúvidas, o trabalho de otimização da Nixxes é essencial, garantindo uma experiência fluida e acessível para diferentes configurações de PC, sem problemas de engasgos, stutterings ou bugs que possam comprometer a experiência dos jogadores.

A cada novo port lançado pelo estúdio, fica a impressão de uma evolução constante, elevando o nível a cada projeto e entregando resultados cada vez mais próximos da perfeição!

Bancada de testes

Para oferecer uma análise completa e mostrar como o jogo se comporta em diferentes configurações, realizamos testes em 4 máquinas distintas. A seguir, você confere como cada teste foi realizado e as conclusões obtidas em cada cenário:

Obs 1: O HD Seagate Mach.2 Exos 2X14 foi utilizado apenas para os testes de desempenho e carregamento.

Obs 2: Embora as recomendações mínimas exijam uma memória de 16GB RAM, o recomendado é utilizar 32GB de RAM.

Obs 3: Reduzir as configurações ao mínimo podem até melhorar o desempenho no Steam Deck e no Legion Go 2, mas a experiência se torna praticamente injogável nos portáteis.

Obs 4: Até o momento, Death Stranding 2: On the Beach ainda não recebeu o selo de verificação para o Steam Deck.

Bancada Principal – Notebook Gamer Alienware M16 R1

• Processador Intel Core i9 13900HX
• 16GB de RAM DDR5 5600MHz
• 1 TB M.2 SSD NVMe
• Placa de Vídeo GeForce RTX 4060

Resultado dos testes – Utilizando todas as configurações no “Alta” e com DLSS ativado, é possível atingir picos de 60 FPS com quedas em alguns trechos (áreas internas e externas).

Bancada Secundária – Notebook Gamer Acer Nitro 5

• Processador Ryzen 7 4800H
• 8GB de RAM
• Placa de Vídeo GeForce GTX 1650

Resultado dos testes – Utilizando todas as configurações no “Baixo”, é possível atingir picos de 30 FPS (áreas internas e externas) com muitos problemas de desempenho e engasgos. Os jogadores poderão desfrutar do game em resoluções como 720p.

PC 3 – Steam Deck

É possível rodar Death Stranding 2: On the Beach no Steam Deck, entretanto, a experiência é praticamente injogável, com quedas constantes até mesmo mantendo todas as configurações no “Baixo”.

Resultado dos testes – Utilizando todas as configurações no “Baixo”, a experiência se torna injogável.

PC 4 – Lenovo Legion GO2

É possível rodar Death Stranding 2: On the Beach no Lenovo Legion Go 2, mas o jogo apresenta pequenos engasgos e exige que as configurações gráficas sejam mantidas no preset “Baixo” para garantir alguma estabilidade.

Resultado dos testes – Utilizando todas as configurações no “Baixo”, é possível atingir os 30 FPS com alguns engasgos durante o combate.

Conclusão – Apesar do port oferecer inúmeras configurações manuais, o uso do Upscaling é essencial para manter o “bom funcionamento” do game em diversas áreas. Novas atualizações serão essenciais para melhorar o desempenho do game no Steam Deck.

Review de Death Stranding 2: On the Beach – Vale a Pena?

Como já era esperado, a Nixxes Software entrega mais um port de alto nível para o PC, desta vez com Death Stranding 2: On the Beach. Utilizando a Decima Engine, o jogo impressiona ao elevar ainda mais o realismo dos ambientes e a naturalidade dos movimentos dos personagens durante a gameplay.

Embora não seja uma recomendação essencial para quem já explorou a experiência no PlayStation 5, a versão de PC se destaca como a edição definitiva e facilmente figura entre os jogos mais bonitos disponíveis no PC atualmente.

Ainda assim, mesmo com uma excelente otimização geral, os portáteis podem enfrentar algumas limitações, exigindo ajustes ao longo da campanha para manter um bom desempenho. No fim das contas, Death Stranding 2: On the Beach se consolida como uma experiência profunda e imersiva, que vai muito além da jogabilidade: é uma narrativa cheia de camadas e reviravoltas, algo que torna Hideo Kojima um verdadeiro roteirista no mundo dos games.

Death Stranding 2: On the Beach já está disponível para PlayStation 5, PlayStation 5 Pro e PC.

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