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E talvez seja justamente por isso que, quando um título do gênero realmente acerta, ele consiga despertar uma sensação difícil de explicar: a de voltar a ser criança por algumas horas. Foi exatamente isso que senti ao começar Teeto.

Confesso que fazia tempo que um jogo de plataforma não me divertia tanto. O último havia sido Astro Bot, que mostrou como ainda existe espaço para aventuras criativas e leves sem abrir mão de mecânicas inteligentes.

Desde então, joguei outros títulos do gênero, alguns bons, outros nem tanto (Bubsy 4), mas nenhum conseguiu despertar aquele sorriso espontâneo que só um bom plataforma proporciona, mas Teeto conseguiu.

Desenvolvido pela Eat Pant Games, ele chega no dia 15 de julho de 2026 para PC, Switch e PS5. O jogo não tenta reinventar a roda nem criar um novo padrão para o gênero. Em vez disso, aposta em criatividade, bom humor e uma jogabilidade extremamente divertida para entregar uma aventura que entende exatamente o que faz esse estilo de jogo ser tão querido pelos jogadores.

Se você gosta de explorar cenários e experimentar mecânicas diferentes a todo momento, vale a pena acompanhar esta review de Teeto e te garanto que ele pode te surpreender. Caso prefira, você pode conferir a análise em vídeo abaixo:

Uma história simples, mas que surpreende mais do que eu esperava

Normalmente, quando começo um jogo de plataforma, não espero encontrar uma narrativa elaborada. Na maioria dos casos, a história existe apenas para justificar a aventura, enquanto todo o restante fica por conta da jogabilidade.

Com Teeto, a surpresa foi bastante positiva.

Tudo começa quando um experimento realizado em um laboratório sai completamente do controle. O desastre provoca um colapso que leva à extinção da humanidade e transforma diversos objetos inanimados em seres vivos. Ao mesmo tempo, criaturas conhecidas como Sombras passam a ameaçar o pouco que restou desse mundo.

É nesse cenário que conhecemos Nory, uma coelhinha que decide criar uma última esperança para restaurar o equilíbrio. Dessa experiência nasce Teeto, uma pequena criatura gelatinosa extremamente carismática que recebe uma mochila especial capaz de absorver diferentes elementos espalhados pelo cenário.

A missão parece simples no início: impedir o avanço das Sombras e descobrir uma forma de salvar aquele mundo. No entanto, conforme a aventura avança, a narrativa começa a apresentar novas informações sobre Nory, sobre o experimento que deu origem ao protagonista e sobre tudo o que aconteceu antes do colapso.

Não espere uma história tão complexa quanto a de um RPG, mas também não imagine uma desculpa qualquer para justificar as fases. Teeto consegue construir uma narrativa interessante e ainda reserva algumas revelações que tornam a reta final muito mais envolvente do que eu esperava.

Foi uma grata surpresa perceber que os desenvolvedores dedicaram atenção a esse aspecto, mesmo sabendo que a jogabilidade seria o verdadeiro destaque da experiência.

Salve os Michaels

Além da campanha principal, existe uma missão paralela bastante divertida envolvendo os chamados Michaels.

Antes de criar Teeto, Nory realizou outros experimentos que acabaram fugindo pelo laboratório. Agora, cabe ao jogador encontrar essas pequenas criaturas espalhadas pelos cenários.

Cada Michael possui uma aparência diferente, com profissões, roupas e personalidades próprias. Existem surfistas, mecânicos, cantores, atletas e diversas outras versões extremamente criativas.

Essa busca funciona como um dos principais colecionáveis do jogo e incentiva bastante a exploração de cada fase. Funciona muito como vimos em Astrobot.

Jogabilidade que entende perfeitamente o espírito dos jogos de plataforma

Se existe um aspecto em que Teeto realmente brilha, é na jogabilidade.

Logo nos primeiros minutos fica evidente que os desenvolvedores entenderam exatamente o que torna um bom jogo de plataforma divertido. O grande diferencial está na mochila utilizada por Teeto.

Ao longo da campanha, ela ganha a capacidade de absorver diferentes elementos encontrados pelo cenário, e cada um deles abre novas possibilidades de exploração e resolução de pequenos desafios ambientais.

É uma mecânica simples de entender, mas incrivelmente criativa na execução.

Ao absorver uma flor, por exemplo, Teeto pode lançar cipós para alcançar plataformas mais altas. Já o fogo permite incendiar determinados objetos para abrir novos caminhos. A pedra serve para destruir obstáculos resistentes, enquanto o papelão possibilita atravessar frestas extremamente estreitas.

Outros elementos também entram em cena conforme a aventura avança. O gelo permite congelar jatos d’água para criar plataformas improvisadas, enquanto a eletricidade ativa máquinas espalhadas pelos cenários.

O mais interessante é que essas habilidades nunca parecem estar ali apenas para cumprir tabela.

Cada fase encontra maneiras diferentes de utilizá-las, criando desafios inéditos o tempo inteiro. Quando você acredita que já viu tudo o que uma determinada habilidade pode fazer, o jogo apresenta uma nova situação que obriga o jogador a enxergar aquela mecânica de outra forma.

Esse cuidado impede que a aventura se torne repetitiva. Em vez de simplesmente repetir as mesmas ideias até o final da campanha, Teeto mantém a sensação constante de descoberta, algo fundamental para qualquer jogo de plataforma.

Use a Aerobusca

Além disso, existe uma ferramenta extremamente útil chamada Aerobusca. Sempre que você fica perdido, basta acioná-la para que um pequeno avião de papel indique o caminho correto até o próximo objetivo. É uma solução elegante para evitar frustrações sem comprometer a exploração, já que o recurso só entra em ação quando o próprio jogador decide utilizá-lo.

A Hub central e a progressão da aventura

Entre uma fase e outra, Teeto conta com uma área central que funciona como o ponto de encontro de toda a aventura. A Hub não serve apenas como um menu bonito entre os capítulos, já que ela reúne diversos recursos que incentivam o jogador a continuar explorando e coletando itens durante a jornada.

É nesse espaço que ficam armazenados todos os Michaels encontrados pelo caminho. Depois de resgatá-los durante as fases, o jogador pode voltar para a Hub e interagir com eles, criando uma relação maior com esses personagens que fazem parte do universo do jogo.

Além disso, o local possui uma loja de roupas para o Teeto. Ao todo, são 51 opções de personalização disponíveis, permitindo mudar o visual do protagonista conforme o progresso. As peças podem ser compradas utilizando as estrelas coletadas durante as fases, mas algumas roupas exigem objetivos específicos para serem liberadas.

Determinados trajes ficam disponíveis ao completar missões oferecidas pelos NPCs espalhados pelo jogo ou ao encontrar moedas especiais escondidas pelos cenários. Dessa forma, a personalização acaba funcionando como uma recompensa extra para quem decide explorar cada canto das fases.

A própria Hub também apresenta o mapa geral da aventura, mostrando as quatro grandes fases do jogo. Cada uma delas é dividida em capítulos, com áreas que possuem entre quatro e cinco partes diferentes até chegar ao confronto contra o chefe daquela região.

Variedade das fases e referências aos clássicos de plataforma

A estrutura das fases é um dos pontos que mais chama atenção no game. Apesar de manter uma identidade própria, o jogo claramente busca inspiração em grandes nomes do gênero plataforma, principalmente quando muda sua perspectiva e apresenta desafios diferentes durante a campanha.

Em alguns momentos, a aventura lembra bastante Crash Bandicoot, especialmente nas fases em que o jogador precisa fugir de algum perigo enquanto avança em uma visão vertical. Essas sequências colocam o foco nos reflexos e no tempo dos movimentos, criando momentos mais acelerados em comparação com a exploração tradicional.

Já em outras situações, o jogo muda para uma visão lateral, trazendo uma experiência que remete aos antigos jogos da franquia Super Mario. Essa mudança de perspectiva altera a forma de enfrentar os obstáculos e mostra uma tentativa do estúdio de variar o ritmo da campanha.

Cada fase traz uma ideia nova, e isso faz toda a diferença

Depois de algumas horas, percebi uma coisa que me fez gostar ainda mais de Teeto: ele nunca parece confortável em repetir a mesma ideia por muito tempo.

É comum encontrar jogos de plataforma que apresentam uma mecânica interessante e passam o restante da campanha explorando aquilo até cansar o jogador. Aqui acontece o contrário. Sempre que eu começava a pensar “acho que já vi tudo o que esse poder faz”, a fase seguinte encontrava um jeito diferente de utilizá-lo.

A fase da casa, por exemplo, foi uma das minhas favoritas. O cenário parece comum à primeira vista, mas rapidamente começa a brincar com tudo o que você aprendeu até aquele momento.

Em poucos minutos eu estava congelando um jato d’água para criar uma plataforma, atravessando um espaço apertado transformado em papelão e procurando um Michael escondido em cima de um armário. Tudo acontece de forma tão natural que você quase não percebe como o jogo está ensinando novas possibilidades.

Cada ambiente tem personalidade própria e faz questão de apresentar um pequeno desafio diferente. Você passa por florestas, construções abandonadas e outros cenários que conseguem mudar o ritmo da aventura sem precisar recorrer a grandes reviravoltas.

Talvez o maior mérito da Eat Pant Games esteja justamente aí. Em vez de apostar em fases enormes, o estúdio preferiu criar cenários mais compactos, mas cheios de pequenas ideias espalhadas pelo caminho. Funcionou muito bem. Em nenhum momento tive a sensação de que estava apenas caminhando para chegar ao final da fase.

Explorar vale a pena

Quem conhece o meu estilo de jogador já sabe: eu simplesmente não consigo seguir em frente enquanto sinto que deixei alguma coisa para trás.

Em Teeto, isso virou quase uma regra. Antes de atravessar qualquer portal para a próxima fase, eu fazia questão de olhar cada canto do cenário. E o jogo recompensa esse comportamento.

Os Michaels são o melhor exemplo disso. Eles funcionam como um grande colecionável da campanha, mas cada um aparece de um jeito diferente. Alguns ficam escondidos atrás de pequenos quebra-cabeças, enquanto outros exigem que você use corretamente determinada habilidade da mochila.

É impossível não sorrir quando encontra um deles.

Cada Michael possui um visual próprio, inspirado em profissões, esportes ou situações curiosas. Tem surfista, cantor, mecânico, atleta… São detalhes simples, mas que dão muito charme à exploração e fazem você querer encontrar todos.

As Vionitas cumprem outro papel importante. Além de servirem para a progressão da aventura, elas praticamente conduzem o jogador pelo cenário. Quando eu ficava em dúvida sobre qual caminho seguir, bastava observar onde elas estavam espalhadas para entender que estava na direção certa.

E quando nem isso resolvia, bastava usar a Aerobusca. Em vez de transformar o jogo em uma sequência de marcadores gigantes na tela, Teeto opta por um sistema muito mais elegante. O pequeno avião de papel aponta a direção sem tirar o prazer da exploração.

Um mundo cheio de pequenos detalhes

Outro aspecto que me chamou atenção foi o cuidado colocado nos cenários.

Enquanto explorava as fases, encontrei diversas referências escondidas. Algumas fazem homenagem a filmes bastante conhecidos. Outras aparecem em cartazes inspirados em pintores famosos. Não são elementos que interferem diretamente na jogabilidade, mas ajudam a dar personalidade ao mundo.

Esse tipo de detalhe costuma passar despercebido por quem corre até o final da fase. Como gosto de explorar tudo com calma, acabei encontrando várias dessas pequenas homenagens pelo caminho.

Os próprios NPCs ajudam bastante nisso. Como os objetos ganharam vida depois do desastre que atingiu o mundo, você acaba conversando com sofás, utensílios domésticos e diversos outros personagens inusitados. Alguns apenas fazem comentários engraçados. Outros oferecem pequenas missões secundárias que rendem Vionitas e incentivam ainda mais a exploração.

Um jogo que sabe a hora de terminar

Hoje em dia parece existir uma obrigação de fazer qualquer jogo durar dezenas de horas. Felizmente, Teeto não cai nessa armadilha.

Levei aproximadamente nove horas para terminar a campanha explorando praticamente tudo o que encontrava pelo caminho. Não fiz 100%, mas porque encontrei alguns problemas relacionados aos troféus, assunto que vou comentar mais adiante.

Sinceramente, achei uma duração excelente. A aventura entrega conteúdo suficiente para desenvolver todas as suas ideias sem começar a repetir situações apenas para aumentar artificialmente o tempo de jogo. Quando os créditos sobem, a sensação não é de alívio por finalmente ter terminado.

O Charme Visual e a Identidade de Teeto

Basta dar os primeiros passos no game para sacar que o maior trunfo do jogo não está na contagem de pixels ou em gráficos realistas, mas sim na sua direção de arte.

E essa estética conversa perfeitamente com a narrativa. A premissa de objetos que ganham vida após um experimento maluco abre margem para muita criatividade, e o jogo abraça isso no level design e nos NPCs. Os Michaels que a gente encontra pelo caminho são a prova viva disso.

O próprio Teeto é um acerto. O design do nosso protagonista é simples, quase minimalista, e é exatamente aí que mora o charme. Ele tem aquela carinha clássica de mascote da era de ouro dos jogos de plataforma: simpático o suficiente para os momentos relaxantes de exploração, mas com um visual dinâmico que combina perfeitamente quando o bicho pega e o jogo exige mais precisão e habilidade no controle.

Acompanhando tudo isso, a trilha sonora faz um trabalho de fundo bem “ok”.

No fim das contas, a identidade visual de Teeto se sustenta muito bem sozinha. Dá para ver que o jogo bebe, sim, de várias fontes e clássicos do gênero, mas ele não se escora na nostalgia alheia.

Desempenho, bugs e experiência no PS5

Durante minha experiência com Teeto no PS5, o jogo apresentou um desempenho satisfatório na maior parte da campanha. O game roda de forma estável.

Os carregamentos são rápidos e os comandos respondem bem durante a exploração. Mesmo nas fases que mudam a perspectiva e trazem desafios mais próximos de outros clássicos do gênero, Teeto consegue manter uma boa jogabilidade, sem apresentar problemas técnicos que prejudiquem o controle do personagem.

No entanto, alguns problemas acabam afetando a experiência, principalmente para quem pretende buscar todos os troféus. Durante a campanha, encontrei bugs relacionados às conquistas do jogo, com alguns troféus que não foram desbloqueados mesmo após cumprir os requisitos necessários.

Também tive um problema de progressão durante a campanha. Em determinado momento, um item necessário simplesmente desapareceu, impedindo que eu continuasse a interação esperada naquela parte da fase. A solução acabou sendo simples, bastando fechar o jogo e abrir novamente para que o item voltasse a aparecer, mas a situação mostrou que ainda existem alguns pontos que precisam de ajustes.

Esse tipo de problema merece atenção, principalmente porque Teeto possui uma estrutura que incentiva bastante a exploração. O jogador passa horas procurando Michaels, coletando estrelas, completando missões de NPCs e buscando itens escondidos, então encontrar uma conquista travada depois de realizar todo o processo acaba sendo frustrante.

Review de Teeto – Vale a Pena?

Cravo, ao final desta review de Teeto, que ele foi uma das boas surpresas que encontrei em 2026. O jogo não tenta ser uma aventura extremamente difícil ou criar desafios que vão testar a paciência do jogador, como acontece em alguns títulos de plataforma mais exigentes.

Durante a campanha, fica claro que o foco está na exploração e na sensação de descoberta. Encontrar novos Michaels, voltar para a Hub para interagir com eles, liberar roupas para o Teeto e procurar todos os segredos espalhados pelas fases fazem parte de uma jornada que recompensa quem gosta de explorar cada canto do cenário.

As fases também conseguem variar bastante, trazendo momentos que lembram clássicos como Crash Bandicoot e os antigos jogos do Super Mario, principalmente quando mudam a perspectiva e apresentam desafios diferentes. Além disso, a possibilidade de jogar em cooperativo local aumenta ainda mais o potencial do jogo para quem procura uma aventura para aproveitar em família ou com amigos.

É claro que Teeto não está livre de problemas. Os bugs encontrados, principalmente envolvendo troféus e pequenos problemas de progressão, mostram que o jogo ainda precisa de alguns ajustes. Felizmente, essas situações não foram suficientes para tirar o brilho da experiência ou impedir que a aventura fosse concluída.

No fim, Teeto entrega exatamente aquilo que se propõe: uma aventura leve, carismática e divertida. Se você gosta de jogos como Astro Bot e procura uma experiência mais tranquila, com foco na diversão e na exploração, ele merece sua atenção.

Curtiu esta review de Teeto? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: Echoes of Aincrad (PS5)
• Review: Star Fox (Switch 2)
• Review: Assassin’s Creed Black Flag Resynced (PS5 Pro)

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O que é Endless Ragnarok?

Endless Ragnarok é o nome da DLC. Quem já conhece o modus operandi das expansões recentes de Monster Hunter vai se sentir em casa rapidamente.

Um dos pontos mais criticados do jogo base, especialmente por fãs do título original de 2014, era a falta de um foco maior na história e na construção de mundo. Posso confirmar com firmeza que Endless Ragnarok melhora bastante nesse aspecto.

Além das cutscenes e cenas de diálogo tradicionais, praticamente toda missão traz, na introdução ou na conclusão, arquivos de texto que explicam muita coisa interessante. Não vou dar spoilers aqui, mas quem é fã de longa data da franquia deve ficar bem satisfeito.

Entretanto, como falei há pouco, jogadores familiarizados com Monster Hunter vão se sentir em casa principalmente pelo foco da expansão em expandir o endgame e as mecânicas de combate — e a Cygames não decepcionou.

As novidades do DLC

Logo de cara temos 6 novos personagens jogáveis, incluindo figuras já conhecidas de Relink, como Gallanza (o vilão redimido do jogo base), e Fediel, inédita no game e que representa um nível de poder absurdo por ser integrante dos Seis Dragões Primordiais. Temos também acesso a vario níveis de dificuldade maiores nas quests, entregando desafios que superam ate mesmo os mais desafiadores do jogo base.

Porém, devo confessar: passei pouquíssimo tempo testando os novos personagens por causa da inclusão excepcional do sistema de Master Traits. Trata-se de uma nova aba de customização com dezenas de opções que liberam stats aprimorados e, mais importante, novos jeitos de jogar com todos os personagens do jogo, incluindo os antigos.

A Narmaya, por exemplo, no jogo base tinha uma mecânica praticamente obrigatória de alternar constantemente entre sua forma de golpes rápidos e golpes lentos para maximizar o dano. Isso frustrava quem preferia ficar em apenas uma das posturas. Uma das Master Traits dela na DLC permite liberar um “cancel” que mantém o ganho de dano mesmo ficando na mesma postura, permitindo jogar a luta inteira no modo rápido ou no modo lento.

Esse sistema foi, para mim, o grande destaque de Endless Ragnarok. Ele dá um sopro de novidade para todos os personagens, inclusive para quem, como eu, já tinha investido dezenas e dezenas de horas no jogo base.

Outra mecânica muito bem vinda é a das invocações, que me lembrou bastante de Final fantasy. Podemos escolher 4 invocações no total para levar em combate, e a variedade delas é bem bacana: podemos invocar um dragão de escuridão gigante para dar um dano em linha reta, ou um golem de rubi que carrega um soco gigante e solta atravessando a arena, ou ate mesmo outros mais focados em suporte como os residentes da vila que curam e restauram o uso de poções de reviver do grupo. as invocações trazem consigo também as “explosões primais”, animações incríveis que acontecem após todos os integrantes do time usarem seus golpes especiais um seguido do outro.

E não foram só os jogadores que receberam novidades: vários inimigos retornaram com novos golpes, mecânicas mais difíceis e um ritmo bem mais rápido no geral. Algumas lutas no final da expansão são dignas de raids de MMO, com explosões e golpes em área ridículos e divertidos de tentar esquivar. Várias quests me fizeram parar, farmar upgrades de armas e Master Traits para conseguir vencê-las com mais facilidade.

Para facilitar esse grind (um dos maiores problemas que tive no lançamento de 2024), a expansão traz o modo Conflux, um mini roguelike bem divertido em que você escolhe melhorias a cada fase completada, com caminhos diferentes (bem parecido com Hades). Completar o modo até o final entrega ótimas recompensas.

Porém nem tudo é perfeito, e tive alguns problemas com Endless Ragnarok. Creio que o maior esteja ligado com justamente a melhor parte da DLC, as master traits, que apesar de adicionarem BASTANTE coisa nos personagens, não tivemos golpes novos ou coisas do tipo (coisa que monster hunter sempre adiciona em suas DLCs por exemplo), então apesar de conseguirem sim entregar um sobrevida muito boa para os personagens antigos, ele ainda vão ser bastante familiares pra quem já jogou. Outro problema é que apesar de ter inimigos inéditos bem legais, a quantidade de oponentes 100% novos é bem baixa, creio que menos de 5 ou 6, e espero que Cygames, assim como fez com o jogo base, adicione conteúdo no decorrer dos meses.

A parte visual também ficou meio mista na minha opinião, pois apesar de ser muito boa, principalmente nas arenas dos novos bosses, fases originais são pouquíssimas e nenhuma é marcante como algumas do jogo base.

Review Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok: Vale a pena?

A Cygames entregou um produto que vai ser muito bem recebido pelos fãs de longa data da franquia, os que chegaram em Relink e pelos novos jogadores que embarcarem com a DLC. O nível de qualidade do gameplay, espetáculo das lutas e animações, grind legal e conteúdo que entrega dezenas e dezenas de horas divertidíssimas faz de Granblue Fantasy Relink e Endless Ragnarok uma fácil recomendação por minha parte.

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Meu único conhecimento era aquele que praticamente qualquer pessoa já ouviu falar: jogadores ficam presos dentro de um MMORPG e morrer dentro dele significa morrer também na vida real. Curiosamente, acredito que essa falta de bagagem acabou sendo uma vantagem.

• Preview: Echoes of Aincrad (PC)

Entrei no game sem nostalgia, sem comparações com jogos antigos e sem qualquer apego aos personagens clássicos da franquia. Minha experiência foi a de alguém que simplesmente queria descobrir se aquele RPG de ação conseguiria se sustentar por conta própria.

Depois de dezenas de horas explorando Aincrad, posso dizer que encontrei um jogo competente, divertido em boa parte do tempo e que acerta principalmente no combate e na evolução do personagem. Ao mesmo tempo, ele também apresenta problemas que se repetem durante praticamente toda a campanha e impedem que a experiência alcance um nível muito maior.

Echoes of Aincrad não é um jogo ruim. Muito pelo contrário. Mas é justamente aquele tipo de título que faz você pensar, durante vários momentos: “Se alguns detalhes tivessem recebido mais atenção, ele poderia ter sido excelente.”

Sem mais enrolação, fica comigo nesta review de Echoes of Aincrad, o game chega no dia 10 de julho de 2026 para PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC. Caso prefira, segue abaixo a análise em vídeo:

Uma história que prende, mas não emociona como poderia

Logo nas primeiras horas fica claro que a Bandai Namco tentou contar a história sob uma perspectiva diferente.

Em vez de controlar Kirito durante toda a aventura, você cria seu próprio personagem e acompanha os acontecimentos do incidente de Aincrad pelos olhos de um jogador comum.

Mesmo chegando completamente “cru” ao universo de Sword Art Online, consegui acompanhar a narrativa sem dificuldades.

O jogo apresenta bem seu contexto e faz um bom trabalho ao explicar a gravidade da situação. Aos poucos, conhecemos novos personagens, visitamos diferentes regiões e entendemos como cada grupo tenta sobreviver dentro daquele mundo virtual.

A campanha consegue manter a curiosidade do jogador durante boa parte do tempo. Sempre existe aquele incentivo para concluir a próxima missão e descobrir quais desafios aparecerão pela frente. Ainda assim, terminei a aventura com a sensação de que a história poderia ter causado um impacto muito maior.

O principal motivo está justamente no protagonista.

Um protagonista que nunca deixa de ser um avatar

Criar o próprio personagem é algo que costuma funcionar muito bem em RPGs. Existe uma sensação de liberdade maior e, em teoria, fica mais fácil imaginar que aquele herói representa você dentro daquele universo.

Na prática, porém, o game não consegue aproveitar todo esse potencial.

Durante praticamente toda a campanha, nosso personagem permanece em silêncio. Ele não conversa naturalmente com os demais integrantes do grupo, não demonstra personalidade e raramente participa das cenas além de alguns gestos simples com a cabeça. Quando surgem escolhas de diálogo, normalmente elas se resumem a confirmar algo ou demonstrar dúvida, sem qualquer impacto relevante na narrativa.

Pode parecer um detalhe pequeno, mas senti falta de alguém que realmente conduzisse a história.

Enquanto diversos personagens possuem personalidade, opiniões e objetivos bem definidos, o protagonista acaba funcionando apenas como um observador dos acontecimentos. Isso fez com que eu nunca criasse um vínculo emocional com ele.

Não chega a prejudicar completamente a campanha, porque os acontecimentos continuam interessantes, mas diminui bastante o peso de algumas cenas importantes.

O combate é, sem dúvida, o grande destaque da experiência

Se existe um aspecto que realmente me fez continuar jogando mesmo quando algumas missões começaram a ficar repetitivas, foi o combate.

Echoes of Aincrad entrega uma jogabilidade extremamente dinâmica, rápida e bastante satisfatória.

Logo nas primeiras horas já é possível perceber que existe uma boa variedade de estilos de luta. Espadas longas, adagas, machados, montantes e outras categorias oferecem formas diferentes de enfrentar cada batalha. Cada arma possui habilidades próprias, tempos de ataque distintos e incentiva o jogador a experimentar novas combinações ao longo da campanha.

O sistema de evolução também me agradou bastante.

Conforme subimos de nível, podemos investir pontos em atributos como Vitalidade, Resistência, Força, Destreza, Inteligência e Mente. O interessante é que cada melhoria libera pequenos bônus adicionais, incentivando a criação de builds específicas em vez de simplesmente distribuir pontos de maneira aleatória.

Essa sensação de evolução constante faz diferença durante toda a aventura. A cada novo equipamento encontrado ou atributo melhorado, o combate ganha novas possibilidades, e isso ajuda bastante a manter o interesse nas primeiras dezenas de horas.

Escolher a build certa faz mais diferença do que parece

Uma das coisas que mais gostei foi perceber que o jogo recompensa quem realmente presta atenção na construção do personagem.

Depois de testar diferentes combinações, acabei priorizando companheiros com habilidades de cura e investi vários pontos em Mente para aumentar a quantidade de PE disponível durante os combates. Foi uma escolha que mudou completamente minha experiência.

As habilidades especiais são utilizadas praticamente o tempo inteiro e fazem enorme diferença contra inimigos mais resistentes. Sem uma boa quantidade de PE, várias batalhas acabam ficando muito mais difíceis do que deveriam. Outro detalhe importante é o uso do parry.

Durante boa parte da campanha utilizei escudos que recuperavam PE sempre que uma defesa perfeita era executada. Isso criava um ciclo muito interessante: eu defendia, recuperava recursos e imediatamente podia utilizar outra habilidade especial.

São pequenas decisões como essa que tornam o sistema de combate muito mais estratégico do que aparenta nas primeiras horas.

O Ranque Cardinal impede que a progressão fique desequilibrada

Outro sistema que merece elogios é o Ranque Cardinal Normalmente, em RPGs de ação, basta dedicar algum tempo ao farm para transformar uma arma comum em um equipamento absurdamente poderoso logo no início da campanha. Aqui isso não acontece.

Mesmo que você tenha materiais suficientes, o jogo limita a evolução dos equipamentos de acordo com o avanço da história e do seu nível dentro do ranque. Achei essa uma decisão bastante inteligente.

Além de incentivar o jogador a continuar realizando missões principais e secundárias, ela evita que o combate perca completamente o equilíbrio nas primeiras horas. Nunca tive a sensação de estar forte demais a ponto de eliminar qualquer inimigo com facilidade.

Ao contrário, mesmo jogando na dificuldade Normal, encontrei vários confrontos capazes de oferecer um bom nível de desafio. E isso acabou tornando cada melhoria conquistada muito mais significativa.

Um bom combate preso em um mundo aberto repetitivo

Infelizmente, foi justamente quando Echoes of Aincrad começou a abrir seu mundo que percebi seus maiores problemas.

Visualmente, explorar Aincrad é bastante agradável. As cidades possuem identidade própria, algumas paisagens chamam atenção e existe aquele sentimento clássico de RPG, em que cada nova região desperta a curiosidade para descobrir o que existe além da próxima montanha. O problema é que essa curiosidade dura pouco.

Depois de algumas horas, comecei a perceber que a estrutura das missões praticamente não mudava. Era comum aceitar uma tarefa, atravessar uma grande área do mapa, derrotar alguns inimigos ou coletar determinado material e voltar para entregar o objetivo.

Logo depois, outra missão repetia praticamente a mesma fórmula. Nas primeiras vezes isso funciona. Mais adiante, a sensação é de que o jogo começa a reciclar suas próprias ideias.

Em vários momentos eu me peguei pensando que estava jogando apenas para chegar ao próximo combate importante, porque o caminho até ele raramente conseguia ser tão interessante quanto deveria.

Os pontos de descanso salvam boa parte da exploração

Se existe um recurso que realmente melhorou minha experiência, foram os pontos de descanso espalhados pelo mapa.Eles funcionam como verdadeiros centros de apoio. Além de recuperar a vida e servir como ponto de renascimento, também permitem viajar rapidamente entre todas as áreas já descobertas.

Na prática, isso acaba sendo indispensável. Minha recomendação para qualquer jogador é simples: sempre que encontrar um ponto de descanso, ative-o imediatamente.

Pode parecer apenas mais um item colecionável do cenário, mas ele economiza muito tempo durante toda a campanha. Diversas vezes aceitei uma missão secundária e percebi que já existia um ponto de descanso próximo do objetivo. Bastava utilizar a viagem rápida, concluir a missão em poucos minutos e retornar para a cidade.

Sem esse sistema, acredito que a repetição das missões seria muito mais cansativa.

O level design desperdiça o tempo do jogador

Entre todos os problemas que encontrei durante a campanha, talvez esse tenha sido o que mais me incomodou.

Echoes of Aincrad cria diversos caminhos alternativos que parecem esconder equipamentos raros, segredos ou algum tipo de recompensa especial. Naturalmente, comecei a explorar esses desvios.

Só que, na maioria das vezes, eles não levavam a absolutamente nada. Perdi a conta de quantas vezes caminhei durante vários minutos esperando encontrar um item importante e, no final, havia apenas um penhasco, uma parede ou um inimigo comum parado em um canto do mapa.

Não existe recompensa. Não existe descoberta. Existe apenas a necessidade de voltar pelo mesmo caminho. Esse tipo de situação aconteceu tantas vezes que, perto da metade da campanha, comecei a ignorar completamente boa parte dos caminhos secundários.

E isso é uma pena. Explorar deveria ser uma das atividades mais prazerosas de um RPG. Aqui, em muitos momentos, ela se transforma apenas em perda de tempo.

Nem sempre vale a pena sair do caminho principal

Outro aspecto que reforça essa sensação é o sistema de recompensas. Em um RPG de ação, normalmente esperamos encontrar equipamentos melhores, armas raras ou itens capazes de mudar nossa build quando resolvemos explorar um caminho escondido.

O game raramente recompensa essa curiosidade. Na maior parte das vezes, os baús escondem materiais comuns ou equipamentos que rapidamente acabam sendo substituídos.

Pouquíssimas vezes senti aquela satisfação de pensar: “Ainda bem que resolvi explorar esse lugar.”. As únicas exceções realmente interessantes aparecem depois de derrotar alguns mini-chefes espalhados pelo mapa. Nessas situações, novos caminhos são desbloqueados e os baús costumam oferecer recompensas melhores.

Infelizmente, isso acontece com pouca frequência.

Pouca variedade de inimigos faz a aventura perder força

Outro problema que ficou evidente conforme as horas passaram foi a falta de variedade de inimigos. Durante boa parte da campanha enfrentei praticamente os mesmos lobos, javalis e criaturas espalhadas pelas diferentes regiões do mapa.

No início isso passa despercebido. Depois de várias horas, começa a cansar. O problema fica ainda mais evidente quando surgem alguns mini-chefes. Em diversos casos, eles não passam de versões maiores dos próprios inimigos comuns.

Recebem uma nova aparência, mais pontos de vida e um ou outro ataque adicional, mas continuam transmitindo a sensação de que você já enfrentou aquele mesmo adversário dezenas de vezes. Para um RPG tão focado em combate, senti falta de uma criatividade maior na construção do bestiário.

Fugir dos combates quase nunca funciona

Existe outro detalhe que acabou me incomodando bastante e que talvez passe despercebido por algumas pessoas. Em vários momentos eu simplesmente queria atravessar determinada região para chegar ao próximo objetivo da missão.

Sem lutar, só ir para o objetivo, pois estava cansando de enfrentar os mesmo inimigos. Só que o game praticamente não permite isso. Assim que um inimigo percebe sua presença, ele passa a persegui-lo por uma distância enorme.

Enquanto isso, seu personagem continua consumindo vigor apenas por correr. O resultado é previsível. Poucos segundos depois, a barra de estamina está praticamente vazia.

Portanto, você desacelera. Os inimigos alcançam seu personagem. E o combate se torna inevitável. Isso me obrigou inúmeras vezes a enfrentar exatamente os mesmos monstros apenas porque o jogo não oferecia uma maneira eficiente de evitá-los. Depois de algumas horas, essa decisão de design começou a desgastar bastante o ritmo da aventura.

As masmorras foram a parte que menos gostei

Confesso que, sempre que o jogo me dava liberdade para escolher outro caminho, eu evitava entrar nas masmorras. Não porque elas fossem difíceis. Mas porque raramente eram divertidas.

Visualmente, quase todas seguem a mesma identidade. Os corredores se parecem e os inimigos mudam muito pouco. E o mapa vai sendo revelado apenas conforme caminhamos.

Na teoria, isso deveria aumentar a sensação de exploração. Na prática, várias vezes passei mais tempo tentando descobrir por onde continuar do que realmente aproveitando o conteúdo daquela área. Quando a história obrigava a passar por uma dungeon, obviamente eu seguia em frente.

Mas nas missões secundárias, sempre que existia uma alternativa, preferia deixá-las de lado. Foi um dos poucos momentos da campanha em que senti que o jogo realmente quebrava o ritmo da experiência.

Chefes divertidos, mas pouco criativos

Apesar das críticas que já fiz nesta review de Echoes of Aincrad, as batalhas contra os chefes continuam entre os momentos mais divertidos da campanha. Elas exigem atenção, incentivam o uso das habilidades especiais e fazem bom uso das mecânicas de defesa e esquiva.

Ainda assim, senti falta de mais criatividade. Vários chefes possuem duas ou até três fases, mas essas mudanças raramente alteram a dinâmica da luta.

Na maioria dos casos, eles continuam utilizando praticamente os mesmos golpes. A principal diferença costuma ser a invocação de inimigos comuns para aumentar a dificuldade. As batalhas continuam divertidas graças ao excelente sistema de combate.

O Modo “Jogo da Morte” leva a proposta da franquia ao pé da letra

Um dos recursos mais interessantes do game é o Modo Jogo da Morte, que transforma a principal premissa da franquia em uma mecânica de gameplay.

Nesse modo opcional, qualquer morte significa o fim definitivo da campanha. O arquivo de salvamento é apagado permanentemente, obrigando o jogador a recomeçar toda a jornada. Para reforçar essa proposta, os desenvolvedores afirmam que o sistema impede a duplicação de saves, tornando cada decisão ainda mais importante.

O interessante é que esse modificador funciona de forma independente da dificuldade. Ele pode ser combinado com os modos História, Normal, Difícil ou Muito Difícil, permitindo que cada jogador escolha o nível de desafio que melhor combina com seu estilo de jogo.

É uma ideia que conversa diretamente com o universo de Sword Art Online. Afinal, viver sabendo que qualquer erro pode colocar dezenas de horas de progresso a perder aproxima a experiência do sentimento de tensão que marcou a obra original.

Um visual competente, mas que ainda precisa de polimento

Visualmente, Echoes of Aincrad me surpreendeu de forma positiva e, por alguns momentos, enquanto fechava o game para produzir esta review, eu parei pra admirar alguns cenários, algo que não fiz em Code Vein 2, por exemplo. Só pra citar um outro jogo com gráficos de anime.

As paisagens são bonitas, as cidades possuem bastante personalidade e alguns cenários conseguem transmitir muito bem a sensação de estar explorando um mundo vivo. A direção de arte faz um bom trabalho ao reproduzir o universo da franquia sem abrir mão de cenários agradáveis de explorar.

Não é um jogo que busca realismo, e nem precisava ser. Dentro da proposta artística escolhida pela Bandai Namco, considero que o resultado é bastante competente. Infelizmente, essa boa impressão acaba sendo prejudicada por alguns problemas técnicos.

Joguei toda a campanha no PlayStation 5, alternando entre os modos Qualidade e Desempenho. Independentemente da configuração escolhida, encontrei algumas quedas de taxa de quadros durante combates com muitos inimigos na tela.

Nada que torne o jogo injogável, mas o suficiente para chamar atenção.

Outro problema foi o pop-in, que apareceu com bastante frequência durante a exploração. Árvores, pedras, montanhas e até partes do cenário surgiam poucos metros à minha frente conforme eu avançava pelo mapa. Depois de algum tempo, isso deixa de ser um detalhe e passa a quebrar parte da imersão.

Como tive acesso a uma versão anterior ao lançamento, é possível que parte desses problemas seja corrigida por atualizações futuras. Ainda assim, eles fizeram parte da minha experiência e precisam ser considerados na análise.

Uma trilha sonora discreta, mas efeitos sonoros de qualidade

No departamento de áudio, o game entrega exatamente o que eu esperava. A trilha sonora acompanha bem o ritmo da aventura e combina com cada situação apresentada durante a campanha. Ela ajuda a construir a atmosfera dos combates e dos momentos de exploração, mas dificilmente será lembrada depois que você terminar o jogo.

Já os efeitos sonoros me agradaram muito mais. O impacto das armas é bem legal, as habilidades especiais possuem efeitos satisfatórios e os golpes combinados com os companions tornam as batalhas ainda mais empolgantes.

Pequenos detalhes que fazem diferença

Apesar das críticas que fiz ao longo desta review, Echoes of Aincrad também apresenta algumas decisões de design que melhoram bastante a qualidade de vida do jogador. Uma das que mais gostei foi a organização da cidade.

Em vez de obrigar o jogador a caminhar até cada NPC sempre que precisa utilizar algum serviço, basta abrir um menu rápido para acessar diretamente o ferreiro, os comerciantes, o baú ou o quarto do protagonista. É uma solução simples, mas extremamente eficiente.

Outro recurso que merece elogios são as viagens rápidas entre os pontos de descanso. Considerando o tamanho dos mapas e a quantidade de missões que exigem retornar para áreas já visitadas, esse sistema acaba economizando muito tempo durante a campanha.

São pequenas escolhas como essas que mostram que a equipe realmente se preocupou em tornar algumas tarefas do dia a dia menos cansativas.

Review de Echoes of Aincrad – Vale a Pena?

Concluo esta eeview de Echoes of Aincrad dizendo que ele é, sim, bastante divertido. Depois de passar dezenas de horas explorando o mundo do game, terminei com a sensação de que joguei um RPG que me divertiu mais do que imaginava, mas que também me fez enxergar diversas oportunidades desperdiçadas.

O combate é, sem dúvida, o grande destaque da experiência. Experimentar diferentes armas, montar builds, escolher os companions ideais para cada missão e enfrentar chefes desafiadores fez com que eu sempre tivesse vontade de continuar jogando.

Ao mesmo tempo, o jogo insiste em decisões de design que acabam prejudicando seu próprio ritmo. O mundo aberto raramente recompensa a exploração, a estrutura das missões se torna repetitiva com o passar das horas, existe pouca variedade de inimigos e as masmorras dificilmente conseguem quebrar essa sensação de repetição.

Mesmo chegando completamente de fora do universo de Sword Art Online, consegui aproveitar bastante essa aventura. A história consegue prender a atenção, embora pudesse desenvolver melhor seu protagonista. Os gráficos entregam cenários bonitos dentro da proposta artística do jogo e várias mecânicas mostram que existe uma base bastante sólida para a franquia evoluir nos próximos títulos.

Se você já é fã da franquia, provavelmente encontrará aqui uma experiência bastante divertida. Agora, se procura um RPG de ação capaz de disputar espaço com os grandes nomes do gênero, vale a pena controlar um pouco as expectativas.

Curtiu esta review de Echoes of Aincrad? Fique outras análises do nosso time:

• Review: Assassin’s Creed Black Flag Resynced (PS5 Pro)
• Review: Star Fox (Switch 2)
• Review: Flesh Made Fear (PS5)

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Mas entre tantos períodos e personagens, um deles conquistou um espaço enorme no coração da comunidade – Assassin’s Creed IV: Black Flag. A jornada de Edward em busca de uma vida melhor conquistou o mundo e, graças à sua enorme popularidade, resultou no desenvolvimento de Black Flag Resynced, um remake que chega 12 anos após o original.

História se sustenta mesmo após anos

Uma história bem escrita é atemporal. Ainda mais se tratando de uma narrativa com temas que se conectam com a realidade. A busca por uma vida melhor é uma jornada quase que universal. Reforçado, é claro, pelo fato de estarmos controlando um homem vivendo em plena época da era de ouro da pirataria.

Para tornar a experiência ainda mais marcante, e com cara de novidade, a Ubisoft adicionou novas missões de história e 3 oficiais inéditos que podem ser recrutados para o Gralha, o navio de Edward. 

As cadeias de missões desses oficiais estão ótimas e conseguem manter o nível de qualidade do roteiro original, servindo como um complemento muito positivo para a experiência. Todos os textos do jogo estão localizados e o game está dublado, contudo, confesso que não achei a dublagem das melhores no sentido de imersão.

Uma mudança impactante diz respeito ao design das missões principais. Em certos casos, precisamos ouvir conversas estando escondido, por exemplo. No original, ser visto gerava a dessincronização, o que não é mais o caso aqui. O design das missões foi modernizado, pensando nos mais variados estilos de jogo.

A remoção das seções do Animus e da Abstergo visam enxugar a narrativa, contudo, deixam lacunas na narrativa. Eu entendo perfeitamente que o produto foi pensado para os fãs existentes da franquia mas preciso destacar que o processo de onboarding para novatos não é dos melhores. Alguns trechos da história ficam um pouco soltos com a remoção desses trechos.

Combate e exploração refinados

Um dos principais temores da comunidade é que Black Flag Resynced seguisse o DNA de RPG dos jogos recentes. Contudo, para a alegria de muita gente, esse não foi o caminho escolhido pelos desenvolvedores. 

O combate está mais agressivo e ágil, fazendo uso do conhecido sistema de ataque leve, pesado, aparo e esquiva. Somado a isso, podemos usar as pistolas e vários dispositivos, como bombas de fumaça, para causar terror nas ondas dos inimigos.

Tudo funciona bem no começo e é divertidíssimo, contudo, após 5-6 horas, o combate se torna incrivelmente repetitivo e você passa a fazer de tudo para evitar as lutas ou ao menos terminar elas da maneira mais rápida possível. A pouca variedade de animações de ataques finalizadores também decepciona e reforça o sentimento de repetição.

Outro sistema que exala simplicidade é o da progressão de Edward. Precisamos caçar animais para obter peles, fabricando novas bolsas. Além disso, podemos obter armamentos com diferentes níveis de raridade.

Assim como no original, o combate naval continua sendo a estrela do jogo. É incrivelmente viciante comandar o Gralha e afundar os navios adversários. A jornada de comandar o navio do zero e ir evoluindo ele aos poucos continua prazerosa. Por ser um remake, eu confesso que esperava mudanças na customização estética, mas o time de desenvolvedores apostou na simplicidade.

Os novos oficiais trazem consigo bônus passivos interessantes que adicionam muito à jogabilidade. Outro ponto é a implementação de tiros secundários, tornando as batalhas ainda mais táticas e cinematográficas. Um aspecto que melhorou e muito foi a movimentação. Edward é mais ágil, os movimentos e animações são fluídas, tornando a experiência mais prazerosa.

Somado a isso, temos novas ilhas para serem exploradas, tirolesas para agilizar a navegação e verticalidade, a possibilidade de nadar livremente (com a limitação da barra de oxigênio). Até o esconderijo Grande Inagua foi refeito, com novos segredos e missões.

Motor ANVIL revitalizado brilha

O remake de Black Flag é impulsionado por uma revitalização completa do motor ANVIL. Praticamente todos os assets foram recriados, com texturas aprimoradas, novas técnicas de iluminação com ray tracing e muito mais.

O jogo é lindíssimo, dando um charme extra para o Caribe fictício da Ubisoft, contudo, não se empolgue tanto. Apesar de ser bonito, temos múltiplos games recentes com visuais e uma direção de arte mais impactante.

Posso estar sendo exigente aqui, mas a nível gráfico e de texturas, eu esperava um trabalho melhor. Ainda mais no departamento das expressões faciais, pelos e cabelo. A narrativa teria um impacto ainda maior e cenas icônicas certamente seriam imortalizadas com um polimento visual premium.

O motor atualizado também possibilita que o combate ganhe um peso bem mais perceptível. Sentimos cada aparada, explosão e ataque pesado, ganhando pontos na imersão. A trilha continua fantástica e os efeitos sonoros foram amplificados, tornando os embates navais por exemplo ainda mais épicos.

No campo do desempenho, eu surpreendentemente não tive nenhum bug, mas tive 3 crashes. Vale mencionar que eu comecei a jogar bem antes do lançamento e um patch Day One pode resolver definitivamente o problema. O poder dos consoles da geração atual também permitem viagens rápidas e a eliminação quase que completa dos loadings, o que é algo muito bem vindo!

Review de Assassin’s Creed: Black Flag Resynced – Vale a Pena?

A resposta para a pergunta é: depende. Se você se considera um fã de Assassin’s Creed ou busca por uma nova experiência de ação e aventura com calibre de AAA, é uma boa pedida. Se você não se enquadra em nenhuma das opções, Resynced não tem muito a oferecer além do que o game original já entregou 12 anos atrás. 

Olhando de maneira macro, quase não existem jogos desse tipo e proposta com a temática de piratas. É louco pensar que mesmo uma década depois, Resynced continua sendo a experiência single-player definitiva dentro desse tema. Com o remake, a Ubisoft mostra, com novos conteúdos e visuais repaginados, os motivos. 

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Para quem não acompanhou o curioso e repentino anúncio desse título, o Star Fox de Nintendo Switch 2 é uma versão moderna, inteiramente refeita, do título Star Fox 64, lançado originalmente em 1997 para o Nintendo 64. Isso significa que, em termos de progressão de jogo e level design, a campanha apresentada por Star Fox é basicamente idêntica ao jogo original. Fases, posicionamento de inimigos e chefes são praticamente os mesmos quando comparamos o jogo original a esse remake.

A principal diferença, contudo, está em uma apresentação visual e direção de arte inteiramente inéditas, com um estilo gráfico extremamente chamativo, incluindo modelos de personagens, inimigos e naves refeitos em um estilo moderno, que não deixa a desejar quando comparado a outros jogos dos dias atuais. Além disso, a história de Star Fox também foi expandida enormemente, com cutscenes inéditas, inteiramente animadas e brilhantemente dubladas em português do Brasil.

Além disso, o jogo também conta com alguns pequenos novos modos de jogo, incluindo um multiplayer online expandido, um menu com desafios especiais únicos, além de opções de controles de mouse, que transformam o jogo em uma experiência em primeira pessoa. Considerando o pacote oferecido e o preço levemente reduzido quando comparado com outros jogos da Nintendo (o jogo custa $ 279,90 em sua versão digital), Star Fox mostra-se uma opção interessante de jogo exclusivo de Switch 2. Agora, será que ele é pra todo mundo?

Na escuta, Star Fox!

Para aqueles que nunca jogaram o título original, a campanha principal de Star Fox se foca no titular esquadrão de animais antropomorfizados, composto pelo líder Fox McCloud e seus companheiros Falco, Peppy e Slippy. Controlando as poderosas Arwing (e alguns outros veículos em fases específicas), o esquadrão Star Fox é chamado à ação quando o maléfico cientista Andross ressurge com o objetivo de dominar todo o sistema solar de Cornelia.

Com um sistema de progressão bastante único, Star Fox apresenta uma campanha que se bifurca em diferentes caminhos, dependendo das suas ações e habilidades demonstradas em cada nível. Isso significa que, embora seja possível terminar uma campanha normal em cerca de 1 hora e meia, Star Fox é um título que convida o jogador a rejogar várias vezes para encontrar todos os caminhos disponíveis e, assim, liberar todas as fases. No total, existem 16 fases diferentes, cada uma com formatos e desafios bastante únicos. Porém, em uma única campanha, você visitará apenas 7 dessas missões.

A principal consequência dessa estrutura está em como Star Fox exige que o jogador jogue a campanha múltiplas vezes, dominando as mecânicas e aprendendo as diferentes estratégias tanto para conseguir pontuações mais altas (e, eventualmente, desbloquear o nível de dificuldade mais avançado) quanto para conseguir desbloquear os caminhos mais difíceis, que exigem ações específicas e manobras muitas vezes avançadas.

Além disso, uma coisa inédita dessa versão de jogo está em como as cutscenes e segmentos de história foram expandidos enormemente. Agora, ao final de cada missão, você verá o esquadrão Star Fox conversando a respeito dos feitos conquistados, bem como os próximos caminhos possíveis. Ao completar um mapa por meio de um caminho secundário, você não é apenas recompensado com uma fase nova, mas também com todo um tipo inédito de exposição narrativa.

Núcleo arcade, capa moderna

Embora a campanha de Star Fox possa soar bastante familiar para aqueles que tenham jogado o título do N64, esse novo remake apresenta visuais e performances que elevam a experiência enormemente. Não acho exagero dizer que, dentro de sua proposta única, Star Fox apresenta alguns dos visuais mais bonitos do Nintendo Switch 2. Isso tudo, com uma performance irretocável, com 60 frames por segundo e resolução de 4k na TV e 1080p no modo portátil.

O que mais se destaca na minha opinião é a maneira como o jogo recriou cada um dos cenários de modo a preencher os “vazios” que existiam na versão original. Star Fox 64 era sim um jogo impressionante para a época, visto que estávamos lidando com a primeira geração com jogos focados inteiramente em modelos 3D. Todavia, devido às limitações da época, muitos detalhes dos cenários do Star Fox 64 eram deixados à imaginação do jogador, que precisava completar as lacunas deixadas pela tecnologia da época.

O Star Fox de Switch 2 simplesmente preenche todas essas lacunas de maneira brilhante, criando um universo espacial muito rico visualmente. Planetas com superfícies oceânicas, por exemplo, são apresentados com ondas grandiosas que reagem quando você se aproxima com a sua nave. Regiões siderais, por sua vez, são iluminadas por nebulosas coloridas e extremamente detalhadas.

Essa apresentação é fechada com chave de ouro com uma trilha marcante, que define muito bem o momento-a-momento da campanha, incluindo momentos tensos, segmentos de ação, e até mesmo alguns trechos com um peso emocional elevado. Vale ressaltar, nesse sentido, que o jogo está inteiramente localizado em português do Brasil, incluindo também uma dublagem de qualidade ímpar. Eu diria, inclusive, que a dublagem em PT-BR é até mesmo melhor do que a versão em língua inglesa.

Faz um tunô barril

Embora o foco de Star Fox seja essa experiência arcade, que incentiva o jogador a rejogar a campanha de novo e de novo com o objetivo de ver todo o seu conteúdo, ainda é preciso reforçar que, no final das contas, esse ainda é um jogo relativamente curto. Mesmo que você jogue a campanha múltiplas vezes até desbloquear todas as fases e conseguir todas as medalhas de pontuação, o conteúdo básico do jogo original do N64 não era tão vasto quanto jogos de outros gêneros.

Com o intuito de melhorar um pouco esse aspecto, esse novo Star Fox de Switch 2 apresentam alguns modos extras que funcionam bem para quem quiser tirar mais proveito de um título relativamente curto. O primeiro deles é um modo de desafios, que reapresenta cada uma das fases com desafios únicos, focados em objetivos específicos, que incluem desde desafios de tempo até ações específicas que você não costuma fazer na campanha principal.

A segunda modalidade é focada em multiplayer, e pode ser jogada localmente, contra bonecos controlados pela CPU, ou online. Nesse modo, os jogadores são divididos entre o time Star Fox e o time Star Wolf, e precisam cumprir objetivos específicos em cada mapa, incluindo ações voltadas a defender ou atacar bases, ou ainda a captura e coleta de artefatos especiais. É um modo divertido, mas que não tem muita longevidade devido ao fato de apresentar apenas três mapas.

Por falar em multiplayer, todas as modalidades de Star Fox podem ser jogadas online, inclusive por meio do GameShare, onde apenas uma pessoa que tenha o jogo pode convidar amigos. Aqui, há também uma funcionalidade exclusiva de Star Fox, onde você pode utilizar sua câmera para controlar “avatares virtuais” baseados nos personagens do jogo. É uma feature divertida para aqueles que queiram jogar com amigos, e funciona surpreendentemente bem.

Review de Star Fox — Vale a pena?

No final das contas, as raízes de arcade de Star Fox 64 se mantêm intactas em Star Fox, para o bem e para o mal. De um lado, o resultado é uma experiência muito divertida, onde você é incentivado enormemente a jogar de novo e de novo com o objetivo de dominar as mecânicas de jogo e cada uma das fases únicas e desafiadoras. Todavia, é um pacote que pode não agradar jogadores que queiram uma experiência única e focada.

Caso o estilo arcade te agrade, Star Fox é um título que eu recomendo fortemente. A sua apresentação e aspectos técnicos se sobressaem enormemente, e esse é um jogo que utiliza de maneira muito interessante todos os vários recursos do Switch 2, incluindo o modo mouse, o GameShare, e a possibilidade de jogar online utilizando câmeras.

Se você nunca jogou Star Fox 64, esse novo Star Fox é, facilmente, a melhor versão que já existiu daquela experiência arcade. Caso já tenha jogado o jogo original, contudo, esse pacote apresenta diversas novas modalidades e melhorias que o fazem ser, na minha opinião, uma opção interessante e valiosa de exclusivo no Switch 2. Caso a proposta te interesse, pegue o manche e faça um tunô barril!

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Não basta ter força ou acertar mais golpes que o adversário. Cada combate é um jogo de estratégia e paciência, em que uma decisão errada pode mudar completamente o rumo da luta.

Curiosamente, nunca tive a mesma paixão pelos jogos da franquia. Gostei bastante de EA Sports UFC 4, mas UFC 5 me passou a sensação de que ainda faltava alguma coisa para traduzir essa tensão do octógono para o controle. Por isso comecei EA Sports UFC 6 com a expectativa de descobrir se a EA Vancouver finalmente havia encontrado o equilíbrio entre simulação e diversão.

Depois de boas horas dentro do octógono, saí com uma resposta positiva. Ainda existem ajustes a serem feitos, mas esta é, sem dúvida, a evolução mais consistente que a série recebeu nos últimos anos.

Sem mais delongas, fica comigo nesta review de UFC 6, realizada no PS5 base e saiba se ele vale a pena ou não:

Quando a luta começa, fica difícil não admirar o trabalho da EA

A primeira impressão é excelente e cabe aplaudir o trabalho da EA com motor gráfico Frostbite e a Sapien Technology. Os modelos dos lutadores estão entre os mais realistas que já vi em um jogo de esporte. Basta olhar para nomes como Alex Pereira, Max Holloway ou Islam Makhachev para perceber o cuidado da equipe com expressões faciais, tatuagens, movimentação e até pequenos detalhes da pele.

Mas o que realmente vende a ilusão é a animação. Cada atleta se movimenta de forma muito natural, respeitando seu estilo de luta. As entradas, a apresentação dos eventos, a iluminação da arena e até a maneira como os golpes conectam ajudam a criar uma atmosfera muito próxima das transmissões oficiais do UFC.

Existe apenas um detalhe que poderia ser melhor. Os danos físicos durante as lutas ainda parecem discretos demais. Não estou dizendo que gostaria de ver algo próximo de Mortal Kombat, mas em diversas ocasiões apliquei longas sequências de ground and pound e o rosto do adversário praticamente não apresentava marcas relevantes. Um pouco mais de impacto visual deixaria as vitórias ainda mais convincentes.

Finalmente encontrei lutas que parecem realmente perigosas

Nos jogos anteriores era comum acertar uma sequência absurda de golpes limpos e ver o adversário continuar lutando como se nada tivesse acontecido. Sempre entendi que a EA precisava equilibrar realismo e diversão, afinal, ninguém quer que toda luta termine em dois chutes na cabeça, mas muitas vezes a resistência dos lutadores parecia exagerada.

Em UFC 6 senti que esse equilíbrio finalmente começou a aparecer.

Os golpes transmitem mais impacto e escolher o momento certo para atacar se tornou muito mais importante do que simplesmente pressionar botões.

O novo Flow State

Outro responsável por essa mudança é o novo Flow State ou “Estado de Foco” para os íntimos.

Cada lutador possui características próprias que permitem encher uma barra especial de acordo com seu estilo de luta. Max Holloway, por exemplo, recompensa jogadores que utilizam bastante a movimentação de cabeça antes de responder com contra-ataques.

Quando essa barra é preenchida, o atleta entra temporariamente em um estado de vantagem que fortalece alguns atributos. Não chega a revolucionar a jogabilidade, mas gostei bastante da ideia. Além de dar mais personalidade para cada lutador, o sistema ajuda a tornar os confrontos menos arrastados do que acontecia nas edições anteriores.

Mais fácil de aprender, sem deixar os veteranos de lado

Uma das mudanças que mais percebi em UFC 6 foi a preocupação da EA Vancouver em tornar o jogo mais amigável para quem está chegando agora à franquia. Durante muito tempo, principalmente nas disputas de grappling, a série acabou afastando novos jogadores por conta de comandos pouco intuitivos e de uma curva de aprendizado bastante alta.

Desta vez, a experiência é diferente. Logo nas primeiras lutas, o jogo oferece opções de acessibilidade e assistências que ajudam a entender as mecânicas sem tirar completamente o desafio. É possível ajustar diversos parâmetros de acordo com o seu nível de experiência, o que faz bastante diferença para quem nunca jogou um título da série.

A maior evolução, na minha opinião, está justamente no grappling. Ainda acho que essa mecânica pode evoluir, mas ela deixou de ser aquela barreira quase intransponível para iniciantes. Os comandos estão mais intuitivos e as assistências conseguem orientar o jogador sem transformar tudo em algo automático.

O melhor de tudo é que essas mudanças não simplificam a experiência para quem já conhece a franquia. Quem prefere desligar as assistências e aproveitar o sistema mais técnico continua encontrando um bom nível de profundidade, principalmente nas lutas mais equilibradas.

E os efeitos sonoros?

Se os gráficos impressionam, o trabalho sonoro acompanha o mesmo nível. O impacto dos socos e chutes soam como verdadeiras bombas nos adversários, a reação da torcida muda conforme o andamento da luta e os comentários ajudam a reproduzir o clima das transmissões oficiais do UFC.

É um conjunto que reforça bastante a imersão, principalmente nas disputas mais equilibradas, quando cada golpe parece alterar o comportamento do público.

O Legado é um modo “História” misturado com modo “Carreira”

A maior surpresa da minha experiência foi perceber que a EA Vancouver resolveu investir de verdade em conteúdo. O novo modo história, O Legado, acompanha a trajetória do lutador fictício Chris Carter antes de abrir caminho para o tradicional modo carreira. Ainda existe espaço para melhorias. Algumas sessões de treinamento acabam ficando repetitivas e, em certos momentos, passei mais tempo administrando minha preparação do que propriamente lutando.

Mesmo assim, terminei esse modo bastante otimista. Pela primeira vez tive a sensação de que existe uma base sólida para ser expandida nos próximos anos. Se a EA continuar desenvolvendo essa ideia em UFC 7 e UFC 8, acredito que o modo carreira poderá se tornar um dos grandes atrativos da franquia.

Felizmente, quem prefere criar o próprio lutador também continua muito bem servido. O modo Carreira tradicional mantém a essência das edições anteriores, mas agora conta com mais opções para moldar o atleta ao longo da jornada. Entre uma luta e outra é preciso administrar semanas de treinamento, aprender novos golpes, estudar adversários, lidar com patrocinadores e até responder a interações nas redes sociais.

O Hall das Lendas é muito interessante

Confesso que comecei esse modo sem grandes expectativas. Pouco tempo depois já estava completamente envolvido.

O Hall das Lendas transforma grandes nomes do UFC em pequenas homenagens interativas. Alex Poatan Pereira, Max Holloway e Zhang Weili recebem espaços próprios que funcionam quase como museus, onde podemos conhecer mais sobre suas carreiras antes de reviver algumas das lutas mais marcantes de cada um.

Para quem acompanha o esporte, esse conteúdo tem uma grande importância, afinal, não é apenas uma sequência de desafios. Existe um cuidado em contextualizar cada momento da carreira desses atletas, tornando tudo muito mais interessante do que simplesmente entrar em uma luta histórica pelo menu principal.

Foi, facilmente, uma das minhas partes favoritas do jogo.

A Academia

Outra novidade é a Academia, um espaço pensado para quem gosta de evoluir continuamente fora das lutas principais. Nele é possível recrutar atletas, acumular experiência, desbloquear treinadores, cosméticos e diversas recompensas.

A ideia é interessante porque oferece uma sensação de progresso, mas os menus poderiam ser mais ágeis. Em vários momentos a experiência acaba ficando burocrática demais para algo que deveria incentivar o jogador a voltar com frequência.

Modo Online agora conta com crossplay

Já no online, a chegada do crossplay era uma dívida antiga da EA com a comunidade e finalmente foi paga. Durante meus testes a experiência foi boa na maior parte do tempo, embora eu ainda tenha encontrado pequenas oscilações de conexão em algumas partidas.

Review de EA Sports UFC 6 – Vale a Pena?

Finalizo esta review de UFC 6 dizendo que ele é uma evolução clara da franquia, o ciclo de 3 anos entre um lançamento fez bem ao game.

Pela primeira vez em muitos anos, não fiquei pensando apenas no que ainda falta melhorar. Fiquei curioso para ver até onde a EA Vancouver consegue levar essa base nas próximas edições.

O jogo não reinventa a série e ainda possui mecânicas que precisam evoluir. Ainda assim, ele acerta justamente onde mais precisava: as lutas finalmente transmitem a sensação de estratégia e impacto que fazem do UFC um esporte tão interessante de acompanhar.

Se você é fã de MMA, dificilmente sairá decepcionado. E mesmo para quem acabou se afastando da franquia nos últimos anos, UFC 6 representa um ótimo motivo para voltar ao octógono.

EA FC 26 está disponível para PS5 e Xbox Series desde o dia 19 de junho de 2026.

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• Review: Flesh Made Fear (PS5)
• Review: Forgotlings (PS5)
• Review: The Adventures of Elliot – The Millennium Tales (PS5 Pro)

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Em outubro de 2025, a Tainted Pact mostrou como isso funciona na prática com o lançamento de Flesh Made Fear. O game de survival horror chegou ao PC repleto de elogios, com as análises “Muito positivas” mostrando que ainda há espaço pra projetos que busquem resgatar elementos da “era de ouro” dos videogames.

Agora, com a chegada do jogo aos consoles, finalmente tivemos a oportunidade de conhecer tudo isso. E, de fato, se trata de um título muito interessante em todos os sentidos, que sabe revitalizar onde é necessário e manter o que mais popularizou esse portfólio de jogos clássicos durante os anos 1990.

Um ou outro

Flesh Made Fear é uma homenagem aos jogos do PlayStation 1. Inspirado na trilogia Resident Evil, o game conta a história de sobrevivência da Reaper Intervention Platoon (R.I.P.), uma força de elite responsável por neutralizar Victor “The Dripper” Ripper, um ex-agente da CIA que usou sua genialidade pra transformar a cidade em um centro de mortos-vivos.

Porém, seus experimentos saíram do controle, e agora não basta só eliminá-lo. Com criaturas transformadas por todos os cantos de Rotwood, os militares precisam escapar de todo tipo de monstruosidade, bem como das armadilhas criadas por Ripper e que separaram os membros da R.I.P. assim que eles chegaram na cidade.

A missão não demora pra virar uma briga de gato e rato, onde no meio desses dois lados há uma ameaça sem precedentes e com potencial pra se tornar algo muito maior.

Flesh Made Fear é um título de ação e terror que resgata diversos elementos do survival horror clássico. Fãs do gênero podem esperar sistema de câmeras fixa, controles tanque, gerenciamento de inventário, progressão com backtracking e combate estratégico.

Tudo isso se mistura com algumas funcionalidades modernizadas, com destaque pros visuais em Full HD, trilha sonora remasterizada, combate corpo a corpo extremamente funcional e melhorias nos visuais dos personagens, especialmente quando se trata de texturas e de outras técnicas gráficas.

Uma das principais novidades de Flesh Made Fear também diz respeito à possibilidade de escolher entre duas campanhas: Natalie tem menos HP e mais espaço de inventário, enquanto Jack tem mais vida e menor inventário. Suas histórias são diferentes e apresentam novos personagens, eventos e mais, aumentando o fator replay.

Pense bem antes de atacar

Uma das questões que preciso comentar sobre Flesh Made Fear é o combate. Vemos aqui algo bastante evoluído em relação aos jogos dos anos 1990, com destaque pra maior eficiência dos tiros e pra versatilidade.

Ao longo da campanha, você consegue diversos tipos de armas de fogo, cada uma com seu próprio tipo de munição e com a possibilidade de criar mais por meio da combinação de itens. As munições, por sinal, são generosas no modo normal, mas por conta da limitação de itens e da falta de drops, é importante saber gerenciar. E pra isso, há uma opção.

O combate corpo a corpo em Flesh Made Fear foi feito de forma muito inteligente. Os personagens usam facas pra atacar os zumbis, precisando de apenas poucos golpes pra derrubá-los. Além disso, elas são importantes pro gerenciamento da arena, pois empurram os mortos-vivos pra longe, atacam vários ao mesmo tempo e são ágeis, mas muito ágeis.

Contra grupos, você não vai sobreviver. Mas pra escapar de armadilhas e poupar munição em momentos críticos, essa é a melhor alternativa. Óbvio que nem sempre ajuda, pois há inimigos que atacam muito rápido, como os parecidos com os lickers, chefões e uns monstros que viram espinhos ao se aproximarem, mas contra os zumbis padrão é essencial ter isso em mente.

Nesse sentido, o que mais atrapalha é a câmera fixa. Os movimentos tanque funcionam como uma espécie de híbrido entre os analógicos e as teclas digitais, mas as câmeras podem atrapalhar principalmente em áreas mais amplas. Nem sempre os zumbis tão à sua vista, e quando aparecem os mais rápidos é bem complicado sair sem tomar dano.

Sangrar faz mal

Um ponto legal em Flesh Made Fear é o sistema de tomar dano. Aqui, não vemos o HP convencional, mas sim uma bolsa de sangue que começa a decair quando o personagem entra em estágio de sangramento. Eles aguentam algumas porradas, mas caso você veja uma poça de sangue enquanto anda, fique de alerta ligado.

Como o jogo oferece recursos limitados (mesmo pra salvar, como aconteceu com o Ink Ribbon), as bandagens e bolsas de sangue nem de longe são infinitas. Assim, isso estimula ainda mais a saber quando e onde enfrentar os zumbis.

Puzzles, backtracking e alguns desafios injustos

Assim como os survival horror clássicos, Flesh Made Fear possui muitos quebra-cabeças ambientais, que vão desde códigos encontrados em documentos até itens que devem ser combinados. Prepare-se pra muito becktracking, mas dentro de um escopo menor devido à campanha do jogo ter umas 4h de duração.

Como o jogo não tem direcionamento do que fazer e há algumas inconsistências de onde os objetos de puzzles devem ser inseridos, existem chances de você ficar perdido e frustrado. Nesse sentido, não há muito o que fazer a não ser testar e explorar bem, especialmente pelo game não possuir localização em português do Brasil.

Tudo bem, as coisas são bem intuitivas e menos punitivas que os Resident Evil clássicos. Mas quando isso se alia a uma grande quantidade de mortos-vivos em alguns mapas, à pressão quando sua bolsa de sangue tá caindo e à escassez de recursos, fica a ideia de que esses elementos poderiam ser mais balanceados e caprichados.

Isso também fica evidente nos chefes. É muito fácil correr e ficar fugindo de alguns deles até encontrar um ponto de apoio, mas eles sempre são mais rápidos, mais fortes e mais preparados. As batalhas são relativamente longas e exigem muito gasto de munição até o terceiro ato, mas fica a impressão de um role play mais severo do que deveria ser.

O mapeamento do controle também poderia ser mais intuitivo. É muito fácil você se confundir com ações como mirar, correr e se virar 180 graus, algo que é decisivo quando você enfrenta inimigos em corredores estreitos e áreas mais compactas.

Flesh Made Fear é uma baita homenagem a filmes e jogos

Flesh Made Fear é um show de referências quando falamos de cinema. A trilha sonora alternativa, os personagens e diálogos clichês, o apelo a uma violência gráfica quase baseada em efeitos práticos, a história pouco criativa e brega… Em outros casos, essas questões seriam críticas, mas nesse aqui vemos uma receita interessante e inovadora em vários aspectos.

A jogabilidade é suave, a exploração é recompensadora e o combate agrada principalmente pela implementação do corpo a corpo. O título também tem um alto fator replay não apenas pelos eventos que você pode deixar passar na campanha (ao melhor estilo The House of the Dead), como também pela campanha dupla inspirada em Resident Evil 2.

Alguns problemas técnicos e de equilíbrio devem ser colocados na balança, mas quem jogou survival horror antes da virada do milênio não vai sentir esse peso. Enquanto isso, a modernização atrai o público mais recente, mesmo que haja uma certa resistência pra embarcar em uma jornada retrô muito peculiar e que foge dos padrões AAA.

Flesh Made Fear é um indie especial que reforça como é importante olhar pro passado e entender o que o público atual tanto pede.

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Agora, o estúdio dinamarquês retorna a esse mesmo mundo com Forgotlings, uma espécie de prelúdio que expande a mitologia apresentada anteriormente e coloca o jogador em uma nova jornada repleta de personagens curiosos.

Lançado no dia 18 de junho para PlayStation e XBOX. Antes de qualquer coisa, existe um detalhe importante que precisa ser destacado: Forgotlings não possui localização em português do Brasil. Em um jogo tão focado na narrativa, isso acaba tendo um impacto muito maior do que em outros gêneros.

A história, os diálogos e até mesmo boa parte da progressão dependem diretamente da compreensão do idioma. Quem não domina inglês ou outra língua disponível pode perder uma parcela significativa da experiência.

Sem mais delongas, fica comigo nesta review de Forgotlings e veja tudo o que ele tem pra oferecer:

Um mundo onde objetos esquecidos ganham vida

Começo esta review dizendo que o grande diferencial de Forgotlings está em seu universo. A proposta de transformar objetos esquecidos em personagens vivos poderia facilmente parecer apenas uma curiosidade visual, mas a ThroughLine Games faz um trabalho muito competente ao construir uma identidade própria para cada criatura encontrada ao longo da jornada.

No game, assumimos o papel de Fig, um boneco que acabou esquecida no mundo dos humanos e agora vive nas Terras Esquecidas, um lugar habitado por objetos abandonados que ganharam vida própria.

Como capitão da nave senciente Volare, sua missão é viajar por esse mundo para unir cinco tribos rivais diante de uma ameaça que pode colocar toda a região em risco.

É comum encontrar barcos falantes, luminárias com personalidade própria, pedras que participam de conversas e figuras que desafiam qualquer expectativa inicial. Cada personagem possui características visuais marcantes, formas únicas de se expressar e uma presença que ajuda a tornar o mundo mais interessante.

Essa criatividade faz com que a exploração seja recompensadora mesmo nos momentos em que o jogo desacelera. Existe sempre a curiosidade de descobrir quem será o próximo personagem encontrado e qual será sua história dentro daquele universo.

A própria narrativa se beneficia dessa construção de mundo. A trama de Fig funciona bem como fio condutor, mas são os habitantes das Terras Esquecidas que frequentemente roubam a cena e tornam a aventura memorável.

Uma direção de arte que impressiona do início ao fim

Se existe um aspecto capaz de chamar atenção imediatamente em Forgotlings, é seu visual. Com uma estética inspirada no Studio Ghibli.

A sensação é de estar acompanhando uma animação desenhada à mão. Os cenários apresentam um nível de cuidado impressionante, enquanto os personagens possuem animações fluidas e expressivas que ajudam a transmitir emoções mesmo durante os momentos mais simples.

O estilo artístico criado pela ThroughLine Games demonstra uma identidade muito forte. Em uma época em que muitos jogos acabam seguindo tendências visuais semelhantes, Forgotlings consegue parecer único.

O cuidado também aparece nos pequenos detalhes. As roupas, os acessórios, os movimentos e até mesmo a forma como cada personagem ocupa a tela ajudam a reforçar sua personalidade. É um daqueles jogos em que vale a pena parar por alguns segundos apenas para observar o trabalho realizado pelos artistas.

Visualmente, é sem dúvida um dos maiores destaques da experiência que tive ao produzir esta review de Forgotlings.

Narrativa é o verdadeiro foco da experiência

Embora exista combate e exploração, Forgotlings é essencialmente uma aventura narrativa.

Grande parte do tempo é dedicada a diálogos e construção do mundo. Em alguns momentos, é possível passar vários minutos apenas acompanhando conversas importantes para a trama. Então pode esperar por conversas longas.

Ao longo da jornada, também surgem decisões que influenciam diretamente o final da história e o destino de diversos personagens. Essas escolhas são chamadas de “tramas” e apresentam sempre quatro respostas possíveis: desafiar, encorajar, ter empatia ou questionar.

A boa notícia é que a história consegue sustentar esse ritmo. A jornada de Fig apresenta temas ligados à identidade e união.

O problema é que essa estrutura reforça ainda mais a questão da localização. Como quase tudo depende dos diálogos, perder informações importantes pode gerar confusão tanto na narrativa quanto na própria progressão da campanha.

Por isso, Forgotlings acaba sendo muito mais recomendado para jogadores que gostam de experiências focadas em história do que para quem procura ação.

Combate simples, mas divertido

O combate não tenta competir com grandes jogos de ação do mercado, mas oferece mecânicas suficientes para manter os confrontos interessantes.

Além dos ataques básicos, Fig pode se esquivar, defender golpes, utilizar sua lanterna para desorientar inimigos e até recorrer a abordagens furtivas em determinados momentos. Existem situações em que eliminar adversários pelas costas acaba sendo a melhor estratégia.

O impacto dos golpes é interessante e existe uma sensação agradável durante os confrontos. Mesmo sem ser particularmente complexo, o sistema cumpre seu papel dentro da proposta do jogo.

O principal problema aparece com o passar das horas. Como não existem árvores de habilidades, melhorias significativas ou sistemas de progressão mais elaborados, o combate permanece praticamente igual do início ao fim.

Isso faz com que os encontros acabem se tornando previsíveis e repetitivos em determinados momentos da campanha.

A exploração sofre com a falta de ferramentas básicas

Se existe uma decisão de design que prejudica a experiência com frequência, é a ausência de recursos para orientar o jogador.

Forgotlings apresenta áreas relativamente amplas e uma estrutura que lembra ocasionalmente jogos de exploração lateral. No entanto, não existe um mapa local que facilite a navegação dentro dessas regiões.

Além disso, o jogo também não possui um sistema tradicional de registro de missões ou objetivos.

Na prática, isso significa que perder uma informação importante durante um diálogo pode gerar longos períodos de dúvida sobre o que fazer em seguida. Como os personagens nem sempre repetem instruções anteriores, encontrar o próximo objetivo pode se tornar uma tarefa mais complicada do que deveria.

Esse problema é agravado justamente pela ausência de localização em português. Quem já estiver enfrentando dificuldades para compreender os diálogos pode acabar ficando perdido com frequência.

A sensação não é de dificuldade proposital, mas sim da falta de algumas ferramentas de qualidade de vida que tornariam a experiência mais acessível.

Dublagem e trilha sonora ajudam a dar vida ao universo

A apresentação sonora acompanha o excelente trabalho visual. A trilha sonora funciona muito bem ao longo da aventura, ajudando a reforçar tanto os momentos mais contemplativos quanto as situações de maior tensão.

Já a dublagem merece destaque especial. As vozes foram escolhidas de forma cuidadosa e combinam perfeitamente com a personalidade dos personagens. Considerando a variedade de criaturas encontradas durante a campanha, esse trabalho era fundamental para que cada uma delas transmitisse identidade própria.

O resultado é um elenco carismático que contribui bastante para a imersão.

INA é um minijogo que não empolga

Forgotlings também inclui um minijogo baseado no uso de runas coletadas durante a aventura, o INA.

A ideia é participar de partidas contra NPCs para obter recompensas e moedas dentro do universo do jogo. No papel, parece uma atividade interessante para complementar a exploração.

Na prática, porém, ele nunca alcança o mesmo nível de qualidade do restante da experiência.

As partidas rapidamente se tornam pouco envolventes e dificilmente despertam vontade de continuar jogando além do necessário. Diferente de outros minijogos marcantes presentes em RPGs e aventuras famosas, aqui a atividade parece mais uma obrigação ocasional do que uma distração divertida.

Review de Forgotlings: vale a pena?

Termino esta review de Forgotlings com uma sensação positiva sobre o game. Ele é uma aventura que entende muito bem quais são suas prioridades. A ThroughLine Games construiu um universo extremamente criativo e sustentado por uma direção de arte que está entre os grandes destaques do gênero.

Ao mesmo tempo, o jogo abre mão de sistemas mais profundos de progressão e de algumas ferramentas básicas de navegação, decisões que acabam prejudicando o ritmo da exploração em diversos momentos. A ausência de português do Brasil também pesa bastante em uma experiência tão dependente de diálogos.

Ainda assim, para quem aprecia experiências cinematográficas e produções independentes que possuem uma identidade própria, Forgotlings oferece uma jornada interessante e repleta de personalidade.

Ele talvez não agrade quem procura ação ou mecânicas complexas, mas encontra seu espaço entre os jogadores que valorizam boas histórias e uma direção artística marcante.

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E quando falo aqui de um jogo no estilo adventure point n’ click, estou me referindo justamente à era de ouro do gênero, marcado pelos incontáveis clássicos de estúdios como Sierra e LucasArts. Títulos como Monkey Island, Day of the Tentacle e Grin Fandango, cujo foco central costumava envolver uma mistura única de narrativa, puzzles e exploração. The Drifter, em sua essência, é um título que bebe nas águas de jogos como esses.

Todavia, embora The Drifter possa ser jogado como um point n’ click clássico (e logo mais entrarei em detalhes a respeito de seus controles), ele é um jogo com diversas amenidades típicas de jogos modernos, já que foi inteiramente adaptado para ser jogado com controles, com um esquema de comandos contextuais que funcionam surpreendentemente bem. 

Soma-se a isso uma narrativa bastante instigante, que mistura elementos de ação, sci-fi e elementos “pulp”, e o resultado é um jogo bastante único que, durante suas oito horas de campanha, conseguiu encontrar um espaço especial dentre os melhores jogos que eu já joguei em 2026. Agora, é preciso ser dito: com raízes fortes no gênero de adventure, The Drifter também traz algumas arestas que podem fazer com que ele não seja um jogo que agrade a todos.

Mortes, mistérios e moradores de rua

Como um dos bons jogos de adventure point n’ click, um dos pontos altos de The Drifter está, justamente, em sua narrativa. Em sua campanha linear, que dura cerca de oito hora, o jogador é colocado na pele de Mick Carter, um fracassado de meia idade que volta à sua cidade natal para o velório de sua mãe. O que já seria um complicado reencontro com sua irmã e ex-esposa, se transforma em uma aventura tensa e cheia de camadas quando Carter acaba envolvido em uma trama bizarra ligada ao enlouquecimento e desaparecimento de pessoas de rua.

Eu quero dar os mínimos detalhes possíveis sobre os elementos presentes na trama de The Drifter, pois esse é um daqueles jogos que são melhor aproveitados quanto menos você sabe a respeito do que está por vir. O que eu vou dizer é que a narrativa de The Drifter mistura de maneira brilhante diversos elementos e estilos. Em um determinado momento, você vai se ver em uma fuga alucinada digna de um ótimo filme de ação. No instante seguinte, precisa ativar seus dotes detetivescos para descobrir nomes, endereços e paradeiros de pessoas envolvidas em um grande mistério.

Além dessa mistura de diferentes “estilos” narrativos em uma única e contínua trama, outra qualidade de The Drifter está em como ele consegue surpreender e tirar o seu tapete em diversos momentos da campanha. É uma daquelas narrativas que guardam uma surpresa atrás da outra, e te faz ficar se indagando se a sua teoria anterior estava certa, ou se há algum outro detalhe que você não entendeu completamente.

Como se isso não fosse o suficiente, The Drifter ainda toca em alguns assuntos bastante impactantes. Há desde momentos muito dark e tensos, até revelações e situações verdadeiramente emocionantes. Carter, nesse sentido, é um personagem complexo e bastante falho, o que dá uma profundidade grande à trama. Infelizmente, contudo, toda essa ótima narrativa está sujeita à limitação da língua, já que The Drifter não possui localização em português do Brasil.

Apontar e clicar, com sensibilidades modernas

Toda a fantástica narrativa de The Drifter se desenrola a partir de uma estrutura de progressão linear — o jogo possui um total de nove capítulos, estruturados quase como se fossem episódios de uma série de TV —, que inclui elementos muito típicos de jogos de adventure point n’ click. Isso significa que você precisará explorar diferentes cenários, coletando itens, conversando com pessoas, e interagindo com os mais diversos elementos para solucionar puzzles que podem ser bastante complicados em alguns momentos.

Embora essa estrutura possa soar como algo “do passado”, The Drifter apresenta um sistema de controles bastante inteligente, que adapta a ideia clássica do “apontar e clicar” para o controle do videogame. Basicamente, enquanto você controla o personagem livremente com o direcional esquerdo, o direcional direito funciona como um menu contextual, que destaca todos os elementos ao seu redor com os quais você pode interagir.

Graças aos seus controles únicos, The Drifter consegue adaptar muito os conceitos e ideias de point and click clássicos para um sistema moderno e intuitivo, ao ponto de que é possível jogá-lo inteiro com controle ou no modo portátil sem aquela “lerdeza” típica do gênero — isso é, se você quiser. The Drifter também oferece uma experiência mais clássica, se você quiser, já que você pode utilizar os controles de mouse para jogá-lo da mesma forma que faria no PC.

Nesse sentido, a Powerhoof fez um excelente trabalho de conversão, já que você pode trocar entre os dois modos de controles simplesmente encostando o Joy-Con 2 em uma superfície. A mudança é instantânea. Curiosamente, toda a HUD do jogo se modifica para cada uma das modalidades, apresentando menus, itens e outros elementos de uma maneira diferente para cada tipo de controle.

Heranças do gênero, boas e más

Se por um lado The Drifter oferece diferentes opções de controle, por outro, seus puzzles e progressão são bastante específicos e, em alguns momentos, um tanto quanto obtusos. Não me entenda mal, de modo geral, o jogo apresenta uma ótima seleção de puzzles, incluindo segmentos absurdamente divertidos, onde você precisa explorar cenários, deduzir informações, e combinar e usar itens de maneiras criativas para conseguir avançar.

Não obstante, o jogo também possui a sua dose de segmentos levemente frustrantes e puzzles com lógicas um pouco esquisitas. No espectro da frustração, The Drifter apresenta alguns trechos onde Carter corre risco de vida iminente. Situações essas que às vezes são muito bem construídas, criando aquele elemento de tensão na medida certa, mas que às vezes caem em um âmbito de frustração e repetição quando a solução para aquela situação é um tanto quanto ilógica. São momentos de tentativa-e-erro que podem ficar chatos rapidamente.

Já sobre os puzzles meio ilógicos, The Drifter parece carregar às vezes aquela herança de “lógica lunática”, muito comum em jogos clássicos de adventure point n’ click. Eles não são tão comuns, nem de longe tão frustrantes quanto acontecia em jogos antigos, mas eu tive um ou outro momento em que travei porque faltava interagir com um item aleatório que estava escondido em um canto de um cenário que eu já tinha explorado, ou ainda quando tinha todos os itens em meu inventário, mas precisava combinar coisas muito nada a ver.

Novamente, contudo, reforço aqui que esses foram momentos bastante pontuais, que podem irritar jogadores que não estejam muito acostumados com jogos desse estilo, mas que de forma alguma estragam a experiência como um todo. Desde que você tenha um pouco de paciência ao travar e bater a cabeça em um ou outro segmento, The Drifter mais do que compensa com a sua narrativa engajante e impactante.

Pixels crocantes e uma trilha competente

Por fim, mas não menos importante, é preciso destacar o quão bonitos são os visuais de The Drifter. Aqui, o estúdio Powerhoof optou por apresentar o jogo todo com um estilo de pixel art muito único, que se destaca por uma combinação única de cores saturadas e chamativas, bem como suas animações extremamente bem-feitas.

Mesmo dentro das limitações auto-impostas pelo estilo, é possível ver os personagens mexendo a boca de acordo com a dublagem de cada fala, reagindo com expressões faciais aos acontecimentos mais importantes da trama, e se envolvendo em cenas de ação muito bem dirigidas. A imaginação do jogador também é utilizada de maneira inteligente, já que às vezes você é apresentado a uma tela preta, onde a narração de Carter faz todo o trabalho de descrever o que está acontecendo.

Lado a lado aos visuais chamativos de The Drifter, você tem uma trilha sonora competente, que pontua cada segmento de acordo com o clima desejado. Tudo isso é apresentado com uma performance irretocável, incluindo uma resolução de 4k e 60fps no modo TV, e full HD e 120fps no modo portátil.

Embora o estilo gráfico do jogo não pareça demandar muito visualmente, é sempre interessante quando vemos desenvolvedores como a Powerhoof fazendo um trabalho extra para utilizar as capacidades máximas do console. Tudo isso sem quaisquer quedas ou bugs durante toda a campanha do jogo.

Review de The Drifter — imperdível para fãs do gênero

Embora The Drifter possua algumas pequenas arestas em relação a elementos típicos do gênero de adventure point n’ click, o jogo faz um trabalho fenomenal de adaptar suas mecânicas e controles para sensibilidades modernas, ao mesmo tempo em que oferece opções de controles de mouse para quem queira uma experiência mais clássica.

Por meio de segmentos de exploração divertidos e puzzles muito envolventes (embora às vezes obtusos), The Drifter apresenta uma narrativa que me pegou do começo ao fim, me deixando sempre curioso para o próximo plot twist e o desenrolar do grande mistério por trás do jogo. Mais do que isso, ele foi capaz de apresentar momentos que me emocionaram de verdade, algo que valorizo muito em jogos com forte apelo narrativo.

O resultado final é um jogo que consegue trazer um gênero clássico aos tempos modernos com maestria. Mesclando um estilo de arte único, uma narrativa fantástica, e puzzles divertidos, The Drifter é um jogo obrigatório para todo fã de adventures point n’ click, e é também um jogo que pode agradar muito até mesmo quem não tenha toda essa paixão pelo gênero. Isto é, claro, desde que a limitação do idioma não seja uma grande barreira para você.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Powerhoof.

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A fuga

A narrativa de Deer & Boy não é contada do jeito explicíto. Temos cutscenes, mas nada de diálogos e tampouco colecionáveis de texto. Essa pegada interpretativa é o padrão dentro de jogos com essa proposta, logo, é algo que eu já esperava.

Nossa aventura começa ao controlar o Garoto. Lidando com uma aparente perda que o deixou desolado, ele decide fugir de casa numa tentativa de escapar da realidade. Só que no meio do caminho ele se depara com um filhotinho de um cervo, também lidando com uma perda trágica.

O pequenino cervo funciona como um deuteragonista, inicialmente servindo como um ponto de conexão emocional do garoto com o jogador. Logo após a hora inicial, mais mistérios vão surgindo na tela. Uma substância viscosa, chamada de matéria escura, está infectando qualquer ser que entra em contato com ela.

Isso serve como justificativa para o surgimento de figuras monstruosas e raivosas que funcionam como trechos de fuga no jogo. O primeiro deles, o javali, era uma criatura normal, que foi auxiliada pelo Garoto, mas que acaba sendo profundamente transformado pela matéria misteriosa. Após isso, o javali cresce em pelo menos 10x de tamanho, tornando-se imponente e furioso, capaz de arremessar carros para longe.

É diante desse contexto que descobrimos que o cervo não é um cervo comum. Ele consegue acionar uma magia azul que aparenta ter o poder de purificar os seres afetados pela matéria escura. Vários mistérios vão surgindo ao longo da trama, mantendo o jogador engajado e interessado nas respostas. O que é a matéria escura? Como ela foi parar ali? De onde vem a magia do cervo? A narrativa funciona aqui e é bem competente.

Problemas no horizonte

Deer & Boy se posiciona como um jogo de “plataforma cinematográfico”. A parte cinematográfica é facilmente percebida em vários trechos do jogo. A direção das cenas, os recursos de iluminação que lembram um filme animado, a trilha inserida para evocar sentimentos…

Minha maior ressalva com ele reside na parte do “plataforma”. Em jogos dessa proposta, os controles precisam ser extremamente precisos. Seja para pular, subir em beiradas, interagir com objetos… e infelizmente esse não é bem o caso aqui. Notei um delay considerável em certos trechos para que o Garoto cumprisse comandos básicos, como subir em uma pedra para evitar a matéria negra.

Por mais que o jogo seja compacto, essa irresponsividade incomoda e diminui bastante o fator diversão do jogo. Uma surpresa positiva foi o próprio level design. Temos um bom nível de interatividade com o cenário, com o Garoto tendo que remover obstáculos como tábuas de madeira ou interagir com cordas para fazer rochas caírem nas poças de matéria escura.

A tensão no gameplay acontece nos trechos de “perseguição” onde o Garoto precisa agir de maneira furtiva, evitando ser pego. Para entregar um senso de urgência ainda maior, temos trechos que impedem que o Garoto prossiga com o Cervo até que um caminho seja providenciado pelo jovem. Além de ajudar com o senso de urgência, isso também mantém o jogador investido no gameplay.

Uma aventura cinematográfica

Estruturado como um jogo 2.5D, Deer & Boy faz um uso inteligente da palheta de cores para aliar sua estética com o storytelling. No começo da história, temos o uso de cores predominantemente frias, como o cinza e o azul. Isso reflete o estado emocional dos dois personagens principais.

Na medida que o cervo cresce, as cores se alteram e o jogo passa a abraçar mais as cores quentes. Eu achei esse artíficio bem inteligente. Como não temos uma direção de arte realista, o estúdio se empenhou para entregar animações de ponta.

Podemos perceber o estado emocional do cervo ao prestar atenção nos sons que ele emite e o comportamento da criatura. Ele se contrai um pouco quando está com medo por exemplo. Como falei mais acima, outro grande aspecto artístico é o enquadramento escolhido para certas cenas.

Por muitas vezes, a câmera se afasta e dá um foco maior nas paisagens, gerando o sentimento de vastidão e consequentemente solidão. Por fim, mas não menos importante, o som aqui também é protagonista.

A trilha evoca muito bem uma diversidade de sentimentos, indo de tristeza profunda até conforto. Outro ponto que achei genial é que muitas vezes os puzzles contam com pistas auditivas sutis que dão um pequeno indicativo do que fazer caso você fique empacado. Mas, reforçando, elas são incrivelmente sutis, logo, o uso da lógica é demandado constantemente na aventura.

Os puzzles são bem inteligentes e não existe muito o “segurar de mãos” tradicionais de jogos como esse, o que acabou me agradando bastante. Tecnicamente falando, não tive nenhum problema com bugs ou crashes, contudo, em certos momentos, achei os visuais com um nível de qualidade abaixo do que eu esperava.

Em boa parte das cenas, a boa direção de arte ajuda a mitigar esse problema, contudo, em outros trechos essa falta de polimento nas texturas e resolução acaba se tornando bem vísivel, mesmo para um indie.

Review de Deer & Boy – Vale a Pena?

Deer & Boy conta uma história emotiva que deve agradar quem busca por uma experiência mais compacta, ideal para ser aproveitada entre jogos maiores. A amizade entre o garoto e o cervo evoluiu bem e emociona, pilares esses que julgo serem essenciais em games assim. Infelizmente nem tudo é perfeito. A jogabilidade não é tão responsiva quanto deveria, mas não chega a ser algo grave o suficiente para destruir a experiência.

Se você busca por jogos de plataforma cinematográficos com uma duração mais compactada, Deer & Boy pode ser uma excelente pedida!

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