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Depois de algumas horas jogando, percebi que estava completamente enganado. Copa City não é um jogo sobre futebol. É um jogo sobre tudo aquilo que acontece antes de a bola rolar.

Enquanto a maioria dos títulos esportivos coloca o jogador dentro das quatro linhas, aqui a missão é garantir que o espetáculo aconteça sem problemas.

E isso significa administrar absolutamente tudo: segurança, transporte, iluminação, alimentação, infraestrutura, circulação de torcedores, decoração da cidade, limpeza, energia e diversos outros detalhes que normalmente passam despercebidos por quem apenas assiste a uma partida. A proposta é extremamente original e, ao mesmo tempo, incrivelmente ambiciosa.

Desenvolvido pela  Triple Espresso S.A, o game chega para PS5, Xbox e PC no dia 16 de junho de 2026. Sem mais enrolação, vamos fazer a bola rolar com essa review de Copa City:

Um tycoon que leva o gerenciamento ao limite

Logo no tutorial fica claro que Copa City quer oferecer uma experiência muito mais profunda do que aparenta.

O jogador assume a responsabilidade de organizar grandes eventos esportivos em cidades inspiradas em locais reais, como Rio de Janeiro, Berlim e Varsóvia, utilizando estádios famosos como ponto central de toda a operação. Não basta abrir os portões e esperar a torcida chegar.

É necessário construir áreas comerciais, posicionar barracas de alimentação, instalar iluminação, organizar acessos, distribuir banheiros, preparar equipes de segurança e até controlar o deslocamento das torcidas pela cidade. Esse talvez seja o maior diferencial do jogo.

Enquanto outros simuladores focam apenas na administração interna de um local específico, Copa City amplia essa ideia e transforma toda a cidade em parte da experiência. Em diversos momentos tive a sensação de estar organizando uma final de campeonato de verdade.

O cuidado com o futebol impressiona

Outro detalhe que gostei bastante foi o uso de clubes oficialmente licenciados.

Entre as equipes presentes estão Flamengo, Arsenal, Bayern de Munique, Borussia Dortmund, Beşiktaş e Olympique de Marseille. Além do Fluminense que chegará em uma DLC.

Cada torcida possui características próprias e exige cuidados específicos. Em alguns casos, é preciso separar setores inteiros do estádio para evitar conflitos entre rivais. Também é possível criar áreas voltadas para famílias ou para torcidas mais organizadas, influenciando diretamente a organização do evento.

Essa preocupação em representar o comportamento das torcidas deixa tudo muito mais interessante para quem gosta de futebol.

O sistema de gerenciamento é gigantesco

Se existe uma palavra que define Copa City, essa palavra é complexidade. Existe uma quantidade enorme de sistemas funcionando simultaneamente.

Você administra transporte público, posiciona estruturas temporárias, organiza áreas de alimentação, controla iluminação através de geradores, define setores do estádio, cria áreas comerciais e ainda acompanha indicadores de satisfação, segurança e fluxo de pessoas.

Tudo está conectado. Uma decisão aparentemente simples pode afetar diversos outros sistemas do mapa. Confesso que fiquei impressionado com a quantidade de possibilidades oferecidas pelo jogo. Por outro lado, também senti que os desenvolvedores exageraram um pouco.

Complexo até demais

Mesmo familiarizado com jogos tycoon, demorei bastante para me sentir confortável com todas as mecânicas. A interface despeja informações na tela o tempo inteiro, com inúmeros menus, gráficos, indicadores e notificações funcionando simultaneamente.

Em alguns momentos, tive a sensação de estar administrando uma planilha gigantesca em vez de um evento esportivo. Acredito sinceramente que Copa City poderia oferecer um modo simplificado para jogadores iniciantes.

Quem gosta de gerenciamento minucioso certamente vai adorar esse nível de profundidade. Já o público casual provavelmente encontrará uma barreira enorme logo nas primeiras horas. É um daqueles jogos feitos para um nicho bastante específico.

Construir é prazeroso, mas o visual decepciona

Existe algo bastante satisfatório em montar toda a estrutura da cidade. Passei bastante tempo organizando áreas de alimentação, posicionando iluminação e deixando determinados setores exatamente como eu queria.

O problema apareceu quando tudo começou a funcionar. Apesar do enorme trabalho realizado pelo jogador, o resultado visual não acompanha o mesmo nível de capricho. Os gráficos são simples e passam uma sensação de pouca evolução para os padrões atuais da geração.

As construções cumprem seu papel funcional, mas raramente impressionam visualmente. No PlayStation 5 base, plataforma onde joguei, fiquei com a sensação de que Copa City poderia entregar muito mais nesse aspecto.

Interface e câmera também poderiam evoluir

Outro ponto que me incomodou foi a interface. A HUD é extremamente carregada e ocupa boa parte da tela com informações que nem sempre são necessárias naquele momento.

Além disso, a movimentação da câmera também poderia ser melhor. Ela funciona, mas nunca parece totalmente confortável durante a administração da cidade e das construções.

São detalhes pequenos, porém constantes, que acabam tornando longas sessões de jogo mais cansativas do que deveriam.

Trilha sonora e localização ajudam na imersão

Se o aspecto visual deixa a desejar, a ambientação sonora faz um bom trabalho.

A trilha acompanha toda a experiência com músicas leves e relaxantes que combinam perfeitamente com o ritmo do gerenciamento. Gostei especialmente do efeito em que a música ganha intensidade quando afastamos a câmera para observar a cidade de forma panorâmica e diminui quando aproximamos a visão das construções.

É um detalhe simples, mas que aumenta bastante a sensação de imersão. Outro ponto positivo é a localização completa para português do Brasil, algo extremamente importante em um jogo tão complexo.

Desempenho sem problemas

Durante minhas partidas no PlayStation 5, não encontrei problemas técnicos relevantes. As transições entre áreas ocorreram normalmente, não percebi quedas de desempenho e a experiência permaneceu estável durante toda a jogatina.

Também não senti falta de recursos específicos do DualSense. Pelo próprio estilo do jogo, isso acaba não fazendo diferença.

Review de Copa City: Vale a Pena?

Finalizo esta review de Copa City afirmando que vale a pena, sim, ainda mais se você é um fã de jogos tycoon e ama gerenciar tudo e todos, mas já comece o game sabendo o que vai encontrar para não se frustrar com a complexidade, em outras palavras, ele é um jogo extremamente específico.

Quem procura um simulador casual provavelmente ficará assustado com a quantidade de sistemas, menus e decisões necessárias para organizar uma única partida. Por outro lado, quem gosta de jogos tycoon encontrará aqui uma experiência bastante diferente de tudo que existe atualmente.

Administrar um grande evento esportivo, cuidar do entorno do estádio, controlar o transporte dos torcedores, organizar segurança, alimentação e infraestrutura é algo que poucos jogos já tentaram fazer.

Apesar das críticas aos gráficos, à interface e ao excesso de complexidade, não consigo negar que existe um charme enorme em ver toda aquela operação funcionando graças às decisões que tomei durante a partida.

Por fim, Copa City ocupa um espaço praticamente inédito ao transformar os bastidores de um grande evento de futebol em um simulador de gerenciamento profundo e extremamente detalhado. Só esteja preparado para estudar bastante antes de conseguir aproveitar tudo o que ele oferece.

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Fantasmas, alienígenas, mutações, assassinos em série e até a própria mente humana… Tudo isso pode ser vilão quando a narrativa é bem fundamentada e propositiva. E tendo um roteiro decente em mãos, o resto vem fácil quando a equipe por trás de um projeto é talentosa e, acima de tudo, ousada.

Hollowbody, jogo de terror e sobrevivência lançado em setembro de 2024 pro PC, quase acerta todos os seus tiros. Há algo especial no game da Headware, seja por se inspirar claramente na estrutura de clássicos como Silent Hill, Resident Evil e Dino Crisis, ou seja por apresentar uma experiência acessível no geral. Mas infelizmente, há alguns traços fora da curva.

Jogamos a versão de PS5, que chega nesta semana, e o resultado foi algo um pouco aquém do esperado. Sua campanha curta e uma série de problemas técnicos se destacaram acima de outros pontos positivos, e é sobre isso que falaremos nos próximos parágrafos.

A busca por Sasha

Decidida a investigar eventos misteriosos em uma zona de exclusão, Sasha se junta a outros pesquisadores e parte em uma jornada quase que secreta. Porém, o destino não foi feliz com ela: sua viagem se prova como o fim da linha, e as respostas que buscava nem de longe resultaram na tão desejada verdade.

Já se passaram 12 dias desde o ocorrido. Mica, sua antiga parceira, recebe a ligação de que Sasha está desaparecida. E agora, o executivo de segurança de fronteiras, Tax, disse que ela tem apenas 2h pra voltar até a zona e dar o fora de lá, seja descobrindo o que houve ou não.

Não demora pra que as coisas comecem a dar errado. O transporte de Mica cai em uma região totalmente abandonada, cercada por barulhos estranhos e por uma escuridão assustadora. E tudo ganha contornos mais dramáticos quando Mica começa a ser perseguida por criaturas sinistras e por uma voz quase demoníaca, e onisciente.

Agora, ela deve usar tudo ao seu redor pra sobreviver, evacuando o mais rapidamente dali enquanto evita que seu destino se torne o mesmo de várias pessoas que morreram misteriosamente nessa estranha zona.

Hollowbody é um jogo de terror e sobrevivência bem no molde dos clássicos. Com uma campanha curta de até 3h de duração, o jogo te coloca em uma experiência bem padrão do gênero, onde você avança, coleta recursos, vai e volta, enfrenta inimigos e gerencia inventário.

Quem tiver jogado os primeiros Resident Evil e Silent Hill verá de imediato como o jogo funciona. E tirando essas questões mais estruturais, ainda há a possibilidade de alternar entre perspectivas de câmera fixa e em terceira pessoa, tudo funcionando 100% de acordo com o que se propõe. Há, e um modo em primeira pessoa é destravado ao concluir a campanha. Você escolhe como jogar.

Enquanto isso, seu design de fases é relativamente linear, com uma progressão lógica de campanha principal e diversos eventos secundários que envolvem backtracking, ações específicas e coletáveis. Tudo isso aumenta muito o fator replay, bem como um New Game+, modos de dificuldade e até mesmo skins pra Mica.

No geral, Hollowbody surpreende com uma boa quantidade de conteúdos e estimula bem a progressão com puzzles inteligentes e muita lore. A história é simples e até mesmo clichê, mas finais alternativos e vários documentos/interações deixam tudo ainda mais rico, com a possibilidade de te informar sobre eventos que geraram aquela catástrofe.

Combate variado, mas cheio de problemas

Além de ter grande foco no backtracking, Hollowbody também investe muito no combate, principalmente depois do segundo ato. E apesar de haver um certo grau de desafio em alguns encontros, nada melhor do que deixar quase todas as lutas difíceis por conta de incontáveis falhas nesse sistema.

O jogo se sabota muito por causa de seu combate falho. No melee, acertar os monstros é absurdamente frustrante, tanto pelo impacto ser mínimo quanto pelo hitbox ser extremamente inconsistente. E se você for enfrentar os inimigos maiores ou cachorros, nem se fala; os dogs são impossíveis, enquanto os grandões tankam muito dano e são as famosas “esponjas”.

A mesma coisa pode ser dita do combate à distância. A variedade de armas nesse jogo é bem grande, com várias coisas que podem ser usadas pra porrada (placa, guitarra, bastões e mais) e pra dar tiro (escopeta, pistola e lança-chamas. Porém, a imprecisão aqui é alta, e mesmo travando a mira com o “L2”, Mica frequentemente olha pra outro canto ou esquece do alvo.

Em encontros mais densos, como ocorre no fim do jogo, a melhor solução é simplesmente corres. Os cães vão encher seu saco até serem mortos, mas os outros inimigos uma hora te deixam em paz ou sequer conseguem acompanhar seu ritmo. É fácil escapar, então isso é o que eu mais recomendaria.

Tirando isso, a câmera de Hollowbody também atrapalha. Há muitos momentos com corredores estreitos que sofrem com inconsistências na câmera em terceira pessoa. A fixa consegue tankar bem por aparentar ter sofrido mais testes de qualidade, mas como tudo acontece em conjunto, o esperado era que existisse uma jogabilidade menos datada.

Survival horror em essência

Tirando esse aspecto do combate, Hollowbody tem a essência de um survival horror. Seus visuais retrô são cheios de detalhes e se destacam por meio de efeitos de sombras e de partículas, tudo por meio de um pixel-art mais avançado e borrado onde a escuridão, por exemplo, deixa as coisas mais tensas e inesperadas.

Já em termos de estrutura, você precisa ir e voltar com uma certa frequência pra conseguir cartões de acesso, fusíveis, objetos de quebra e outros itens de interesse a fim de abrir caminhos que antes estavam fechados. Nesse sentido, basta seguir seu instinto, pois a progressão no jogo é bastante intuitiva.

Outro ponto importante são os eventos opcionais em Hollowbody. Alguns deles mudam o final do jogo, enquanto outros te recompensam com elementos de combate ou lore. Então, vale a pena explorar bem pra descobrir como concluir quebra-cabeças e limpar as áreas, visto que têm alguns pontos sem retorno.

Fora isso, o design dos monstros é bem competente, apesar da pouca variedade. Seus sons também assustam e dão pistas sobre sua posição, algo que se ofusca em corredores e locais sem iluminação. E não se esqueça de observar bem o cenário, pois munições, itens de cura e armas brancas tão localizadas especialmente em becos sem saída.

Hollowbody tem potencial pra entregar muito mais

Apesar de sua história clichê ser mais interessante depois de encontrar documentos e outros arquivos, Hollowbody é competente no que se propõe. Vemos uma boa estrutura de terror de sobrevivência, com equilíbrio entre combate e exploração e vários elementos que fãs do gênero conhecem bem.

Seus visuais retrô também funcionam quase como algo familiar, visto que são bonitos, cheios de detalhes e enriquecidos por questões técnicas. Porém, não vá com muitas expectativas: nada é tão impressionante ou fora da curva, apenas um feijão com arroz bem feito.

Infelizmente, o combate é muito frustrante. Hitbox confuso, monstros que são esponjas, problemas na mira e inconsistências de câmera decepcionam e mais atrapalham do que ajudam. Recomendo muito jogar na câmera fixa, pois claramente é onde se tira o melhor resultado.

Hollowbody é um jogo curto e objetivo. Caso você curta essas experiências mais autorais e com essência do gênero ao qual se fundamentam, vale a pena conhecer esse. Mas caso os problemas que citei façam mais a diferença pra você, mesmo que o fator replay aumente a variedade de conteúdos por meio de NG+ e modos de dificuldade, melhor esperar o momento certo.

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A narrativa funciona sem o conhecimento prévio por que ela foi estruturada para ser um jogo prequel. Ou seja, os eventos se passam antes dos acontecimentos do primeiro jogo.

Uma coisa que não me agradou aqui é que a história é fragmentada em capítulos. Na maior parte dos capítulos, jogamos com personagens diferentes, em locais diferentes. Essa falta de continuidade me incomodou um pouco e penso que o jogo funcionaria melhor se seguisse o formato tradicional do storytelling. Contudo, é justo mencionar que as partes meio que passam a “conversar entre si” do meio pro final do jogo, contudo os capítulos iniciais causam bastante estranheza.

A atmosfera e a lore lembram muito Stranger Things. Crianças especiais com poderes telepáticos, organizações governamentais e mais. A história é relativamente curta, logo, não vou dar detalhes específicos. Ela se expande muito e aborda temas que certamente vão agradar os fãs mais ferrenhos da temática sci-fi.

O storytelling varia muito graças à inspiração em temáticas de horror e cyberpunk, além disso, fiquei positivamente surpreso com o quão bem cada “episódio” é bem escrito e os personagens são muito bem abordados mesmo com boa parte dos capítulos durando entre 40 a 60 minutos. Um grande ponto negativo pra mim é a falta do voice acting nos diálogos. Isso diminui consideravelmente o impacto narrativo e a retenção da atenção de quem joga.

A jogabilidade

A exploração de Echo Generation 2 é bem direta ao ponto. Como os cenários são relativamente lineares, você pode vagar pelas salas para encontrar cartas e interagir com NPCs.

A grande mudança está no sistema de combate. O primeiro funcionava como um RPG de turnos tradicional, já a sequência conta com um sistema completamente novo, misturando os turnos com mecânicas de deckbuilding.

Fiquei positivamente surpreso com a variedade de cartas e efeitos, e o interessante é que essa variedade permite que os jogadores construam múltiplas maneiras de jogar. Você pode montar um deck completamente ofensivo, que foi o meu caso, ou montar um deck híbrido, com opções de ataque e recuperação de defesa.

Na medida que fui progredindo, fui mesclando as cartas ofensivas com cartas de efeito e utilitárias, permitindo que meu personagem jogasse múltiplas vezes durante um turno. As cartas podem acionar efeitos. Você pode causar queimadura nos inimigos e usar uma carta para desencadear uma explosão por exemplo, causando dano massivo.

Vale mencionar que tudo isso funciona de maneira super intuitiva. Eu não tinha nenhuma experiência com jogos de cartas com exceção de Gwent e consegui progredir normalmente. As horas iniciais do game funcionam bem como uma introdução e a curva de dificuldade é amigável.

O jogo tem até uma mecânica de RPG-lite atrelada à progressão. Os personagens ganham experiência e mudam de nível, ganhando pontos de habilidade que podem ser aplicadas numa árvore de habilidades bem simples.

Direção de arte, som e desempenho

Artisticamente falando, Echo Generation 2 é um jogo super autoral. O estúdio manteve a ideia do primeiro jogo, continuando a aposta nos visuais em voxel art. A cereja do bolo aqui é o incremento nas técnicas de iluminação e sombreamento, dando uma camada extra muito bem vinda de detalhes, favorecendo a imersão.

Graças aos capítulos fragmentados, temos uma variedade impressionante de cenários e ambientes, o que ajuda a afastar o sentimento de repetição mesmo em longas sessões de gameplay.

Outro ponto que preciso destacar é a qualidade das animações. Tanto as cutscenes quanto o acionamento de cada carta é acompanhado de animações e efeitos belíssimos que tornam a experiência ainda mais charmosa.

Eu joguei em um Predator Helios 300 e, por ser indie, o jogo rodou de maneira satisfatória. Não tive nenhum bug, queda de frame ou qualquer coisa do tipo, indicando que o jogo está muito bem otimizado.

A parte sonora acompanha a qualidade visual. Os efeitos e trilha sonora são muito competentes e ajudam na imersão da trama. Como mencionei lá em cima, a parte sonora só deixa a desejar por conta da ausência de vozes nos diálogos.

Review de Echo Generation 2 – Vale a Pena!

Ter jogado Echo Generation 2 me deu uma vontade enorme de jogar o primeiro título da franquia e consumir mais e mais coisas da saga, logo, diria que a Cococucumber acertou em cheio na sequência. Eles entregam uma narrativa intrigante revestida por um sistema de jogabilidade baseado em cartas que é altamente viciante, intuitivo e que está super em alta dentro do mercado. Somado a isso, temos uma parte técnica e artística super competente, com um trabalho sonoro cheio de identidade e visuais em voxel belíssimos que ajudam a destacar Echo Generation 2 perante outros games do gênero. Super recomendo!

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É preciso reforçar também que outro aspecto muito intrínseco aos títulos mais recentes de Yoshi está no fato de serem jogos geralmente voltados para crianças. Esse aspecto, inclusive, acaba influenciando na qualidade final do game, já que eles muitas vezes eles costumam ser desprovidos de desafio — o que pode resultar em uma experiência mais tediosa para gamers mais veteranos.

Embora Yoshi and the Mysterious Book claramente continue com esse papel de ser um jogo bastante acessível também para os pequenos — chegando ao extremo ao eliminar totalmente o sistema de vidas —, sua abordagem única e o modo como ele mescla elementos de plataforma e mecânicas de puzzle me surpreendeu enormemente. É um jogo que eu comecei com uma certa apreensão, e terminei curtindo muito mesmo, mas… será que ele é para todo mundo?

Não julgue o livro pela capa

Começando pelo aspecto que possivelmente vai ser o maior ponto de contenda em relação à Yoshi and the Mysterious Book: esse é, de fato, um jogo com um forte apelo infantil. Dos gráficos estilizados que lembram um estilo todo rabiscado à lápis, ao gameplay desprovido de grandes obstáculos, Mysterious Book certamente tem tudo para encantar os pequenos. Não obstante, é um jogo que facilmente pode entreter pessoas mais velhas e gamers mais “hardcore” também.

Isso acontece, pois, embora Yoshi and the Mysterious Book não apresente obstáculos convencionais típicos do gênero de plataforma 2D, ele cria outros tipos de desafios de uma maneira muito única. Em outras palavras, ao jogar cada uma das fases de Mysterious Book, você não vai encontrar uma progressão típica de jogos de plataformas. Inimigos não podem te ferir. Buracos no chão não podem te matar. Não existe sequer um objetivo final claro em nenhuma das fases.

Ao invés de ser um jogo onde você deve utilizar as mecânicas de plataforma para ir da esquerda para à direita, até eventualmente chegar no “final da fase”, cada um dos níveis de Mysterious Book se apresenta como um pequeno mapa sidescrolling com uma forte pegada “sandbox”, totalmente baseado nas mecânicas e interações possíveis de se realizar com cada uma das dezenas de criaturas presentes no jogo.

Em outras palavras, Mysterious Book utiliza o estilo e movimentações de um jogo de plataforma para construir uma experiência bastante interativa, com um forte aspecto de puzzle. O objetivo principal em cada uma das fases passa então a ser a descoberta. Você precisa interagir com as criaturas das mais diversas maneiras possíveis, testando para descobrir quais são as suas características únicas e mecânicas especiais. E, de verdade, essa é uma ideia verdadeiramente espetacular.

Yoshi, o biólogo?

Em termos de narrativa, Yoshi and the Mysterious Book segue a pegada de outros jogos de plataforma da Nintendo de apresentar uma história bastante simples, que basicamente serve de plano de fundo para a apresentação de cada uma das dezenas de fases únicas presentes no jogo. Dessa vez, o jogo centra-se no titular livro misterioso, uma criatura mágica chamada N. Igma, que contém dentro de si uma série de criaturas únicas e misteriosas.

Após ser “raptado” por Bowser Jr., o livro misterioso vai parar na Ilha do Yoshi, e cabe ao dinossaurinho e sua trupe entrar no livro para descobrir o que está acontecendo. Durante esse processo, Yoshi precisa visitar diferentes biomas, como florestas, praias e montanhas, cada um com uma seleção única de criaturas estranhas e especiais.

Essa basicamente forma a estrutura básica do jogo, onde cada bioma se constitui como um capítulo único, e cada criatura apresenta uma fase diferente. Ao “pesquisar” a respeito de cada uma dessas criaturas, Yoshi passa a ajudar o livro N. Igma a preencher suas páginas, incluindo as diversas informações e interações únicas que cada uma das criaturas oferece.

Ainda nesse aspecto narrativo, vale destacar o fato de Yoshi and the Mysterious Book estar inteiramente localizado em Português do Brasil — o que é outro excelente aspecto nessa proposta de um jogo com apelo para todas as idades. Essa localização, inclusive, apresenta uma qualidade ímpar, já que tanto as descrições dos puzzles, momentos de diálogo com o livro N. Igma, e até mesmo o nome das criaturas está inteiramente adaptado para nossa língua, com trocadilhos divertidos e adaptações muito bem feitas.

Cada criatura, um puzzle a ser descoberto

A melhor coisa de Yoshi and the Mysterious Book está justamente em quão único ele é. Em termos de gameplay puro, é quase como se o jogo apresentasse uma (ou mais) mecânica única em cada uma das mais de 60 fases presentes no jogo. Isso se dá justamente devido ao modo como o jogo brinca com a ideia das diferentes criaturas, e os modos como cada uma delas oferece interações distintas.

De início, essas interações costumam ser bastante simples. O Yoshi consegue engolir a criatura e transformá-la em um ovo? Ele consegue pegar a criatura e carregá-la nas suas costas? Ao fazê-lo, a criatura oferece algum tipo de mecânica ou característica especial? O jeito como cada uma das criaturas responde a essas perguntas de maneira inteiramente diferente é o que torna a experiência do jogo divertida e criatura do começo ao fim.

Criaturas diferentes também oferecerão interações diferentes umas com as outras. Jogue um inimigo no outro, e você poderá vê-los brigando, interagindo, ou até mesmo se mesclando de maneiras curiosas. Cada uma dessas interações, inclusive, formam uma “marca” no livro, oferecendo estrelas que são utilizadas para desbloquear os biomas mais avançados.

Com base nessa ideia das mecânicas e interações, Yoshi and the Mysterious Book apresenta um tipo diferente de dificuldade, já que muitas vezes você precisa ser criativo para descobrir o que você realmente precisa fazer para finalizar aquela determinada fase. Além disso, o jogo não mede esforços em apresentar ideias novas a cada fase. Muitas vezes, você vai encontrar uma mecânica absurda, que poderia sozinha render um jogo independente todo, por exemplo. Porém o jogo vai explorá-la em uma, duas ou três fases, e depois introduzirá outra mecânica tão divertida e única quanto.

Um livro bonito de se ver

Para entregar toda essa experiência divertidíssima de puzzle e plataforma, Yoshi and the Mysterious Book mescla estilos gráficos distintos de uma maneira surpreendente. Quando Yoshi está fora do livro misterioso, conversando com N. Igma e folheando as páginas do compêndio, o jogo apresenta um estilo 3D mais típico dos jogos da franquia Super Mario.

Todavia, a coisa toda fica muito mais interessante em termos visuais quando Yoshi adentra-se em cada uma das páginas do livro. Ao visitar cada uma das criaturas e biomas presentes do livro, Yoshi passa a fazer parte de um ambiente lindamente renderizado com um estilo que lembra desenhos de extrema qualidade, inteiramente feitos com lápis de cor. 

Essa abordagem única nos visuais também está presente nas animações e interações presentes em cada fase, já que todos os personagens são animados em um estilo stop motion, com frames “pulando” propositalmente para dar a impressão de uma animação de modelos feitos à mão. Tudo isso é acompanhado por uma trilha sonora divertida, que faz um bom trabalho para pontuar os diferentes ambientes e biomas.

Em termos de performance, o jogo roda a 60 frames por segundo tanto no modo portátil quanto no modo TV, e apresenta gráficos bastante bonitos, que brilham muito na tela grande. Curiosamente, esse é o primeiro jogo desenvolvido pela Nintendo a utilizar a Unreal 5, e existem pequenos detalhes que mostram algumas possíveis limitações da engine: o jogo apresenta uma resolução dinâmica, que pode ficar um pouco borrada no modo portátil, em segmentos muito específicos. Nada que atrapalhe a experiência final, mas é um detalhe que poderia ser melhorado em patches.

Review de Yoshi and the Mysterious Book — um plataforma único para todas as idades

No final das contas, Yoshi and the Mysterious Book oferece uma experiência diferente do convencional, mas que pode ser apaixonante para aqueles que derem uma chance às suas ideias únicas. Ao invés de focar-se em elementos de plataforma 2D convencional, o jogo constrói uma experiência muito baseada em puzzle, onde a criatividade e curiosidade é recompensada.

Com uma campanha que dura cerca de 10 horas, mas que pode ser expandida enormemente caso você tente completar todos os objetivos em cada fase, Yoshi and the Mysterious Book se configura como um dos exclusivos mais especiais do Switch 2. Certamente, é um jogo que pode não agradar todo mundo, já que ele é muito diferente do convencional, mas ele tem qualidades em aspectos muito distintos e especiais.

Caso você tenha uma criança pequena, Yoshi and the Mysterious Book é uma ótima opção de jogo com um forte apelo infantil. Porém, diferente de outros jogos para crianças que se tornam muito infantis ou muito fáceis, Yoshi and the Mysterious Book oferece qualidades e mecânicas capazes de agradar pessoas de todas as idades. É um jogo muito bom, dentro da sua proposta única.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Nintendo.

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Desenvolvido pela Leap Studio, o game chega no dia 26 de maio para PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch e PC. O jogo já estava disponível em acesso antecipado desde 2024 no PC, onde acumulou avaliações muito positivas na Steam, e agora finalmente estreia em sua versão completa nos consoles.

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Depois de quase 10 horas jogando no PlayStation 5, ficou fácil entender por que tanta gente gostou do projeto. Realm of Ink possui um loop de gameplay viciante e um fator replay muito forte. Ao mesmo tempo, também apresenta alguns problemas que impedem o jogo de alcançar um nível ainda melhor.

Fica comigo nesta review de Realm of Ink e entenda o que funciona tão bem no jogo e quais pontos ainda precisam de ajustes. Caso prefira, segue a análise em vídeo:

Os personagens carregam boa parte do jogo

Logo nas primeiras runs, fica claro que o principal destaque de Realm of Ink está nos personagens jogáveis. São 10 personagens diferentes, cada um com armas e estilos próprios de combate.

Existem personagens focados em ataques rápidos corpo a corpo, outros mais voltados para magia e até personagens focados em ataques à distância.

O fator replay nasce justamente daí. Em vários momentos eu terminava uma run e já queria começar outra apenas para testar um personagem diferente.

E sinceramente, esse é um dos maiores acertos do jogo.

Builds e relíquias fazem as runs funcionarem muito bem

A estrutura das runs segue aquele modelo clássico do gênero. Você avança por salas derrotando inimigos, enfrenta mini-chefes e bosses principais e escolhe recompensas no final de cada combate.

As builds possuem bastante profundidade graças ao sistema de elementos. Fogo, água, terra e metal, madeira, entre outros, alteram bastante o funcionamento da gameplay e permitem estilos diferentes de construção. Durante boa parte do meu tempo jogando, por exemplo, eu utilizei builds focadas em queimadura e dano contínuo.

O jogo também trabalha com uma grande quantidade de relíquias, elixires, vantagens e melhorias passivas. Por isso, ler os efeitos dos itens faz bastante diferença, principalmente nas dificuldades mais altas. Não é um roguelite onde você pode simplesmente escolher qualquer upgrade no automático esperando que tudo funcione.

Outro ponto positivo está justamente na quantidade de conteúdo. Realm of Ink oferece dezenas de relíquias, muitos NPCs, mascotes, upgrades permanentes e sete níveis de dificuldade. Sempre existe algo novo para desbloquear ou testar.Foi exatamente isso que me manteve jogando por tantas horas seguidas.

Pense bem em como vai evoluir

Constantemente, durante as runs, eu passei pela HUB do game, um local onde ficam os NPC’s prontos para evoluir nosso personagem e/ou ajudar em algo e, aqui fica uma parte crucial para se dá bem em Realm of Ink.

É a hora de tomar as melhores decisões possíveis, qual runa evoluir, como gastar suas suadas moedas, qual comida ingerir, etc.. Fica ligado nisso, vai por mim, é muito importante saber qual decisão tomar.

Os principais NPC’s que estão sempre na HUB pra te ajudar são:

• Grace: Melhora suas relíquias
• Golda: mercador de reliquias e vantagens
• Chefe Jade: prepara os suplementos

• Quilin de tinta: troca pedras por vantagens

O combate diverte, mas a tela vira bagunça em vários momentos

A gameplay é rápida e funciona muito bem quando tudo está sob controle. O problema começa quando a build evolui e o jogo enche a tela de efeitos visuais e partículas acontecendo ao mesmo tempo.

Em vários momentos eu simplesmente não conseguia diferenciar meus ataques dos golpes inimigos. Inclusive, recomendo bastante desativar os números de dano nas configurações e aumentar a transparência dos efeitos. Isso ajuda um pouco na leitura visual do combate.

Mesmo assim, Realm of Ink exagera nos efeitos em diversos momentos. Teve partes em que eu só desviava e apertava os botões quase no instinto porque a tela estava confusa demais. Atrapalha demais e deixa a gente no automático.

As dificuldades finais poderiam ser melhor balanceadas

O game possui sete níveis de dificuldade, e até o quinto nível a progressão funciona bem. O problema aparece na transição para os níveis 6 e 7. A dificuldade sobe muito de uma vez.

Os inimigos passam a absorver bastante dano e o jogo começa a exigir builds muito mais específicas. Até aí tudo bem, porque esse tipo de desafio faz parte do gênero. O problema real está no funcionamento do endgame.

Depois de derrotar o chefe principal nas dificuldades maiores, o jogo libera uma área extra com novos desafios e um chefe verdadeiro. Só que essa parte final praticamente não entrega recursos suficientes para melhorar sua build.

Os NPCs continuam aparecendo normalmente na Hub, mas quase não existem materiais ou moedas suficientes para comprar melhorias relevantes. Em vários momentos eu chegava até os comerciantes sem conseguir fazer praticamente nada.

Foi uma decisão que deixou essa parte final estranha em termos de progressão.

Chefes e cenários ajudam na variedade das runs

Apesar disso, Realm of Ink acerta bastante nos cenários e nos chefes. As áreas possuem boas diferenças visuais entre si, variando entre ruínas, florestas, montanhas, jardins e oásis. O jogo utiliza um estilo inspirado em pinturas tradicionais chinesas e consegue construir uma identidade própria.

Alguns cenários das dificuldades finais são especialmente bonitos.

Já os chefes conseguem variar bem as batalhas. Existem bosses focados em velocidade, outros com invocações e até lutas contra múltiplos inimigos ao mesmo tempo. Os mini-chefes também ajudam a quebrar o ritmo das runs.

A história existe, mas dificilmente será o motivo para continuar jogando

Realm of Ink tenta trabalhar uma narrativa envolvendo a protagonista Espadachim Vermelho (Red) e sua busca por liberdade dentro do chamado Caminho Celestial.Só que a história acaba sendo simples demais.

O jogo tenta seguir aquela estrutura em que NPCs liberam novos diálogos após cada run, mas aqui isso acontece de forma muito limitada. Depois de algumas partidas, vários personagens praticamente deixam de ter algo interessante para dizer.

Os finais também acabam decepcionando bastante e passam longe de entregar um encerramento marcante.Não considero a narrativa ruim, mas ela claramente não foi o que me manteve interessado no jogo.

Visual agradável, boa performance e trilha sonora pouco memorável

Visualmente, Realm of Ink possui personalidade própria graças ao estilo inspirado em pinturas orientais, falando especificamente dele, o mesmo usa o Ink-wash painting, ou Shui-mo, uma pintura tradicional chinesa. O resultado funciona bem, principalmente nos cenários mais avançados.

Em relação ao desempenho, o jogo rodou bem no PlayStation 5 durante praticamente toda a análise. Não encontrei quedas de FPS durante os combates, o que é importante para um roguelite tão rápido.

Por outro lado, senti alguns engasgos em menus, principalmente ao trocar personagens ou substituir relíquias. Também encontrei pequenos problemas de tradução e textos cortados na interface. Nada grave, mas são detalhes que ainda poderiam receber ajustes.

Já a trilha sonora acabou sendo um ponto fraco para mim. Os efeitos sonoros funcionam bem durante o combate, mas as músicas rapidamente começaram a ficar repetitivas. Em boa parte do tempo, eu preferi abaixar o volume do jogo e ouvir música enquanto jogava.

Review de Realm of Ink: vale a pena?

Finalizo esta review de Realm of Ink cravando que ele é um roguelite divertido e com bastante conteúdo para quem gosta do gênero. A variedade dos personagens e a quantidade de builds que podem ser criadas conseguem sustentar muitas horas de jogo.

Ao mesmo tempo, o jogo também sofre com problemas claros de poluição visual, algumas decisões estranhas de progressão nas dificuldades finais e uma narrativa pouco interessante.

Mesmo assim, Realm of Ink consegue acertar justamente no ponto mais importante para um roguelite: a vontade constante de começar mais uma run e nisso ele acerta na mosca. Resumindo, ele pode fazer uma bela pintura na sua biblioteca gamer.

Curtiu esta review de Realm of Ink? Fica com outras análises do nosso time:

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Meu contato com a franquia começou de um jeito simbólico. Através de meu pai. Ele adora os filmes antigos de James Bond e acabei nutrindo a mesma admiração.

Acho importante deixar isso claro pra ilustrar o tamanho das minhas expectativas para o jogo. Inicialmente, lá na época do anúncio, eu estava cautelosamente otimista.

Apesar da IO Interactive ser um estúdio renomado, não conseguia enxergar a equipe entregando um jogo memorável de James Bond. Nos games, a IP estava simplesmente abandonada. Felizmente, eu estava redondamente enganado.

A IO Interactive entrega um jogo que faz jus ao legado gigantesco do personagem e que se posiciona facilmente como um dos melhores games do gênero em toda a história. Confira abaixo meu review de 007: First Light e saiba por que eu achei a aventura fantástica!

A Serviço Secreto de Sua Majestade

Interpretar James Bond, mesmo que em um jogo eletrônico, não é nada fácil. O personagem apresenta vários maneirismos e um charme que o ajudaram a se tornar um símbolo cultural.

Para a minha surpresa, Patrick Gibson não só brilha no papel como rivaliza com grandes nomes que assumiram o manto, como Roger Moore e Pierce Brosnan. First Light é uma história de origem mas, apesar disso, a IO teve o cuidado em escrever James já com um nível elevado de autoconfiança e carisma.

A escrita precisa ser destacada aqui. O roteiro como um todo do jogo rivaliza com os maiores filmes da saga. Temos vários personagens muito bem escritos e setpieces de tirar o fôlego que se espalham em países conhecidos e exóticos.

O panteão de 007 é revitalizado. Moneypenny, Q, M… todos eles marcam presença na obra de um jeito novo mas mantendo as características centrais que eternizaram esses personagens no imaginário popular.

É impossível um fã de 007 não lembrar de Judi Dench com a atuação de Priyanga Burford. Ela serve como uma necessária dose de controle para a impulsividade enebriante de James. A versão escolhida de Q, interpretada por Alastair Mackenzie, lembra muito a de Desmond Llewelyn.

Uma mudança que me agradou bastante é a relação entre James e Moneypenny. A personagem tradicionalmente era colocada em um papel secundário, muitas vezes de secretária apaixonada, mas em First Light ela tem um papel ativo, servindo como o suporte de TI e meio que a central de inteligência entre missões. A relação entre os dois é divertidíssima graças à um roteiro impecável e diálogos inteligentes.

Um ponto que me deixou em cima do muro foram os antagonistas. Suas motivações, mesmo que atreladas à temas atuais como inteligência artificial e controle de mercados, acabam sendo mal exploradas, o que acaba dando a eles um ar meio caricato e de superficialidade.

Seria fantástico se a equipe fugisse um pouco do esperado para um jogo como esse. Considerando que a franquia apresentou alguns dos vilões mais icônicos do entretenimento como Blofeld, Zorin, Dr. No e Stromberg, eu esperava um pouco mais nesse departamento.

Vale mencionar que não estou afirmando que o game entrega vilões ruins e sim que optaram por jogar um pouco mais no seguro. Também preciso exaltar o tremendo respeito e conhecimento que a IO Interactive demonstrou com a franquia.

Em muitos momentos você se vê jogando um dos filmes da franquia, mas de um jeito extremamente positivo e amplificado. A qualidade da escrita, os Aston Martin e Range Rover, os drinks, os flertes com belas damas… cada peça, pequena ou grande, do que compõe o “mythos” de 007 é apresentada de maneira genial.

É um desafio hercúleo construir um James que ainda está se tornando o lendário 007 mas a equipe sorriu para o perigo e soltou o: Sem Tempo Para Falhar. Poder ver um pouco do treinamento do Programa 00 e o início do que pode se tornar uma das franquias mais icônicas dos games é um privilégio.

No mais, a duração do jogo é bem interessante. São 17 capítulos ao todo e muitos deles possuem um elevado fator replay graças ao brilhantismo da IO Interactive. Uma jogatina em um ritmo normal vai levar entre 14 a 16 horas.

Na maior parte das vezes, os objetivos podem ser concluídos de várias maneiras diferentes. Por exemplo, em uma das missões iniciais, eu precisava garantir o acesso aos andares superiores de uma boate. O próprio jogo sugere subir pela sacada ou passar sorrateiramente pela área dos funcionários.

Eu andei um pouco pela boate e surgiu uma oportunidade de escutar uma das pessoas da boate. Na conversa, ela fala sobre uma lista e avisa pra pessoa falar o nome Jones na bilheteria para conseguir o acesso ao “lounge premium”.

Com a informação, Bond consegue ir até a bilheteria, falar o nome e cumprir o objetivo de um jeito completamente diferente. Outra opção seria entrar sorrateiramente na bilheteria, distrair os funcionários e roubar o carimbo com o selo do lounge vip.

Isso se repete em praticamente todas as missões e objetivos principais, permitindo que o jogador exerça sua criatividade. O level design é inteligente e variado, trazendo um frescor e uma lição importante para a indústria como um todo.

Licença para Matar

A jogabilidade de 007: First Light bebe da fonte de IPs conhecidíssimas. Temos inspirações diretas em Hitman, outro jogo da IO Interactive, Watch Dogs, Uncharted e surpreendentemente Batman: Arkham.

Com a campanha promocional, milhares e milhares de jogadores mundo afora compararam o jogo à Uncharted mas essa é uma das inspirações mais tímidas do game.

Os trechos furtivos e o design aberto das missões lembram muito o que vimos no game mais recente do Agente 47. Pra quem estava preocupado no game ser uma skin de Hitman, a diferenciação é cristalina aqui.

A campanha dosa bem entre espionagem e combate frenético, mas você pode concluir praticamente todos os trechos de combate do jogo indo pra cima dos inimigos. A furtividade é completamente opcional.

Eu joguei na dificuldade Normal e achei que ela proporciona uma experiência justa. Os inimigos conseguem te detectar razoavelmente fácil quando você entra no campo de visão deles, mas existe tempo o suficiente para tomar medidas em relação a isso.

O combate corpo a corpo lembra, surpreendentemente, uma evolução do que vimos em Batman: Arkham. Aparar e desviar de golpes é vital para nocautear os inimigos. É absurdo o quanto o combate, tanto corpo a corpo, quanto com armas, está prazeroso. Tudo tem impacto, com animações de ponta e um leque amplo de opções.

James Bond é versado em várias artes de combate e o título deixa isso claro. Podemos agarrar inimigos e lançar eles de parapeitos e temos uma interatividade bem alta entre o combate e o ambiente. Arremessar inimigos em janelas de vidro faz elas quebrarem e atordoarem o adversário. Jogar eles em direção à um extintor de incêndio causa uma “explosão” e tanto, e por aí vai!

Os abates ambientais são divertidíssimos e funcionam como um charme a mais. No quesito armas de fogos, temos opções como pistolas, submetralhadoras, fuzis, escopetas… a balística de cada arma está excelente, com o devido impacto ao atingir os inimigos. O uso de armas de fogo não é livre! James só recebe a famosa “Licença Para Matar” caso um inimigo empunhe e use uma arma de fogo.

Somado a isso, os gadgets lendários de Bond retornam. Temos inserções inéditas pensadas exclusivamente para o game e outros dispositivos que se tornaram uma marca registrada da saga. Não vou mencionar em específico quais são, mas se você for um fã de Bond, prepare-se para sorrir bastante.

Agora, você deve estar se perguntando, tá, mas e onde Watch Dogs entra nisso? Bom, o dispositivo central de James é seu super relógio Omega. O relógio usa bateria e consegue hackear dispositivos, disparar feixes de laser e mais. Ele é uma peça essencial para a progressão em certas fases, criando distrações para os adversários e proporcionando uma espécie de Visão de Detetive para quem busca os colecionáveis.

Um ponto que preciso mencionar é que aplicaram melhorias significativas na dirigibilidade dos veículos e os trechos de perseguição estão fantásticos, parecendo ter sido retirados diretamente dos filmes.

Tem uma parte com o caminhão de lixo que, quando combinada com a trilha sonora, se torna um momento incrivelmente emblemático! O estúdio teve cuidado até com as marcas dos veículos, revelando um licenciamento coerente com o legado de 007. A Range Rover e a Aston Martin são presenças constantes ao longo da trama.

Uma grande surpresa na jogabilidade é a existência do TacSim, um simulador de missões e operações que funciona como um modo arcade e adiciona uma bela dose de fator replay no jogo. Através do TacSim podemos obter recursos para desbloquear cosméticos e melhorias para os dispositivos.

Os fãs de Hitman vão se esbaldar nesse modo! São dezenas de desafios que obrigam o jogador a pensar fora da caixa e dominar todos os sistemas do jogo!

Batido, não mexido

A célebre frase de 007 pode ser perfeitamente usada para explicar o quão absurda é a experiência que a IO Interactive criou. Chega a ser engraçado, por que é um jogo com um valor de produção de Hollywood.

As cutscenes são fantásticas e bem editadas, as performances estão absurdas, evidenciando um trabalho impecável de mocap… a trilha sonora tem o mesmo nível de qualidade dos filmes e os efeitos e música-tema tocam em momentos chave, deixando tudo mais épico…

Eu não tive nenhuma queda de frame ou crash durante minhas quase 30 horas com o jogo. A única coisa que notei, com bastante frequência, foram texturas sendo carregadas em tempo real. Um patch aplicado recentemente diminuiu o problema mas ele ainda acontece. Fora isso, toda a parte técnica beira o absurdo.

A Glacier Engine entrega um nível de realismo muito bem-vindo para esse tipo de jogo. Os cenários são ultradetalhados e metódicos, reforçando o nível de paixão aplicado pela equipe no projeto.

Em várias ocasiões eu entrava em salas e ficava admirando os elementos ao redor, como quadros, o acabamento das paredes e mais. O luxo é um elemento constante dentro do universo Bond e por isso visitamos locais emblemáticos repletos de arquitetura e história.

Também fiquei impressionado com a quantidade de NPCs na tela. Tem missões que vemos 150-200 pessoas na tela de maneira simultânea e todas são bem únicas. Visitar um baile lotado aumenta e muito a imersão na aventura.

No mais, 007: First Light entrega uma experiência cinematográfica de altíssima qualidade, com setpieces absurdos e tudo que se espera de um jogo protagonizado por James Bond. Roteiro, engine, game design.. tudo aqui se encaixa para entregar uma experiência digna da atual geração.

Review de 007: First Light – Candidato ao GOTY

007: First Light é o melhor jogo que eu joguei em 2026 até agora. É incrivelmente difícil trabalhar com uma IP tão impactante e importante para o entretenimento, mas a IO Interactive faz isso com maestria, respeitando o legado do maior espião do mundo enquanto entrega uma história de origem que parece ter sido liderada pelo próprio Ian Fleming.

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Ele tinha certa fama, teve vários jogos e muita gente lembra dele até hoje, principalmente pelo jeito extremamente falastrão durante as fases. Mas, sinceramente, ele nunca entrou no meu “top mascotes” daquela época. Meu favorito sempre foi o Mario, então o Bubsy acabava ficando mais como aquele personagem curioso que aparecia aqui e ali.

Só que o mais engraçado é que o próprio Bubsy 4D parece reconhecer a fama meio conturbada do personagem. O jogo faz piada com isso o tempo inteiro.

Ele entende que Bubsy virou quase um personagem “difamado” dentro do mundo dos games depois de alguns títulos bem criticados, especialmente Bubsy 3D, lançado originalmente em 1996 e lembrado até hoje pelos controles confusos e pela tentativa de levar o mascote para o 3D sem muito sucesso.

Agora, em 2026, a Fabraz, junto da Atari — que adquiriu os direitos da franquia em 2023 — tenta novamente trazer o personagem de volta aos holofotes. E olha… apesar de vários problemas claros, eu admito que me diverti mais do que imaginava.

O jogo chega em 21 de maio para Nintendo Switch, PlayStation, Xbox e PC. Quer saber tudo o que eu achei dessa nova empreitada do personagem? Fica comigo nesta review de Bubsy 4D e, caso prefira, segue a análise em vídeo:

História simples, mas isso não é um problema

Começo esta review de Bubsy 4D pela história do game. Ela é extremamente simples, quase como uma desculpa para colocar você nas fases, mas sinceramente? Em jogo de plataforma isso raramente é um problema.

Os eternos inimigos da franquia, os Woolies, roubam todos as ovelhas da Terra. Só que as ovelhas acabam se rebelando contra os próprios captores e retornam como os BaaBots, criaturas armadas com tecnologia Woolie e determinadas a roubar o bem mais precioso do Bubsy: seu novelo dourado.

A partir daí, Bubsy reencontra personagens conhecidos da franquia, como Terri, Terry e Virgil enquanto segue numa jornada para derrotar novamente os vilões.

É uma história extremamente clichê e previsível, mas ela funciona como pano de fundo para a aventura. E sinceramente? Plataforma nunca precisou de uma narrativa ultra complexa para funcionar.

O mais divertido é justamente perceber que o próprio jogo brinca com a imagem meio caótica do Bubsy. Ele continua falastrão, continua soltando frases aleatórias e comentários o tempo inteiro, mas agora parece existir uma autoconsciência muito maior sobre isso.

O problema é que boa parte dessas piadas pode simplesmente passar batida para jogadores brasileiros, porque o jogo não possui qualquer localização em português. Nada. Nem legendas, nem interface, nem dublagem. E como o humor do Bubsy depende bastante de diálogos rápidos e piadas bobas, você acaba perdendo parte da experiência caso não entenda inglês.

Quando a movimentação encaixa, Bubsy 4D realmente fica divertido

O jogo possui três mundos principais divididos em cerca de 15 fases no total, cada um deles encerrando com um chefe. A estrutura lembra bastante algo próximo de Super Mario 3D World, com fases mais delimitadas, mas ainda oferecendo espaço para exploração, coletáveis e desafios opcionais.

Você pode simplesmente correr até o final da fase ou tentar completar objetivos extras, como pegar todos os colecionáveis, finalizar dentro de um determinado tempo ou procurar itens escondidos que desbloqueiam roupas e habilidades para o personagem.

Inclusive, o fator replay vem justamente daí. Embora a campanha principal seja relativamente curta — eu levei entre sete e oito horas para finalizar explorando bastante coisa — existe bastante conteúdo para quem quer fazer 100%, buscar platina ou focar em speedrun.

O game possui um modo chamado Nine Lives, o qual você não pode recever 9 hits, ou seja, levou 10 hits, já era! É Game Over. Bem legal pra quem busca um desafio maior!

O game possui pulo duplo, pode planar, escalar paredes usando as garras, se transformar numa bola gigante para ganhar impulso e ainda fazer um salto diagonal bem legal. Quando tudo isso começa a funcionar junto, o gameplay realmente flui.

Só que existe um problema: o jogo complica demais alguns comandos.

Para jogadores acostumados com plataforma, isso provavelmente não será um problema tão grande. Mas para alguém menos familiarizado, muita coisa pode parecer confusa. Você precisa combinar várias mecânicas ao mesmo tempo em certas plataformas, e isso acaba criando momentos meio desajeitados.

Caso você se perca em meio à vários movimentos, o game conta com um menu de movimentos, o Moveset Menu, onde você pode ver todos os comandos úteis.

A câmera atrapalha mais do que ajuda em vários momentos

Se teve algo que realmente me incomodou durante boa parte da experiência foi a câmera.

Ela frequentemente se perde sozinha, gira de forma estranha e atrapalha bastante em algumas sequências de plataforma mais precisas. Em speedruns isso fica ainda pior, porque você precisa constantemente reajustar a câmera apertando R3 para recentralizar tudo.

Dá até para perceber que os próprios desenvolvedores sabiam desse problema, porque o recurso de reset rápido da câmera claramente existe para minimizar isso. Só que ainda assim, em vários momentos eu acabava brigando mais com a câmera do que propriamente com a fase.

Outro ponto que também não funcionou muito bem para mim foi o uso do DualSense.

O jogo claramente tenta criar uma experiência mais imersiva usando os recursos do controle, principalmente os sons saindo do alto-falante enquanto Bubsy fala ou interage com o cenário. Só que sinceramente? Parece uma tentativa de replicar o que Astro Bot faz de maneira brilhante — mas sem o mesmo cuidado.

Não chega a estragar a experiência, mas também não adiciona praticamente nada.

Divertido, mas tecnicamente bem limitado

Visualmente, Bubsy 4D me decepcionou um pouco.

Eu entendo perfeitamente que estamos falando de um jogo com menor escopo, mas sinceramente, em pleno 2026, eu esperava algo mais caprichado visualmente. Alguns mundos possuem cores agradáveis e um visual simpático, mas o último mapa especificamente eu achei realmente feio. A paleta de cores é apagada e pouco chamativa.

Não é um jogo horrível visualmente, longe disso, mas também passa muito longe de impressionar.

Em compensação, a performance foi estável durante praticamente toda a experiência. Não tive quedas de FPS relevantes no PlayStation 5, mesmo em momentos mais movimentados.

Os problemas aparecem mais na parte técnica visual mesmo:pequenas falhas de colisão, Bubsy atravessando partes do cenário e um bug específico em que fiquei preso numa parede e precisei reiniciar o jogo.

Nada absurdo, mas são detalhes que claramente mostram certa falta de polimento.

A trilha sonora funciona, mas os efeitos sonoros roubam a cena

A trilha sonora segue um estilo mais puxado para jazz e blues, e sinceramente, combina bastante com a proposta do jogo. Não é nada memorável ou algo que eu vou sair ouvindo depois, mas funciona bem enquanto você joga.

Agora, os efeitos sonoros eu gostei bastante.

O Bubsy gritando quando cai de lugares altos, os sons exagerados durante movimentação, os efeitos das habilidades e até os barulhos enquanto ele fica parado ajudam muito a dar personalidade para o personagem e deixam a experiência mais imersiva.

Por outro lado, achei bem ruim a parte de áudio envolvendo diálogos com NPCs. Algumas vozes e efeitos parecem mal mixados ou simplesmente estranhos.

Review de Bubsy 4D – Vale a pena?

Finalizo esta review de Bubsy 4D dizendo que ele me surprrendeu, positivamente e dependendo do que você espera dele, isso pode acontecer contigo também.

A Fabraz claramente entendeu que precisava respeitar a identidade caótica do personagem, mas ao mesmo tempo atualizar sua jogabilidade para os dias atuais. E embora o jogo tenha vários problemas técnicos, uma câmera inconsistente e um visual apenas razoável, existe aqui um plataforma genuinamente divertido.

Quando você domina as mecânicas de movimentação, o gameplay fica muito satisfatório. Explorar as fases, fazer speedrun, coletar itens e testar habilidades realmente funciona.

Ele não tenta ser o próximo grande mascote da indústria. Não tenta competir com Mario. Não tenta reinventar o gênero. E talvez justamente por isso ele consiga funcionar melhor do que muita gente imagina.

Se você gosta de jogos de plataforma 3D mais simples, sente falta daquele clima de mascotes clássicos dos anos 90 ou simplesmente quer algo leve e divertido para jogar por algumas boas horas, Bubsy 4D consegue entregar isso.

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Como tudo em Warhammer, entender a lore e a história por trás desse lançamento é uma das melhores partes da experiência. O jogo trata do embate entre duas das facções mais queridas pela comunidade: os Adeptus Mechanicus, entidade tecno-religiosa com origem em Marte, que cultuam o Deus Máquina como verdade suprema e são os responsáveis por proteger, criar e manter a engrenagem de guerra e tecnologia do Império girando sem parar; e os Necrons, uma dinastia composta por robôs humanoides que já foi a força dominante há muito tempo, mas que se encontra adormecida por dezenas de milhões de anos e aos poucos desperta para reerguer sua antiga dominação galáctica.

A história

A trama do jogo acontece em um novo planeta, onde os Mechanicus estabelecem indústrias de manufatura tão enormes que podem ser vistas até do espaço, mas que, em sua expansão, dão de cara com tumbas de Necrons prontas para defender seus domínios. É uma história bem parecida com a do primeiro jogo, mas, ao contrário do mesmo, esse novo planeta é tão abundante em recursos e valioso para o Império que logo no início da campanha já sabemos que um Exterminatus (destruição completa do planeta) está fora de questão. Por isso, temos que fazer de tudo para conquistá-lo… ou defendê-lo.

Isso mesmo, de forma inédita, temos também o controle dos Necrons, podendo escolher qual das duas campanhas jogar logo após o tutorial. Algo bem interessante, que já existia no primeiro jogo, é o contraste entre os Adeptus Mechanicus — humanos que pregam que “a carne é fraca” e consideram o fator biológico nojento, sempre almejando a implementação de peças biônicas e a remoção de órgãos “inúteis” na busca pela perfeição — e os Necrons, entidades robóticas privadas de suas almas e carne por conta de seu passado, sendo o objetivo de vários lordes necrons o resgate de seus corpos originais. Um dos maiores exemplos dessa dicotomia é como os humanos do jogo falam em Lingua-Technis, um dialeto binário composto de zumbidos eletrônicos, enquanto os alienígenas da trama falam em inglês praticamente nativo.

O gameplay

O gameplay do jogo está significativamente diferente do primeiro. Nele, tínhamos como equipe principal seis techno-padres totalmente customizáveis, com algumas poucas tropas adicionais para servirem como distração ou fonte extra de dano. Porém, um problema dessa liberdade irrestrita era que algumas armas e árvores de habilidades eram claramente superiores, o que resultava, no fim das contas, em seis techno-padres praticamente idênticos, tornando a experiência um pouco repetitiva após certo tempo.

Na sequência, finalmente podemos controlar os líderes da expedição em campo de batalha, e cada um dos personagens traz uma gameplay bem diferente entre si, principalmente porque cada líder tem a possibilidade de seguir mais de uma build.

O Lector-Dogmático Videx, por exemplo, pode ser uma fonte de cânticos que fortalece todas as tropas aliadas e enfraquece as inimigas ao seu redor, ou um “deleta boss” de longa distância com seu canhão Arco-voltaico. Outro exemplo é Captrix, que pode focar em aumentar o desempenho de seu exército Skitarii ou aumentar a quantidade de vezes que a mesma pode entrar em modo furtivo nas batalhas.

Isso também se aplica aos Necrons e seus vários líderes, mas a raça alienígena tem bastante coisa diferente, como um sistema de recrutamento e a própria mecânica de ressurreição icônica dos ciborgues, entregando uma gameplay bem especial.

A parte visual está ótima, uma evolução clara em relação ao primeiro jogo. Claro, não teremos gráficos AAA, ray tracing nem nada do tipo, mas, para o gênero e o estilo de apresentação do jogo, diria que está entre os melhores que já joguei. Os efeitos de alguns ataques e a diversidade dos personagens estão muito bons.

Entretanto, agora vem a parte que mais me decepcionou no jogo — justamente o que eu mais estava hypado e, sem dúvida, o melhor departamento do primeiro jogo: a dublagem e a trilha sonora.

Qualquer pessoa que jogou o primeiro Mechanicus (ou qualquer fã de Warhammer) sabe o quão incrível e única é a dublagem, principalmente a música do jogo. A Lingua-Technis é apresentada de forma majestosa e coesa (principalmente pela Assassina do grupo, Captrix), com uma trilha completamente imersiva e representativa do que é ser parte dos Adeptus Mechanicus, com destaque para as faixas “Noosphere” e “Children of the Omnissiah”, ambas presentes na minha playlist quase diariamente.

A dublagem de Mechanicus 2, à primeira vista, parece idêntica, e realmente alguns personagens novos prenderam minha atenção em suas introduções. Porém, fica claro que a Lingua-Technis do jogo tem muitas faixas repetidas e sem o mesmo impacto do anterior. A trilha sonora consegue ser ainda mais decepcionante, não porque as músicas sejam ruins, mas porque literalmente não dá para ouvi-las durante o jogo! Em várias fases e sessões notei que ou a música era muito tímida, o áudio estava baixo ou simplesmente não havia nada tocando ao fundo, deixando a gameplay totalmente à mercê dos efeitos sonoros do combate (que, ao menos, são excelentes — os tiros de laser são absurdos). Na minha opinião, isso é quase inadmissível, e torço para que seja um bug ou que seja corrigido em breve.

Vale a pena?

Warhammer 40,000: Mechanicus 2 é, no fim das contas, um ótimo jogo ambientado nesse universo do qual sou tão apaixonado. Sua qualidade no gameplay, história e apresentação entregam uma experiência bem bacana. Porém, pessoalmente, a grande queda no departamento de áudio deixou uma ferida considerável no meu coraçãozinho de fã.

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A DLC Bhashiva

Os Homens-Tigres finalmente chegaram ao jogo. Felinos humanoides extremamente ferozes e sorrateiros, eles possuem uma população minguante e precisaram da ajuda do Dragão de Ferro de Cathay, Zhao Ming, para se estabelecerem novamente. Tendo como líder da facção a Tigresa Branca da Profecia, Bashiva, os Homens-Tigres funcionam como um exército privado dentro da nação de Cathay, defendendo as fronteiras ocidentais de Cathay em troca do auxílio recebido.

Em combate, Bashiva e seus conterrâneos focam bastante em utilizar seus bônus de flanqueamento e investida para emboscar os inimigos, infligindo grande dano e abocanhando todos que tentarem fugir do campo de batalha, graças à velocidade adquirida por suas habilidades passivas.

Entretanto, montar exércitos compostos inteiramente por Homens-Tigres não é tão fácil, nem sequer recomendado. Isso porquê os felinos não tem tropas com dano à distância constante, máquinas de artilharia, monstros nem nada do tipo. Por conta disso, existe a mecânica de Exércitos de Shang-Yang, que permite melhorar adquirir e melhorar as tropas tradicionais de Cathay com bônus bem fortes, como aumentar o alcance dos arqueiros ou reduzir o tempo de recarga dos canhões, resultando em um exército variado, composto por tigres, humanos e monstros, bem poderoso.

Banners fazem a diferença

Outra mecânica bem interessante são os banners da Corte do Tigre, com cada banner entregando bônus únicos, como desbloquear a postura sorrateira na campanha, deixando mais fácil pegar inimigos desprevenidos antes da batalha, e tais banners podem se tornar ainda mais fortes conforme você dedica os medalhões sagrados dos tigres espalhados pelo mapa.

Essa DLC entrega de forma satisfatória o que esperávamos dela. Senti falta de um Regimento de Honra ou de algum monstro de entidade única, mas pelo preço cobrado, está tudo nos conformes.

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E eu preciso admitir que essa é uma reação estranha da minha parte, pois eu nunca soube explicar o motivo pelo qual não gostei de Tales of nas primeiras vezes que tentei a série. Em momentos distintos da minha vida, eu experimentei Tales of Vesperia e Tales of Berseria, especificamente, e em ambos os casos, eu acabei jogando por cerca de 10 horas antes de dropar os jogos por um motivo ou outro. Eles simplesmente não me prenderam o suficiente.

No caso de Tales of Arise, a minha experiência foi muito diferente, e isso aconteceu já desde os primeiros momentos de jogatina. Como um JRPG épico, com uma direção de arte belíssima e uma trilha sonora impactante, Tales of Arise apresenta logo de cara uma seleção de personagens muito interessantes, que se aventuram em uma narrativa que toca em temas surpreendentemente complexos e profundos. Com um sistema de combate igualmente divertido, Tales of Arise tem tudo o que qualquer fã de JRPG pode procurar. Agora, como será que está esse port para o Switch 2? É isso que vamos discutir nesta análise.

• Antes de continuar, clique aqui caso queira conferir o nosso review original da versão de PlayStation 5.

Robusto em conteúdo e performance

Começando pelo começo, é importante deixar claro que Tales of Arise — Beyond the Dawn Edition chega ao Switch 2 oferecendo um “pacote definitivo” da versão original. Em outras palavras, isso significa que o pacote básico do Switch 2 entrega não apenas o conteúdo original do jogo (lançado inicialmente como um título cross-gen em 2021), mas também inclui sua expansão intitulada Beyond the Dawn, além — é claro, de uma série de cosméticos, itens e outros bônus extras especiais.

Dito isso, embora a versão básica do Switch 2 já seja bastante robusta, existe também um pacote Premium que adiciona ainda mais cosméticos e outros elementos supérfluos, mas nada que faça realmente falta na experiência básica do jogo. Comparado com o que foi feito por outras empresas (como no caso de Persona 3 Reload, por exemplo, no qual absolutamente todos os DLCs e pacotes extras são oferecidos como compras separadas), o pacote de Tales of Arise no Switch 2 é bastante interessante, o que mostra um enorme respeito por parte da Bandai Namco para com seus fãs Brasileiros.

E por falar em respeito para com nosso país, vale ressaltar que todo o conteúdo de Tales of Arise, das 60 horas da campanha básica às 20 horas da expansão Beyond the Dawn, está inteiramente localizado em nossa língua, em uma adaptação brilhante que traduz perfeitamente termos e sotaques dos personagens. Em termos de áudio, o jogo apresenta opções de dublagem em inglês e japonês, o que funciona muito bem para fãs do “estilo anime”, que queiram jogar com a dublagem original, por exemplo, mas com texto em português do Brasil.

Em termos de visuais e performance, estamos falando de uma conversão extremamente satisfatória para o Nintendo Switch 2. O jogo roda a 1080p tanto no modo portátil, quanto no modo TV, o que funciona perfeitamente bem com a direção de arte distinta que o jogo apresenta, onde todos os ambientes são lindamente realizados com texturas que lembram um estilo aquarela muito particular. Enquanto cutscenes são apresentadas em uma taxa de quadros de 60 frames por segundo, os momentos de gameplay são travados a 30 — apesar da limitação, o jogo roda lindamente, sem engasgos, mesmo nos momentos mais caóticos de batalha.

Um conto de dois mundos

Quanto ao jogo em si, Tales of Arise — Beyond the Dawn Edition se divide em duas campanhas, que são apresentadas uma como sequência da outra. Na campanha principal, acompanhamos um conflito bastante complexo envolvendo dois planetas distintos. Rehna, um planeta tecnologicamente avançado, que possui acesso a magias extremamente poderosas, tem dominado e controlado a população de Dahna a força já tem 300 anos. Assumindo o papel do Máscara de Ferro — um misterioso protagonista sem memória —, nosso objetivo começa com uma rebelião rumo à liberdade.

Embora Tales of Arise brinque com alguns clichês do gênero de JRPG, o elenco de protagonistas que é apresentado aos poucos durante as 60 horas de campanha é extremamente cativante e divertido. Um dos grandes trunfos do jogo nesse sentido é a inclusão das chamadas “esquetes”, pequenos trechos narrativos opcionais que aparecem após determinados acontecimentos da trama. É por meio desses diálogos entre os personagens que suas personalidades são elaboradas e desenvolvidas de maneiras surpreendentes.

Com isso, cada um dos seis protagonistas que fazem parte da sua party traz uma personalidade única, que brilha em momentos distintos de uma trama que, por si só, explora temas e conflitos bastante complexos e interessantes. Dahna, como o planeta que abarca grande parte da narrativa, é quase que um segundo protagonista por si só, já que cada uma de suas cinco regiões apresentará visuais, acontecimentos e personagens únicos. Existem algumas pequenas soluções de conflito mais simplórias em certas subtramas, mas são momentos pontuais em uma história épica e grandiosa.

Para além dessa campanha principal, o conteúdo de Beyond the Dawn continua a história de Máscara de Ferro e seus amigos em uma aventura que busca atar as possíveis pontas soltas deixadas pela narrativa principal. É uma nova história que precisa ser jogada ao término da história principal, já que ela vai lidar diretamente com as consequências das ações dos protagonistas, e acrescenta um pouco mais de Tales of Arise para aqueles que terminarem a campanha principal com um gostinho de “quero mais”.

Uma dança em forma de combate

Para acompanhar uma narrativa bastante interessante, Tales of Arise apresenta um sistema de combate em tempo real que consegue ser, ao mesmo tempo, simples e engajante. Como um bom JRPG, é um sistema que começa bastante simplório, mas se torna progressivamente mais interessante conforme novas mecânicas são introduzidas durante as primeiras dez horas da campanha.

Basicamente, enquanto você controla um dos personagens da sua party (que pode ser o Máscara de Ferro, ou cada um dos outros quatro membros ativos a cada momento), todos os outros participantes da batalha são controlados pela inteligência artificial do jogo, que os comandará automaticamente, deferindo golpes, usando poderes especiais e magias. Você pode, nesse sentido, “programar” a sua party para agir de maneira mais moderada, ofensiva, ou defensiva, de acordo com a opção que você escolher.

Dentro desse sistema, a sua parte no combate se dá em tempo real, por meio de controles bastante responsivos, que estão inteiramente focados na combinação de combos simples, ataques especiais (ligados à pontos que são gastos quase como uma “stamina”), além de golpes de invocação, que podem ser ativados ao chamar os colegas de party. Isso, sem falar ainda nos ataques finalizadores especiais, que podem ser ativados quando inimigos ficam vulneráveis depois de receberem uma quantidade de dano expressiva.

Conforme você começa a dominar esses sistemas, ficando mais habilidoso ao encontrar maneiras de combar todas essas habilidades em uma sequência ininterrupta, o combate de Tales of Arise começa a brilhar de verdade, quase parecendo uma dança deliciosa de executar. Nesse sentido, novas habilidades vão tornando o combate cada vez mais divertido e engajante, já que você começa a encontrar maneiras de recuperar os seus pontos de stamina ao esquivar perfeitamente, ou derrotar um inimigo em meio às hordas.

Um pouquinho de clássico, uma pitada de repetição

Embora o combate de Tales of Arise seja divertido em um nível mecânico, existe um pequeno problema a nível estrutural que pode se tornar um pequeno porém à longo prazo: o jogo apresenta uma variedade de inimigos pequena, o que faz com que o combate se torne um tanto quanto repetitivo com o tempo.

Um dos motivos para isso é o quão “clássica” é a estrutura de jogo de Tales of Arise. Para o bem e para o mal, a progressão do jogo e exploração de cada um dos cenários da aventura segue uma abordagem mais clássica, com mapas relativamente lineares que são interligados por caminhos específicos. Diferentes de outros jogos mais modernos, que costumam apelar para uma estrutura de mundo aberto, Tales of Arise segue uma vibe um pouco mais antiquada.

Por um lado, eu acho isso refrescante em 2026, já que o jogo pode brincar com designs de mapas mais específicos. Hora você explora algo muito próximo de uma dungeon old-school, com portas que precisam ser abertas com as chaves corretas. Em outros momentos, você tem uma planície relativamente expansiva, com algumas opções diferentes de caminhos e segmentos secundários divertidos de encontrar.

A repetição vem do modo como inimigos são posicionados no mapa. Ao “encostar” em um ou mais inimigos, você é teleportado para um cenário de batalha padrão, onde fica durante o período da luta. Com um número relativamente baixo de inimigos diferentes, e cenários que não fazem muita diferença nas lutas em si, o combate (embora mecanicamente delicioso) se torna repetitivo com o tempo.

Review de Tales of Arise — Beyond the Dawn Edition: um JRPG com J maiúsculo

Como é de se esperar do gênero, Tales of Arise compensa um pouco essa possível repetição com uma gama absurda de atividades e conteúdos secundários. Isso inclui desde dezenas de side quests dos mais variados tipos, até mesmo atividades paralelas como a preparação de refeições, a manufatura de armas e acessórios, além de um minigame de pesca, como não poderia deixar de ser.

Com um pacote bastante robusto, que traz a experiência de Tales of Arise intacta em modalidade portátil, a versão do Nintendo Switch 2 não deixa nada a desejar quando comparada às versões de plataformas mais potentes e, assim, se torna uma opção extremamente válida para aqueles que queiram uma aventura que vai durar dezenas e dezenas de horas.

Se você, assim como eu, nunca tinha entrado de verdade na franquia Tales of, digo com tranquilidade que Tales of Arise — Beyond the Dawn Edition é uma das melhores portas de entradas para esse que é um dos melhores JRPGs lançados na plataforma. Se você gosta do gênero e procura uma narrativa vasta, com combate divertido, pode entrar de cabeça que você não vai se arrepender.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Bandai Namco.

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