Admito que não a conhecia até então, e este filme é o meu primeiro contato com um de seus trabalhos.

Alerta de spoilers: Para melhor compreensão, citei trechos do filme, podendo conter pequenos spoilers, mas nada comprometedor.

Em Névoa Prateada, acompanhamos a protagonista chamada Franky, interpretada pela talentosa Vicky Knight. Franky é uma jovem que teve uma parcela do seu corpo queimada em um incêndio, o qual ela acredita ter sido criminoso. Além disso, ela enfrenta problemas diários em sua família, um relacionamento conturbado e assédio diário em seu trabalho.

A Vicky Knight realmente passou por um incêndio em julho de 2003, em um Pub em Londres, no qual perdeu dois dos seus quatro irmãos. É evidente que a diretora se inspirou na história real vivida pela atriz para a criação da personagem.

Aqui vai o primeiro elogio ao filme: a atriz realmente consegue transmitir os sentimentos da personagem de forma impressionante, desde sua tristeza diária pela falta de solução do caso do incêndio até a felicidade em encontrar uma nova paixão.

Franky trabalha como enfermeira em um hospital e, entre os diversos assédios sofridos por seus pacientes homens, ela conhece Florence, interpretada por Esmé Creed-Miles. Florence é uma jovem que tentou acabar com sua própria vida, mas ao sobreviver, desenvolve uma amizade que posteriormente se transforma em um romance com a protagonista.

Esse romance tem um problema: ele acontece muito rapidamente. Pouco antes, durante uma brincadeira com sua irmã, usando aplicativos de relacionamento semelhantes ao Tinder, Franky expõe de forma contundente que é heterossexual e que, apesar de conturbado, estava em um relacionamento.

Falando na irmã de Franky, ela se chama Leah e possui um dos melhores arcos de todo o filme. No início, ela namora um rapaz viciado em sexo, extremamente agressivo, chegando a abusar sexualmente da jovem.

Após esse incidente, Leah decide voltar sua vida para valores religiosos. No entanto, diferente dos costumes ocidentais mais voltados ao cristianismo, ela se filia ao islamismo, adotando a vida muçulmana. Essa mudança é uma excelente quebra de perspectiva e surpreende os espectadores.

O ambiente familiar em que vivem não é dos melhores, e quando membros da família de Franky descobrem que ela está envolvida em uma relação homossexual, a expulsam de casa.

No início do segundo ato, conhecemos Alice, a melhor personagem do filme, uma paciente oncológica em estado terminal com pouco tempo de vida. Ela “adotou” Florence quando ainda era jovem, assim como Jack, um rapaz com indícios de um certo grau de autismo.

A partir desse momento, a obra começa a se perder pela quantidade de elementos introduzidos, mas não explorados. Há o caso do incêndio não resolvido, que atormenta Franky, e influenciada por Florence, ela decide resolver com as próprias mãos. No entanto, logo isso é deixado de lado.

O remorso que Franky sente em relação ao pai, acreditando que sua amante, atual esposa dele, foi responsável pelo início do incêndio, é abordado, mas o desenvolvimento é pífio.

O romance LGBTQI+ entre as duas não parece natural, e seus dramas carecem de profundidade. A trilha sonora constantemente tenta transmitir a sensação de inquietação e, por vezes, consegue fazê-lo, mostrando a confusão mental na qual a protagonista está envolvida. O único ponto negativo desta parte é quando Esmé Creed-Miles tenta cantar, como a personagem admite durante o filme, ela não é boa com isso.

A construção das cenas captura bem o aspecto underground europeu, diferente do habitual em obras do gênero, retratando o subúrbio de Londres de forma crua e, às vezes, até de maneira suja. A fotografia se destaca nas cenas noturnas, especialmente quando as personagens estão em ambientes externos.

Uma cena específica em uma balada chama a atenção, onde Sacha Polak consegue filmar Franky no centro de um jogo de luzes, ao mesmo tempo em que há música e o uso de drogas, demonstrando a bagunça do ambiente de forma intencional.

No geral, “Névoa Prateada” não foi exatamente o que esperava. Pela sinopse oficial, fui levado a acreditar que seria um drama intenso sobre o incêndio e seus desdobramentos, com o romance em paralelo. Infelizmente, isso não acontece.

No final, o filme é um amontoado de ideias, algumas promissoras, mas que são jogadas na tela sem o desenvolvimento adequado.

• Névoa Prateada estreia em 18 de Abril nos cinemas brasileiros.

Obs: Esta crítica foi feita a partir de uma sessão de cabine de imprensa na qual fomos convidados pela A2 Filmes, a quem agradecemos.

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Apesar de Alice no País das Trevas sair completamente da curva com um roteiro mal desenvolvido e inacabado, precisamos destacar nesta análise que outros filmes como Ursinho Pooh: Sangue e Mel tentam seguir o mesmo padrão e falham em todos os aspectos. Mas nem tudo está perdido… Se você é apaixonado por trash, com certeza poderá tirar proveito de algo transmitido pelo filme!

Obs: Esta crítica foi produzida graças a um convite de cabine de imprensa cedido pela equipe da A2 Filmes!

Pode ficar tranquilo(a), esta análise é totalmente livre de SPOILERS!

O caótico início

Alice no País das Trevas inicia apresentando pequenos flashbacks da memória de Alice, uma garota que havia perdido os seus pais em um incêndio misterioso. Sem saber para onde ir, a jovem parte para a casa de sua tia para tentar esquecer os problemas causados pela perda de seus entes queridos. Como uma forma de “protegê-la”, a tia de Alice informa que a garota não deve seguir a trilha da floresta por conta de caçadores que estão matando animais e até mesmo pessoas.

Embora o alerta tenha sido em vão, nossa jovem rebelde decide frequentar a floresta e sentir uma energia muito pesada pairando pelo ar. Ao retornar para Wonderland (residência da tia), diversos eventos perturbadores começam a mexer com a mente da jovem, onde seremos transportados a um universo paralelo com personagens misteriosos que vivem na mansão. Como um pedido de ajuda, Alice procura uma forma de escapar do local para descobrir quem está causando estas alucinações terríveis, além da descoberta dos impactos que isso pode causar em sua vida.

Mesmo que o estúdio tenha trabalhado muito bem com os sentimentos e sensações de Alice, podemos notar um grande deslize em trechos da narrativa, deixando pontas soltas que geram pouquíssimas interpretações. Como se não bastasse, o filme também oferece pouquíssimos trechos assustadores, criando alguns jump scares em momentos óbvios. Vale ressaltar que esta experiência se torna ainda mais decepcionante após descobrir quem é o verdadeiro vilão que está causando todas estas alucinações na garota (primeiros 20 minutos de filme).

Como uma experiência técnica geral, o filme apresenta ótimos takes com planos detalhe (focados em objetos de cenário), iluminação baixa para causar uma certa tensão no espectador, implementação de uma paleta de cores com poucas cores vibrantes e efeitos sonoros que procuram causar arrepios (falham até mesmo neste aspecto).

Alice no País das Trevas – Vale a pena?

Definitivamente não! Alice no País das Trevas é um filme lento e completamente arrastado, gerando um certo desconforto para aqueles que buscam momentos de suspense, ação ou até mesmo alguma atitude impactante da protagonista, ou de seus inimigos. A experiência não é competente, desperdiçando um grande potencial de trazer um clássico infantil que cause impacto na vida de adolescentes, jovens e até mesmo adultos.

A única vantagem que podemos extrair de toda essa experiência são as possibilidades para futuros títulos que planejam mergulhar neste universo infantil e torná-lo ainda mais sombrio. Em suma, a experiência não justifica o tempo investido, tornando-se até menos significativa que Pooh!

República DG

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No passado, um humano, o dono da Serraria, foi até a floresta e pediu ajuda ao Guardião da Floresta. A Floresta é detentora da Fonte da Vida, um recurso precioso capaz de curar enfermidades e conceder a vida eterna. Bondoso, o Guardião decide ajudar o humano apenas para ser traído posteriormente.

O dono da Serraria retorna com um exército, causando um conflito brutal entre os dois povos. Os anos se passam e os dois povos se afastam de maneira permanente, nutrindo ódio e rancor.

É diante desse contexto que somos introduzidos ao divertido elenco do filme. Temos Mavka, a protagonista. Uma deidade da floresta cheia de bondade e bastante ingênua. Mavka é acompanhada por Pantanoso, um espírito da floresta que lembra um gato e serve como alívio cômico do filme, entrando na cota do pet fofo das animações.

Apesar de ser uma animação ucraniana, o nível dos efeitos impressiona e não fica devendo nada para as grandes produções de Hollywood. O Animagrad Animation Studio, maior estúdio de animação da Ucrânia, fez um trabalho excelente! O único ponto que deixa a desejar são os designs dos personagens humanos, contudo, os espíritos da floresta possuem um design bem marcante e são cheios de personalidade.

Para tornar as coisas mais interessantes, o filme introduz Lucas, um humano cheio de positividade e responsabilidade. Apesar da vida sofrida, ele faz de tudo para juntar dinheiro e cuidar do seu tio enfermo. Lucas serve como o interesse amoroso de Mavka, contudo, por conta da curta duração do filme, a relação entre os dois não é bem desenvolvida e fica com um aspecto bem forçado.

Por sinal, esse problema também causa um grande impacto no quarteto que serve como antagonistas. A vilã Kylina é bem estereotipada, assim como Frol, o mordomo malvado com energia feminina e os dois guarda-costas brutamontes que lembram guardas russos. Os personagens são caricatos e suas motivações são pífias, diminuindo substancialmente o impacto do roteiro.

Dois dos pontos mais fortes do filme residem nos visuais e nas músicas. A música tema se inspira fortemente nas canções tribais da Ucrânia e rende momentos belíssimos no filme. A animação é baseada na peça The Forest Song de Lesya Ukrainka e é considerada uma das primeiras obras do gênero de fantasia na literatura da Ucrânia. É triste pensar que apesar de ter sido escrita em 1911, os temas abordados na peça continuam muito atuais.

Com uma mensagem poderosa e muito potencial, Mavka: Aventura na Floresta opta por transmitir sua mensagem usando a fórmula datada da Disney e acaba abrindo mão de seus diferenciais. O filme não é ruim mas tampouco é aquela obra especial que fica gravada em nosso coração. Vale a pena levar a criançada nos cinemas pra se divertir numa tarde!

Sinopse:Desde os primórdios, as vastas florestas ucranianas abrigam inúmeros segredos e mistérios insondáveis. Eles são o lar de criaturas míticas maravilhosas que habitam entre árvores antigas, guardando fielmente seu reino sagrado. Mavka é uma Alma da Floresta e foi escolhida como a nova Guardiã do reino, sendo sua principal missão é proteger a Floresta e seu sacrossanto Coração – a própria Fonte da Vida – contra qualquer agressão ou intrusão, inclusive por parte dos humanos. Quando Mavka se apaixona pelo jovem mortal Lucas, a avarenta Kylina vê a chance que precisava para assumir o controle da floresta e roubar o Coração. Mavka e Lucas conseguirão viver este grande amor e ainda assim evitar que o mal vença?

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Com o passar do tempo, seu “sumiço” das telonas acabou gerando inúmeros questionamentos no público, até o anúncio mais recente de Bons Companheiros. O longa está programado para ser lançado em 12 de Outubro de 2023 com um roteiro dirigido por Larry Young.

Obs: Esta crítica foi produzida graças a um convite de cabine de imprensa cedido pela equipe da A2 Filmes!

Pode ficar tranquilo(a), esta análise é totalmente livre de SPOILERS!

As desventuras de um dublê

Em Bons Companheiros somos apresentados para Liu (Jackie Chan), um dublê endividado que busca uma forma de renda através de seu maior companheiro, o cavalo Ventania. Com a falta de dinheiro, novos problemas acabam surgindo após membros de uma gangue cobrarem suas dívidas de forma violenta. Como se não bastassem esses atos, Liu recebe uma notificação de que seu cavalo poderia ser leiloado para cobrir suas dívidas, levando nosso protagonista a um verdadeiro poço sem fundo. Em uma de suas lutas com os membros da gangue, um roteirista encontra uma oportunidade em Liu, transformando o cavalo e o dublê em celebridades do cinema.

Embora Luo tenha uma segunda chance para cobrir suas dívidas, seus problemas familiares se tornam um grande desfecho para definir o futuro com a família e a ausência de sua filha. Sem saída, Luo procura sua filha (aluna de direito) para tentar recuperar os direitos de ficar com o cavalo.
Nesta jornada épica, o espectador acompanhará momentos engraçados, emocionantes e até mesmo a busca pela confiança de um pai ausente.

Bons Companheiros trabalha muito bem a sua narrativa, expressando reações, sentimentos com personagens carismáticos e cenas de combate que mexem com a nossa imaginação. Em determinado momento podemos sentir uma narrativa que mescla com o humor mas que também sabe abordar assuntos importantes do nosso cotidiano para uma boa convivência familiar. Acredite em mim, a emoção é garantida, portanto, prepare uma caixa de lenços para chorar muito!

Boa parte da jornada do longa é voltada as cenas de ação produzidas pelo estúdio responsável pelos filmes de Luo e o cavalo Ventania. Nestas cenas podemos notar o belíssimo trabalho de Jackie Chan, comprovando que os 69 anos do ator foram muito bem vividos. De certo modo, Bons Companheiros trabalha com os sentimentos do público do começo ao fim e aborda mensagens importantes como o companheirismo e a fidelidade, além de envolver as ações de nossos atos no dia-a-dia.

Veredito de Bons Companheiros

Mesmo não sendo um fã assíduo de Jackie Chan, seu legado ficou marcado na indústria de entretenimento e se tornou um grande marco já que acompanhava alguns filmes ao longo de sua carreira. Com o bom desempenho do filme, me sinto na obrigação de indicar para todo o público, além de mencionar seus trabalhos anteriores que podem ser destacados com sua atuação real em combates épicos.

Com trechos emocionantes e desfechos inimagináveis, somos contemplados com uma história divertida e que carrega um peso muito grande através das nossas decisões. Bons Companheiros é a prova de uma amizade e lealdade sem fim entre um criador que acreditou na vida de seu cavalo desde o seu nascimento!

República DG

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Mas do que exatamente se trata Muti? É uma corrida contra o tempo envolvendo detetives dos Estados Unidos e da Itália em uma cruzada contra um serial killer que está executando suas vítimas em um ritual macabro. O papel de Freeman é interpretar Dr. Mackles, professor universitário.

Ao contrário do sugerido, Mackles não aparece tanto durante o filme, sendo um personagem de suporte. Ainda assim, suas participações são importantes e decisivas. Nosso protagonista é Boyd (Cole Hauser), um detetive que tenta absorver a perda da filha, vítima de um afogamento. Boyd leva seu trauma para o trabalho, matando um abusador com um tiro à queima-roupa logo no início da trama. Achei curiosa a construção dessa cena, muito provavelmente sendo realizada para que o público simpatizasse com Boyd desde o início. Também significa um pouco mais de ação e imersão do espectador na trama logo de cabeça. O filme é ágil, isto não se pode negar. É algo bom.

Boyd é um policial cansado e reticente a burocracias, tendo como oposição o capitão Manchard (Peter Stormare), seu chefe. Sua parceira, a detetive Kersch (Murielle Hilaire), é uma boa parceira e amiga. Com estes ingredientes, temos à tona o protagonista que o público vai acompanhar durante a próxima hora e meia.

Já no lado antagonista não temos nenhum aprofundamento específico quanto ao principal vilão. Ele é Randoku (Vernon Davis), um assassino perito e capaz de lutar em condições que beiram o sobre-humano. Talvez este seja um primeiro ponto negativo de Muti: o fato de que Randoku parece realmente ter poderes em seus combates contra policiais, resistindo a inúmeros golpes e até mesmo evitando tiros com uma certa facilidade. Parte das cenas que mostram o personagem fugindo de agentes da lei em sequências de parkour são realmente factíveis e incríveis, mas o fato de Randoku não ter problema nenhum em se livrar de dúzias de policiais nos faz começar a suspender um pouco a descrença.

As vítimas de Randoku são quase sempre menores de idade, o que é algo realmente perturbador e uma linha que muitos filmes nessa toada costumam não cruzar. O que Muti não faz é mostrar cenas que normalmente integram longas do gênero como autópsias explícitas, o que é feito usando jogos de câmera específicos. Pode-se dizer que o filme flerta com o grotesco e o apelativo, mas se segura no último instante. De qualquer forma, posso dizer que as escolhas de vítimas de Randoku me deixaram com uma revolta para com o personagem, fazendo ele cumprir seu papel como antagonista. Vemos, por exemplo, uma criança prestes a ser assassinada apenas para os rituais do homem. Randoku acredita ganhar poder absorvendo a energia de partes das pessoas e para isso precisa arrancá-las enquanto os jovens ainda estão gritando. Medonho.

Apesar disso, algo que me incomodou no filme foi outro flerte, desta vez com o fantasioso. Randoku é um meio para um fim, que é dar poder a um cliente específico. Este personagem me pareceu um vilão muito caricato, sem presença em cena e com linhas de diálogo muito mal escritas. Soma-se a isso a minha decepção em saber que o “Poder” do subtítulo do filme se refere a um poder sobrenatural, e não algo mais político. Felizmente o filme em nenhum momento se presta a dizer se esse poder é ou não real, deixando isto para o telespectador.

Randoku perpetra seus crimes em diversos países. Em Roma, na Itália, ele é caçado pelo Inspetor Lavazzi (Giuseppe Zeno). Lavazzi tem um tempo de tela razoável, mas é ofuscado por Boyd e sua participação no filme acaba sendo bem secundária. Outro calcanhar de Aquiles do filme: a maneira como os personagens secundários são descartados, de uma maneira até mesmo sofrível pelo enredo. Na tentativa de entregar algo novo, o caminho escolhido é mais errático.

Contudo, Muti – Crime e Poder ainda tem o condão de ser um filme capaz de entreter. Sua agilidade, senso de expectativa e interações entre os personagens são o suficiente para deixar o espectador preso à tela. Um ponto positivo é a trilha sonora, fazendo jus ao suspense e entregando ótimos momentos de tensão.

Talvez o maior pecado de Muti seja se debruçar sobre o fantasioso, sem entregar uma resposta definitiva e dar margem para o espectador sair da imersão. O final conta com um plot twist curioso, mas também senti que há pontas soltas que precisariam de melhores respostas. Também penso que Morgan Freeman poderia ser melhor aproveitado. Uma pena, já que boa parte do marketing se debruçou sobre ele.

É preciso ser sincero: Muti – Crime e Poder não carrega o brilhantismo de um Seven. É um filme com alguns momentos mais experimentais e frágeis, mas que ainda assim pode ser uma boa experiência para o espectador, fazendo-o se sentir tenso e não pensar que o tempo gasto assistindo o longa foi em vão.

Muti – Crime e Poder estreia hoje nos cinemas com distribuição realizada pela A2 Filmes.

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O longa se passa nos anos 60, na Colômbia. Nosso protagonista é Marek Polsky (David Hayman), um homem de idade que perdeu sua família no Holocausto e agora vive recluso, distante, ranzinza e mau humorado. Um dia uma mulher que atende por Frau Kaultenbrunner (Olivia Silhavy) o indaga a respeito do terreno ao lado. Marek não reage bem ao ocorrido e, à revelia, vê obras tomarem conta de sua vizinhança. Elas são para receber Herman Herzog (Udo Kier), um também senhor idoso que passa a viver no local.

A dinâmica de ter um vizinho irrita profundamente Polsky, que passa a entrar em conflito com Herzog. De súbito, Polsky percebe que Herman possui os olhos de Adolf Hitler, o qual o próprio Polsky havia encontrado em um campeonato de xadrez em 1934. Munido desta suspeita, Polsky decide dedicar os dias seguintes a levar o que ele pensa ser o líder nazista à justiça.

O filme se desenrola de maneira ágil, com um dinamismo muito interessante. O que temos aqui é uma comédia ácida que cria algumas situações bem-humoradas e outras um tanto embaraçosas. A maneira que a narrativa usa para estabelecer uma espécie de jogo de gato e rato entre os personagens principais é muito criativa. Curiosa também é a ambiguidade sobre Herzog ser Hitler ou não. Além das sugestivas iniciais de seu nome, diversos detalhes dúbios vão interrogando o espectador sobre a real identidade do homem.

Saber se Herzog é ou não Hitler não é a única questão que o filme levanta, tendo ele também um grandioso subtexto que pode levar a várias interpretações de quem estiver assistindo. Marek e Herman precisam interagir para que a história avance, mas como fazer isso? É a perda, a frustração, a sensação de que as coisas não estão resolvidas que movem, justificadamente, o protagonista. Mas é desse cenário que também florescem temas como a amizade, a descoberta e perspectivas inéditas na terceira idade. Nestes dois pontos há de se destacar que o filme é muito sensível e traz uma abordagem intimista. Há de se mencionar o xadrez, citado anteriormente como elemento importante para Polsky, que aparece muito no filme e é um grande elemento da trama ao cingir a relação entre os dois principais personagens.

Gostaria de destacar, porém, que este filme possui uma reviravolta que acredito ser desnecessária para o enredo e que envolve a morte de um cão. Embora a cena tenha apenas me atordoado durante a exibição, compreendo que há pessoas com diferentes graus de sensibilidade em relação ao tema e que é algo importante para se pontuar.

Apesar deste detalhe, há de se elogiar o filme por sua direção e o tom lúgubre que encima as cenas e se desvela com humor ácido e drama. Conhecer todos os lados de Marek e sua relação com Herman são processos tão bem desenvolvidos que será difícil não sentir diferentes emoções borbulhando ao fim da jornada. É um filme simples, onde não há abertura para grandes sequências estrondosas. Há apenas o mais cru e preciso drama que puxa uma cadeira, se apresenta e nos entretêm por uma hora e meia. Vale a pena assistir!

Obs: Esta resenha foi feita a partir de uma cópia cedida pela A2 Filmes, a quem agradecemos.

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Obs: Esta crítica foi produzida graças a um convite de cabine de imprensa da A2 Filmes!

Pode ficar tranquilo(a), esta análise é totalmente livre de SPOILERS!

Linhas do tempo e descobertas angustiantes

Dividido em linhas cronológicas, a história de O Pastor e o Guerrilheiro se passa respectivamente durante o período da ditadura militar brasileira e a virada do milênio nos anos 2000 (1999-2000). Nossa protagonista Juliana é um grande ponto de virada para a narrativa, onde a jovem descobre as verdades sobre o passado terrível de seu pai já falecido. Essa movimentação cronológica constante pode gerar um certo incômodo para o espectador mesmo com a atualização das datas em todas as transições de cena.

Embora o longa apresente este salto temporal, os personagens são carismáticos e esbanjam emoções espontâneas de dor, sofrimento e angústia, tornando a experiência ainda mais imersiva e profunda. Enquanto isso, os diálogos dos prisioneiros Zaqueu e Miguel mostram uma verdadeira amizade mesmo com todas as circunstâncias que aquilo poderia ter causado para ambos.

Todos estes aspectos de sobrevivência podem ser complementados com a atuação impecável de Johnny Massaro (Miguel), no qual passou por um processo de emagrecimento para dar vida ao personagem e demonstrar seu sofrimento. É claro que não poderia deixar de mencionar a atuação de César Mello (Zaqueu) em seus momentos pregando a palavra para os fiéis da igreja ou durante seus diálogos particulares com Miguel. Senti falta de mais trechos que explorem essa amizade, cortando momentos desnecessários e irrelevantes para a trama principal. Vale ressaltar que isso não ofusca o brilho do projeto final!

O Pastor e o Guerrilheiro vale a pena?

Partindo do lado emocional para o lado técnico, O Pastor e o Guerrilheiro é um filme importante para reconhecer um marco histórico e cruel presente na vida do brasileiro. A sensação de angústia e dor é perceptível de acordo com a incrível atuação dos personagens, apresentando a realidade nua e crua de todos aqueles que sofreram com as consequências da ditadura militar. A história real por trás de O Pastor e o Guerrilheiro apresenta um cenário ainda mais catastrófico e movimenta debates diários sobre a luta de pessoas que não tem voz e são caladas sem a chance de expressar seus sentimentos. Mesmo com alguns furos em seu roteiro e cenas que poderiam ter sido expandidas para dar destaque aos prisioneiros, o filme aborda assuntos rotineiros e preconceitos expostos na cara da sociedade. Resumindo… O Pastor e o Guerrilheiro é uma aula de cultura e aprendizado para aqueles que pretendem conhecer a histórial real por trás das dificuldades da ditadura militar.

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