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Da mitologia à adaptação

Na mitologia grega, Deimos era a personificação do terror, filho de Ares e Afrodite e irmão gêmeo de Fobos. Ele não protagonizava grandes narrativas porque sua existência era simbólica. A franquia reaproveita o nome, mas transforma completamente o personagem ao inseri-lo como peça central do passado de Kratos.

Em God of War, Deimos é o segundo filho de Zeus com Calisto, nascido alguns anos após Kratos. A partir daí, deixa de ser conceito e passa a ser parte ativa da tragédia que molda o Fantasma de Esparta.

Infância em Esparta

Criados sob o rígido treinamento espartano, os dois irmãos cresceram aprendendo que fraqueza não era tolerada. Ainda crianças, treinavam com lança e escudo enquanto repetiam o lema que marcaria suas vidas: um espartano nunca deixa suas costas tocarem o chão.

Deimos era mais novo e via em Kratos um exemplo a ser seguido, por isso treinava com dedicação para alcançar o nível do irmão. Havia respeito entre os dois, mas também uma diferença que não passava despercebida: Deimos carregava uma marca de nascença que atravessava seu corpo, algo incomum o bastante para chamar a atenção dos deuses.

O recente lançamento de God of War: Sons of Sparta, em 12 de fevereiro de 2026, aprofunda justamente esse período da vida dos dois. Ambientado durante a Agoge espartana, o jogo mostra Kratos ainda jovem, antes de se tornar general ou servo dos deuses, já assumindo uma postura protetora em relação a Deimos.

• Review de God of War – Sons of Sparta após a platina (PS5 Pro)

Mesmo inserido na brutalidade do treinamento, ele demonstra preocupação constante com o irmão mais novo, orientando, cobrando e, ao mesmo tempo, garantindo que ele sobreviva às provas impostas por Esparta.

Essa dinâmica revela que o instinto de proteger alguém mais jovem não nasce na saga nórdica, afinal ele já existia ali. Anos depois, na relação com Atreus, é possível perceber a força que isso tem sobre Kratos, a dificuldade em demonstrar afeto, o ensino duro, mas sempre acompanhado de vigilância e cuidado.

A profecia e o sequestro

Um antigo oráculo havia previsto que um “guerreiro marcado” destruiria os deuses do Olimpo. A marca de Deimos foi suficiente para gerar medo em Zeus, que decidiu agir antes que a profecia pudesse se cumprir. Para isso, enviou Ares e Athena até Esparta.

No ataque que se seguiu, centauros devastaram a região enquanto os deuses procuravam o alvo. Encontraram Deimos treinando com Kratos, que tentou impedir a captura mesmo sendo apenas uma criança. Ares o derrotou com facilidade e deixou a cicatriz que marcaria seu rosto para sempre; só não o matou porque Atena considerou que o objetivo já havia sido alcançado.

Deimos foi levado ao domínio de Thanatos, onde permaneceria sob tormento constante. Para Kratos, naquele momento, o irmão estava morto.

Anos no Domínio da Morte

Enquanto Kratos crescia, tornava-se general e mais tarde vendia sua alma a Ares, Deimos permanecia preso. No início, acreditava que seria resgatado, mas o tempo corroeu essa esperança até a transformar em ressentimento.

Kratos só descobre que o irmão está vivo durante os eventos de God of War: Ghost of Sparta, quando já havia assumido o posto de Deus da Guerra.

O reencontro

Ao libertar Deimos no Templo de Thanatos, Kratos não encontra o irmão que lembrava da infância, e sim alguém marcado por anos de sofrimento. O primeiro impulso de Deimos é atacá-lo, acusando-o de tê-lo abandonado. A luta entre os dois revela não apenas força física, mas anos de mágoa acumulada.

Você achou que eu esqueceria? Achou que eu perdoaria? Eu nunca vou te perdoar, irmão!

Deimos ao reencontrar Kratos

O confronto é interrompido quando Thanatos retorna e arrasta Deimos até os Penhascos do Suicídio. Kratos o segue, e ali os dois finalmente lutam juntos, como irmãos, contra o mesmo inimigo.

Durante a batalha, Thanatos provoca Kratos ao dizer que Ares havia escolhido o irmão errado e que nada do que ele fizera fora fruto de escolha própria, mas resultado de manipulações divinas. Kratos responde afirmando que ninguém decide seu destino, uma declaração que antecipa a ruptura definitiva com o Olimpo.

A morte de Deimos

Quando Thanatos assume sua forma monstruosa, consegue agarrar Deimos e arremessá-lo contra a encosta de um penhasco, matando-o diante de Kratos. A derrota do Deus da Morte vem logo depois, mas não altera o resultado.

Kratos carrega o corpo do irmão até o topo dos Penhascos do Suicídio e o enterra ao lado da mãe. Ao declarar que Deimos está livre, deixa claro que o ciclo de submissão aos deuses chegou ao limite.

Quando Athena oferece a imortalidade completa, Kratos recusa. A proposta de ascensão já não significa honra, e sim cumplicidade com aqueles que destruíram sua família. Anos mais tarde, em God of War III, ele cumpre a promessa de fazê-los pagar.

A presença de Deimos após a morte

Mesmo ausente fisicamente, Deimos continua influenciando a narrativa. Em God of War III, Zeus menciona que Gaia deveria ter escolhido “o outro”, uma referência direta a ele. Na psique de Kratos, sua voz reaparece lembrando o lema espartano.

“Freya: Você tem um irmão?”
“Kratos: O nome dele era Deimos. Quando éramos meninos, ele foi levado por dois deuses obcecados por profecias. Os deuses da minha terra natal raramente deixavam sobreviventes, então, quando descobri que ele estava vivo, já era tarde demais para fazer as pazes. A raiva o envenenou contra mim. Mas eu nunca deixei de amar meu irmão.”

Kratos sobre Deimos em God of War; Ragnarok

Em God of War Ragnarök, Kratos finalmente fala sobre o irmão com franqueza ao conversar com Freya. Ele admite que nunca deixou de amá-lo e reconhece que se sentia indigno de pedir perdão por não tê-lo salvado a tempo. Esse reconhecimento revela uma camada mais contida do personagem, distante da imagem puramente irada que marcou a fase grega.

Personalidade e legado

Antes do cativeiro, Deimos demonstrava respeito e lealdade ao irmão mais velho. Após anos sob tortura, tornou-se mais agressivo, mas ainda assim foi capaz de lutar ao lado de Kratos quando a situação exigiu. Como semideus, possuía força e resistência acima do comum, enfrentou o próprio irmão em combate direto e contribuiu de maneira decisiva na batalha contra Thanatos.

Há um detalhe simbólico que reforça sua importância: a tatuagem vermelha de Kratos é uma réplica da marca de nascença de Deimos. Mais do que estética, ela é uma memória permanente.

Deimos foi o único parente próximo que Kratos não matou. Sua morte não foi por erro, manipulação ou engano do próprio Fantasma de Esparta, mas pelo medo dos deuses diante de uma profecia.

Sem Deimos, a história de Kratos não seria a mesma. A cicatriz, a desconfiança, a promessa de vingança e até como ele encara família em fases posteriores passam por esse capítulo. Ele não derrubou o Olimpo, mas ajudou a moldar o Kratos como ele é hoje.

Algumas curiosidades sobre Deimos

• Em God of War III, Deimos teve participação vocal especial de Elijah Wood, que interpretou a voz ouvida na poça de sangue. No entanto, nos créditos oficiais do jogo, quem aparece como dublador de Deimos é Josh Keaton, provavelmente por conta do traje alternativo do personagem ligado ao lançamento de Ghost of Sparta.
• A aparência de Deimos em God of War: Ghost of Sparta lembrava bastante o visual do rei Leônidas interpretado por Gerard Butler no filme 300.
• A tatuagem vermelha de Kratos é uma réplica exata da marca de nascença de Deimos
• Como segundo filho de Calisto, fica implícito que Zeus teve mais de um encontro com ela.
• Existiram dois trajes bônus de Deimos: um em Ghost of Sparta e outro em God of War III.
• No primeiro God of War, havia um vídeo desbloqueável chamado O Nascimento da Besta, onde o irmão de Kratos era mencionado pela primeira vez. Porém, os eventos posteriores de Ghost of Sparta indicam que aquele material não é considerado canônico.
• Deimos apareceu como traje alternativo para Kratos em PlayStation All-Stars Battle Royale, mediante conteúdo adicional.

Curtiu nosso especial com tudo sobre Deimos, o irmão de Kratos? Não perca mais novidades sobre a franquia em nosso site!

Fontes: God of War Fandom, God of War Wiki, Sidão dos Games, Meu PlayStation

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Se a ideia é aproveitar Resident Evil 9 Requiem com entendimento real dos personagens e da história, vale se preparar. E não, isso não significa encarar 30 anos de jogos de uma vez.

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Você precisa jogar todos os Resident Evil?

A franquia começou em 1996, no primeiro PlayStation, e desde então construiu uma linha do tempo extensa. Somando campanhas principais e spin-offs, são facilmente mais de 150 horas de conteúdo.

• Jogamos Resident Evil 9: Requiem na Alemanha!

Para quem quer jogar no lançamento, isso é inviável.

A boa notícia é que não é necessário revisitar tudo. Basta focar nos jogos que realmente dialogam com o arco narrativo mais relevante para o novo título.

O foco está em Leon S. Kennedy

Tudo indica que Resident Evil 9 Requiem funciona como um fechamento importante para Leon. Para sentir a importância disso, dois jogos são fundamentais:

Resident Evil 2

O remake lançado em 2019 reapresenta Leon como policial novato em Raccoon City. É aqui que a trajetória dele começa de fato. Entender esse ponto de partida muda completamente como você enxerga o personagem anos depois.

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Resident Evil 4

Aqui vemos Leon já experiente, atuando como agente do governo. A diferença entre o jovem policial e o profissional treinado mostra a evolução do personagem, algo que deve ter bastante foco no novo jogo.

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Se houver tempo extra, a campanha de Leon em Resident Evil 6 complementa essa trajetória, mas não é essencial.

E os outros jogos da franquia?

Nem tudo precisa entrar na sua lista obrigatória.

Resident Evil Village

Se a intenção é chegar mais preparado para o que Resident Evil 9 Requiem pode entregar em termos de jogabilidade e ambientação, vale incluir Resident Evil Village na sua preparação.

O jogo mantém a perspectiva em primeira pessoa e consolidou a fase mais recente da série. Mesmo que Resident Evil 9 ofereça opção entre primeira e terceira pessoa, Village ajuda o jogador a se adaptar ao ritmo, à leitura de cenário e ao tipo de combate que a Capcom vem refinando.

Outro ponto importante está na lore. Village amplia discussões sobre a origem da Umbrella e reforça conexões históricas que passam por Oswell E. Spencer, fundador da organização.

Alternativa mais prática: revisar a história

Se o tempo estiver curto, assistir e/ou ler a resumos bem estruturados da linha do tempo pode ajudar. Entender os eventos principais, as organizações envolvidas e as decisões do Leon já coloca você em uma posição muito melhor para absorver o novo capítulo.

Não substitui a experiência de jogar, claro. Mas evita que você entre no 9 sem referências.

O impacto depende do contexto

Quem viveu a chegada de Leon à vila em Resident Evil 4 lembra como aquele início marcou uma geração. O mesmo vale para a estreia dele em Raccoon City. Esses momentos não são só cenas famosas, são marcos na construção do personagem.

Se Resident Evil 9 Requiem realmente encerrar um ciclo, a experiência será diferente para quem acompanhou essa jornada.

Como chegar preparado para Resident Evil 9 Requiem

Se a ideia é otimizar seu tempo:

1. Priorize Resident Evil 2 (remake).
2. Em seguida, jogue Resident Evil 4 (remake).
3. Se sobrar tempo, considere Resident Evil 6 (campanha do Leon).
4. Quer se acostumar com a câmera em primeira pessoa e o estilo mais Survivor Horror? Vá de Village.

Não precisa transformar isso em maratona obrigatória. Escolha o que faz sentido para você e ajuste ao tempo disponível.

No fim das contas, a preparação não é sobre cumprir checklist. É sobre entender o caminho que levou até aqui. E quando o jogo finalmente começar, cada referência, cada diálogo e cada decisão terão outro significados.

E você, acha que essa preparação faz diferença ou prefere entrar direto no novo capítulo?

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Fundada em 2006, no Texas, a Bluepoint construiu sua identidade longe dos holofotes criativos tradicionais. Diferente de estúdios focados em novas IP’s, ela se especializou em algo raro: reconstrução estrutural de código e modernização técnica sem comprometer o design original.

• Bluepoint Studios, de Demon’s Souls Remake, foi fechada pela PlayStation

Ao longo de quase duas décadas, o estúdio ajudou a definir o padrão moderno de remakes e ports.

A seguir, o catálogo completo com todos os jogos da Bluepoint Games:

O começo com o único projeto próprio – 2006

Blast Factor (PS3)

Blast Factor foi o primeiro jogo da Bluepoint. Lançado no início da geração PlayStation 3, o shooter arcade focava em física e partículas.

No game, o jogador pilota uma nave microscópica através de uma série de células infectadas e usa o armamento da nave para livrar as células de várias infecções.

Foi o único projeto totalmente original do estúdio.

A era das coleções HD

A Bluepoint Games rapidamente se tornou especialista em adaptar jogos clássicos para novas gerações.

God of War Collection (2009)

Remasterização de:

• God of War
• God of War 2

God of War: Origins Collection (2011)

Incluiu:

• God of War: Chains of Olympus
• God of War: Ghost of Sparta

The Ico & Shadow of the Colossus Collection (2011)

• Ico
• Shadow of the Colossus

Esse projeto elevou o padrão técnico dos remasters.

Metal Gear Solid HD Collection (2011)

• Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty
• Metal Gear Solid 3: Snake Eater
• Metal Gear Solid: Peace Walker

Aqui, a Bluepoint consolidou sua reputação de excelência técnica.

Ports e colaborações estratégicas

A empresa também atuou em adaptações complexas.

PlayStation All-Stars Battle Royale (PS Vita) – 2012

Versão portátil de PlayStation All-Stars Battle Royale.

Flower (PS4 e PS Vita) – 2013

Port de Flower.

Titanfall (Xbox 360) – 2014

A adaptação de Titanfall para Xbox 360 exigiu reestruturação técnica de qualidade.

Gravity Rush Remastered (2016)

Gravity Rush Remastered modernizou o título originalmente criado pela Japan Studio.

Uncharted e o salto de geração – 2015

Uncharted: The Nathan Drake Collection

• Uncharted: Drake’s Fortune
• Uncharted 2: Among Thieves
• Uncharted 3: Drake’s Deception

A coleção elevou texturas e desempenho para 60 fps, tornando-se referência de remaster.

O primeiro remake completo – 2018

Shadow of the Colossus (remake)

Shadow of the Colossus foi reconstruído do zero.
A Bluepoint manteve o design original, mas refez todos os assets e sistemas visuais.

Foi o momento em que o estúdio deixou de ser apenas “remasterizador” e passou a ser referência em remake.

O auge técnico – 2020

Demon’s Souls (remake)

Demon’s Souls foi título de lançamento do PS5 e representou o ápice técnico da Bluepoint.

Reconstrução completa, áudio 3D, iluminação moderna e desempenho otimizado marcaram o projeto.

Suporte em God of War Ragnarök – 2022

A Bluepoint colaborou no desenvolvimento de God of War Ragnarök, oferecendo suporte técnico dentro da estrutura PlayStation Studios.

O projeto original que nunca vimos

Segundo relatos de fontes confiáveis, incluindo o jornalista Jason Schreier, a Bluepoint vinha desenvolvendo um jogo de God of War com elementos de multiplayer ou live service, após seu trabalho em God of War Ragnarök e após o remake de Demon’s Souls.

• PlayStation cancelou jogo da Bluepoint: um God of War online

Esse projeto nunca foi anunciado oficialmente ao público, mas teria avançado internamente antes de ser cancelado em janeiro de 2025 como parte de uma revisão interna dos jogos live service que a Sony vinha avaliando.

O que a indústria perde

A Bluepoint redefiniu o conceito de remake moderno, juntamente com a Capcom. Seus projetos não apenas atualizavam gráficos, eles preservavam design e identidade.

O estúdio transformou clássicos em versões definitivas.

Com seu fechamento, a indústria perde um dos poucos times especializados em reconstrução técnica de alta complexidade. E talvez nunca saibamos como seria o primeiro grande jogo original da Bluepoint dentro da PlayStation Studios.

Confira o texto de apresentação deles no site oficial:

É, meu caro leitor, um estúdio muito talentoso que sucumbiu a essa indústria “maluca” dos games. Embora a gente ame, sabemos o quão brutal ela pode ser.

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Abaixo, você confere a ordem cronológica completa da franquia God of War, já com o mais novo lançamento metroidvania, Sons of Sparta.

1. God of War: Sons of Sparta (2026)

Começamos este especial da ordem cronológica de God of War com o seu mais recente lançamento. Antes de qualquer pacto com Ares, antes das Lâminas do Caos e muito antes do Olimpo tremer, existe Esparta e o treinamento de espartanos.

• Review de God of War – Sons of Sparta após a platina (PS5 Pro)

Sons of Sparta explora a juventude de Kratos ao lado de Deimos, mostrando o treinamento brutal e a cultura espartana. Mais do que contextualizar, o jogo aprofunda a relação entre os irmãos, algo que ganha peso anos depois em Ghost of Sparta e cria uma boa base para o relacionamento e tratamento entre Kratos e Atreus.

• Onde encontrar a melhor ponta de lança do começo de God of War: Sons of Sparta

2. God of War: Ascension (2013)

Seis meses após matar sua esposa e filha, enganado por Ares, Kratos tenta romper o vínculo que o prende ao deus da guerra. As Fúrias, Tisífone, Megera e Alecto, entram em cena como guardiãs dos juramentos quebrados.

Aqui, o foco não é vingança contra o Olimpo, mas libertação. Portanto, Ascension mostra um Kratos mais vulnerável, ainda dominado por culpa e alucinações. É o início da ruptura com Ares e o primeiro passo rumo ao confronto direto com os deuses.

3. God of War: Chains of Olympus (2008)

Ainda servindo ao Olimpo, Kratos recebe a missão de salvar Helios e impedir que o mundo mergulhe na escuridão. O ponto central do jogo não é apenas a batalha contra Perséfone, mas o dilema que ela oferece: abandonar seus poderes e reencontrar a filha ou cumprir seu dever e salvar o mundo.

Kratos escolhe o dever, afinal, sempre é o dever. Mesmo quando isso significa perder novamente aquilo que mais ama. Esse padrão começa a definir o personagem.

4. God of War (2005)

O jogo que apresentou Kratos ao mundo.

Atena promete apagar suas visões se ele derrotar Ares. A jornada pela Grécia estabelece o DNA da franquia: combate alucinantes e viscerais com câmera fixa e dinâmica, puzzles, chefes colossais e uma narrativa movida por vingança.

Portanto, ao matar Ares, Kratos assume o posto de Deus da Guerra. Mas o perdão não vem. As memórias continuam e a raiva e frustração cresce. É aqui que a confiança nos deuses começa a ruir de vez.

5. God of War: Ghost of Sparta (2010)

Já como deus, Kratos descobre que seu irmão Deimos está vivo.

O reencontro com a mãe, a revelação de ser filho de Zeus e a batalha contra Thanatos ampliam o drama pessoal do personagem. Sendo assim, a morte de Deimos marca um ponto definitivo: o conflito deixa de ser contra Ares e passa a ser contra o Olimpo. Portanto, se Ascension fala de culpa, Ghost of Sparta fala de perda.

6. God of War: Betrayal (2007)

Lançado para celulares, Betrayal se passa entre Ghost of Sparta e God of War 2.

Aqui, Kratos lidera Esparta enquanto cresce a tensão com os deuses. Ao matar Cérix, filho de Hermes, ele acelera o rompimento com o Olimpo. É um capítulo menor em escala, mas importante para mostrar como Zeus passa a enxergar Kratos como ameaça real.

7. God of War 2 (2007)

A traição de Zeus é o ponto de virada da saga. Kratos é enganado, perde seus poderes e é morto com a Blade of Olympus. Porém, ressuscitado com ajuda dos Titãs, ele decide desafiar o próprio destino ao enfrentar as Irmãs do Destino.

O jogo possui uma escala muito maior, agora o conflito deixa de ser pessoal e passa a ser mitológico, portanto, o Olimpo já não é algo a parte, afinal ele se torna o principal algo do espartano.

8. God of War 3 (2010)

Sequência direta do segundo jogo, marca o ataque final ao Olimpo. Poseidon, Hades, Hélios, e outros deuses caem ao longo da jornada. Cada morte provoca consequências no mundo: mares se revoltam, além disso, pragas surgem, espalhando o caos por completo.

Kratos derrota Zeus, encerrando o ciclo de vingança que começou anos antes, fazendo com que toda a Grécia entre em colapso. O game é o auge de toda a fúria de Kratos.

9. God of War (2018)

Décadas depois, em terras nórdicas, Kratos tenta viver em silêncio e, enfim, em paz.

• Review | God of War (PC)

A mudança de câmera clássica para a Over the Shoulder (câmera perto do ombro), a troca de estilo de gameplay frenético para algo mais cadenciado e estratégico e o novo foco narrativo marca uma renovação profunda da franquia. Agora pai, ele precisa ensinar Atreus a sobreviver e a não repetir seus erros.

O filho é a humanidade que Kratos perdeu. É o espelho que o faz lembrar que há outro caminho, um que ele pode ter esquecido há muito tempo.” 

Cory Barlog, diretor criativo

A jornada para espalhar as cinzas de Faye conecta pai e filho enquanto introduz Baldur, Freya e o panteão nórdico. Portanto, pela primeira vez, Kratos tenta quebrar o ciclo de violência em vez de alimentá-lo.

10. God of War Ragnarök (2022)

Três anos após o início do Fimbulwinter causado pela morte de Baldur, o Ragnarök se aproxima.

• Review: God of War Ragnarok (PS5)

Kratos enfrenta Thor e Odin enquanto Atreus busca entender sua identidade como Loki. O conflito não gira apenas em torno de batalhas, mas de escolhas. Ao final, a transformação do protagonista fica clara: ele ainda é um deus da guerra, mas não é mais movido apenas por vingança.

11. DLC – God of War Ragnarök: Valhalla (2023)

Encerrando a ordem cronológica de God of War temos uma DLC. Inicialmente anunciada como uma expansão em formato roguelike, Valhalla se revelou um epílogo narrativo importante e ela pode funcionar como um prelúdio do que poderemos ver no remake da trilogia.

• Review – God of War: Ragnarok – Valhalla (PS5)

Kratos e Mimir atravessam os portões de Valhalla em uma jornada introspectiva. Diferente dos confrontos contra deuses, aqui o inimigo é o próprio espartano e seu passado que insiste em não o deixar em paz.

Portanto, o game funciona quase como uma reflexão final sobre quem Kratos foi e quem ele escolhe ser daqui em diante. Com um final apoteótico.

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Seu visual em preto e branco, inspirado diretamente no estilo Rubber Hose dos desenhos animados das décadas de 1920 e 1930, surpreende logo de cara. É a verdadeira mistura entre Doom e Cuphead.

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Foi justamente essa identidade visual que me fisgou logo no primeiro trailer. Desde então, Mouse: P.I. for Hire se tornou um dos projetos que mais acompanho, não só pela estética marcante, mas pela forma como ela está integrada à jogabilidade e às decisões de design.

A cada novo material divulgado, fica mais claro que este não será apenas mais um FPS, mas algo que pode surpreender.

Desenvolvido pela Fumi Games e publicado pela PlaySide, Mouse: P.I. for Hire chega em 19 de março de 2026 para PlayStation 5, Xbox Series, PlayStation 4, Xbox One, Switch e PC. Confira o trailer com a data de lançamento do game:

Um projeto que nasce da animação tradicional

A Fumi Games não surgiu originalmente como um estúdio de games. Localizado na Polônia, sua base está na animação tradicional, especialmente em curtas animados feitos à mão. Veja um vídeo do estúdio abaixo:

Isso explica por que Mouse: P.I. for Hire trata animação não como um complemento, mas como o núcleo do projeto. Tudo no jogo é desenhado manualmente, frame a frame, desde os personagens até os elementos da interface.

Mesmo rodando em ambientes 3D, os personagens são construídos em 2D e isso exige que cada personagem exista em múltiplos ângulos desenhados separadamente, já que não há modelos 3D sendo rotacionados em tempo real. A animação fica por conta de Michal Rostek, o qual se diz apaixonado pelo estilo Robber Hose.

“rubber hose é parte da cultura pop que ressoa com pessoas do mundo todo”

Michal Rostek, diretor de animação

Qualquer mudança de velocidade ou comportamento impacta diretamente o trabalho da equipe de animação, criando uma relação constante entre gameplay e arte. O resultado é um jogo que parece animado, não renderizado.

O Rubber Hose como a cereja do bolo

O estilo Rubber Hose não é apenas uma referência visual. Ele define como personagens se movem, como armas reagem e até como o impacto dos combates é percebido. Essa liberdade visual permite soluções criativas que não funcionariam em um jogo de estética realista.

Ao mesmo tempo, esse exagero precisava ser controlado. A equipe precisou equilibrar a expressividade do estilo com a clareza necessária para um FPS rápido. O desafio foi garantir que, mesmo em meio a animações exageradas, o jogador consiga ler o cenário e reagir com precisão. Como podemos ver nessa boss fight divulgada hoje (10) pela IGN. Confira:

Preto e branco que orienta o jogador

Manter o jogo inteiro em preto e branco não foi apenas uma decisão estética, mas também um desafio de design. Sem cores vibrantes para guiar o jogador, Mouse: P.I. for Hire usa contraste, iluminação e movimento como principais ferramentas de orientação.

Objetos interativos tendem a se destacar pelo brilho ou pelo uso de tons mais definidos, enquanto elementos puramente decorativos permanecem em cinzas mais suaves. Certamente é uma característica que dará muita imersão ao game, além disso, estará alinhado aos desenhos antigos.

Mouseburg e Jack Pepper

A história se passa em Mouseburg, uma cidade habitada majoritariamente por ratos, mas também por outras espécies. Essa diversidade vai criar conflitos, que fazem parte do pano de fundo narrativo. Mouseburg é um lugar estranho e engraçado, mas claramente está acabado devido à corrupção e muita violência.

O protagonista, Jack Pepper, é um detetive particular e veterano de guerra. Ele atua no meio de tudo isso, lidando com situações onde a autoridade nem sempre está do lado certo. O jogo é estruturado em três grandes casos, cada um inspirado em clássicos do gênero noir, como traição e jogos de poder.

Durante as missões, vamos coletar pistas, as quais podem ser analisadas no escritório de Jack, conectando evidências em um quadro de investigação, algo similar ao que vimos em Alan Wake 2, com a Saga Anderson

Escritório, bar e oficina

Entre os casos, o jogador retorna a um hub central que funciona como base de operações. Esse espaço é dividido entre o escritório de Jack, o Little Big Pub (um bar administrado por John Brown, um amigo de longa data) e a oficina da Tammy Tumbler, onde podemos melhorar nosso armamento.

O pub também serve como ponto de encontro com NPCs que oferecem minigames e atividades paralelas. Um dos destaques é um jogo de cartas colecionáveis, cujas cartas estão espalhadas pelas fases. Essas atividades são importantes, pois rendem pistas e recursos úteis, funcionando como alternativas quando o jogador precisa de ajuda para avançar.

Mais de 10 biomas para Jack

Mouse: P.I. for Hire conta com mais de dez biomas diferentes, cada um composto por uma a quatro níveis. Cada ambiente se inspira em cenários típicos dos desenhos animados da época, mas sempre com identidade própria.

“Queremos garantir que as fases não sejam só variadas em cenários, mas também, tão malucas e cartunescas quanto possível”

Desenvolvedor da Fumi Games

Um exemplo disso são as fases iniciais nas ruas de Mouseburg, onde o jogador testemunha o colapso da ordem pública. Sequestros e policiamento abusivo ajudam a contextualizar o mundo enquanto aumentam gradualmente a complexidade dos combates. Então, sim, enquanto o jogo avança, a quantidade de inimigos e a dificuldade dos mesmos aumenta.

Para informações ainda mais aprofundadas, você pode conferir o documentário de desenvolvimento do game:

Estilo “Doom” de ser

O combate foi pensado para manter o jogador em constante movimento. Jack Pepper não é resistente, e poucos golpes podem ser suficientes para o temido Game Over.

Por isso, deslizar, correr, pular, escalar, rastejar, precisam fazer parte da sua gameplay, constantemente. Isso tudo fica ainda mais claro no vídeo com 12 minutos de gameplay no canal da IGN, confira:

Os inimigos são apresentados de forma gradual, começando com os mais fracos, mas também há inimigos maiores e chefes mais complexos, que exigem leitura de padrões e a escolha certa da sua arma.

E o arsenal?

O arsenal mistura armas tradicionais, como pistolas, escopetas e metralhadoras Tommy, com criações claramente inspiradas no universo cartunesco. Canhões, armas de congelamento, dispositivos psíquicos e explosivos fazem parte do pacote.

São mais de dez armas, cada uma com modos alternativos de disparo e podendo serem evoluídas. O foco não está apenas em coletar tudo, mas em entender qual arma funciona melhor contra cada tipo de inimigo. Se engana que acha que Mouse P.I. for Hire é só apertar o botão de tiro.

A desenvolvedora promete a junção “perfeita” entre visual e áudio na gunplay do game, pois o jogador precisa sentir o poder em suas mãos, ao mesmo tempo, que o feeling de atirar seja gostoso e prazeroso.

A trilha sonora dos desenhos animados clássicos

O áudio acompanha de perto a proposta visual. A trilha sonora remete aos desenhos animados clássicos, enquanto os efeitos sonoros foram pensados para transmitir impacto mesmo no estilo Rubber Hose.

“Precisamos ajustar os efeitos sonoros para mais impacto. Afinal, você precisa sentir que está atirando na cara de alguém, certo?”

Desenvolvedor do game

Um dos destaques é a possibilidade de aplicar filtros sonoros que simulam diferentes tecnologias de gravação antigas, como cilindros de cera ou discos de vinil das décadas de 1930 e 1940.

Troy Baker como Jack Pepper

Jack Pepper será dublado por Troy Baker, conhecido por trabalhos em The Last of Us e BioShock Infinite.

O ator afirmou que acompanha Mouse: P.I. for Hire desde o anúncio inicial e que a estética e a proposta do jogo chamaram sua atenção logo de cara. Sua participação adiciona mais qualidade ao game, assim como expectativa. Confira o vídeo anunciando a participação de Baker:

Jack Pepper em versão Funko Pop!

Além do jogo, Mouse: P.I. for Hire também marca presença no mercado de colecionáveis. O protagonista Jack Pepper ganhou um Funko Pop! oficial.

A figura faz parte da linha Funko Pop! Games e chega como um item pensado tanto para fãs do jogo quanto para colecionadores da marca.

O Funko Pop! Jack Pepper (#1154) mantém o visual clássico de detetive noir, com chapéu e sobretudo, traduzindo bem a estética do jogo para o formato de vinil. Assim como no game, o personagem carrega a influência direta das animações dos anos 1930, agora adaptada ao estilo característico da Funko.

A figura tem aproximadamente 10 centímetros de altura, é feita em vinil e tem lançamento previsto para março de 2026, acompanhando o período de estreia do jogo. No mercado internacional, o preço médio gira em torno de US$ 14,99 em pré-venda.

Um projeto feito com amor

Mouse: P.I. for Hire é um game que cativa pelo design artístico e promete agradar a vários públicos. Desafiador na medida certa, com uma trilha sonora nostálgica e uma mescla entre Doom e Cuphead, fica difícil não colocar ele no radar de sua lista de desejos.

É um projeto autoral, feito por pessoas que amam jogos, acima de tudo.

“Desde o começo, eu sabia que esse jogo seria diferente. É um entretenimento artesanal feito com amor, criado por pessoas reais para pessoas reais e isso é incrível”

Equipe da Fumi Games

Tudo indica que será um FPS que se destaca pela identidade. Um jogo que entende suas referências e sabe como transformá-las em algo jogável e divertido. Não vejo a hora de me juntar a Jack Pepper e suas aventuras.

Mouse: P.I. for Hire chega no dia 19 de março de 2026 para PC, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox Series, Xbox One, Nintendo Switch 1 e 2.

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Aqui, a desenvolvedora aposta em uma experiência de ação e RPG em mundo aberto que coloca a narrativa e exploração no centro de tudo.

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Em um novo vídeo divulgado hoje (29), o estúdio apresentou mais detalhes sobre o protagonista, o continente de Pywel e os sistemas que sustentam a jogabilidade. Veja o trailer:

Desde os primeiros minutos, fica claro que esta é uma história sobre perda e escolhas que vão muito além do destino de um único personagem.

• Jogamos Crimson Desert na gamescom da Alemanha!

O que os recentes previews disseram sobre o game?

Recentemente, jornalistas de veículos especializados tiveram acesso a sessões hands-on de cerca de seis horas com Crimson Desert. As primeiras impressões indicam que o RPG da Pearl Abyss aposta em um sistema de combate complexo e em um mundo aberto cheio de atividades paralelas.

Durante os testes, a imprensa destacou a variedade de sistemas disponíveis logo nas primeiras horas de jogo. Combate, exploração e interação com o ambiente são aspectos louváveis.

Outro ponto citado nas previews foi a escala do continente de Pywel. O mapa apresenta regiões amplas e eventos dinâmicos que surgem durante a exploração, algo que lembra abordagens vistas em títulos como Dragon’s Dogma 2 e The Legend of Zelda: Breath of the Wild.

Confira uma prévia final feita pela IGN antes do lançamento:

Combate com muita liberdade e criatividade

As sessões de teste trouxeram novos detalhes sobre o combate. O protagonista Kliff pode combinar diferentes tipos de ataques, incluindo golpes físicos e habilidades especiais.

A árvore de habilidades foi muito elogiada pela imprensa. Ela permite desbloquear técnicas ativas que alteram o estilo de luta, além de melhorias passivas que fortalecem atributos específicos.

Segundo as primeiras impressões da imprensa, o sistema oferece liberdade para experimentar estratégias variadas durante as batalhas.

Diversidade de atividades paralelas

As previews também indicam que o jogo contará com diversas atividades secundárias espalhadas pelo continente. Entre elas estão pesca, caça, coleta de recursos, criação de equipamentos e pequenas tarefas oferecidas por NPCs.

Algumas sessões de teste também mencionaram minigames e atividades sociais em cidades e tavernas, além de missões de recompensa que incentivam a exploração de áreas mais perigosas do mapa.

Essas atividades ampliam as possibilidades de progressão e ajudam a construir um mundo que continua ativo mesmo fora da história principal.

Campanha deve ultrapassar dezenas de horas

De acordo com informações compartilhadas nas previews, a campanha principal de Crimson Desert deve oferecer cerca de 60 horas de conteúdo. Esse tempo pode aumentar consideravelmente para quem decidir explorar todas as regiões de Pywel e completar atividades secundárias.

A proposta da Pearl Abyss é criar uma experiência de RPG extensa, em que cada jogador pode avançar pela história em ritmos diferentes.

Eventos dinâmicos reforçam a sensação de mundo vivo

Além das missões principais, o mundo de Pywel conta com eventos que surgem de forma dinâmica durante a exploração. Jogadores podem encontrar emboscadas de bandidos, criaturas migrando entre regiões ou situações inesperadas em vilarejos e estradas.

Esse tipo de evento ajuda a tornar a exploração menos previsível e incentiva o jogador a se afastar dos caminhos principais para descobrir novas histórias e recompensas.

Kliff, os Greymanes e o início do conflito

O jogador assume o papel de Kliff, um guerreiro oriundo de Pailune e membro dos Greymanes, uma facção conhecida por manter a ordem e proteger os inocentes no norte de Pywel.

Durante anos, essa estabilidade foi mantida por alianças e esforço coletivo. Com o tempo, porém, conflitos internos e invasões externas colocam tudo a perder.

Após a morte de um líder importante e a fragmentação da região, Pailune cai nas mãos de forças inimigas. Portanto, é a partir desse ponto que Kliff inicia sua jornada, primeiro tentando reencontrar os companheiros que sobreviveram e, depois, buscando retomar sua terra natal. Conforme avançamos, o conflito local passa a revelar algo maior, envolvendo o destino de todo o continente.

O Abismo e a ameaça que se espalha por Pywel

Além do mundo conhecido, existe o Abismo, uma dimensão que abriga um poder que Pywel não consegue controlar. Algo nesse lugar saiu do equilíbrio. Assim, fragmentos do Abismo começaram a cair sobre o continente, atraindo exploradores e facções interessadas em explorar essa força a qualquer custo.

Esse fenômeno passa a ter papel importante na narrativa do game. Portanto, restaurar o equilíbrio do Abismo e enfrentar aqueles que tentam se aproveitar de seus fragmentos se torna uma das principais motivações da jornada.

Pywel e suas cinco regiões

Crimson Desert se passa em Pywel, um vasto continente de mundo aberto dividido em cinco regiões distintas, cada uma com identidade própria e histórias locais.

Hernand funciona como o ponto de partida, marcada por montanhas, rios e áreas naturais extensas. Pailune, no norte, é a terra natal dos Greymares e o centro inicial do conflito.

Demeniss atua como o principal polo político e militar do continente, enquanto Delesyia se destaca pelo avanço científico e tecnológico. Já o Crinsom Desert é uma região árida, dominada por areia vermelha e grupos fora-da-lei.

Embora exista uma missão principal focada na trajetória de Kliff, o jogador é livre para explorar Pywel na ordem que preferir, escolhendo quais regiões visitar e quais histórias vai desbravar primeiro.

Missões e facções

As missões refletem diretamente a instabilidade do continente. Algumas colocam o jogador em batalhas de grande escala e confrontos contra líderes inimigos. Outras surgem de situações mais cotidianas, como ajudar aldeões, escoltar carregamentos ou resolver disputas locais.

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Kliff pode aceitar missões de facções aliadas que estejam precisando de ajuda, no entanto, o protagonista enfrentará várias facções hostis que estão dominando as regiões.

Ao eliminar forças hostis e libertar determinadas áreas, essas regiões deixam de ser zonas de conflito e voltam a ser seguras. Com isso, aldeões retornam e comerciantes reaparecem.

Além do impacto narrativo, essas ações garantem recompensas importantes, como acesso a novos mercadores, equipamentos, materiais de construção e recursos usados na evolução do personagem.

Mais de um personagem jogável

Ao longo da campanha, Kliff recebe o apoio de dois personagens jogáveis: Oongka e Damiane. Cada um possui habilidades e estilos de combate próprios, o que permite abordar exploração e batalhas de formas diferentes. Eles serão úteis para a realização de várias missões secundárias e, além disso, para missões principais.

Essa variedade também se reflete nos inimigos. Pywel abriga soldados, magos, criaturas selvagens e até máquinas fora de controle.

Damiane é uma espadachim conhecida por sua agilidade e precisão em combate. Diferente do estilo mais direto de Kliff.

Já Oongka apresenta um perfil completamente diferente. O personagem é descrito como um guerreiro de grande porte que utiliza força bruta e armamentos pesados durante os combates.

Exploração livre e formas de locomoção

Explorar Pywel vai além de simplesmente atravessar o mapa. O continente foi construído para recompensar a curiosidade, com ruínas antigas, estruturas esquecidas, tesouros escondidos e quebra-cabeças espalhados longe dos caminhos principais.

A locomoção acompanha essa proposta. Além do cavalo, Kliff pode escalar terrenos íngremes e planar por longas distâncias. Conforme a jornada avança, novas opções surgem, incluindo o uso de um robô equipado com mísseis e até um dragão, que permite cruzar grandes áreas pelo ar.

Artefatos, conhecimento e progressão

Os fragmentos do Abismo também estão ligados à progressão do personagem. Eles dão acesso a artefatos e itens especiais capazes de desbloquear ou aprimorar habilidades. Parte desses recursos é obtida por meio de missões e batalhas, enquanto outros ficam escondidos em áreas de difícil acesso.

Os Vestígios do Abismo funcionam como pontos de teletransporte, facilitando o deslocamento entre regiões já exploradas. Em determinado momento da história, o jogador também será levado diretamente ao domínio do Abismo, onde precisará enfrentar os efeitos do desequilíbrio que ameaça Pywel.

Além disso, o jogo conta com um sistema de conhecimento. Explorar novas regiões, conversar com personagens e observar o ambiente gera informações que podem servir como pistas para missões e desbloquear caminhos alternativos.

Um mundo feito para ser descoberto

Crimson Desert apresenta Pywel como um mundo vivo, povoado por diferentes culturas, criaturas, tecnologias e histórias que não se revelam de imediato. Nem tudo é indicado de forma direta, e parte da experiência está em observar, experimentar e decidir até onde ir.

Kliff pode aprender habilidades somente observando a população realizando atividades, como pescar, por exemplo.

A Pearl Abyss já confirmou que novos conteúdos irão detalhar os sistemas de combate, a evolução dos personagens e a rotina de Kliff em Pywel.

Mundo aberto de Crimson Desert é maior que Skyrim e Red Dead Redemption 2

Crimson Desert aposta alto na escala do seu mundo aberto. Segundo a Pearl Abyss, o mapa do jogo é pelo menos duas vezes maior que a área jogável de The Elder Scrolls V: Skyrim e também supera o tamanho de Red Dead Redemption 2. Ainda assim, o estúdio reforça que a ambição não está só nos números, mas na forma como esse espaço é usado.

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Sendo assim, a proposta é oferecer liberdade real de exploração, com atividades espalhadas por todo o mapa e caminhos diferentes para cada jogador. Portanto, mesmo quem segue a campanha principal pode ter experiências bem distintas, dependendo das escolhas feitas ao longo da jornada.

A vida cotidiana em Pywel

A cidade é repleta de atividades paralelas e o jogador precisa cuidar até do funcionamento dos acampamentos.

Humanos, gigantes e animais convivem em diferentes regiões do mapa. Portanto, a ambientação reforça a proposta de um mundo vivo, daquele que se tem prazer em explorar. Assim, veja um vídeo com mais detalhes:

Acampamento Greymane

Entre os pontos centrais está o acampamento Greymane, que funciona como base durante a jornada. O local evolui ao longo da progressão, oferecendo novas funcionalidades. Além disso, construção de áreas de descanso e preparação de refeições estão entre as mecânicas apresentadas.

Esses sistemas ampliam a sensação de imersão e indicam que a experiência vai além das batalhas. As interações sugerem que o jogador poderá investir tempo em atividades secundárias, fortalecendo laços, recursos e estratégias antes de avançar na campanha principal.

Elenco de dubladores reúne nomes conhecidos da indústria

A narrativa de Crimson Desert também recebe atenção especial na parte de atuação e captura de performance. A Pearl Abyss confirmou um elenco formado por atores que já participaram de RPGs e produções importantes da indústria.

O protagonista Kliff é interpretado por Alec Newman, ator conhecido por trabalhos em jogos como Cyberpunk 2077 e Elden Ring. Segundo o próprio ator, Kliff é um personagem guiado por um forte senso de lealdade e responsabilidade.

Outro personagem importante é Oongka, dublado por Stewart Scudamore. Embora sua aparência remeta a um guerreiro brutal, o ator descreve o personagem como um nômade com uma personalidade mais complexa e reflexiva do que aparenta inicialmente.

Já a espadachim Damiane ganha voz de Rebecca Hanssen, atriz que também participou de jogos como Baldur’s Gate 3 e Stellar Blade. A personagem é descrita como determinada e direta, trazendo um estilo de liderança próprio dentro da história.

Além dos protagonistas, o elenco inclui nomes como Peter Bramhill (Yann), Emily Barber (Naira) e Alastair Parker (Myurdin), ampliando o foco narrativo do jogo e reforçando a importância da história no mundo de Pywel.

O título quase se tornou um exclusivo temporário de PS5

Por pouco, Crimson Desert não seguiu o caminho da exclusividade temporária no PS5. A Sony chegou a demonstrar interesse em garantir o jogo apenas no seu console por um período, mas a Pearl Abyss decidiu recusar a proposta e manter o lançamento multiplataforma.

• PlayStation queria tornar Crimson Desert exclusivo de PS5

A informação surgiu durante uma reunião da desenvolvedora com investidores. Na negociação, a PlayStation queria que o jogo não fosse publicado no Xbox por um tempo que não chegou a ser divulgado. Ainda assim, o estúdio preferiu seguir sua estratégia original e levar o projeto ao maior número possível de jogadores.

O game estará disponível no NVIDIA GeForce NOW

Crimson Desert também poderá ser jogado via cloud gaming. A Pearl Abyss confirmou que o título estará disponível no NVIDIA GeForce NOW, serviço de streaming de jogos da NVIDIA que permite acessar jogos de alto desempenho sem a necessidade de downloads ou de um PC potente.

• Crimson Desert chegará ao NVIDIA GeForce NOW

O anúncio aconteceu durante a CES 2026, em Las Vegas, e faz parte da expansão do catálogo do serviço. Com isso, jogadores poderão acessar o mundo aberto de Crimson Desert em diferentes dispositivos, mantendo a proposta de entregar uma experiência completa mesmo fora de máquinas de ponta.

Sobre Crimson Desert rodando nos consoles

Com um mundo aberto amplo e cheio de detalhes, Crimson Desert exige bastante do hardware, e a Pearl Abyss afirma que está aproveitando os recursos dos consoles atuais para garantir estabilidade e qualidade visual.

No caso do PlayStation, segundo os desenvolvedores, o SSD do PS5 ajuda a carregar o grande mapa do jogo sem interrupções perceptíveis, enquanto o PS5 Pro utiliza o Modo de Alta Frequência da CPU para manter a movimentação e a exploração mais estáveis.

A equipe também explicou que realizou diversas otimizações para lidar com a escala do cenário. Entre elas estão técnicas como Geometry Shader Oversubscription e NGG Culling, usadas para renderizar grande quantidade de objetos no ambiente sem perda significativa de desempenho.

Debate sobre desempenho nos consoles

Apesar dessas informações técnicas, parte da comunidade segue pedindo demonstrações mais claras do desempenho de Crimson Desert nos consoles.

A situação reacendeu discussões frequentes na indústria desde o lançamento problemático de Cyberpunk 2077, quando as versões de PS4 e Xbox One foram mostradas apenas próximo do lançamento.

Will Powers, responsável pela comunicação do jogo no ocidente, reagiu às críticas nas redes sociais. Em resposta a fãs que acusavam a Pearl Abyss de esconder imagens das versões de console, ele afirmou que a equipe pretende divulgar essas informações antes do lançamento.

Não estamos escondendo nada, e estou cansado de ter que repetir isso. Já dissemos várias vezes que revelaremos os detalhes antes do lançamento para dar às pessoas tempo suficiente para decidir se querem reservar o jogo

Will Powers

Em outra mensagem, Powers reforçou que os jogadores têm direito às informações necessárias para tomar decisões de compra, mas criticou o que chamou de pressão excessiva nas redes sociais.

Enquanto isso, a discussão continua dividida entre preocupação e expectativa. Alguns jogadores defendem que é razoável pedir demonstrações do desempenho antes do lançamento, enquanto outros preferem aguardar as revelações prometidas pela Pearl Abyss.

Crimson Desert já atingiu a fase Gold

Crimson Desert é Gold, marco que indica a conclusão do desenvolvimento principal do jogo. A confirmação veio da própria Pearl Abyss no dia 21 de janeiro de 2026. A empresa compartilhou a novidade nas redes sociais oficiais do título.

Na publicação, o estúdio agradeceu o apoio da comunidade ao longo do processo e reforçou que a jornada pelo continente de Pywel está cada vez mais próxima.

Edições de Crimson Desert

O game será lançado com três edições diferentes para atender a diferentes perfis de jogadores e colecionadores.

• Básica: Essa é a versão básica do jogo, com o título completo incluído e alguns bônus de pré-venda digitais, como o Escudo Khaled e, no caso de quem comprar no PlayStation 5, o Armadura de Placas exclusivo.

• Deluxe: A Deluxe inclui o jogo completo com itens físicos e digitais extras. Entre os conteúdos estão um SteelBook exclusivo, um mapa de Pywel, uma carta dos desenvolvedores, um broche dos Greymanes, cartões de personagens e patches, além de bônus em DLCs como o Deluxe Pack com equipamentos adicionais.

• Colecionador: Voltada para fãs e colecionadores, essa edição traz itens físicos de destaque. Ela inclui o jogo completo, um diorama exclusivo de cerca de 43 cm com Kliff e o Golden Star, um SteelBook limitado, um mapa de tecido de Pywel, carta dos desenvolvedores, broche premium dos Greymanes, cartões de personagens e mais.

As compras antecipadas concedem itens extras conforme a plataforma e a versão escolhida.

O aguardado jogo chega para PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S no dia 19 de março de 2026.

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Descrito pela própria equipe como um “novo começo”, Fable aposta em um mundo aberto ambicioso, escolhas com consequências reais e um tom que mistura fantasia e o famoso humor britânico, já característico da franquia.

A seguir, reunimos as principais informações reveladas sobre o jogo e o que esperar dessa nova jornada em Albion, mas, antes de partirmos para todos os detalhes, confira o gameplay teaser divulgado ontem, 22 de janeiro de 2026:

Janela de lançamento e plataformas

Fable será lançado no outono americano (entre setembro e dezembro) de 2026. O jogo chega ao Xbox Series X|S, PC, Xbox Cloud Gaming, Steam e PlayStation 5. O título também estará disponível no lançamento para assinantes do Xbox Game Pass Ultimate e contará com suporte ao Xbox Play Anywhere.

Um novo começo para a franquia

Apesar de carregar o nome e o espírito da série original, Fable não se conecta diretamente à linha do tempo dos jogos desenvolvidos pela Lionhead. A Playground Games optou por reiniciar o universo para ter liberdade criativa na construção de sua própria versão de Albion.

Segundo o diretor do jogo, Ralph Fulton, a decisão foi motivada pelo longo intervalo desde o último título da trilogia clássica. Em vez de se prender a eventos e personagens antigos, o estúdio preferiu criar uma nova história que preserve a essência da franquia sem limitar suas possibilidades narrativas.

Conto de fadas, não fantasia épica

Um dos pilares criativos de Fable é a ideia de que o jogo não pertence à fantasia épica tradicional. Em vez de conflitos grandiosos e narrativas geopolíticas, a proposta é contar histórias menores e mais pessoais.

O foco está em mostrar como a magia afeta a vida de pessoas comuns. Esse conceito influencia o tom da narrativa e como o mundo é apresentado ao jogador. Albion é um lugar mágico, mas também estranho.

Uma história que respeita a liberdade do jogador

Como nos jogos clássicos da série, a jornada começa na infância do protagonista. É nesse momento que seus poderes heroicos despertam. Após um salto temporal, o jogador retorna à vila natal já na vida adulta.

O evento que impulsiona a narrativa principal envolve o desaparecimento da avó do protagonista e a transformação dos moradores da vila em pedra. A partir daí, o mundo se abre completamente. Não existe urgência artificial nem um caminho obrigatório.

A história avança no ritmo do jogador. É possível seguir a missão principal ou se perder em atividades paralelas, relacionamentos, trabalho, exploração e tantas outras ações.

Mundo aberto sem bloqueios artificiais

Desde o início do desenvolvimento, a Playground decidiu que o jogador poderia ir a qualquer lugar assim que deixasse sua vila. Não existem áreas bloqueadas por nível ou regiões proibidas no mapa.

Nada te força a seguir um caminho específico, porque queremos dar ao jogador a liberdade de simplesmente ir e fazer outra coisa no jogo. Você pode ir até a vila mais ao norte de Albion, conseguir um emprego, se estabelecer e se casar, se quiser. A história vai esperar por você, o que eu acho muito importante, considerando a riqueza de atividades paralelas que os jogos Fable oferecem.

Ralph Fulton, diretor de Fable

A progressão foi construída para acompanhar essa filosofia. O balanceamento garante que qualquer assentamento possa ser explorado de forma divertida, independentemente da ordem escolhida. O objetivo é recompensar a curiosidade sem punir quem decide explorar livremente.

E o combate?

O sistema de combate resgata os três pilares clássicos da série: força, habilidade e vontade. No entanto, agora eles funcionam de forma integrada. O jogador pode alternar entre ataques corpo a corpo, armas à distância e magia.

Os confrontos costumam envolver grupos variados de inimigos. Cada encontro exige adaptação e leitura do cenário. Há espaço para estilos diferentes, seja focando em feitiços devastadores ou força bruta.

Todos os nossos inimigos têm pontos fortes e fracos, e parte da diversão do combate é descobrir como explorá-los usando as diferentes armas e habilidades que você equipou. E, obviamente, isso se intensifica quando você tem vários inimigos no mesmo encontro e está tentando coordenar todos eles e encontrar a melhor maneira de sair vitorioso.

Ralph Fulton, diretor de Fable

O humor também aparece durante o combate. Inimigos podem cometer erros, causar acidentes e gerar situações inesperadas que reforçam o tom leve e irônico do jogo.

Um novo sistema de moralidade baseado em reputação

A moralidade em Fable foi completamente reformulada. Em vez de uma barra simples de bem e mal, o jogo utiliza um sistema de reputações construídas a partir das ações do jogador e de quem testemunha essas ações.

Como vocês viram no Developer_Direct, nossa versão de moralidade não é uma escala gradual – optamos por ancorá-la nas suas ações, especificamente nas coisas que você faz em Albion e que são testemunhadas por pelo menos uma outra pessoa. Então, se as suas ações forem vistas por uma ou mais pessoas, você começará a ganhar uma reputação por aquilo. Obviamente, sempre usamos o exemplo de chutar galinhas, porque chutar galinhas é um clássico de Fable.

Ralph Fulton, diretor de Fable

Cada assentamento reage de forma diferente ao protagonista. Uma atitude pode ser vista como aceitável em um lugar e condenável em outro. Essas percepções são responsáveis por como NPCs interagem com o jogador, influenciando diálogos, preços, romances e oportunidades. O jogo não julga diretamente, fique tranquilo, afinal, quem faz isso são as pessoas de Albion.

A População Viva de NPCs

Um dos sistemas mais ambiciosos de Fable é a chamada População Viva. O mundo conta com mais de mil NPCs, cada um com rotina própria, casa, trabalho e personalidade.

Exigiu bastante dedicação, mas vale a pena porque, honestamente, conforme você joga, você acaba conhecendo os nomes de cada NPC. Você descobre o que eles gostam, o que procuram em um parceiro, onde moram, onde trabalham, e todas essas coisas legais. É uma dimensão extra em relação aos NPCs tradicionais.

Ralph Fulton, diretor de Fable

Esses personagens dormem, trabalham, se relacionam e reagem às ações do jogador de forma consistente. Portanto, com o tempo, é possível reconhecer nomes, hábitos e histórias individuais, criando uma sensação de mundo realmente habitado.

Humor britânico como identidade

O humor é parte essencial de Fable e retorna com força total. Inspirado em séries britânicas como The Office, o jogo é repleto de ironia, situações de vergonha alheia e comentários ríspidos dos habitantes de Albion.

O humor britânico se manifesta de diversas maneiras ao longo do jogo. Acho que a População Viva é muito engraçada porque reage a você de um jeito tipicamente britânico e seco. E sim, isso está presente na história e nos personagens que você encontra pelo caminho.

Ralph Fulton, diretor de Fable

É um tipo de humor realista e muito peculiar, com piadas sutis, algo que incrementa a narrativa e, até mesmo, o combate do game.

O que esperar até o lançamento

A Playground Games afirma que revelará mais detalhes em um futuro próximo. Informações sobre o elenco, a história e sistemas como economia, progressão e exploração serão apresentados ao longo dos próximos meses.

O Developer Direct marcou o fim do silêncio em torno do projeto. Agora, Fable entra em uma nova fase de comunicação até seu lançamento no outono.

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Code Vein 2 chega em 30 de janeiro de 2026, para PC, PlayStation 5 e Xbox Series, com a proposta de expandir o que funcionou no jogo original, ao mesmo tempo, em que arrisca novas ideias para não ficar preso ao passado.

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Quem acompanhou o primeiro jogo sabe que Code Vein nunca tentou competir diretamente com Dark Souls ou Bloodborne. A aposta sempre esteve em sistemas mais flexíveis e personagens com mais presença narrativa.

Agora, a sequência amplia essa visão e entrega uma experiência mais ambiciosa, pensada para quem já conhece o gênero, mas também para quem está chegando agora.

Se você continua em dúvida se vale a pena investir no jogo, este especial reúne tudo o que foi revelado até agora. A ideia é simples: explicar como Code Vein 2 funciona, o que ele muda e onde ele tenta chegar.

Uma história marcada pelo tempo

A trama de Code Vein 2 se passa em um mundo devastado pela Ressurgência, um colapso que quase levou a humanidade à extinção. Diante do caos, surgiram os Revenants, aqui chamados de Aparições, seres imortais que conseguiram conter a ameaça por meio de um ritual. No entanto, esse selo teve um custo alto.

Para mantê-lo ativo, um grupo de Aparições se sacrificou e acabou aprisionado em casulos espalhados pelo mundo. Como consequência desse ato, surgiu a Lua Rapesus, um corpo celeste que enfraquece os poderes das Aparições na superfície.

Um século depois, esses casulos começam a se deteriorar, e a Ressurgência volta a dar sinais de que pode escapar mais uma vez.

Em meio a esse cenário, o jogador assume o papel de um caçador de Aparições que, ao lado de Lou, uma personagem capaz de viajar no tempo, precisa retornar ao passado para conquistar a confiança dos heróis antigos.

Criação de personagem mais profunda em Code Vein 2

Logo no início, Code Vein 2 deixa claro que a personalização recebeu atenção especial. O editor de personagem foi expandido e agora permite ajustes mais precisos, desde a estrutura física até detalhes como cabelo, orelhas, unhas e elementos visuais característicos do estilo do game.

O sistema de roupas também ganhou mais liberdade. É possível combinar peças, ativar ou desativar partes específicas e alterar cores, materiais e padrões. Isso garante que cada personagem tenha uma identidade própria e isso é um ponto muito positivo.

Por falar em personagens…

Code Vein 2 possui uma gama robusta de personagens importantes além do protagonista. A Bandai está apresentando alguns deles, por meio de trailers, visando mostrar o quão serão importantes para a narrativa e gameplay do título. Vamos conferir:

• Lou MagMell: a contraparte do protagonista, com o poder de viajar no tempo.

• Valentin Voda: Ele é o herdeiro da Casa Voda , uma linhagem Revenant descendente do Progenitor e uma das linhagens mais formidáveis ​​entre os seus.

• Noah G MagMell: Um antigo humano transformado em Revenant que pertencia ao Instituto de Pesquisa de Mag Mell , 100 anos atrás.

• Josée Anjou: o Revenant que governa a Cidade Submersa. Ela construiu abrigos para proteger os últimos sobreviventes do mundo, mas também é assombrada por um fracasso do passado

• Lycoris: uma garota misteriosa aparece diante de Lou e dos outros na Floresta dos Mortos-Vivos, no mundo atual.

• Holly Asturias: uma médica ressuscitado em uma clínica situada no meio da floresta. Ela detém os poderes de cura da Linhagem Luxuria.

• Lyle McLeish:  Revenant com talento excepcional, aclamado como um mestre espadachim. Ele atua como o ás da corte do Coro da Aurora , uma organização que luta para recuperar a Cicatriz Corroída.

• Jadwiga: além de comprar e vender itens, ela também pode aprimorar suas armas e prisões.

• Íris MagMell: sob o comando da líder da organização, Lavinia, ela apoia o protagonista e Lou em sua missão para salvar o mundo.

• Lavinia Voda: um Revenant, descendente do Progenitor que salvou o mundo do colapso.

Code Vein 2 possui um mundo maior e totalmente novo

A exploração em Code Vein 2 acontece em um mundo totalmente novo, que pode ser percorrido a pé ou com o auxílio da motocicleta. Essa mudança altera o ritmo da jornada e abre espaço para áreas mais amplas e conectadas.

Entre os cenários apresentados estão uma cidade parcialmente submersa, florestas, regiões tomadas por ácido e minério, entre outras. Segue a lista completa com as localizações do game:

• ILHA MAGMELL: uma ilha isolada no fim do mundo. Até cem anos atrás, um Instituto Forma estava estabelecido aqui, administrando as ruínas da ilha e realizando escavações de Formae
• CIDADE SUBMERSA: no mundo atual, surtos repetidos e em larga escala da Ressurgência poluíram ainda mais a água, transformando todos os habitantes em Horrores.
• POSTO AVANÇADO DE JOSÉE: uma vasta cidade quase totalmente submersa devido a um evento de ressurgimento em grande escala.
• A FLORESTA DOS MORTOS-VIVOS: a região onde outrora se erguia o sanatório da família Asturias é hoje conhecida como a Floresta dos Mortos-Vivos.

• Sanatório Holly: um sanatório administrado pela família Asturias, que possui poderes de cura transmitidos de geração em geração.
• CICATRIZES CORROÍDAS: outrora uma área perigosa onde um ácido potente jorrava da superfície da Terra.
• FONTES TERMAIS: a base possui uma fonte termal onde caçadores e artesãos vêm para aliviar o cansaço e melhorar a aparência.

Esses locais escondem segredos e itens ligados à história principal, incentivando a observar o ambiente com atenção antes de seguir em frente. Ótima notícia para quem gosta de vasculhar cada canto, assim como eu.

O combate de Code Vein 2

O combate mantém a base do primeiro jogo, mas passa por ajustes importantes e perceptíveis. A drenagem continua sendo um elemento central, já que permite extrair sangue dos inimigos para gerar Icor, recurso usado para ativar habilidades especiais conhecidas como Formae.

As Formae funcionam como o núcleo das builds e podem assumir diferentes funções durante a ação. Algumas focam em ataques diretos, outras permitem ações à distância ou oferecem suporte. Há também Formae defensivas, que ajudam a lidar com situações mais tensas.

Além disso, o jogador pode equipar diferentes tipos de Prisões, equipamentos posicionados nas costas do personagem que alteram atributos e modificam os ataques de drenagem. A escolha do Prisão certa faz diferença e influencia diretamente como cada luta se desenrola.

Não se vence uma guerra sozinho

Diferente de muitos soulslikes tradicionais, Code Vein 2 reforça a importância dos parceiros. Cada aliado possui características individuais que oferecem efeitos passivos ou bônus temporários, são Características de Vínculo e Bônus de Características de Parceiro.

As Características de Vínculo ficam ativas apenas enquanto seu vínculo com o Parceiro for forte, desaparecendo temporariamente se o vínculo enfraquecer devido a danos.

Os Bônus de Características de Parceiro fornecem efeitos passivos, como aumento de atributos ou benefícios adicionais em combate, e podem ser ainda mais aprimorados ao aprofundar seu relacionamento.

Invoque, assimile ou restaure

Durante o combate, o jogador pode optar por lutar ao lado do parceiro, através da Invocação ou ativar a Assimilação, um recurso que funde os dois personagens por um tempo limitado. Essa escolha muda o ritmo da batalha e se mostra especialmente útil contra inimigos mais perigosos.

Os parceiros também contam com uma habilidade de restauração, a Oferta Restauradora, capaz de salvar o jogador quando a vida chega a zero. No entanto, após usar esse recurso, o aliado fica incapacitado por um período, portanto, use com sabedoria.

Novas armas e builds em Code Vein 2

O arsenal de Code Vein 2 foi ampliado com novos tipos de armas, como lâminas duplas e rúnicas, que favorecem ataques rápidos.

Para quem prefere golpes mais pesados, espadas grandes, alabardas e martelos continuam disponíveis. Já o bayonet atende quem gosta de manter distância e controlar o campo de batalha.

Confira a lista completa de armas de Code Vein 2:

• ESPADA DE UMA MÃO: um tipo de arma com muitos ataques fáceis de usar, tornando-a ideal para iniciantes.
• ESPADA DE DUAS MÃOS: uma arma pesada que ataca com uma lâmina longa. Suas características principais são o alcance estendido e o imenso poder de um único golpe.
• LÂMINA DUPLA: um novo tipo de arma foi adicionado neste título. Aproveite a alta mobilidade para se infiltrar na guarda do inimigo e, em seguida, fatiá-lo com combos rápidos de lâminas duplas.
• BAIONETA: o combate consiste em alternar entre ataques de curto alcance com a lâmina acoplada ao cano e ataques de longo alcance com armas de fogo. 
• ALABARDA: uma arma pesada que ataca com uma lâmina acoplada a um cabo longo. Ela se destaca em combates de média distância, utilizando seu longo alcance.
• MARTELO: uma arma pesada cujo apelo reside em seu poder devastador de um único golpe e na capacidade de desestabilizar facilmente as posições inimigas.
• LÂMINA RÚNICA: um novo tipo de arma foi adicionado neste título. Empunhando duas espadas que flutuam graças ao poder das formas, ela executa técnicas acrobáticas sincronizadas com movimentos de artes marciais.

Os códigos de sangue

Os Códigos de Sangue são o coração da progressão em Code Vein 2. Eles representam a manifestação física do poder de cada Aparição (Revenant) e definem como seu personagem luta, quais armas aproveita melhor e quais Forme podem ser usadas de forma eficiente.

Diferente de sistemas tradicionais de RPG, os Códigos de Sangue funcionam como equipamentos. Isso significa que você pode trocá-los a qualquer momento, alterando completamente seu estilo de jogo sem precisar redistribuir pontos ou recomeçar a construção do personagem.

Cada Código de Sangue também possui Características próprias, efeitos passivos que entram em ação sob determinadas condições e ajudam a moldar sua abordagem em combate.

Escolher um Código não é apenas sobre números, mas sobre entender como ele conversa com suas armas, Formae e parceiro.

As consequências em combate

Os atributos variam de acordo com o Código de Sangue equipado e influenciam diretamente o dano das armas, a força das Forme, além dos valores de vida e vigor. Força favorece armas pesadas, enquanto Destreza beneficia equipamentos mais ágeis.

Mente afeta a duração das Forme de suporte e também interfere no poder das habilidades mágicas, que escalam ainda mais com Determinação. Já Vitalidade e Fortitude lidam com sobrevivência e resistência.

No entanto, essas escolhas não existem no vácuo. Ao equipar armas, Prisões e Forme defensivas, entra em cena o Fardo, um sistema que adiciona peso real às decisões do jogador.

Dependendo de como esse fardo se distribui entre os atributos, seu personagem pode ganhar bônus específicos ou sofrer penalidades que afetam diretamente sua mobilidade.

Quando a carga ultrapassa certos limites, o personagem entra em Sobrecarga. Esse estado sempre traz dois lados: um benefício e uma penalidade.

Se você conseguir lidar com a desvantagem por meio de posicionamento, leitura de inimigos e execução correta, o ganho pode compensar o risco. Caso contrário, você será punido sem dó.

Isso se reflete, inclusive, na esquiva. Com baixa sobrecarga, a evasão se transforma em um passo rápido, eficiente e preciso.

Já quando dois ou mais atributos estão sobrecarregados, a esquiva vira uma rolagem pesada, lenta e muito mais arriscada. O jogo deixa claro que mobilidade também é uma escolha estratégica.

Reforços e sinergias

Além dos Códigos de Sangue, Code Vein 2 introduz uma variedade grande de Reforços, equipamentos voltados para expandir habilidades tanto das Aparições quanto dos Caçadores. Alguns aumentam atributos específicos, enquanto outros ativam efeitos ligados a certos tipos de armas ou estilos de combate.

Esses sistemas se conectam às Características, efeitos únicos que entram em ação quando condições específicas são atendidas.

Algumas são próprias dos Códigos de Sangue, outras vêm dos Boosters, e há ainda as Características de Ligação, que só funcionam quando você está acompanhado de um parceiro.

Ao aprender a controlar quando e como essas Características são ativadas, o jogador consegue criar sinergias que transformam completamente o ritmo das lutas. Não se trata apenas de causar mais dano, mas de entender o momento certo para misturar efeitos e virar o jogo a seu favor.

Edições disponíveis e conteúdo de cada versão

Edição Padrão

Inclui o jogo base, o Conjunto Forma Estilizado, a arma Presas Gêmeas do Lobo Solitário e a Forma de Pintura Facial.

Edição Deluxe

Além do conteúdo da edição padrão, oferece acesso antecipado de 72 horas, um pacote de roupas personalizadas e o DLC com a Máscara de Idris.

Edição Definitiva/Ultimate

Reúne tudo das edições anteriores e adiciona o Conjunto de Trajes de Personagens de Code Vein, além de um mini livro de arte digital e a trilha sonora oficial de Code Vein 2.

Edição de Colecionador

Voltada para fãs da franquia, essa edição inclui todo o conteúdo digital da edição definitiva, uma estatueta da personagem Lou MagMell com 18 cm, um livro de arte físico com 60 páginas e uma caixa de metal especial.

A pré-venda já está disponível, com acesso antecipado a partir de 26 de janeiro de 2026 para quem adquirir as edições superiores.

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Inicialmente, ele era um portal para qualquer pessoa subir seus vídeos. No campo da música, fãs viram a oportunidade de postar vídeos de shows e, assim, trazer em primeira mão músicas inéditas ou apresentações raras.

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Em seguida, a plataforma passou a dar espaço também a contas profissionais, onde artistas e gravadoras perceberam o potencial para divulgar clipes, entrevistas e materiais exclusivos para seus seguidores ao redor do mundo.

Atualmente, a plataforma é um dos espaços mais visitados em toda a internet, diariamente, e mantém-se assim também para quem ama música.

Logo, o República DG preparou uma lista com os 10 vídeos mais vistos da história do YouTube, nesses 20 anos. Entre eles, há nomes mais do que conhecidos do grande público, como Bruno Mars e Ed Sheeran.

Finalmente, o primeiro lugar desse ranking de bilhões vai te surpreender.

10° lugar – “Gangnam Style”, Psy

• Quantidade de visualizações: 5,47 bilhões de visualizações
• Ano: 2012

Essa música se destaca como uma das mais lembradas dos últimos tempos, principalmente pelo impacto que causou no público. Sua popularidade reside em sua dança característica, amplamente divulgada na televisão e nas redes sociais. Além disso, o cantor sul-coreano Psy apresentou este hit em 15 de julho de 2012, e acumulou mais de 5,46 bilhões de visualizações até agora, sendo assim, não poderia faltar em uma lista com os vídeos mais vistos no YouTube.

9º lugar – “Uptown Funk (Feat. Bruno Mars)”, Mark Ronson

• Quantidade de visualizações: 5,48 bilhões de visualizações
• Ano: 2014

A parceria entre Mark Ronson e Bruno Mars resultou em um dos maiores sucessos de 2014. Prova disso é o número de visualizações no YouTube, que ultrapassou a marca de 5,48 bilhões, além da indicação ao Grammy de melhor gravação do ano, evidenciando a qualidade e o reconhecimento da música.

8º lugar – “Phonics Song with TWO Words”, ChuChu TV

• Quantidade de visualizações: 6,3 bilhões de visualizações
• Ano: 2014

A série do YouTube ChuChu TV é conhecida por seus vídeos com diversos temas, e um deles se destaca como um dos mais vistos da história da plataforma. Nesse sentido, ele foi criado em 6 de março de 2014, o vídeo alcançou mais de 6,28 bilhões de visualizações, confirmando o seu sucesso e popularidade.

7º lugar – “Shape Of You”, Ed Sheeran

• Quantidade de visualizações: 6,4 bilhões de visualizações
• Ano: 2017

Primeiramente, este single representa um dos maiores sucessos do cantor britânico Ed Sheeran. Desde o seu lançamento, em 30 de janeiro de 2017, ele acumulou 6,41 bilhões de visualizações, demonstrando o seu impacto e popularidade. Além disso, a música foi reconhecida com o Grammy de Melhor Apresentação Pop Solo, confirmando a sua qualidade e relevância.

6º lugar- “See You Again (Feat. Charlie Puth)”, Wiz Khalifa

• Quantidade de visualizações: 6,5 bilhões de visualizações
• Ano: 2015

A parceria entre Wiz Khalifa e Charlie Puth gerou um dos maiores sucessos da música contemporânea. Portanto, desde o seu lançamento, em 6 de abril de 2015, a música acumulou mais de 6,58 bilhões de visualizações no YouTube, demonstrando seu alcance e popularidade. Além disso, foi o primeiro lugar na Billboard Hot 100 dos EUA por 12 semanas não consecutivas, reforçando o reconhecimento da qualidade e do impacto da música.

5º lugar – “Bath Song”, Cocomelon

• Quantidade de visualizações: 7,01 bilhões de visualizações
• Ano: 2018

Esta música é um dos maiores destaques do canal infantil Cocomelon, e foi divulgada no dia 2 de maio de 2018. Desde então, ela acumula mais de 7,01 bilhões de visualizações no YouTube, confirmando a sua popularidade entre o público infantil. Além disso, outro ponto importante é que a música possui um ritmo contagiante e aborda um tema presente no dia a dia das crianças, incentivando-as a criar uma relação positiva com a hora do banho.

4º – “Johny Johny Yes Papa”, LooLoo Kids

• Quantidade de visualizações: 7,04 bilhões de visualizações
• Ano: 2016

Preparem-se para conhecer um sucesso que conquistou o coração de milhões de crianças!Sendo assim, esta música faz parte do LooLoo Kids, um canal romeno do YouTube que oferece diversão para os pequenos.

Lançada em 8 de outubro de 2016, a música alcançou a marca impressionante de mais de 7,04 bilhões de visualizações, mostrando o seu poder de encantar e divertir. Além disso, a música prova que o entretenimento infantil de qualidade pode alcançar números incríveis no YouTube.

3º lugar – “Wheels on the Bus”, Cocomelon

• Quantidade de visualizações: 7,10 bilhões de visualizações
• Ano: 2018

Esta música é mais um exemplo do sucesso da série infantil Cocomelon. Após ser lançada em 24 de maio de 2018, ela rapidamente se destacou como uma das favoritas entre as crianças, e permanece assim até hoje. Portanto, prova disso são as mais de 7,10 bilhões de visualizações que acumula, confirmando a sua popularidade e relevância no universo infantil.

2º lugar – “Despacito (Feat. Daddy Yankee)”, Luis Fonsi

• Quantidade de visualizações: 8,65 bilhões de visualizações
• Ano: 2017

A música de Luis Fonsi e Daddy Yankee é um exemplo de sucesso que transcendeu fronteiras. Portanto, desde a sua publicação, em 12 de janeiro de 2017, ela se tornou um fenômeno global. Além disso, são as mais de 8,65 bilhões de visualizações que acumula no YouTube.

Em contrapartida, a versão com Justin Bieber, apesar de ser popular, não obteve o mesmo desempenho, com 684 milhões de visualizações. Essa diferença evidencia o impacto da versão original e mostra como uma música pode conquistar o mundo.

1º lugar – “Baby Shark Dance”, Pinkfong

• Quantidade de visualizações: 15,59 bilhões de visualizações
• Ano: 2016

Por fim, chegamos ao primeiro lugar do pódio, além disso, para muitas pessoas que não acompanham rankings de vídeos, o primeiro lugar desta lista pode ser uma grande novidade. Originária da Coreia do Sul, a Pinkfong, uma marca especializada em conteúdo infantil, é a criadora do fenômeno “Baby Shark Dance”. No entanto, ele lidera a lista com os vídeos mais vistos no YouTube.

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Jogos que ensinam lições poderosas sobre a vida!

Chicory: A Colorful Tale

No mundo de Chicory, os Pintores são as “pessoas” mais importantes que existem. Eles são responsáveis por dar cor ao mundo, tornando a vida de todos mais prazerosa. Os Pintores também dão formas às coisas e auxiliam as pessoas, se tornando uma espécie de Guardião do mundo. No game, um Faxineiro acaba se tornando o mais novo Pintor e passa a ter a difícil missão de restaurar a “cor” do mundo. Apesar da estética aparentemente infantil, Chicory ensina lições poderosas sobre a vida, abordando temas como depressão, autoconfiança, esgotamento mental e síndrome do impostor.

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Forgotton Anne

Com um visual belíssimo que lembra os Estúdios Ghibli, no mundo de Forgotten Anne, as “coisas” ganham vida própria. Os objetos perdidos das pessoas são “seres humanos” aqui e habitam as Terras Esquecidas. O trabalho de Anne é agir como uma pacificadora, enquanto ela e seu mentor trabalham pra construir uma ponte de volta para o mundo real. É através desse mecanismo que o game apresenta um sistema de moralidade e ramificações da história. Anne pode agir como uma ditadora ou como uma agente da “lei” que enxerga as situações com compaixão e democracia. Muito mais do que uma obra de entretenimento, Forgotten Anne traz lições sobre o que é ser humano e gera reflexões sobre onde o consumismo desenfreado vai nos levar.

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Crossing Souls

Ambientado na Califórnia dos anos 80, Crossing Souls carrega consigo diversas referências culturais e lições preciosas (e dolorosas) sobre amizade. Eu te garanto que quando a tela de créditos rolar, você vai estar chorando e vai se sentir muito grato pelos amigos que você tem.

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Endling: Extinction is Forever

Você já se imaginou sendo uma raposa e tendo que cuidar dos seus filhotes em um mundo cada vez mais hostil e poluído? Essa é a exata premissa de Endling: Extinction is Forever. Jogo com roteiro sublime que nos ensina de maneira tocante sobre a vida, família e nos faz refletir sobre o futuro da humanidade. Amanhã pode ser tarde demais e a extinção é para sempre!

Tchia

O recém-lançado Tchia consegue realizar um feito maravilhoso: imortalizar uma cultura que desaparece cada vez mais rápido. Trazendo músicas, o idioma e cerimônias da Nova Caledônia, uma pequena ilha do Pacífico, o jogo carrega uma enorme bagagem cultural enquanto ensina lições fundamentais sobre o amor.

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The Last of Us: Parte 2

A vingança nunca é plena, ela mata a alma e envenena. A famosa frase brasileira é a síntese perfeita de The Last of Us: Parte 2, obra da Naughty Dog que chocou o mundo. Com lições poderosas sobre amor, o ciclo de ódio propagado pela vingança e o poder do perdão, a história do game, quando absorvida do jeito correto, permanece com o jogador independente do tempo.

Wayward Strand

Protagonizado pela jovem Casey nos anos 70, Wayward Strand traz consigo uma proposta bem diferente. O jogo inteiro é ambientado em um hospital aéreo e a garotinha coleta as histórias dos pacientes para escrever um artigo sobre sua visita. O ciclo da vida é um dos temas principais do game e ele é abordado com um cuidado raríssimo de se encontrar nos jogos eletrônicos.

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A Space for the Unbound

A Space for the Unbound se passa na Indonésia dos anos 90 e flerta com o gênero slice of life, isto é, o realismo mundano entra em cena pra entregar uma narrativa com uma carga emocional gigante. Abordando temas como depressão, ansiedade, inseguranças, luto e relacionamentos, o jogo gera uma identificação enorme por trazer lições poderosas sobre a vida e sobre como enfrentar esses problemas.

Gostou da lista com 8 jogos que ensinam lições poderosas sobre a vida? Conta pra gente nos comentários se esquecemos de algum! E, claro, não esquece de repassar até chegar no Lula.

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