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Segundo o estúdio, a equipe optou por reconstruir o jogo em vez de produzir uma remasterização tradicional. A ideia foi preservar a identidade da aventura de Edward Kenway, mas aproveitar os recursos disponíveis no hardware atual.

• Jogos que chegam em julho com pré-venda aberta

No PlayStation 5, o jogo contará com modos de 60 FPS, HDR, áudio Dolby Atmos e recursos do DualSense. Já o PS5 Pro adiciona melhorias exclusivas graças ao maior poder de processamento gráfico da plataforma.

• Tudo o que você precisa saber sobre Assassin’s Creed: Black Flag Resynced

PS5 Pro amplia qualidade gráfica e estabilidade

No PlayStation 5 Pro, todos os modos gráficos contam com Iluminação Global e Reflexões Especulares com Ray Tracing. Segundo a Ubisoft, isso permite manter uma qualidade visual superior sem comprometer o desempenho nos modos Desempenho, Equilibrado e Fidelidade.

Outro destaque é o suporte à versão mais recente do PlayStation Spectral Super Resolution (PSSR). A tecnologia melhora a reconstrução da imagem e reduz a diferença visual entre os modos gráficos, entregando imagens mais nítidas mesmo nas opções voltadas para desempenho.

O estúdio também expandiu o sistema de cabelos baseado em fios individuais. No PS5 Pro, Edward Kenway utiliza essa tecnologia em todos os modos gráficos. Já no modo Fidelidade, personagens próximos durante a exploração também recebem o mesmo tratamento, enquanto todas as cenas utilizam o novo sistema.

Além das melhorias específicas para o console, Assassin’s Creed Black Flag Resynced traz uma iluminação totalmente dinâmica. O sistema reage em tempo real às mudanças de horário e clima, enquanto o novo modelo de água reproduz ondas, espuma e bolhas com base nas condições do oceano.

A Ubisoft também modernizou a renderização dos cenários com uma tecnologia de micropolígonos. Em vez de alternar entre diferentes níveis de detalhe, o sistema ajusta a geometria continuamente conforme a distância e a posição da câmera, tornando as transições praticamente imperceptíveis.

Outro recurso inédito é o Atmos, sistema climático da engine Anvil. Ele simula fatores como vento, temperatura e umidade em tempo real. Essas variáveis influenciam nuvens, vegetação, tecidos, velas dos navios e até o cabelo dos personagens, deixando o Caribe mais dinâmico durante a exploração.

Assassin’s Creed Black Flag Resynced chega em 9 de julho.

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• Tudo que sabemos sobre a pré venda de GTA 6

Segundo a comunicação oficial, o objetivo da parceria é garantir que o jogo rode de forma consistente no PS5, enquanto o PS5 Pro recebe melhorias adicionais que elevam a qualidade da experiência.

Portanto, não deixe de fazer parte dos nossos grupos de descontos e cupons para garantir a compra do game e ficar por dentro de tudo o que envolve o lançamento mais aguardado da década. É só clicar nos links abaixo e ficar ligado:

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• DG Pré-vendas de GTA 6
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PS5 base otimizado para a experiência completa de GTA 6

No PlayStation 5, GTA 6 contará com suporte completo ao ecossistema do console, incluindo integração com o controle DualSense, com gatilhos adaptáveis, feedback tátil e uso do alto-falante integrado.

• Por que GTA 6 vai ter mídia física com código em vez de disco?

O jogo também aproveita o SSD do console para reduzir ao máximo os tempos de carregamento, além do suporte ao áudio 3D via Tempest 3D AudioTech, que melhora a percepção espacial do ambiente dentro do mundo de Leonida.

PS5 Pro terá a melhor experiência geral de GTA 6

Já o PlayStation 5 Pro será responsável por entregar a versão mais avançada da experiência.

De acordo com a Rockstar , o modelo Pro recebe melhorias técnicas adicionais que vão além da base do PS5, oferecendo maior desempenho e ajustes visuais aprimorados.

• [Galeria] Confira TODAS as imagens de GTA 6 divulgadas pela Rockstar

Na prática, o PS5 garante uma experiência completa e estável, enquanto o PS5 Pro representa o ponto mais alto da qualidade disponível dentro da plataforma.

Pré-venda e bônus

A pré-venda de GTA 6 começa em 25 de junho. O jogo terá preço base de US$ 80, enquanto a edição Ultimate custará US$ 100.

Entre os bônus de pré-venda estão:

• Um mês gratuito de GTA+
• Pacote Vintage Vice City com itens adicionais
• Conteúdos extras na edição Ultimate, incluindo veículos, armas e roupas

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A fuga

A narrativa de Deer & Boy não é contada do jeito explicíto. Temos cutscenes, mas nada de diálogos e tampouco colecionáveis de texto. Essa pegada interpretativa é o padrão dentro de jogos com essa proposta, logo, é algo que eu já esperava.

Nossa aventura começa ao controlar o Garoto. Lidando com uma aparente perda que o deixou desolado, ele decide fugir de casa numa tentativa de escapar da realidade. Só que no meio do caminho ele se depara com um filhotinho de um cervo, também lidando com uma perda trágica.

O pequenino cervo funciona como um deuteragonista, inicialmente servindo como um ponto de conexão emocional do garoto com o jogador. Logo após a hora inicial, mais mistérios vão surgindo na tela. Uma substância viscosa, chamada de matéria escura, está infectando qualquer ser que entra em contato com ela.

Isso serve como justificativa para o surgimento de figuras monstruosas e raivosas que funcionam como trechos de fuga no jogo. O primeiro deles, o javali, era uma criatura normal, que foi auxiliada pelo Garoto, mas que acaba sendo profundamente transformado pela matéria misteriosa. Após isso, o javali cresce em pelo menos 10x de tamanho, tornando-se imponente e furioso, capaz de arremessar carros para longe.

É diante desse contexto que descobrimos que o cervo não é um cervo comum. Ele consegue acionar uma magia azul que aparenta ter o poder de purificar os seres afetados pela matéria escura. Vários mistérios vão surgindo ao longo da trama, mantendo o jogador engajado e interessado nas respostas. O que é a matéria escura? Como ela foi parar ali? De onde vem a magia do cervo? A narrativa funciona aqui e é bem competente.

Problemas no horizonte

Deer & Boy se posiciona como um jogo de “plataforma cinematográfico”. A parte cinematográfica é facilmente percebida em vários trechos do jogo. A direção das cenas, os recursos de iluminação que lembram um filme animado, a trilha inserida para evocar sentimentos…

Minha maior ressalva com ele reside na parte do “plataforma”. Em jogos dessa proposta, os controles precisam ser extremamente precisos. Seja para pular, subir em beiradas, interagir com objetos… e infelizmente esse não é bem o caso aqui. Notei um delay considerável em certos trechos para que o Garoto cumprisse comandos básicos, como subir em uma pedra para evitar a matéria negra.

Por mais que o jogo seja compacto, essa irresponsividade incomoda e diminui bastante o fator diversão do jogo. Uma surpresa positiva foi o próprio level design. Temos um bom nível de interatividade com o cenário, com o Garoto tendo que remover obstáculos como tábuas de madeira ou interagir com cordas para fazer rochas caírem nas poças de matéria escura.

A tensão no gameplay acontece nos trechos de “perseguição” onde o Garoto precisa agir de maneira furtiva, evitando ser pego. Para entregar um senso de urgência ainda maior, temos trechos que impedem que o Garoto prossiga com o Cervo até que um caminho seja providenciado pelo jovem. Além de ajudar com o senso de urgência, isso também mantém o jogador investido no gameplay.

Uma aventura cinematográfica

Estruturado como um jogo 2.5D, Deer & Boy faz um uso inteligente da palheta de cores para aliar sua estética com o storytelling. No começo da história, temos o uso de cores predominantemente frias, como o cinza e o azul. Isso reflete o estado emocional dos dois personagens principais.

Na medida que o cervo cresce, as cores se alteram e o jogo passa a abraçar mais as cores quentes. Eu achei esse artíficio bem inteligente. Como não temos uma direção de arte realista, o estúdio se empenhou para entregar animações de ponta.

Podemos perceber o estado emocional do cervo ao prestar atenção nos sons que ele emite e o comportamento da criatura. Ele se contrai um pouco quando está com medo por exemplo. Como falei mais acima, outro grande aspecto artístico é o enquadramento escolhido para certas cenas.

Por muitas vezes, a câmera se afasta e dá um foco maior nas paisagens, gerando o sentimento de vastidão e consequentemente solidão. Por fim, mas não menos importante, o som aqui também é protagonista.

A trilha evoca muito bem uma diversidade de sentimentos, indo de tristeza profunda até conforto. Outro ponto que achei genial é que muitas vezes os puzzles contam com pistas auditivas sutis que dão um pequeno indicativo do que fazer caso você fique empacado. Mas, reforçando, elas são incrivelmente sutis, logo, o uso da lógica é demandado constantemente na aventura.

Os puzzles são bem inteligentes e não existe muito o “segurar de mãos” tradicionais de jogos como esse, o que acabou me agradando bastante. Tecnicamente falando, não tive nenhum problema com bugs ou crashes, contudo, em certos momentos, achei os visuais com um nível de qualidade abaixo do que eu esperava.

Em boa parte das cenas, a boa direção de arte ajuda a mitigar esse problema, contudo, em outros trechos essa falta de polimento nas texturas e resolução acaba se tornando bem vísivel, mesmo para um indie.

Review de Deer & Boy – Vale a Pena?

Deer & Boy conta uma história emotiva que deve agradar quem busca por uma experiência mais compacta, ideal para ser aproveitada entre jogos maiores. A amizade entre o garoto e o cervo evoluiu bem e emociona, pilares esses que julgo serem essenciais em games assim. Infelizmente nem tudo é perfeito. A jogabilidade não é tão responsiva quanto deveria, mas não chega a ser algo grave o suficiente para destruir a experiência.

Se você busca por jogos de plataforma cinematográficos com uma duração mais compactada, Deer & Boy pode ser uma excelente pedida!

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Graças à um código antecipado cedido pela Square Enix, pude conhecer as aventuras de Elliot e eu já adianto, sem cerimônia mesmo – é outro grande acerto da Square, resgatando pilares que ajudaram o gênero a virar uma febre mundial anos atrás.

Um conto de eras

Nossa história é protagonizada pelo aventureiro Elliot, um jovem experiente que adora ajudar os outros. Esse primeiro contato com Elliot já me agradou bastante. Eu particularmente sinto falta de histórias com protagonistas puros e altruístas, e o jogo entrega exatamente isso, fazendo alusão aos RPGs clássicos de outrora.

Após eventos iniciais que servem para introduzir a figura de Elliot, acabamos nos deparando com a investigação de uma ruína que abriga uma porta misteriosa. A porta acaba se revelando uma espécie de portão temporal que leva Elliot para uma era diferente.

Como a narrativa é o grande foco do jogo, não entrarei em mais detalhes específicos sobre a trama. Mas confirmo que eu gostei da história e ela conta com finais múltiplos, adicionando um fator replay ao game.

A construção de mundo fica a cargo dos diálogos e dos colecionáveis que encontramos e podemos aprender mais sobre a cultura, costumes e locais do universo de Elliot. Os diálogos são bons, reais e os personagens aliados são bem escritos.

Eu particularmente achei o antagonista principal um tanto quanto caricato, suas motivações são óbvias, mas não é algo que chega a incomodar. Os dois pontos negativos da narrativa pra mim é que nem todos os diálogos são dublados e, o principal, a ausência de textos em nosso idioma. O inglês aqui é básico, logo, você não precisa ter um nível avançado para entender a trama, contudo, é obrigatório ter uma boa noção do idioma, o que torna a aventura restritiva.

A campanha, sem fazer 100%, levou 13 horas pra ser concluída.

Hora da aventura

Jogar The Adventures of Elliot me fez pensar muito em um dos meus filmes prediletos da infância – A História sem Fim. O sentimento de ficar imerso em um mundo com um alto senso de descoberta e ser a “chave” para a solução de grandes problemas é uma peça central do jogo.

E um aspecto que eleva esse charme é que as mecânicas, incluindo o combate, são simples e diretas ao ponto. Podemos atacar, bloquear, usar habilidades especiais.. o jogo foge das armadilhas de jogos modernos que apostam na complexidade para segurar o jogador.

Os comandos são bem intuitivos e a jornada entrega algo que eu considero ser fundamental em bons RPGs: um excelente senso de progressão. Elliot é um aventureiro experiente, contudo, ele não possui muitos trunfos no começo do jogo. Na metade pro final, vamos desbloqueando novos armamentos poderosos, habilidades de travessia e magicites bem poderosas que elevam a escala de poder de um jeito bem satisfatório.

Adotar o estilo de movimentação livre tornou possível até que o jogo brincasse com trechos de plataforma dentro de calabouços, o que adiciona uma variedade bem vinda no loop de gameplay. As batalhas contra chefes se tornam ainda mais especiais e eles estão com um belo design, tanto visualmente quanto mecanicamente falando.

Tratando-se de progressão do personagem, Elliot se comporta como um Zelda-like e não como um RPG. Não ganhamos experiência ao derrotar monstros. Ganhamos moedas que são usadas para comprar coisas como equipamentos e consumíveis.

O jogo conta com um engenhoso sistema de bônus acumulativo que vai aumentando mediante a quantidade de inimigos que você derrota sem levar dano. Isso é incrivelmente satisfatório e faz com que você preste muita atenção em todos os combates, inclusive contra os adversários comuns.

Por falar neles, essa foi minha única ressalva tratando-se do combate do game. Poderíamos ter uma variedade maior de inimigos. Eles se repetem com frequência. Não é algo que destrói a experiência mas certamente tira um pouco do seu brilho.

Ao longo da campanha, também podemos concluir missões secundárias. Algumas delas concedem novos tipos de armas ou consumíveis importantes como as bombas, item essencial na exploração. Isso adiciona um temperinho de metroidvania no game. Nas horas iniciais da aventura nos deparamos frequentemente com locais que ainda não podemos acessar pela falta de algum item, como a mencionada bomba.

Por falar em exploração, o jogo conta com vários calabouços e templos, como os Templos de Vida. O layout dessas dungeons varia bastante, ajudando a elevar o nível da experiência.

Uma coisa que me agradou muito foi em relação ao mapa e os recursos de qualidade de vida para o jogador. O mapa mostra exatamente onde tem um baú após removermos a “névoa” dele. Outro ponto é que podemos viajar livremente entre os pontos de viagem rápida, mesmo estando em diferentes eras. É legal ver um game facilitando a vida do jogador em questões que realmente deveriam ser facilitadas, como é o caso da travessia pelos cenários.

Charme retrô

Artisticamente falando, temos o retorno da proposta HD-2D mas numa versão evoluída. Como a movimentação aqui é livre e o jogo foi estruturado como um jogo de ação em tempo real e não por turnos, o cenário foi modificado pra dar uma sensação maior de verticalidade e imensidão.

O combate em tempo real, nos moldes dos Zeldas clássicos, exigiu que as animações também evoluíssem, tornando-se mais fluidas e estilosas. A HUD também foi levada em consideração, implementado técnicas como porta-retratos pintados em balões de diálogos, dando um aspecto artesanal bem-vindo ao game. A parte sonora também merece destaque (e muito!).

A trilha sonora está fantástica, lembrando os Dragon Quest originais e os diálogos que possuem dublagem são surpreendentemente “pés no chão”, fugindo dos exageros que marcam jogos com propostas similares.

Os efeitos sonoros, como os das bombas explodindo obstáculos, as gramas sendo cortadas e vasos quebrados, também reforçam o cuidado da equipe nesse departamento.

Um ponto que talvez incomode os veteranos do gênero é que a companion de Elliot acaba dando pistas auditivas em excesso. Por exemplo, ao entrar em uma sala e ver um baú, ela já vai falar coisas como: “olha, um baú, deve ter alguma coisa valiosa dentro”. O game tem um forte intuito em ser acessível, mesmo em situações que não precisava ser.

Review de The Adventures of Elliot – Vale muito a pena!

The Adventures of Elliot: The Millennium Tales é a prova cabal que grandiosidade não reside em visuais de ponta e aventuras mirabolantes com 100 horas de duração e mecânicas super complexas. Compacto, honesto e divertido, o jogo é um dos melhores games da Square nos últimos 5 anos e representa um passo da empresa na direção certa.

Apesar da ausência da localização dos textos em nosso idioma, recomendo as aventuras de Elliot para quem busca uma boa aventura que relembra a era de ouro do gênero na época do PS1.

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Meu contato com a franquia começou de um jeito simbólico. Através de meu pai. Ele adora os filmes antigos de James Bond e acabei nutrindo a mesma admiração.

Acho importante deixar isso claro pra ilustrar o tamanho das minhas expectativas para o jogo. Inicialmente, lá na época do anúncio, eu estava cautelosamente otimista.

Apesar da IO Interactive ser um estúdio renomado, não conseguia enxergar a equipe entregando um jogo memorável de James Bond. Nos games, a IP estava simplesmente abandonada. Felizmente, eu estava redondamente enganado.

A IO Interactive entrega um jogo que faz jus ao legado gigantesco do personagem e que se posiciona facilmente como um dos melhores games do gênero em toda a história. Confira abaixo meu review de 007: First Light e saiba por que eu achei a aventura fantástica!

A Serviço Secreto de Sua Majestade

Interpretar James Bond, mesmo que em um jogo eletrônico, não é nada fácil. O personagem apresenta vários maneirismos e um charme que o ajudaram a se tornar um símbolo cultural.

Para a minha surpresa, Patrick Gibson não só brilha no papel como rivaliza com grandes nomes que assumiram o manto, como Roger Moore e Pierce Brosnan. First Light é uma história de origem mas, apesar disso, a IO teve o cuidado em escrever James já com um nível elevado de autoconfiança e carisma.

A escrita precisa ser destacada aqui. O roteiro como um todo do jogo rivaliza com os maiores filmes da saga. Temos vários personagens muito bem escritos e setpieces de tirar o fôlego que se espalham em países conhecidos e exóticos.

O panteão de 007 é revitalizado. Moneypenny, Q, M… todos eles marcam presença na obra de um jeito novo mas mantendo as características centrais que eternizaram esses personagens no imaginário popular.

É impossível um fã de 007 não lembrar de Judi Dench com a atuação de Priyanga Burford. Ela serve como uma necessária dose de controle para a impulsividade enebriante de James. A versão escolhida de Q, interpretada por Alastair Mackenzie, lembra muito a de Desmond Llewelyn.

Uma mudança que me agradou bastante é a relação entre James e Moneypenny. A personagem tradicionalmente era colocada em um papel secundário, muitas vezes de secretária apaixonada, mas em First Light ela tem um papel ativo, servindo como o suporte de TI e meio que a central de inteligência entre missões. A relação entre os dois é divertidíssima graças à um roteiro impecável e diálogos inteligentes.

Um ponto que me deixou em cima do muro foram os antagonistas. Suas motivações, mesmo que atreladas à temas atuais como inteligência artificial e controle de mercados, acabam sendo mal exploradas, o que acaba dando a eles um ar meio caricato e de superficialidade.

Seria fantástico se a equipe fugisse um pouco do esperado para um jogo como esse. Considerando que a franquia apresentou alguns dos vilões mais icônicos do entretenimento como Blofeld, Zorin, Dr. No e Stromberg, eu esperava um pouco mais nesse departamento.

Vale mencionar que não estou afirmando que o game entrega vilões ruins e sim que optaram por jogar um pouco mais no seguro. Também preciso exaltar o tremendo respeito e conhecimento que a IO Interactive demonstrou com a franquia.

Em muitos momentos você se vê jogando um dos filmes da franquia, mas de um jeito extremamente positivo e amplificado. A qualidade da escrita, os Aston Martin e Range Rover, os drinks, os flertes com belas damas… cada peça, pequena ou grande, do que compõe o “mythos” de 007 é apresentada de maneira genial.

É um desafio hercúleo construir um James que ainda está se tornando o lendário 007 mas a equipe sorriu para o perigo e soltou o: Sem Tempo Para Falhar. Poder ver um pouco do treinamento do Programa 00 e o início do que pode se tornar uma das franquias mais icônicas dos games é um privilégio.

No mais, a duração do jogo é bem interessante. São 17 capítulos ao todo e muitos deles possuem um elevado fator replay graças ao brilhantismo da IO Interactive. Uma jogatina em um ritmo normal vai levar entre 14 a 16 horas.

Na maior parte das vezes, os objetivos podem ser concluídos de várias maneiras diferentes. Por exemplo, em uma das missões iniciais, eu precisava garantir o acesso aos andares superiores de uma boate. O próprio jogo sugere subir pela sacada ou passar sorrateiramente pela área dos funcionários.

Eu andei um pouco pela boate e surgiu uma oportunidade de escutar uma das pessoas da boate. Na conversa, ela fala sobre uma lista e avisa pra pessoa falar o nome Jones na bilheteria para conseguir o acesso ao “lounge premium”.

Com a informação, Bond consegue ir até a bilheteria, falar o nome e cumprir o objetivo de um jeito completamente diferente. Outra opção seria entrar sorrateiramente na bilheteria, distrair os funcionários e roubar o carimbo com o selo do lounge vip.

Isso se repete em praticamente todas as missões e objetivos principais, permitindo que o jogador exerça sua criatividade. O level design é inteligente e variado, trazendo um frescor e uma lição importante para a indústria como um todo.

Licença para Matar

A jogabilidade de 007: First Light bebe da fonte de IPs conhecidíssimas. Temos inspirações diretas em Hitman, outro jogo da IO Interactive, Watch Dogs, Uncharted e surpreendentemente Batman: Arkham.

Com a campanha promocional, milhares e milhares de jogadores mundo afora compararam o jogo à Uncharted mas essa é uma das inspirações mais tímidas do game.

Os trechos furtivos e o design aberto das missões lembram muito o que vimos no game mais recente do Agente 47. Pra quem estava preocupado no game ser uma skin de Hitman, a diferenciação é cristalina aqui.

A campanha dosa bem entre espionagem e combate frenético, mas você pode concluir praticamente todos os trechos de combate do jogo indo pra cima dos inimigos. A furtividade é completamente opcional.

Eu joguei na dificuldade Normal e achei que ela proporciona uma experiência justa. Os inimigos conseguem te detectar razoavelmente fácil quando você entra no campo de visão deles, mas existe tempo o suficiente para tomar medidas em relação a isso.

O combate corpo a corpo lembra, surpreendentemente, uma evolução do que vimos em Batman: Arkham. Aparar e desviar de golpes é vital para nocautear os inimigos. É absurdo o quanto o combate, tanto corpo a corpo, quanto com armas, está prazeroso. Tudo tem impacto, com animações de ponta e um leque amplo de opções.

James Bond é versado em várias artes de combate e o título deixa isso claro. Podemos agarrar inimigos e lançar eles de parapeitos e temos uma interatividade bem alta entre o combate e o ambiente. Arremessar inimigos em janelas de vidro faz elas quebrarem e atordoarem o adversário. Jogar eles em direção à um extintor de incêndio causa uma “explosão” e tanto, e por aí vai!

Os abates ambientais são divertidíssimos e funcionam como um charme a mais. No quesito armas de fogos, temos opções como pistolas, submetralhadoras, fuzis, escopetas… a balística de cada arma está excelente, com o devido impacto ao atingir os inimigos. O uso de armas de fogo não é livre! James só recebe a famosa “Licença Para Matar” caso um inimigo empunhe e use uma arma de fogo.

Somado a isso, os gadgets lendários de Bond retornam. Temos inserções inéditas pensadas exclusivamente para o game e outros dispositivos que se tornaram uma marca registrada da saga. Não vou mencionar em específico quais são, mas se você for um fã de Bond, prepare-se para sorrir bastante.

Agora, você deve estar se perguntando, tá, mas e onde Watch Dogs entra nisso? Bom, o dispositivo central de James é seu super relógio Omega. O relógio usa bateria e consegue hackear dispositivos, disparar feixes de laser e mais. Ele é uma peça essencial para a progressão em certas fases, criando distrações para os adversários e proporcionando uma espécie de Visão de Detetive para quem busca os colecionáveis.

Um ponto que preciso mencionar é que aplicaram melhorias significativas na dirigibilidade dos veículos e os trechos de perseguição estão fantásticos, parecendo ter sido retirados diretamente dos filmes.

Tem uma parte com o caminhão de lixo que, quando combinada com a trilha sonora, se torna um momento incrivelmente emblemático! O estúdio teve cuidado até com as marcas dos veículos, revelando um licenciamento coerente com o legado de 007. A Range Rover e a Aston Martin são presenças constantes ao longo da trama.

Uma grande surpresa na jogabilidade é a existência do TacSim, um simulador de missões e operações que funciona como um modo arcade e adiciona uma bela dose de fator replay no jogo. Através do TacSim podemos obter recursos para desbloquear cosméticos e melhorias para os dispositivos.

Os fãs de Hitman vão se esbaldar nesse modo! São dezenas de desafios que obrigam o jogador a pensar fora da caixa e dominar todos os sistemas do jogo!

Batido, não mexido

A célebre frase de 007 pode ser perfeitamente usada para explicar o quão absurda é a experiência que a IO Interactive criou. Chega a ser engraçado, por que é um jogo com um valor de produção de Hollywood.

As cutscenes são fantásticas e bem editadas, as performances estão absurdas, evidenciando um trabalho impecável de mocap… a trilha sonora tem o mesmo nível de qualidade dos filmes e os efeitos e música-tema tocam em momentos chave, deixando tudo mais épico…

Eu não tive nenhuma queda de frame ou crash durante minhas quase 30 horas com o jogo. A única coisa que notei, com bastante frequência, foram texturas sendo carregadas em tempo real. Um patch aplicado recentemente diminuiu o problema mas ele ainda acontece. Fora isso, toda a parte técnica beira o absurdo.

A Glacier Engine entrega um nível de realismo muito bem-vindo para esse tipo de jogo. Os cenários são ultradetalhados e metódicos, reforçando o nível de paixão aplicado pela equipe no projeto.

Em várias ocasiões eu entrava em salas e ficava admirando os elementos ao redor, como quadros, o acabamento das paredes e mais. O luxo é um elemento constante dentro do universo Bond e por isso visitamos locais emblemáticos repletos de arquitetura e história.

Também fiquei impressionado com a quantidade de NPCs na tela. Tem missões que vemos 150-200 pessoas na tela de maneira simultânea e todas são bem únicas. Visitar um baile lotado aumenta e muito a imersão na aventura.

No mais, 007: First Light entrega uma experiência cinematográfica de altíssima qualidade, com setpieces absurdos e tudo que se espera de um jogo protagonizado por James Bond. Roteiro, engine, game design.. tudo aqui se encaixa para entregar uma experiência digna da atual geração.

Review de 007: First Light – Candidato ao GOTY

007: First Light é o melhor jogo que eu joguei em 2026 até agora. É incrivelmente difícil trabalhar com uma IP tão impactante e importante para o entretenimento, mas a IO Interactive faz isso com maestria, respeitando o legado do maior espião do mundo enquanto entrega uma história de origem que parece ter sido liderada pelo próprio Ian Fleming.

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Com incontáveis quadrinhos, desenhos, filmes, livros e jogos, o “Homem-Morcego” se tornou um símbolo marcante da luta contra a injustiça.

Após ter retratado uma das sagas mais emblemáticas do cinema, a Saga Skywalker, a TT Games resolveu assumir um desafio ainda maior: recriar e honrar o legado do Cavaleiro das Trevas. Será que o estúdio cumpriu a missão com êxito? É isso que você vai descobrir em nosso review de LEGO Batman: O Legado do Cavaleiro das Trevas.

Eu sou a Vingança

A história do jogo aborda os passos iniciais de Bruce Wayne, sim, começando pelo fatídico dia em que seus pais são assassinados, até os anos em que a aposentadoria do herói se aproxima, mostrando os primórdios do que vem a se tornar a Batfamília.

Assim como em A Saga Skywalker, vemos aqui a recriação de cenas fantásticas da franquia Batman, sejam elas de filmes, desenhos ou dos quadrinhos.

Elas foram organizadas em uma ordem cronológica que facilita o entendimento geral da trama e, claro, adaptadas para o universo LEGO. É muito importante lembrar que o jogo mira no publico infanto-juvenil, afinal, é um LEGO e ele não esconde isso em nenhum segundo da aventura.

O humor galhofa que marca os jogos LEGO é constante e essas cenas emblemáticas são retratadas com piadas e leveza. Considero importante ressaltar isso pra que expectativas sejam bem aplicadas aqui. Se você busca profundidade narrativa, é melhor ir rejogar a franquia Arkham!

No geral, achei a história bem competente mas sinto que o estúdio poderia ter inserido colecionáveis com a finalidade de educar os jogadores um pouco mais sobre o herói e o processo de criação dele.

Um elemento fantástico é que o game conta com localização completa em nosso idioma e vozes marcantes dos desenhos retornam, elevando a experiência e trazendo um senso maior de imersão!

Apesar de ser uma aventura LEGO, o estúdio fez questão de manter a essência de todos os personagens do panteão Batman. É engraçado ver Bane e o Coringa mandando umas piadocas de quinta série enquanto eles mantém a compostura de vilões.

Eu levei 28 horas para platinar o jogo mas sinto que um ritmo normal de jogatina vai colocar a platina em 35 a 40 horas para a maioria dos jogadores.

A duração é menor do que a Saga Skywalker mas essa redução foi uma decisão super acertada da equipe. Mais algumas horas e o jogo sairia do campo da diversão e entraria no vale da repetitividade.

De Volta à Arkham

Se a história do jogo honra vários momentos icônicos do legado do cavaleiro das trevas, o combate é quase que uma réplica da trilogia Arkham, uma das trilogias mais cultuadas no mundo dos games. Os personagens podem socar, usar gadgets, desviar, realizar abates furtivos e dar contra-golpes. O medidor de combo também se faz presente.

As lutas são tão Arkham que você desbloqueia uma habilidade que amplifica o dano ao acionar a cadeia de golpes no momento certo. Apesar da inspiração, o combate se torna muito repetitivo e logo nas primeiras horas por conta da enorme simplicidade que ele carrega. Não temos um sistema de combos complexo aqui.

A TT Games acaba subestimando seu público alvo, entregando um sistema de combate que até crianças de 4 anos conseguem jogar, mas que acaba sendo inexpressivo pra idades maiores. O estúdio tenta combater a repetitividade ao adicionar ferramentas e múltiplos personagens jogáveis mas isso acaba sendo insuficiente para variar os embates.

É legal jogar com Jim Gordon, Robin, Asa Noturna, Batgirl e Talia mas esperava uma variedade maior de golpes e combos. Felizmente a parte técnica das lutas é fantástica. Os golpes tem peso e o controle é altamente responsivo, tornando o ato de enfrentar múltiplos inimigos algo bem satisfatório.

A equipe até pensou e implementou opções para quem prefere abordagens furtivas e as animações de eliminações são bem engraçadas. É memorável ver Batman fazendo uma enterrada com uma lata de lixo na cabeça de um capanga! Por falar em memorável, temos várias batalhas contra chefes e, surpreendentemente, eles são bem ricos mecanicamente falando.

A trilha sonora dos chefes poderia ser mais emblemática mas não chega a ser algo que incomoda. Outro ponto que foi bastante simplificado foi a progressão. Ela acontece em duas grandes vias – através do aprendizado de novas habilidades e ao melhorar os gadgets de cada personagem.

Os pontos de habilidades são obtidos ao concluir missões secundárias e principais, já os dispositivos são melhorados ao abrir Cápsulas Wayne espalhadas por Gotham e em certas missões principais. Eu entendo que é um jogo para a criançada mas sinto que a progressão poderia fugir um pouco da mesmice que conhecemos bem dos jogos de mundo aberto da década passada.

Agora em um lado positivo, o level design. As missões são bem legais e brincam a todo momento com o caráter interativo das peças de LEGO. Cada personagem tem seus dispositivos e expertises e isso é explorado bem tanto nas missões principais quanto no mundo aberto.

A Mulher-Gato por exemplo é a única que consegue cortar vidros. Batman consegue usar o Spray Explosivo para explodir paredes. Asa Noturna consegue energizar dispositivos, Bat-Girl consegue hackear… a individualidade de cada herói é respeitada e podemos trocar livremente entre eles no mundo aberto, o que torna tudo ainda mais especial.

Uma Gotham Vibrante

Um grande protagonista de LEGO Batman: O Legado do Cavaleiro das Trevas é a própria Gotham. A cidade aqui é vibrante e pulsa vida (e crimes é claro).

A TT Games fez um trabalho fantástico em recriar uma das cidades mais icônicas do entretenimento e podemos visitar várias localizações que ficaram eternizadas na mente dos fãs do Morcegão.

O mais impressionante (e meio que esperado) é a enorme interatividade do cenário. Por ser um jogo LEGO, podemos quebrar quase tudo e obter peças, além, claro, de se divertir bastante interagindo com coisas variadas, sejam bancos, caixas-eletrônicos, foguetes de brinquedo e muito mais.

Quase toda esquina da cidade tem alguma coisinha pra gente “brincar” e isso reforça muito a própria essência LEGO. A travessia pelo mapa acontece de três formas – através da viagem rápida, divertidamente chamada aqui de Subwayne – através do gancho + planagem, coisa que está tão satisfatório quanto em Arkham, e através dos veículos.

O jogo conta com 30 veículos diferentes no total e temos veículos específicos para cada personagem. O fantástico aqui, além dos visuais em LEGO, é que o time se atentou até ao som emitido pelos veículos, gerando uma imersão fantástica.

Usar a turbina do Tumpler proporciona uma baita experiência sonora! Se locomover rapidamente é importante aqui. Temos centenas de colecionáveis e atividades secundárias que vão levar boa parte do tempo para a platina.

A variedade é absurda… destruir plantas carnívoras, ajudar Bullock em um caso importante, ajudar Sofia Falcone com um problema, colocar rastreadores em animais que fugiram do zoológico… é bastante coisa e a variedade impressiona.

A cereja do bolo são os enigmas do Charada e do Mestre das Pistas. São mais de 100 enigmas ao todo e que surpreendentemente variam bem no design, desafiando o raciocínio lógico de quem joga. Diferente do combate, os desenvolvedores não seguraram a mão aqui e alguns enigmas são incrivelmente complexos. Temos jogos da memória, puzzles matemáticos, puzzles de “engenharia” e muito mais.

Outro ponto de destaque é a Batcaverna. O centro de operações de Batman é super charmoso, exibindo todos os trajes obtidos na aventura, veículos e permitindo um grau elevado de customização, fazendo com que cada jogador deixe o QG do jeito que preferir!

A TT Games sabe o que faz

O estúdio responsável pelo jogo adquiriu uma expertise absurda ao longo dos anos. Eles conseguem recriar mundos inteiros dentro do contexto LEGO com um nível de precisão absurdo, mantendo, claro, a essência interativa do brinquedo. Isso se repete aqui. Os visuais estão belíssimos, impulsionadas pela Unreal Engine 5.

É estranho falar isso e parece improvável, mas constantemente eu esquecia que estava jogando um LEGO visualmente falando. Após algumas horas, você acaba tão imerso naquele mundo que ele se torna realista na medida do possível.

Como já mencionei, a parte sonora está incrível, tanto dos veículos quanto dos diálogos. A localização completa em nosso idioma ajuda na imersão. O DualSense também se faz presente. Os avisos de crimes no rádio da polícia por exemplo são emitidos no alto-falante do controle.

Apesar disso, eu senti que os recursos do controle poderiam ser mais usados no combate, amplificando a sensação de impacto.

No campo do desempenho, não tive nenhuma queda de frame perceptível, contudo, tive dois bugs em missões que me fizeram ter que voltar para o menu principal para resolver o problema. Também tive um crash. Vale mencionar que joguei antes do lançamento, logo, um patch pontual pode resolver esses problemas!

Review de LEGO Batman: O Cavaleiro das Trevas – Vale a Pena!

Respondendo à pergunta lá do começo do review, sim, a TT Games cumpriu a missão com êxito e entrega um baita jogo que faz jus ao legado de um dos maiores ícones do entretenimento. Apesar de ser uma aventura projetada majoritariamente para crianças, todo fã adulto do Batman vai encontrar algo positivo aqui, suprindo um pouco a saudade deixada pela trilogia Arkham.

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Entre as várias nuances de um jogo que precisam ser analisadas, todo o contexto externo passa a ter um grande grau de importância também. Cada lançamento de destaque de um jogo brasileiro impulsiona a nossa indústria pra frente e serve de fonte de inspiração para quem vem depois.

E, bom, fico feliz em já deixar claro que Motorslice é um jogo de dar orgulho para o país. Ele se inspira em vários games icônicos que são cultuados até hoje, fazendo uma mistura genial de mecânicas que, quando unidas, geram uma experiência marcante. A Regular Studio fez um ótimo trabalho aqui!

P contra Máquinas

Você com certeza já ouviu falar ou jogou um game protagonizado por um personagem chamado P onde ele usa espadas para golpear máquinas. Bom, eu não estou falando sobre Lies of P. Essa é a exata proposta de Motorslice.

A jornada é protagonizada por uma mulher chamada de P, com voz da ótima Kira Buckland, a 2B de NieR: Automata. P é uma Slicer veterana, uma funcionária enviada para locais inóspitos para fatiar, literalmente, máquinas que fugiram do controle.

P conta com o auxílio de Orbie, um drone avançado que conta com uma personalidade que me lembrou bastante o icônico Claptrap de Borderlands – mas sem a voz irritante e sem interrupções constantes.

Apesar de ter um componente narrativo e uma história tradicional, Motorslice não deve ser considerado um jogo narrativo. Ele é, essencialmente, um jogo de plataforma com um pouco de combate e diálogos vez ou outra. Para se ter ideia, o game nem sequer apresenta colecionáveis com textos ou coisa do tipo.

Eu entendi a ausência, contudo, fiquei tão imerso durante a jornada de P que fiquei querendo saber mais sobre os Slicers, suas origens e até sobre a espada com o motor propulsor usado por eles. Outro ponto que é válido mencionar é que a narrativa apresenta elementos de cunho “Tomboy” e a interação entre P e Orbie exala isso.

Motorslice é dividido em 9 capítulos e eu platinei o jogo em cerca de 8 horas. Não senti que a experiência foi curta. Pelo contrário. Ela termina em um momento perfeito para dar aquele gostinho de quero mais – potencializando, quem sabe, investimentos futuros na IP.

Clássicos revitalizados

Lembra no começo do texto que falei sobre mistura genial de mecânicas? Pois bem. Motorslice bebe da fonte de jogos bem conhecidos como Mirror’s Edge, Prince of Persia, Shadow of the Colossus e, claro, NieR: Automata.

A movimentação é claramente inspirada em Mirror’s Edge e Prince of Persia. Pular entre duas paredes, correr pela parede, escalar postes. O tempero original aqui são os trechos que possibilitam o uso da mecânica Slice. P usa sua espada com motor de propulsão para literalmente fatiar paredes laranjas, conseguindo se locomover pela parede.

De NieR: Automata, temos a inspiração do combate, onde P enfrenta uma série de máquinas com design que lembram máquinas reais como tratores, empilhadeiras, trens e mais. O cenário que lembra um mega canteiro industrial também faz alusão à obra da PlatinumGames.

Por fim, mas não menos importante, temos Shadow of the Colossus. Os chefões de Motorslice não são lutas tradicionais contra chefes. Elas basicamente consistem em trechos de plataforma onde precisamos escalar essas máquinas massivas enquanto fatiamos as partes vulneráveis com a espada.

Vale destacar, novamente, que o fatiar aqui é diferente de Metal Gear Rising: Vengeance por exemplo. Precisamos chegar perto da “parede” laranja, enfiar a espada no lugar e acionar o motor propulsor, andando pela área enquanto causa dano.

O combate propriamente dito é bem simples e direto ao ponto. P consegue aparar ataques de inimigos, inclusive os ataques dos chefes colossais, golpear normalmente com a espada, dar um ataque carregado e rolar como desvio. A filosofia implementada pelo estúdio é a de um golpe pra matar e um golpe pra morrer. Essa dualidade entre letalidade e fragilidade de P é interessante e faz com que o jogador esteja sempre atento nos confrontos, mesmo contra máquinas “básicas”.

Apesar de ser um game que dura apenas por volta de 8 horas, eu senti falta de uma maior variedade de máquinas inimigas. Isso somado à um cenário que pouco se altera acaba gerando um sentimento de repetição em sessões de jogatinas que passam da barreira das 1-2 horas.

Para afastar esse sentimento de repetição, o estúdio implementa mecânicas novas de maneira gradativa pelos capítulos. Em um capítulo por exemplo precisamos desviar de minas terrestres que explodem ao contato. No outro, usar dutos de ventilação para alcançar locais mais altos.

Falando em minas, a dificuldade do jogo é o que eu gosto de chamar de quente e frio. Ele pune bastante qualquer erro cometido e P morre instantaneamente caso você erre um pulo e caia de grandes distâncias. Contudo, para atenuar isso, Motorslice apresenta uma quantidade absurda de checkpoints. Eles são bem generosos para impedir que o jogador fique frustrado.

Também existe uma opção de acessibilidade para adicionar checkpoints nas lutas contra os chefes, o que facilita bastante a experiência. O game tem chefes bem desafiadores em alguns capítulos!

Óleo tá em dia

A parte técnica de Motorslice é muito competente. A movimentação de P é fluída, a física do jogo é realista e funciona bem, demandando atenção nos trechos de plataforma e tornando a experiência bem prazerosa quando passamos por seções desafiadoras.

O calcanhar de aquiles do jogo é a câmera. Em segmentos específicos ela mais atrapalha do que ajuda, servindo como um obstáculo adicional a ser vencido na trajetória de P. Também achei que a trilha sonora e os efeitos sonoros como um todo são bem tímidos.

A trilha é embalada por uma música que lembra aquelas que tocam em um saguão de um hotel requintado. Não chega a ser um problema, mas sinto que ela poderia ter um pouco mais de presença, principalmente nos embates contra as máquinas colossais.

A estética do jogo é outro ponto que merece destaque. Motorslice usa uma técnica de low-poly moderna para entregar visuais charmosos e que ao mesmo tempo ajudam à disfarçar as imperfeições (e, claro, baratear os custos). Isso casa perfeitamente bem com o senso estético brutalista que o game apresenta. O visual é cru, mas imponente, com construções gigantescas que causam deslumbramento mesmo sem apresentar decorações ou refinamento.

Review de Motorslice: Vale muito a pena!

Motorslice prova que o cenário brasileiro pode ir muito além do tradicional pixel art, bebendo da fonte de algumas das maiores obras da história da indústria. Com uma protagonista carismática, uma jogabilidade altamente responsiva e um ritmo de campanha bem dosado, o título merece presença garantida em qualquer lista de melhores indies de 2026.

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Minhas expectativas pelo metroidvania eram tão altas que mergulhei nele e mal vi a hora passar, conquistando a primeira platina do jogo no mundo inteiro! Isso já dá um spoiler deste review de Constance… Sim, eu amei o game! Para conferir minha opinião de uma maneira mais aprofundada, confira o texto completo abaixo.

Uma história sobre suficiência

Constance é um jogo relativamente curto; vasculhei cada canto dele em cerca de 16 horas. Por conta disso, não darei tantos detalhes acerca da trama. Como o título do game sugere, acompanhamos a história de Constance, uma jovem que acaba indo parar em um mundo surreal cheio de criaturas místicas e um antagonista misterioso.

O jogo engenhosamente explica tudo o que se passa de maneira direta e bem expositiva; logo, a história e seus temas são bem fáceis de compreender. Mas, muito mais do que a fácil compreensão, preciso destacar aqui a coragem de abordar temas tão pertinentes.

A narrativa é quase como um grito de socorro do estúdio. A protagonista, que trabalha como designer no mundo real, está sobrecarregada de todos os lados. Com burnout e incapaz de exercer seu potencial criativo, Constance acaba entrando no que parece ser um estado de depressão.

É aí que o surrealismo entra em cena e acabamos indo parar em um “universo mágico”, aos moldes de A Viagem de Chihiro, dando o pontapé inicial em uma aventura que vou levar sempre comigo! O curioso é que a tinta, a arte e a cor são pautas importantíssimas no game, e isso me fez pensar em outro indie que eu amo: Chicory: A Colorful Tale. O mais curioso ainda é que Chicory trata de temas parecidos.

Além da campanha tradicional, podemos concluir missões secundárias para os habitantes desse mundo surreal. Fiquei positivamente surpreso com a complexidade de algumas delas. Algumas demandam que o jogador aplique o raciocínio lógico para saber como prosseguir. Como o game não apresenta uma quantidade elevada dessas tarefas, é nítido que o estúdio pensou bem em cada uma, afastando-se completamente das tradicionais fetch quests encontradas em títulos do gênero.

Tinta para todo lado

Constance é um metroidvania; logo, você já sabe o que esperar da jogabilidade: cenários intransponíveis até encontrar habilidades de travessia específicas, lutas contra chefes, seções de plataforma desafiadoras… A maior diferença de Constance em relação a metroidvanias recentes é que ele tem mais trechos de plataforma do que de ação propriamente dita.

E, vou te dizer, alguns desses trechos são surpreendentemente desafiadores. A progressão acontece de maneira simples. Precisamos vasculhar o mapa para encontrar partes de um coração que, quando completo, aumenta a barra de vida. O mesmo vale para a barra de tinta, recurso usado para acionar habilidades especiais.

Fiquei muito surpreso (e feliz) com o design dos chefes de Constance. Além de serem visualmente fantásticos, eles são mecanicamente ricos, tornando as lutas bem legais e com um nível de desafio justo. Cada bioma do jogo abriga novos cenários e tipos de inimigos, evitando a sensação de repetição que costuma aparecer no gênero.

A maior diferenciação de Constance em relação aos demais acontece por meio de sua temática. Ao concluir missões e encontrar telas específicas, aprendemos novas Inspirações — habilidades equipáveis com grande aplicabilidade no combate. Também senti falta de uma maior escala de poder. No final do jogo, mesmo com várias habilidades de travessia e de combate, não vi tanta diferença em relação a como iniciamos a jornada.

Por fim, mas não menos importante, o jogo pode ser um pesadelo para speedrunners (temos troféus de tempo para a platina). Caso você abra o menu, o jogo não é pausado e o tempo continua correndo, demandando que o jogador volte para o menu principal para impedir que as horas passem. O problema? Voltamos ao último ponto de salvamento visitado, e não ao local onde selecionamos a opção para fechar e voltar ao menu.

Bonito feito pintura em aquarela

A aquarela é considerada uma das técnicas mais difíceis da pintura. É necessário aprender e ter uma precisão fora do comum sobre a água e o pigmento. E, bom, isso define muito bem toda a parte técnica e artística de Constance.

Tudo no jogo existe com propósito, tem alma, sentido e funciona perfeitamente bem. Você ficaria surpreso com a quantidade de metroidvanias que eu já joguei com controles não tão responsivos, e fico muito feliz em dizer que não é o caso aqui.

Ele tem uma quantidade maior de seções de plataforma do que outros games do gênero; logo, a precisão é fundamental. Ainda mais com várias mecânicas de travessia: precisamos quicar em espinhos usando o pincel mágico da protagonista, além de bater em barreiras de corrupção. Em muitas das vezes, precisamos fazer várias coisas em sequência e numa velocidade absurda. A curva de dificuldade do jogo pode frustrar alguns, principalmente os novatos.

A trilha e os efeitos sonoros são formidáveis, aumentando o grau de rebuscamento em certos trechos da trama e aprimorando a experiência das lutas contra os chefes. No quesito técnico, platinei o jogo sem nenhum percalço. Não tive bugs, quedas de frames, problemas com áudio, absolutamente nenhum problema! Constance foi polido com esmero, e tudo nele grita a identidade e a paixão da equipe que o criou.

O elenco de NPCs remete perfeitamente aos personagens oníricos, casando muito bem com a proposta da aventura. Além de servirem como um ponto de conforto para Constance, eles aumentam o grau de imersão graças ao excelente design de criaturas.

Review de Constance: Um dos melhores do gênero!

Eu já esperava que Constance fosse ótimo; contudo, certamente não esperava que ele fosse um dos melhores do gênero. A meu ver, ele não fica devendo em nada a grandes nomes recentes, como Hollow Knight e Nine Sols, tornando-se, portanto, um jogo que considero obrigatório para todo e qualquer fã de metroidvanias.

Um ponto importante para o jogador brasileiro é que Constance chegou às lojas digitais por um preço convidativo: R$ 59,90 na PS Store, R$ 53,99 na Nintendo eShop e R$ 58,95 na Xbox Store.

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Uma história sobre o que nos faz humanos

Como mencionei anteriormente, a história de Pragmata tem dois protagonistas – Hugh e Diana. Hugh é um agente da corporação Delphi que é enviado para a Base Lunar da companhia para investigar um incidente.

A empresa usa a base para criar basicamente qualquer coisa usando os Lunafilamentos, um material com uma capacidade excepcional de transformação, mas com uma durabilidade frágil. Nos minutos iniciais da história, um terremoto atinge a base, fazendo com que Hugh se separe de sua equipe e vá ao encontro de Diana, uma Pragmata.

Na breve introdução que temos de Hugh, ele declara abertamente que não confia em Bots, androides super tecnológicos que foram criados para substituir o trabalho braçal da humanidade. Apesar do jogo deixar isso bem claro, ele confia em Diana desde o primeiro encontro entre eles, coisa que achei mal formulada de início.

Apesar do começo da relação ser abrupta, a troca entre Hugh e Diana é um dos pontos fortes do jogo. A Pragmata nunca teve contato com as coisas terrenas e, sob a lente e narração de Hugh, ela passa a aprender sobre vários conceitos do nosso cotidiano, fazendo com que o game se torne um belo lembrete do que nos faz humanos.

Ver Diana interagindo com objetos da Terra é maravilhoso, gerando uma reflexão em quem joga. Curioso que um game eletrônico protagonizado por uma robô consegue nos fazer pensar sobre a beleza das coisas simples da vida.

A história principal se desenvolve bem, levando a um desfecho magnânimo que se tornou a marca registrada da Capcom em seus AAAs. A lore é expandida através de colecionáveis que são bem dosados e bem escritos, dando gosto da leitura. E, bom, o timing do lançamento do jogo é perfeito.

Com IAs e exploração espacial sendo temas fortíssimos da vida real, é legal ver um AAA fresquinho tratar desses temas com inteligência. Vale mencionar que Pragmata não é uma história de hard sci-fi. A narrativa é propositalmente fácil de ser compreendida para evitar que o tema acabe se transformando em uma barreira de entrada e não um convite.

A duração da história segue o padrão que a Capcom usa em Resident Evil, podendo durar entre 10 a 12 horas para ser concluída, vai depender da experiência de quem joga e, claro, o nível de exploração secundária realizado. Um ponto digno de menção é que Pragmata está completamente localizado em PT-BR e a qualidade da dublagem é ótima, facilitando o entendimento da história e, obviamente, proporcionando um nível maior de imersão para quem não entende inglês.

Um jogo dentro de outro

A jogabilidade de Pragmata é genial e apresenta um conceito que não lembro de ter visto em outro jogo AAA. Diana fica “acoplada” nas costas de Hugh, contudo, nós controlamos os dois de maneira simultânea. Isso ajuda a fugir daquela síndrome de “pai triste” e posiciona Diana com um grande papel atuante, sendo muito mais do que uma garotinha indefesa.

Hugh é o famoso brucutu, responsável por proteger a dupla e, claro, atirar nos bots. Já Diana, a Pragmata, fica a cargo do hackeamento, deixando os bots em estado Exposto para que Hugh atire em seus pontos fracos, além de aplicar efeitos debilitantes como Paralisia, Confusão e mais.

No começo, a proposta causa um pouco de estranheza, contudo, a curva de aprendizado é excelente e ao chegar à metade do jogo você já vai estar um expert em atirar e hackear ao mesmo tempo. E, confesso, a mecânica é incrivelmente viciante e eu espero ver mais dela em jogos vindouros!

Para sua progressão e exploração, Pragmata bebe da fonte de vários jogos que servem como inspiração, sendo Dark Souls um dos maiores expoentes. O level design é enxuto, mas inteligente, apoiando-se na verticalidade para manter o jogador ocupado. Logo nas horas iniciais é possível desbloquear um sonar que marca os objetos próximos, destacando a nova postura mais acessível da Capcom.

Agora, você deve estar se perguntando, como assim Pragmata, um jogo de tiro e hackear robôs, se inspira em Dark Souls? Vamos lá. Primeiramente, no combate. Esquivar e pular gastam a Barra de Propulsão, funcionando como uma Barra de Estamina. A progressão também se inspira nos Souls.

Ao derrotar Bots, ganhamos um recurso chamado de Lunafilamentos, o equivalente às almas de Dark Souls. Esse recurso permite melhorar as Unidades de Ataque, Defesa e Tática (armas e gadgets finitos), aprender novas habilidades, melhorar capacidades do traje de Hugh e aprimorar os Nodos de Hackeamento que Diana pode acionar no combate.

A exploração é dividida em Blocos, onde, no início de cada Bloco encontramos uma Escotilha de Fuga para voltar ao Abrigo, o equivalente às fogueiras, e, ao retornar, os Bots respawnam. O game conta até com um inimigo chamado de Drone Escavador que foge ao chegarmos perto e, caso seja hackeado com sucesso, larga uma grande quantidade de Lunafilamentos, fazendo alusão ao Lagarto de Cristal de Dark Souls.

Os inimigos apresentam uma barra de calor, que, quando preenchida, permite que o jogador pressione um botão para acionar um ataque crítico devastador. Além disso, a apresentação dos chefes ocorre em arenas, do jeito pomposo que a FromSoftware acostumou a comunidade.

E por falar em chefes, eles possuem um design mecânico e visual fantástico, tornando as lutas memoráveis. Mas calma. Apesar das óbvias inspirações, Pragmata é muito mais acessível no que diz respeito à dificuldade, apresentando um modo Casual. E por falar em dificuldade, no modo Padrão ela é justa até metade do game, depois, caso você faça o conteúdo secundário, você se torna incrivelmente poderoso e atropela tudo pelo caminho, até os chefes.

O jogo tem uma excelente variedade de armas, gadgets e inimigos. A cada 10-15 minutos, nos deparamos com uma novidade, seja um inimigo inédito, uma arma nova ou um gadget fresco que tem grande utilidade nos embates. Os gadgets envolvem coisas como uma Rede que mantém os inimigos estáticos, uma espécie de lança granadas que derruba os bots, minidrones que atiram e por aí vai.

A variedade de armas também impressiona mas é preciso destacar que o game tem dois tipos de armas. Existe a arma fixa de Hugh, com bala infinita (mas pente recarregável) e que funciona como uma pistola ou fuzil de assalto, e as Unidades de Ataque, armas com munição limitada e com grande poder de fogo. Temos rifles que disparam um feixe de laser, um lançador de mísseis teleguiado, uma espingarda e muito mais. A frequência com que elas surgem no mapa é bem dosada e o jogo incentiva bastante o uso de equipamentos novos.

Apesar do incentivo, antes de irmos para um Setor, podemos montar um loadout no Terminal Bondeviário, escolhendo os equipamentos e nodos prediletos, funcionando como uma espécie de build.

Mas nem tudo em Pragmata é perfeito, existem certos elementos burocráticos que incomodam um pouco após algumas horas. Por exemplo, sempre que você morre, você retorna ao Abrigo. Seria fantástico ter a opção de voltar na última Escotilha de Fuga visitada. O game também tem pouquíssimas animações de “finalização”, o Tiro Crítico acionado por Hugh quando os inimigos atingem o pico de temperatura.

DNA arcade

Com o passar dos anos, a Capcom foi aprimorando suas habilidades de storytelling, entregando jornadas com um grande apelo emocional por pura exigência do mercado e demanda dos fãs.

Mas um aspecto louvável da publisher é que ela nunca abandonou seu DNA arcade, entregando jogos que, apesar do forte teor narrativo, continuam se portando como um jogo e não um filme jogável.

Além das missões principais, Pragmata tem um conteúdo secundário interessante, com uma boa dose de variedade. Um desses conteúdos é chamado de Simulação de Treinos. Nesse modo, o jogador precisa concluir testes com tempo e condições específicas para obter recompensas que ajudam e MUITO na progressão de Hugh e Diana.

Além da Simulação, os jogadores também podem encontrar e atirar em pequenas estátuas de Mini Cabin. O recurso é claramente inspirado no icônico Mr. Raccoon da franquia Resident Evil. Por fim, mas não menos importante, nos cenários podemos nos deparar com Salas Vermelhas, ambientes perigosos que colocam o jogador para enfrentar uma horda de inimigos em troca de recompensas valiosas.

Por falar em missões principais, tenho certeza de que a duração da campanha de Pragmata vai gerar debates online, afinal, para muitos, é impensável um jogo AAA durar entre 10 a 12 horas nos tempos atuais. Contudo, após ter zerado o jogo e feito todo o conteúdo secundário, penso que Pragmata tem a duração perfeita.

No fim da aventura, fica o gostinho de quero mais e não aquela sensação de alívio gerada ao concluir jogos que acabam durando mais do que deveriam. E reforço que o fim da campanha é apenas o começo. A Capcom usou toda sua experiência com fator replay e retenção de jogador e implementou um ótimo conteúdo pós-jogo que incentiva a rejogada.

Chamada de Lunática, a dificuldade é desbloqueada após zerar Pragmata pela primeira vez e ela muda fundamentalmente a experiência, apresentando inimigos mais letais e um nível de tensão maior graças à mecânica de atirar/hackear. Além da dificuldade nova, desbloqueamos o NG+ e um modo extra com novas doses de desafio. É interessantíssimo ver o tratamento que a Capcom dá ao “pós-jogo” de suas obras e o quanto ela respeita o tempo de seus consumidores.

Todo o conteúdo adicional é valoroso e esculpido com esmero, indo além do propósito de inflar horas de jogatina!

RE Engine brilha como o Sol

Tecnicamente falando, Pragmata beira a perfeição. Muito pela aplicação da RE Engine que é aprimorada a cada novo jogo da Capcom. Joguei 28h no PlayStation 5 Pro e não tive nenhuma queda de frame, bug ou crash.

Em uma única vez, meu áudio ficou “estourado” e o problema foi solucionado ao fechar o jogo e abrir novamente mas, como mencionei, isso aconteceu apenas uma vez em 28 horas. A parte sonora de Pragmata é fantástica.

As vozes, tanto em inglês quanto em português, combinaram muito bem com os personagens. Os efeitos sonoros são de ponta, com armas e bots emitindo barulhos bem credíveis que ajudam na imersão.

A direção de arte é genial. Os desenvolvedores saíram da “caixinha” pra não apresentar mais um jogo que se passa em uma estação espacial. Graças ao apoio da lore com os Lunafilamentos, percorremos trechos que lembram uma floresta, em outro uma grande cidade urbana e por aí vai.

O que a Capcom fez com a RE Engine é absurdo e o motor gráfico aos poucos vai se tornando uma espécie de monstro que evolui enormemente após cada lançamento.

Review de Pragmata: Outro acerto gigantesco da Capcom

A consistência da Capcom é assustadora e, fico feliz em encerrar este review de Pragmata cravando que eles fizeram de novo. A publisher prova que é capaz de entregar muito mais do que as joias da casa, apresentando uma nova IP altamente viciante com personagens memoráveis.

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Confira abaixo a tabela atualizada dos valores:

• PS5 Edição Digital – De R$ 3.999,90 para R$ 4.599,90
• PS5 – De R$ 4.499,90 para R$ 5.099,90
• PS5 Pro – De R$ 6.999,90 para R$ 7.499,90
• PlayStation Portal – De R$ 1.499,90 para R$ 1.899,90

Caso você não tenha visto, a PlayStation anunciou os novos preços hoje (27) alegando condições desafiadoras do mercado. A Guerra do Irã e o uso massivo de componentes nos data centers de IA fizeram com que os custos de praticamente tudo disparasse.

O aumento foi considerável, contudo, com a aplicação de cupons e promoções que são cada vez mais frequentes, o consumidor brasileiro não deve sofrer tanto com o acréscimo.

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