Uma história sobre o que nos faz humanos

Como mencionei anteriormente, a história de Pragmata tem dois protagonistas – Hugh e Diana. Hugh é um agente da corporação Delphi que é enviado para a Base Lunar da companhia para investigar um incidente.

A empresa usa a base para criar basicamente qualquer coisa usando os Lunafilamentos, um material com uma capacidade excepcional de transformação, mas com uma durabilidade frágil. Nos minutos iniciais da história, um terremoto atinge a base, fazendo com que Hugh se separe de sua equipe e vá ao encontro de Diana, uma Pragmata.

Na breve introdução que temos de Hugh, ele declara abertamente que não confia em Bots, androides super tecnológicos que foram criados para substituir o trabalho braçal da humanidade. Apesar do jogo deixar isso bem claro, ele confia em Diana desde o primeiro encontro entre eles, coisa que achei mal formulada de início.

Apesar do começo da relação ser abrupta, a troca entre Hugh e Diana é um dos pontos fortes do jogo. A Pragmata nunca teve contato com as coisas terrenas e, sob a lente e narração de Hugh, ela passa a aprender sobre vários conceitos do nosso cotidiano, fazendo com que o game se torne um belo lembrete do que nos faz humanos.

Ver Diana interagindo com objetos da Terra é maravilhoso, gerando uma reflexão em quem joga. Curioso que um game eletrônico protagonizado por uma robô consegue nos fazer pensar sobre a beleza das coisas simples da vida.

A história principal se desenvolve bem, levando a um desfecho magnânimo que se tornou a marca registrada da Capcom em seus AAAs. A lore é expandida através de colecionáveis que são bem dosados e bem escritos, dando gosto da leitura. E, bom, o timing do lançamento do jogo é perfeito.

Com IAs e exploração espacial sendo temas fortíssimos da vida real, é legal ver um AAA fresquinho tratar desses temas com inteligência. Vale mencionar que Pragmata não é uma história de hard sci-fi. A narrativa é propositalmente fácil de ser compreendida para evitar que o tema acabe se transformando em uma barreira de entrada e não um convite.

A duração da história segue o padrão que a Capcom usa em Resident Evil, podendo durar entre 10 a 12 horas para ser concluída, vai depender da experiência de quem joga e, claro, o nível de exploração secundária realizado. Um ponto digno de menção é que Pragmata está completamente localizado em PT-BR e a qualidade da dublagem é ótima, facilitando o entendimento da história e, obviamente, proporcionando um nível maior de imersão para quem não entende inglês.

Um jogo dentro de outro

A jogabilidade de Pragmata é genial e apresenta um conceito que não lembro de ter visto em outro jogo AAA. Diana fica “acoplada” nas costas de Hugh, contudo, nós controlamos os dois de maneira simultânea. Isso ajuda a fugir daquela síndrome de “pai triste” e posiciona Diana com um grande papel atuante, sendo muito mais do que uma garotinha indefesa.

Hugh é o famoso brucutu, responsável por proteger a dupla e, claro, atirar nos bots. Já Diana, a Pragmata, fica a cargo do hackeamento, deixando os bots em estado Exposto para que Hugh atire em seus pontos fracos, além de aplicar efeitos debilitantes como Paralisia, Confusão e mais.

No começo, a proposta causa um pouco de estranheza, contudo, a curva de aprendizado é excelente e ao chegar à metade do jogo você já vai estar um expert em atirar e hackear ao mesmo tempo. E, confesso, a mecânica é incrivelmente viciante e eu espero ver mais dela em jogos vindouros!

Para sua progressão e exploração, Pragmata bebe da fonte de vários jogos que servem como inspiração, sendo Dark Souls um dos maiores expoentes. O level design é enxuto, mas inteligente, apoiando-se na verticalidade para manter o jogador ocupado. Logo nas horas iniciais é possível desbloquear um sonar que marca os objetos próximos, destacando a nova postura mais acessível da Capcom.

Agora, você deve estar se perguntando, como assim Pragmata, um jogo de tiro e hackear robôs, se inspira em Dark Souls? Vamos lá. Primeiramente, no combate. Esquivar e pular gastam a Barra de Propulsão, funcionando como uma Barra de Estamina. A progressão também se inspira nos Souls.

Ao derrotar Bots, ganhamos um recurso chamado de Lunafilamentos, o equivalente às almas de Dark Souls. Esse recurso permite melhorar as Unidades de Ataque, Defesa e Tática (armas e gadgets finitos), aprender novas habilidades, melhorar capacidades do traje de Hugh e aprimorar os Nodos de Hackeamento que Diana pode acionar no combate.

A exploração é dividida em Blocos, onde, no início de cada Bloco encontramos uma Escotilha de Fuga para voltar ao Abrigo, o equivalente às fogueiras, e, ao retornar, os Bots respawnam. O game conta até com um inimigo chamado de Drone Escavador que foge ao chegarmos perto e, caso seja hackeado com sucesso, larga uma grande quantidade de Lunafilamentos, fazendo alusão ao Lagarto de Cristal de Dark Souls.

Os inimigos apresentam uma barra de calor, que, quando preenchida, permite que o jogador pressione um botão para acionar um ataque crítico devastador. Além disso, a apresentação dos chefes ocorre em arenas, do jeito pomposo que a FromSoftware acostumou a comunidade.

E por falar em chefes, eles possuem um design mecânico e visual fantástico, tornando as lutas memoráveis. Mas calma. Apesar das óbvias inspirações, Pragmata é muito mais acessível no que diz respeito à dificuldade, apresentando um modo Casual. E por falar em dificuldade, no modo Padrão ela é justa até metade do game, depois, caso você faça o conteúdo secundário, você se torna incrivelmente poderoso e atropela tudo pelo caminho, até os chefes.

O jogo tem uma excelente variedade de armas, gadgets e inimigos. A cada 10-15 minutos, nos deparamos com uma novidade, seja um inimigo inédito, uma arma nova ou um gadget fresco que tem grande utilidade nos embates. Os gadgets envolvem coisas como uma Rede que mantém os inimigos estáticos, uma espécie de lança granadas que derruba os bots, minidrones que atiram e por aí vai.

A variedade de armas também impressiona mas é preciso destacar que o game tem dois tipos de armas. Existe a arma fixa de Hugh, com bala infinita (mas pente recarregável) e que funciona como uma pistola ou fuzil de assalto, e as Unidades de Ataque, armas com munição limitada e com grande poder de fogo. Temos rifles que disparam um feixe de laser, um lançador de mísseis teleguiado, uma espingarda e muito mais. A frequência com que elas surgem no mapa é bem dosada e o jogo incentiva bastante o uso de equipamentos novos.

Apesar do incentivo, antes de irmos para um Setor, podemos montar um loadout no Terminal Bondeviário, escolhendo os equipamentos e nodos prediletos, funcionando como uma espécie de build.

Mas nem tudo em Pragmata é perfeito, existem certos elementos burocráticos que incomodam um pouco após algumas horas. Por exemplo, sempre que você morre, você retorna ao Abrigo. Seria fantástico ter a opção de voltar na última Escotilha de Fuga visitada. O game também tem pouquíssimas animações de “finalização”, o Tiro Crítico acionado por Hugh quando os inimigos atingem o pico de temperatura.

DNA arcade

Com o passar dos anos, a Capcom foi aprimorando suas habilidades de storytelling, entregando jornadas com um grande apelo emocional por pura exigência do mercado e demanda dos fãs.

Mas um aspecto louvável da publisher é que ela nunca abandonou seu DNA arcade, entregando jogos que, apesar do forte teor narrativo, continuam se portando como um jogo e não um filme jogável.

Além das missões principais, Pragmata tem um conteúdo secundário interessante, com uma boa dose de variedade. Um desses conteúdos é chamado de Simulação de Treinos. Nesse modo, o jogador precisa concluir testes com tempo e condições específicas para obter recompensas que ajudam e MUITO na progressão de Hugh e Diana.

Além da Simulação, os jogadores também podem encontrar e atirar em pequenas estátuas de Mini Cabin. O recurso é claramente inspirado no icônico Mr. Raccoon da franquia Resident Evil. Por fim, mas não menos importante, nos cenários podemos nos deparar com Salas Vermelhas, ambientes perigosos que colocam o jogador para enfrentar uma horda de inimigos em troca de recompensas valiosas.

Por falar em missões principais, tenho certeza de que a duração da campanha de Pragmata vai gerar debates online, afinal, para muitos, é impensável um jogo AAA durar entre 10 a 12 horas nos tempos atuais. Contudo, após ter zerado o jogo e feito todo o conteúdo secundário, penso que Pragmata tem a duração perfeita.

No fim da aventura, fica o gostinho de quero mais e não aquela sensação de alívio gerada ao concluir jogos que acabam durando mais do que deveriam. E reforço que o fim da campanha é apenas o começo. A Capcom usou toda sua experiência com fator replay e retenção de jogador e implementou um ótimo conteúdo pós-jogo que incentiva a rejogada.

Chamada de Lunática, a dificuldade é desbloqueada após zerar Pragmata pela primeira vez e ela muda fundamentalmente a experiência, apresentando inimigos mais letais e um nível de tensão maior graças à mecânica de atirar/hackear. Além da dificuldade nova, desbloqueamos o NG+ e um modo extra com novas doses de desafio. É interessantíssimo ver o tratamento que a Capcom dá ao “pós-jogo” de suas obras e o quanto ela respeita o tempo de seus consumidores.

Todo o conteúdo adicional é valoroso e esculpido com esmero, indo além do propósito de inflar horas de jogatina!

RE Engine brilha como o Sol

Tecnicamente falando, Pragmata beira a perfeição. Muito pela aplicação da RE Engine que é aprimorada a cada novo jogo da Capcom. Joguei 28h no PlayStation 5 Pro e não tive nenhuma queda de frame, bug ou crash.

Em uma única vez, meu áudio ficou “estourado” e o problema foi solucionado ao fechar o jogo e abrir novamente mas, como mencionei, isso aconteceu apenas uma vez em 28 horas. A parte sonora de Pragmata é fantástica.

As vozes, tanto em inglês quanto em português, combinaram muito bem com os personagens. Os efeitos sonoros são de ponta, com armas e bots emitindo barulhos bem credíveis que ajudam na imersão.

A direção de arte é genial. Os desenvolvedores saíram da “caixinha” pra não apresentar mais um jogo que se passa em uma estação espacial. Graças ao apoio da lore com os Lunafilamentos, percorremos trechos que lembram uma floresta, em outro uma grande cidade urbana e por aí vai.

O que a Capcom fez com a RE Engine é absurdo e o motor gráfico aos poucos vai se tornando uma espécie de monstro que evolui enormemente após cada lançamento.

Review de Pragmata: Outro acerto gigantesco da Capcom

A consistência da Capcom é assustadora e, fico feliz em encerrar este review de Pragmata cravando que eles fizeram de novo. A publisher prova que é capaz de entregar muito mais do que as joias da casa, apresentando uma nova IP altamente viciante com personagens memoráveis.

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Confira abaixo a tabela atualizada dos valores:

• PS5 Edição Digital – De R$ 3.999,90 para R$ 4.599,90
• PS5 – De R$ 4.499,90 para R$ 5.099,90
• PS5 Pro – De R$ 6.999,90 para R$ 7.499,90
• PlayStation Portal – De R$ 1.499,90 para R$ 1.899,90

Caso você não tenha visto, a PlayStation anunciou os novos preços hoje (27) alegando condições desafiadoras do mercado. A Guerra do Irã e o uso massivo de componentes nos data centers de IA fizeram com que os custos de praticamente tudo disparasse.

O aumento foi considerável, contudo, com a aplicação de cupons e promoções que são cada vez mais frequentes, o consumidor brasileiro não deve sofrer tanto com o acréscimo.

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Jogos que já contam com suporte ao novo PSSR

Entre os games que receberam otimizações estão:

• Silent Hill 2
• Silent Hill f
• Nioh 3
• Alan Wake 2
• Control
• Dragon Age: The Veilguard
• Senua’s Saga: Hellblade II
• Final Fantasy VII Rebirth
• Rise of the Ronin

Além disso, a Sony destacou que Crimson Desert já chegará preparado para o PSSR no lançamento, marcado para 19 de março. Outros títulos de peso, como Assassin’s Creed Shadows e Cyberpunk 2077, devem receber suas atualizações nas próximas semanas.

O que é o PSSR?

O PSSR (PlayStation Spectral Super Resolution) é a nova tecnologia da Sony que promete gráficos mais nítidos e desempenho otimizado, especialmente em jogos de última geração. Com a chegada dessa atualização, títulos populares ganham um incremento na qualidade, reforçando o poder do PS5 Pro.

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O título da Capcom é o primeiro a utilizar a tecnologia atualizada, marcando o início de uma nova fase do sistema de upscale por IA no console.

Novo PSSR é fruto da parceria entre Sony e AMD

O novo PSSR é resultado da colaboração entre a Sony e a AMD. A base parte do FSR 4 da AMD, mas recebeu cerca de seis meses adicionais de refinamento específico para o PS5 Pro, com ajustes na rede neural e no algoritmo responsável pelo processamento das imagens.

Segundo a Sony, a melhoria não se limita a um único jogo. A partir de março, outros títulos compatíveis também passarão a utilizar a versão aprimorada do PSSR.

Além disso, uma atualização de sistema será liberada no mesmo período, permitindo que os usuários do PS5 Pro ativem manualmente a opção “Aprimorar a qualidade da imagem PSSR” nas configurações do console.

Com isso, os jogadores poderão aplicar o novo método de upscale em games que já oferecem suporte ao PSSR, potencialmente obtendo imagens mais nítidas e estáveis sem sacrificar desempenho.

Resident Evil Requiem se beneficiou amplamente da tecnologia, entregando a melhor versão entre os consoles com folga, rodando em 4K a 60 fps com ray tracing ativo ou em 4K a até 120 fps sem ray tracing.

Você esperava uma atualização do PSSR para o PS5 Pro?

Fonte: PS Blog

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PS5 Pro é o grande vencedor no Resident Evil Requiem

A Digital Foundry revelou que, nos consoles, a versão do PlayStation 5 Pro está bem acima das demais. É a única que oferece opções de modos gráficos: um modo em 4K a 60 fps com ray tracing ativado e outro em 4K sem ray tracing, mas com taxa de quadros de até 120 fps.

Os detalhes, reflexos e a iluminação do jogo estão significativamente melhores no novo console da Sony quando comparados às versões do PlayStation 5 e do Xbox Series X, que apresentam desempenho praticamente idêntico, rodando em um único modo a 4K e 60 fps, sem ray tracing.

Já o canal El Analista de Bits comparou as versões do Xbox Series S e do Nintendo Switch 2. Segundo a análise, o portátil leva vantagem gráfica graças ao uso de DLSS, entregando texturas e resolução superiores ao console de entrada da Microsoft. No entanto, perde na taxa de quadros, que apresenta instabilidade e pode cair para perto de 30 fps, mesmo com a meta de 60 fps.

O Xbox Series S, por sua vez, decepciona ao apresentar a pior qualidade de imagem entre todas as versões, com resolução base de 600p antes de passar por upscaling para 1080p utilizando FSR.

Vale lembrar que a DG já publicou a análise completa de Resident Evil Requiem e também disponibilizou o guia de platina do jogo. Portanto, se você pretende alcançar os 100%, já pode começar a se preparar.

• Guia de Platina e Conquistas – Resident Evil Requiem

Você se impressionou com o resultado do Resident Evil Requiem no PS5 Pro? Em qual plataforma vai jogar?

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O estúdio foi conquistando espaço entregando alguns dos melhores RPGs da história, chegando em tempos mais atuais com Avowed. Lançado originalmente no Xbox Series e PC em fevereiro de 2025, o jogo chega 1 ano depois no PlayStation 5 trazendo várias melhorias e conteúdos inéditos. Mas será que a versão de PS5 merece seu tempo? É isso que você vai descobrir em nosso review de Avowed!

Um mundo em ebulição

Avowed se passa no mesmo universo de Pillars of Eternity, um outro RPG da Obsidian incrivelmente denso. Apesar da clara conexão entre as duas obras, é possível jogar Avowed sem nenhum conhecimento prévio da outra franquia do estúdio.

Na história do jogo, o protagonista, que é uma Deidade, é enviado pelo Imperador para investigar uma praga misteriosa nas Terras Férteis. Uma Deidade é um status obtido por um ser ao ser tocado por um Deus e ganhar habilidades especiais. Eu fiquei positivamente surpreso com a lore e a densidade narrativa de Avowed.

A investigação da praga é a trama principal, contudo, temos várias subtramas acontecendo de maneira simultânea que são tão importantes quanto. Os nativos das Terras Férteis não gostam do Império e seu colonialismo, passando a orquestrar uma revolução com grandes consequências, até mesmo para o nosso personagem. Graças a isso, precisamos navegar entre ser firme em nossa lealdade para com o Império, gerando represálias com os revoltosos, ou tomar partido a favor da revolução.

A linha de moralidade em Avowed é bem “cinza” e isso me agradou bastante. Existem embates que podem ser completamente evitados através do diálogo, o que ajuda a estabelecer um bom fator replay, afinal, você fica refletindo sobre as possibilidades das escolhas.

Além de transitar entre sua própria noção de certo e errado, escolhendo bem a quem você se alia, uma Voz misteriosa conversa com frequência com o protagonista. Essas interações cósmicas adicionam muito a trama e servem como um ponto de conexão com a trama geral de Eora, o mundo compartilhado entre Avowed e Pillars of Eternity.

Repleto de maquinações políticas, reviravoltas e diálogos que oscilam entre o tom sério e humorado, Avowed entrega uma ótima experiência narrativa dentro de um mundo de alta fantasia. É claro que é perceptível que a história e os termos foram simplificados para se adequar a um público mais generalista do que fãs de cRPGs mas o game não faz feio nesse departamento.

Os aliados são bem desenvolvidos e temos as tradicionais conversas nos Acampamentos que ajudam a dar luz nas motivações deles e, claro, expandir a relação do protagonista com quem o acompanha.

No quesito narrativo, duas coisas me incomodaram. As missões secundárias, em sua maioria, deixam bastante a desejar. Muitas delas se assemelham mais as famosas “fetch quests” e poderiam ser melhor trabalhadas. Quando o estúdio ousa um pouco mais, como na missão de Sargamis, o conteúdo secundário rivaliza facilmente com o principal.

O segundo ponto que me incomodou foi na oratória. Pode ser um pouco estranho falar isso, mas os personagens em Avowed falam como se morassem em Los Angeles e em 2026. Claro que sem as gírias, mas os diálogos carecem da eloquência e de uma conexão maior com a temática central de alta fantasia.

Veloz e Furioso

Você deve estar pensando, o que Toretto tem a ver com Avowed? Bom, muita coisa. Seguindo a dica de um amigo que jogou no lançamento do Xbox, eu comecei Avowed já no Caminho dos Condenados, a dificuldade mais alta.

Após passar muito perrengue nas horas iniciais, raiva e pensar em diminuir a dificuldade, agora defendo veementemente que o jogo foi feito para ser jogado nessa dificuldade. Ela te força a entender todos os sistemas do jogo, ler a descrição dos itens, procurar em todo canto por loot e comida e, claro, ter um foco nível laser nos embates.

Se movimentar e esquivar constantemente é uma peça fundamental na sobrevivência. Eu fiquei genuinamente surpreso ao notar que a dificuldade não transforma os inimigos em esponjas de dano, nem mesmo os chefes sofrem desse mal. O estúdio foi perfeito em incrementar mais a reatividade e, claro, o dano causado, deixando a experiência desafiadora mas não entediante.

E o sistema de combate brilha bastante por si só. Você pode jogar com os tradicionais arquétipos de um RPG, seja como um mago, caçador ou guerreiro, Avowed vai além permitindo que você tenha um grau de liberdade um pouco mais amplo.

Dá pra empunhar uma espada ou pistola junto com um grimório, permitindo que você atire e conjure magias. Essa liberdade se extende para a construção de builds, deixando o jogador escolher qual o caminho mais divertido pra ele. Eu costumo brincar que existem RPGs de ação que são mais ação do que um RPG propriamente dito e Avowed é um caso claro disso. Ao menos no combate.

O sistema de builds, apesar de ter uma diversidade interessante, é bem simples e direto ao ponto. Tudo pensando em atrair audiências e fazer com que o jogador foque na ação e na trama principal. Na dificuldade mais alta, os aliados são um reforço e tanto, pendendo a balança ao seu favor. Como um bom RPG, eles também apresentam arquétipos, o que facilita na composição da equipe e no acionamento de comandos durante as lutas.

Fiquei surpreso com os chefes do jogo. Em sua maioria, eles são mecanicamente ricos e passam bem o sentimento de que se trata de um inimigo único. Contudo, sinto que os chefes da campanha principal poderiam ter uma “apresentação” melhor no que diz respeito a arena.

Além da intuitividade do combate, independente da build escolhida, ele apresenta uma boa noção de impacto. A mecânica de aparar no jogo é bem prazerosa de ser acionada e dar tiros na cabeça dos inimigos gera interrupções nas ações, tornando-se algo vital nas dificuldades mais altas.

Mas nem tudo são flores. Pela duração do jogo, senti que ele poderia ter uma variedade maior de inimigos. Com poucas horas investidas já começamos a perceber esse excesso. E existem inimigos com ataques específicos que apresentam um hitbox estranho. Outro aspecto que eu notei, que não chega a ser um problema técnico de fato, é que os inimigos que atacam a distância no jogo são implacáveis. Mesmo de distâncias absurdas, eles não erram um ataque e são bem agressivos. Penso que eles precisavam de um pequeno ajuste de dano, ao menos na dificuldade mais alta.

O lado azul da força

Joguei Avowed no PS5 Pro e a experiência foi bem satisfatória. Não tive nenhuma queda de frame, bug ou coisa do tipo. O jogo está muito bonito, com cores vibrantes, um ótimo trabalho de iluminação e animações de ponta. Os ataques brutais acionados ao destruir a barra de stamina dos inimigos são muito bem feitos. As magias são lindíssimas cheias de efeitos e partículas. Curiosamente é um dos poucos jogos recentes que você realmente se sente empolgado em jogar de mago.

No Pro o jogador tem acesso a três tipos de renderização: o meu escolhido, o Modo Balanceado, que combina fidelidade gráfica e taxa de quadros estável para telas com suporte de 120 Hz, e os tradicionais Qualidade e Desempenho.

É algo bem particular mas em jogos de fantasia um aspecto importantíssimo pra mim é o design de armas e armaduras. E Avowed entrega isso muito bem. Os itens únicos são belíssimos e o visual passa que eles realmente são especiais. As armaduras também apresentam uma boa textura, ganhando uma camada de realismo.

Além da boa direção de arte, Avowed também entrega um trabalho estupendo em toda a parte sonora. As vozes dos personagens casam muito bem com suas personalidades, os efeitos sonoros são ótimos e a trilha sonora passa um sentimento perfeito que mescla mistério, aventura e fantasia. O jogo transita bem entre momentos de seriedade e humor e a música desempenha um papel importante em ser um veículo dessa transição.

Review de Avowed – Vale a Pena!

Encerro esse review de Avowed cravando que o jogo vale e muito o seu tempo, principalmente se você aprecia RPGs modernos com um foco maior na ação. Além de chegar pela primeira vez nas plataformas PlayStation, a atualização de aniversário adiciona novos conteúdos como raças inéditas e até um tipo de arma novo, além, claro, de trazer recursos muito solicitados como o NG+ e o modo foto. Com um preço honesto na PS Store pela experiência proposta, você dificilmente vai ser arrepender de dar uma chance ao jogo!

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A nova aventura é protagonizada por um jovem Kratos que acompanha seu irmão, Deimos, em uma jornada para resgatar um jovem espartano que está desaparecido. Você vai descobrir nesse review de God of War: Sons of Sparta se a nova aventura de Kratos vale o seu tempo e se ela faz jus ao legado do personagem.

O mythos espartano

Muitos anos antes de Kratos se tornar um arauto da vingança, ele era um jovem espartano com sonhos e que servia como mentor de seu irmão, Deimos. God of War: Sons of Sparta funciona bem em mostrar o background dos personagens, como o código de ética e expertise deles foi forjado e, principalmente, passamos a compreender melhor a relação entre Kratos e Atreus.

Seu jeito de educar e direcionar Deimos lembra muito as aventuras nórdicas recentes da franquia. Uma coisa que chega a ser irritante para o ritmo é as interrupções constantes em forma de cutscenes obrigatórias. O estúdio não soube aplicar bem a frequência desses diálogos.

Outro ponto que causa um impacto negativo em relação à narrativa são os problemas de mixagem de som e até mesmo falta de sincronia nas legendas. Apesar do jogo estar dublado em nosso idioma, muitas vezes os personagens não conseguem terminar suas frases e a legenda ou aparece antes ou por vezes até depois do que foi dito.

No mais, a aventura tem uma duração satisfatória (cerca de 12 a 15 horas para concluir apenas a história) e o fim da jornada dos irmãos orna bem com o que foi apresentado dentro da franquia ao longo dos anos. O estúdio respeita muito bem o legado construído pela Santa Monica. A cereja do bolo consiste nos comentários de Calliope na medida que Kratos vai se aproximando do fim da história.

Por ser um prequel, jogar sabendo todo o efeito Dominó que acontece dentro da história e tudo que Kratos passa até chegar o momento atual com Atreus dá um gostinho ainda mais especial para a trama.

Agora confesso que a narrativa é excelente para um fã de God of War, contudo, para um jogador que não conhece a franquia, ela é um tanto quanto simplória e não é uma boa porta de entrada para a saga.

O início do Fantasma

Antes de Kratos se tornar o Fantasma de Esparta, ele já era um guerreiro bem versado no uso da lança e escudo. God of War: Sons of Sparta deixa isso evidente. Apesar de ainda não ser um adulto, Kratos consegue despachar inimigos formidáveis como Harpias, a Skolopendra, Cíclopes, Centauros e muito mais.

A variedade de inimigos é bem satisfatória e muitos deles entregam uma dose absurda de nostalgia, visto que caso você seja um fã da saga, passamos anos e anos destroçando esses adversários.

Além de usar sua lança e escudo nas batalhas, Kratos também consegue usar Bençãos dos Deuses que basicamente funcionam como magias. Apolo por exemplo consegue um estilingue impulsionado pelo poder do sol. Todas as bençãos podem ser aprimoradas, desbloqueando dois ataques especiais novos.

Um ponto formidável é que essas Bençãos além de serem incrivelmente úteis em combate, também possuem um grande valor na exploração e travessia. Podemos acionar mecanismos, destruir portas roxas mágicas, pular mais alto usando as botas da vitória concedidas por Nice e por aí vai.

A lança possui três partes, como a haste e a ponta, que podem ser aprimoradas no ferreiro, aumentando atributos como dano e poder de atordoamento. Dois pontos importantes em metroidvanias são a precisão de comandos e o impacto dos golpes e felizmente essas duas coisas foram bem aplicadas aqui.

Em suma, a Mega Cat seguiu a cartilha dos metroivanias enquanto respeitou as animações de combate da franquia principal, só que dois defeitos gigantescos seguram e muito a experiência.

O primeiro é o dano de colisão. Caso você encoste em um inimigo, você vai sofrer dano e vai ser jogado um pouco para trás. Esse mecanismo muitas vezes faz com que você fique travado em um lugar (aconteceu comigo dezenas de vezes nas 31 horas jogadas). As vezes os inimigos também ficam posicionados nas pontas das beiradas, impedindo que o jogador suba e progrida no cenário.

Somado a esse defeito irritante, temos um combate que fica repetitivo demasiadamente rápido pela falta de armas novas. A escolha do estúdio por apresentar apenas a lança como arma para Kratos foi um tanto quanto esquisita e torna os combates tão enjoativos que em certo ponto você vai fazer de tudo para simplesmente passar correndo.

Uma maratona de colecionáveis

God of War: Sons of Sparta apresenta uma quantidade surpreendentemente grande de conteúdos secundários. Precisamos coletar artefatos valiosos, cristais que funcionam como fragmentos de história, totens de gatos e por aí vai.

Muitos desses itens estão intimamente ligados à lore e ajudam a contextualizar mais sobre o mundo e a mitologia grega. É claro que eles também servem como uma alavanca para a progressão, concedendo almas que podem ser usadas para aprender novas habilidades.

O problema dessa maratona é que a travessia no mapa só fica menos irritante perto do final do jogo, quando liberamos a viagem rápida entre acampamentos. Antes disso, o ato de ir e vir é frustrante e engessado.

As botas de Nice ajudam a diminuir o tempo para chegar nos locais, contudo, seu uso está atrelado à uma das barras de recurso, o que não tem nenhum sentido lógico. Um lado muito positivo da platina do jogo é que as atividades secundárias e colecionáveis te deixam tão forte que você termina de fato se sentindo como um Deus, algo próximo da versão atual de Kratos em God of War: Ragnarok.

Defeito na forja

A quantidade de problemas técnicos em God of War: Sons of Sparta me fazem pensar que o jogo não teve um trabalho de QA aplicado de maneira extensiva.

Como mencionei no começo do review, temos problemas na mixagem de áudio, legendas dessincronizadas e além disso tive quedas de frames constantes e até crashes. Isso beira o absurdo visto que se trata de um jogo 2D em pixel art rodando no PlayStation 5 Pro.

E acaba também sendo uma pena, visto que a direção de arte está fantástica e emula bem os jogos principais da franquia e a trilha sonora e efeitos sonoros estão impecáveis. Eu confesso que nem a dublagem brasileira e nem a americana me agradaram, o sentimento é de que as vozes não casaram bem com os personagens mais jovens.

O departamento de animação também brilhou muito na construção do jogo, com finalizações brutais que fazem jus à franquia e animações de ataque dos inimigos que estão idênticas aos dos jogos principais, porém, claro, transportadas para um mundo 2D em pixel art.

Review de God of War: Sons of Sparta

God of War: Sons of Sparta é uma faca de dois gumes. Como um jogo que busca reproduzir a experiência da franquia através de um formato novo, ele funciona muito bem, contudo, analisando o jogo friamente como um metroidvania, as falhas são evidentes e escancaram a falta de experiência do estúdio com o gênero.

O problema aqui é que o gênero é um dos mais concorridos do mercado e as comparações com outras obras são inevitáveis. Somado a isso, temos uma parte técnica repleta de problemas que diminuem consideravelmente o quesito diversão, tornando a jornada frustrante em muitos trechos.

Somando todos esses pontos, eu só recomendo God of War: Sons of Sparta para fãs ferrenhos da franquia. Caso você não tenha qualquer tipo de conexão com a saga de Kratos, só cogite pegar o jogo em caso de uma promoção agressiva.

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Motivado por isso, decidi reprisar a estratégia em 2026 e topei fazer o review de Romeo is a Dead Man, o novo jogo de Suda51, um dos diretores mais autorais da indústria. Nesse review de Romeo is a Dead Man, você vai descobrir tudo que eu achei do jogo e se eu acredito que vale a pena adquirir ele no lançamento.

Uma história que atravessa o tempo 

Romeu e Julieta é, inegavelmente, o casal mais famoso do mundo. Eternizados na obra de Shakespeare, a narrativa trágica da obra serviu de inspiração pra construção da lore de Romeo is a Dead Man. Aqui, Romeo é um policial que se depara com uma mulher misteriosa, sem memórias, numa estrada. Os dois se apaixonam e combinam de fugir juntos, até o fatídico dia de fugir chegar. 

Uma criatura monstruosa aparece e acaba deixando Romeo em estado gravíssimo. Seu avô, do futuro, aparece e insere um dispositivo especial em Romeo, salvando a vida do rapaz com o custo de transformar ele em Deadman, um morto-vivo com grande aptidão física. Diante desse contexto, Romeo se torna um cadete do FBI (mas não o FBI que conhecemos). Uma agência governamental que caça alvos interdimensionais. Eu não vou entrar em mais detalhes sobre a trama porque Romeo is a Dead Man é um jogo singleplayer de 15 horas e a narrativa é um pilar central da experiência. 

A assinatura de Suda51 está impregnada na parte narrativa, com diálogos cheios de humor ácido, referências hilárias à cultura pop, viagem no tempo, amor. A lore do jogo é bem original e lembra constantemente uma revista em quadrinho, coisa que vejo como ponto positivo! Os personagens secundários e antagonistas são bem mirabolantes, seguindo a essência dos projetos de Suda51. 

Honestamente, em meio a tantas obras com o propósito completamente comercial, sem uma alma, Romeo is a Dead Man é como uma brisa de ar fresco lembrando que ainda existe espaço para histórias que fogem do comum. 

Um retalho que funciona 

A jogabilidade de Romeo is a Dead é majoritariamente pautada no gênero hack’n slash, contudo, o jogo bebeu um pouco da fonte dos soulslikes no que diz respeito ao posicionamento dos inimigos, respawn de adversários após interagir com as estações de descanso e principalmente nas lutas contra chefes. 

Apesar de ter uma certa lógica, a proposta não casou bem e por vezes os sistemas parecem funcionar como amarras uns dos outros.

O jogo transita entre o Devil May Cry e o Dark Souls, ficando indeciso qual lado abraçar mais e, bom, nenhuma obra que fica em cima do muro consegue ser marcante o suficiente na história.

O combate tem um bom grau de variedade graças a presença de 8 armas diferentes, sendo 4 armas de combate corpo a corpo e 4 armas de fogo. Os arquétipos seguem o padrão de RPGs. Temos espadas de uma mão para um ataque mais veloz, um espadão de duas mãos, luvas pra quem gosta de um estilo mais ágil e maças para ataques mais amplos. As armas de fogo seguem arquétipos conhecidos apresentando uma pistola, uma espingarda, uma metralhadora e uma bazuca. 

Os golpes possuem impacto, contudo, o jogo não conta com uma variedade de combos para cada arma. E, somado a isso, temos uma baixa variedade de inimigos, tornando os confrontos extremamente repetitivos após as primeiras três, quatro horas de jogo. 

Um dos elementos especiais de Romeo is a Dead Man é o golpe especial Verão Sangrento. Ao atacar inimigos, podemos acumular sangue e ao preencher a barra, segurar o R1 para acionar o ataque que conta com uma animação bem bonita lembrando quadrinhos de super-heróis.

O jogador também pode acionar os Bastardos, zumbis que podem ser cultivados em uma horta, onde cada um tem um efeito hilário. Um invoca um campo de cura, outro funciona como um boliche, derrubando inimigos em uma linha, outro invoca feixes de luz. Um ponto de destaque no cultivo dos Bastardos é que toca uma faixa que lembra bastante o nosso forró. 

A progressão é direta ao ponto. Ao eliminar inimigos, ganhamos um recurso que lembra esmeraldas. Com esse recurso podemos comprar itens e evoluir os atributos de Romeo através de um minigame peculiar que lembra Pac-Man. As armas possuem atributos diferentes que podem ser aprimorados, indo do nível 1 até o 5. Esses atributos podem ser evoluídos com itens chamados de Milezeros. 

Apesar de ser bem enxuto nas estruturas, a jornada apresenta algumas atividades secundárias que foram brilhantemente conectadas com a progressão. O Palácio de Atenas são fendas, com mapas gerados de maneira procedural, que ajudam na aquisição de Milezeros. Já a Sala das Provações permite que os jogadores enfrentem os chefes da campanha em um modo com tempo. 

Também podemos participar de um minigame de culinária onde preparamos Katsu-Karê, só que assim como as outras atividades secundárias, esse minigame é bem superficial e mais irrita do que serve como um complemento robusto. 

Inconsistências no espaço 

Romeo is a Dead Man é um caso bem curioso tecnicamente falando. O jogo claramente tem um orçamento mais compacto, podendo ser considerado um AA. Isso consequentemente torna certos aspectos menos rebuscados do que se esperava deles. As expressões faciais nas cenas deixam e muito a desejar e as texturas das construções não são lá essas coisas. Podem parecer problemas irrelevantes, mas, quando somados, diminuem a imersão na trama. 

Em certos momentos o jogo consegue mitigar os problemas causados pelo orçamento menor com uma ótima direção de arte, só que isso não é sempre. Um problema mais grave são as constantes quedas de frames que acontecem quando vários inimigos surgem na tela de maneira simultânea.

A movimentação truncada serve como uma espécie de amarra pro combate desenfreado do game. Um ponto curioso é que Romeo is a Dead Man passam a sensação de que certos “estágios” foram melhor trabalhados do que outros. 

O trecho do Manicômio é brilhante, praticamente transformando o jogo em um survival horror. Infelizmente, os outros cenários se repetem excessivamente e olha que são fases lineares. Isso faz com que as horas iniciais do game sejam maravilhosas, contudo, do meio pro final a situação piora consideravelmente graças a repetição excessiva no design de níveis. 

Um ponto forte de Romeo is a Dead Man é a parte sonora. As atuações de voz combinam bem com os personagens e a trilha sonora é um show a parte. Temos até notas musicais do famigerado forró durante o gerenciamento dos Bastardos. 

Review de Romeo is a Dead Man – Vale a Pena? 

Com uma lore mirabolante e um trabalho sonoro impecável, Romeo is a Dead Man tropeça no combate e no desempenho. Por conta disso, não recomendo a compra do jogo no lançamento. O ideal é esperar algumas atualizações e uma promoção, deixando o preço um pouco mais condizente com a proposta do game. Caso você esteja procurando por uma aventura irreverente ou uma porta de entrada para as obras de Suda51, Romeo is a Dead Man é um ótimo ponto de partida!

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O título da Team Ninja serviu como uma porta de entrada para mim para o gênero soulslike, que hoje se tornou meu predileto. Contudo, a fórmula da Team Ninja evoluiu tanto a ponto de gerar quatro jogos, contando com o título que impulsiona essa análise. Nesse review de NiOh 3, irei elencar os vários pontos (e sentimentos) que me levam a crer que esse é o melhor jogo já criado pela Team Ninja e que essa fórmula maravilhosa já merece um nome próprio, tornando-se um subgênero específico: o NiOhlike.

Um mergulho entre eras

Os desenvolvedores da Team Ninja parecem ter tatuado na alma a célebre frase: “em time que está ganhando não se mexe”. A parte narrativa de NiOh 3 segue isso com louvor. O tema central da história é o mesmo dos outros dois jogos: a busca por poder e o uso das pedras espirituais para obter a dominação completa. O que muda no terceiro jogo é o escopo e a qualidade da escrita e dos personagens.

Nos títulos anteriores, a narrativa era tratada como um complemento para a ação desenfreada. Em NiOh 3, a história é uma parte importante da experiência e isso é destacado quase a todo momento. Os novos personagens são fantásticos, com motivações bem exploradas e um design que torna boa parte deles memoráveis.

Alguns dos chefes principais receberam o mesmo tratamento, gerando reflexões interessantes sobre honra, bem, mal, orgulho e paz. O novo protagonista tem nome, contudo, ainda não é um personagem marcante como William no primeiro jogo.

Uma novidade na estrutura narrativa é que a história é contada através de várias eras que marcaram a história do Japão, como o período Sengoku e o Bakumatsu. Essa roupagem de diferentes eras serviu como uma boa justificativa para implementar um design de mundo aberto.

Cada era da história apresenta um mapa próprio, trazendo biomas diferentes, construções e mais. Todo esse cuidado com a narrativa é reforçado pelo claro aumento de orçamento para as cutscenes, expressões faciais, dublagem e sincronia labial.

A experiência está muito mais cinematográfica e com roupagem de um AAA. Além das missões principais, temos dois tipos de quests no jogo: os Contos, missões secundárias que adicionam mais contexto ao mapa e certos personagens e os Pergaminhos de Batalhas, missões lineares que ajudam na progressão do personagem. A qualidade de escrita dos Contos me surpreendeu, evidenciando que o estúdio se preocupou em entregar algo bom e não qualquer coisa só pra preencher o mapa.

Uma masterclass sobre jogabilidade

No que diz respeito à jogabilidade, a Team Ninja é como Arnold Schwarzenegger em seu prime na época do Mr. Olympia. Como Arnold, o estúdio tem um entendimento TOTAL de sua fórmula e sabe precisamente o que os fãs da franquia querem.

NiOh 3 representa um raro caso de um estúdio que coloca os fãs em primeiro lugar na medida que implementa novidades para atrair novatos. Altamente responsivo e com milhões de possibilidades de builds, a jogabilidade de NiOh 3 é a mais viciante que eu já vi dentro do subgênero souls. E eu digo isso com propriedade visto que já joguei quase todos os principais.

Os devs implementaram duas grandes mudanças em relação aos anteriores. Agora temos dois estilos de jogo: o Samurai, com as posturas tradicionais da saga e o Ninja, com alta mobilidade e a capacidade de usar ninjutsus. Podemos trocar entre os dois estilos ao pressionar um botão e o jogo incentiva isso constantemente através do sistema de quebra impetuosa. Os inimigos as vezes acionam ataques indefensáveis que brilham na cor vermelha.

Para interromper o ataque, precisamos inicialmente usar a troca de estilo, gerando um alto dano na barra de Ki do adversário. Após progredir um pouco na história, as habilidades espirituais, outra novidade da franquia, entram em cena. As habilidades espirituais são habilidades dos espíritos guardiões e tomam o lugar das habilidades de Yokai do jogo anterior. Eu particularmente achava o sistema antigo mais divertido, afinal, se transformar em um Yokai é mais legal, mas a mudança tem respaldo na lore (o protagonista é humano!).

Como eu gosto de usar a Odachi e o Machado, o estilo samurai foi o mais usado por mim. A mecânica de parry foi aprimorada, com uma responsividade nível Sekiro. O som das lâminas se chocando é bem satisfatório e o mecanismo é vital pra derrotar inimigos humanos com mais facilidade. Outro elemento importante do estilo são as Artes Marciais, golpes poderosos acionados com um ataque forte quando o medidor é enchido.

O estilo de Ninja foi claramente inspirado em Ninja Gaiden, com combos bem parecidos. O mecanismo de Névoa, que permite que você recue ou vá pras costas do inimigo, é MUITO forte. A variedade de Ninjutsus é absurda e conta com elementos tradicionais como as kunais e shurikens. NiOh sempre foi um jogo sobre construção de builds e NiOh 3 eleva isso a potência máxima. São centenas de opções super viáveis e poderosas, entregando um fator replay quase que infinito pro jogo.

Agora temos habilidades passivas divididas em três categorias: Samurai, Ninja e as Gerais. Existe um pequeno sistema de carga que ajuda a manter o jogo balanceado mas os jogadores experientes podem encontrar várias maneiras de “quebrar” o jogo. Um aspecto fantástico de NiOh 3 é que a montagem de builds foi casada de maneira inteligente com o mundo aberto. Ao explorar, podemos coletar várias mechas de samurai por exemplo.

As mechas concedem 1 ponto de habilidade que podem ser aplicados na árvore de Samurai e nas armas do estilo. Também é possível encontrar Mestres. Os duelos garantem golpes especiais para o tipo de arma usado pelo mestre, permitindo que o jogador personalize ainda mais os golpes de sua arma e construa combos absurdos. O mundo aberto causa um impacto tremendo na progressão. As Bençãos de Kodama, de Oração e o sistema de Títulos concedem bônus passivos extremamente poderosos que influenciam até no drop de itens como os Elixirs.

O sistema de batalhas de clãs retorna só que, curiosamente, ele veio com um problema similar aos jogos anteriores. Existem clãs que concedem benefícios passivos bem mais vantajosos que os demais, gerando uma concentração de jogadores.

E por falar em concentração, os NPCs agora se alojam na Fenda Eterna, hub que serve como a base de preparação para o jogador. A área conta com segredos úteis e alguns engraçados, como o retorno do homem apaixonado por esterco e um yokai-felino gigantesco e fofo. Nele também podemos encontrar a Ferreira, que ganhou novos sistemas e está ainda mais importante na franquia.

A itemização de NiOh é absurda e o jogador pode desmontar itens, realizar fusão espiritual aprimorando o nível deles ou até remodelando a arma, mudando os atributos escaláveis. Se tratando de gerenciamento, as Almessências ganharam um tratamento similar. Podemos aprimorar o nível delas e temos a Caixa Omnyo, onde o posicionamento da Almessência influencia diretamente no efeito que ela vai ter. Na parte superior, o jogador consegue talismãs de invocação do Yokai, já na parte inferior, talismãs com efeitos adversos, como o clássico talismã da preguiça.

O único aspecto que eu não gostei sobre o gerenciamento de itens é que em dado certo ponto, o jogo vai te forçar a upar alguns atributos como Intelecto e Habilidade pra conseguir usufruir dos bônus passivos dos sets. Não chega a ser um incômodo mas você “perde” ali uns 10-12 pontos de atributos na sua build se jogasse como eu focando em coisas como Essência por exemplo.

“PvP” e co-op

A Team Ninja foi além e até adicionou um sistema inédito no PvP do jogo. Caso você não tenha jogado nenhum, o game não conta propriamente com um PvP. Você pode invocar o espírito de jogadores reais através de espadas vermelhas no chão e ao serem vencidos, eles concedem recursos como Glória e Copo Ochoko, item usado pra invocação no co-op.

Agora, ao derrotar uma boa quantidade de fantasmas das lâminas vermelhas, uma espada lilás enorme surge no mapa, permitindo que o jogador enfrente um chefe formidável que concede recompensas excelentes. Por falar em co-op, testei o sistema por quase 2 horas e fiquei impressionado com o quanto ele fluiu bem.

Não tivemos nenhum engasgo de conexão e o jogador convidado é puxado diretamente pro host em caso de viagem rápida. A escala de dificuldade também está justa e convidativa, se afastando da escala brutal de NiOh 2.

Expandindo fronteiras

Uma das maiores mudanças no design de NiOh 3 é a estrutura de mundo aberto. Ou melhor, mundos. Diferente dos outros dois títulos da franquia, que contavam com missões lineares, NiOh 3 nos coloca em diferentes períodos da história. Em cada Era, como o período Sengoku, percorremos um mundo aberto, concluindo missões e realizando atividades secundárias.

O que é assustador, no sentido positivo da coisa, é que a Team Ninja conseguiu replicar seu level design enxuto dentro dessa estrutura de mundo aberto. O estúdio brilhantemente dividiu o mapa de cada Era em subáreas e foi implementando as atividades secundárias e itens dentro dessas subzonas. Todas elas são interligadas e o sistema consegue afastar completamente a fadiga de mundos abertos.

E inteligência é uma palavra importante para o level design do jogo. Os atalhos sempre arrancam um bom sorriso, algo que é um pilar importante em soulslikes. Com NiOh 3, a Team Ninja me fez pensar em Tchekhov. O escritor russo odiava excessos e elementos desnecessários e o jogo exala esse princípio. O posicionamento de itens, de inimigos, a posição dos atalhos, tudo é feito com pensamento, com propósito.

E por falar em pensamento, o principal elemento que deixa um jogo de mundo aberto chato são as atividades secundárias. E, felizmente, isso não acontece aqui. A Team Ninja se apoiou no que já conhece pra fazer os jogadores engajarem com o mapa. Podemos resgatar Kodamas, purificar Umbrais Inferiores, relaxar em fontes termais, limpar bases inimigas, correr atrás e acariciar Sunekosuris, derrotar inimigos formidáveis (chefes secundários opcionais) e mais.

Eu confesso que eu senti falta de uma variedade maior de atividades por conta da extensão do jogo. Foram 57 horas pra platinar o jogo e chega um momento que elas se tornam um pouco repetitivas, mas nada que incomode a experiência geral por que as atividades são bem espaçadas.

Outro ponto de destaque é na diversidade de biomas que o mundo oferece. Temos vilarejos, áreas montanhosas, palácios, florestas. O estúdio ainda pode melhorar no quesito palheta de cores, entregando uma direção artística ainda mais impactante, mas a diversidade de cenários ajuda a reforçar o escopo do conflito.

Por fim mas não menos importante: o mundo aberto tem um impacto direto na dificuldade e progressão do personagem. Você ganha vários bônus na medida que conclui as atividades e o incentivo à exploração faz com que você derrote mais inimigos, consequentemente ganhando mais Amrita e subindo de nível.

Existe aquela pauta (descabida) de que jogos soulslike precisam de seleção de dificuldade e NiOh se esquiva disso brilhantemente: está passando perrengue? Explore o mapa e pense melhor em sua build!

O poder do feedback

Eu comecei a acompanhar ativamente o trabalho da Team Ninja a partir de 2017 com o lançamento do primeiro NiOh. De lá pra cá, uma coisa que costumava repetir nos lançamentos do estúdio é: eles precisam modernizar mais essa engine. E, felizmente, isso acontece em NiOh 3.

Os efeitos visuais, texturas e construções foram bem aprimorados, finalmente passando a sensação de ser um jogo da geração atual. E a melhoria não foi somente nesse quesito. O design em si do jogo evoluiu muito. As cutscenes estão bem mais cinematográficas e o design de chefes está maravilhoso.

A reutilização de assets de NiOh 1 e 2 permitiu que a equipe expandisse sua própria fórmula de maneira inteligente, sem gerar sobrecargas no processo de desenvolvimento por conta da implementação do mundo aberto. Os dois modos gráficos funcionam bem. O qualidade entrega visuais mais limpos e o desempenho, que pra mim é o ideal pra esse tipo de jogo, prioriza o FPS. Eu notei que o game sofre quedas de frames em momentos bem pontuais de certas áreas mas é um problema que pode ser facilmente resolvido com um patch.

O som acompanha a qualidade do design visual do jogo. A trilha evoca bem o clima de guerra da história e o som das lâminas se chocando ao aparar os golpes é estranhamente satisfatório. O som dos yokais ainda pode melhorar, dando um senso maior de identidade própria pra eles. Quase todos reproduzem o mesmo som, seria legal ter uma variação nisso.

A dublagem japonesa está impecável e por ter um design de mundo aberto, eu fiquei bem feliz com o sistema de viagem rápida. Ele funciona muito bem mesmo alterando as Eras que você visita, o que ajuda muito no processo de conclusão de quests. No geral, o sentimento é que a Team Ninja usou todo o aprendizado acumulado de 2017 pra cá, entregando sua visão derradeira para a franquia NiOh. Foram 9 anos aperfeiçoando uma fórmula que na minha visão pode ser considerada o “Call of Duty dos soulslikes”. Quando o combate de NiOh te fisga, é difícil conseguir se afastar do jogo!

Review de NiOh 3: A fórmula da perfeição

NiOh 3 é a síntese de tudo que a Team Ninja vem construindo desde 2017, ano de lançamento do primeiro jogo da franquia. Após 9 anos, 4 jogos (Wo Long incluso) e 9 expansões, 3 pra cada game, o estúdio aprimorou todos os seus pontos fortes e reduziu os pontos fracos, entregando um jogo perfeito e que ao meu ver representa a visão derradeira da equipe em relação a saga.

Com uma narrativa mais rica e palpável, visuais modernos, uma direção de cenas cinematográfica e um combate que é facilmente um dos melhores que a indústria já viu, NiOh 3 é a primeira grande joia de 2026 no espaço AAA. Se você busca por uma experiência robusta, que te desafia na medida certa e entrega doses generosas de diversão, não deixe NiOh 3 passar!

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Code Vein 2 é a sequência do soulslike com estética de anime da Bandai Namco. Com uma história completamente nova, que não exige conhecimento prévio da franquia, o título se inspirou fortemente em Elden Ring para tentar conquistar espaço em um dos gêneros mais competitivos da atualidade.

Mas será que a aposta da Bandai Namco em simular a estrutura de mundo aberto deu certo? É o você vai descobrir nesse review de Code Vein 2. A análise foi feita com base na versão de PlayStation 5 rodando no PlayStation 5 Pro.

Um conto de várias eras

Seguindo uma estrutura similar à do primeiro jogo, Code Vein 2 retoma a ideia de explorar uma narrativa dividida em diferentes eras. Aqui, alternamos entre passado e presente com um objetivo clássico: salvar o mundo.

A trama principal, infelizmente, é pouco inspirada. Como a construção de background não é bem executada, o jogador dificilmente se importa com o mundo do game, o que diminui consideravelmente o impacto narrativo.

Surpreendentemente, a história dos personagens secundários trilha o caminho oposto. Embora a trama central seja desinteressante, nossos aliados são marcantes e carregam grandes tragédias. O jogo faz um trabalho magistral em captar a atenção do jogador ao estabelecer conexões reais com esses personagens.

A dedicação quase sobrenatural de Camilo, a obsessão de Gobbo por um resgate do passado, o desejo ardente de Josée em proteger seu povo… Cada história de fundo foi muito bem escrita e algumas chegam a se entrelaçar, sendo este um dos pontos mais altos do game.

Um ponto positivo é que, apesar de ser um soulslike, a história é contada de maneira direta, com diálogos e cutscenes claros. O problema é que o título parece se esforçar para esconder seus melhores momentos. As missões secundárias, que expandem a história dos aliados, ficam escondidas em outras eras. O game exige que o jogador renove os “pontos de conexão” para acessá-las e prosseguir. É um caminho desnecessariamente complexo que serve como uma barreira para a imersão na lore.

A narrativa é simples, mas a forma de contá-la — fragmentada em eras — não funciona bem e acaba afastando o jogador. Também senti que o protagonista, criado por nós através de um robusto sistema de customização, perde o impacto narrativo por ser um personagem mudo. Outro aspecto curioso é que o universo de Code Vein 2 é interessante, com diferentes facções tentando dominar umas às outras, mas o embate entre Aparições e Humanos merecia ser mais explorado.

Um atacadão de opções

Penso ser importante deixar em destaque nesse review de Code Vein 2 que o maior ponto de evolução da sequência em relação ao jogo anterior é o combate. Temos um leque ainda maior de opções de builds, dois tipos de armas inéditas e sistemas que representam uma clara melhoria para a franquia.

Os Códigos de Sangue, um dos principais diferenciais de Code Vein, retornam. Agora os jogadores possuem dezenas de opções extras de ataque e esquiva, permitindo criar arquétipos que vão desde atiradores de elite até magos.

As habilidades especiais continuam sendo ativadas através do Ichor, recurso obtido ao golpear inimigos ou ao acionar o ataque de Cela (botão R2). A variedade de Celas é satisfatória: temos a “Morcego”, minha favorita, que dispara um projétil de médio alcance; a “Ogro”, inicial, que funciona como uma garra gigante; e assim por diante. Cada Cela se adequa a um estilo diferente de jogo.

Além da Cela, temos a Forma Legada (botão L2), um ataque especial focado exclusivamente em ofensiva. No geral, fãs de soulslike vão se esbaldar com tantas opções. Contudo, nem tudo é positivo. Senti que falta peso ao combate; na maior parte do tempo, mesmo usando armas pesadas, os inimigos mal reagem aos golpes, dando a sensação de que estamos enfrentando “esponjas de dano”.

Como o jogo simula a estrutura de Elden Ring, há dezenas de calabouços espalhados pelo mapa que reciclam excessivamente os chefes. A progressão e a escala de poder também são esquisitas. Embora o personagem suba de nível normalmente, o dano real depende dos upgrades na arma, cela e forma legada. Os Aumentadores (runas de bônus passivos) também são essenciais nesse processo.

Outro ponto que pode afastar novatos é o desbalanceamento inicial. Os dois primeiros chefes principais causam dano absurdo e são extremamente agressivos, deixando janelas curtíssimas para a cura. Uma novidade bem-vinda é que os aliados agora podem ressuscitar o jogador, contudo, essa habilidade possui um cooldown e é limitada.

Como o jogo adotou o mundo aberto, é possível explorar o mapa com a moto para coletar recursos de melhoria, permitindo fortalecer a arma rapidamente para atropelar os desafios.

Um detalhe irritante é que a mecânica de parry está bloqueada atrás de um escudo que precisa ser coletado no mapa. Essa decisão é irritante porque quase todos os ataques do jogador podem ser interrompidos por qualquer golpe inimigo. Há uma antítese aqui: o sistema incentiva a agressividade, mas pune brutalmente quem a pratica. Adotar um tom cadenciado é a receita para o sucesso, ao menos até encontrar opções como a Esquiva Umbral no mid-game. Essa esquiva gasta Ichor mas torna a movimentação muito mais fluida.

Uma decisão que custou caro

Abandonar a estrutura linear do primeiro jogo para adotar um mundo aberto foi uma decisão arriscada. Embora faça sentido comercialmente, visto o sucesso de Elden Ring, é preciso contexto. A FromSoftware acumulou décadas de experiência com a série Souls, Bloodborne e Sekiro antes de abrir seu mapa.

Em Code Vein 2, a equipe claramente teve menos orçamento e experiência para tal escala. Um mundo aberto precisa ser justificado por uma direção de arte sólida e conteúdos que incentivem a exploração. O que vemos aqui é o oposto: o mapa é visualmente decepcionante, pouca variedade de inimigos e chefes secundários que se repetem à exaustão. A reciclagem é tamanha que reaproveitaram até chefes principais em áreas abertas.

As cores excessivamente frias e azuladas evidenciam texturas de baixa qualidade e construções que lembram a era do PS3. Como o foco se voltou ao mundo aberto, a parte técnica tornou-se caótica. Quedas de frames são constantes em combates e cutscenes. Mesmo com os modos de Desempenho e Resolução, a diferença visual é imperceptível e nenhum entrega estabilidade.

Pop-ins (elementos surgindo do nada) ocorrem em frequência alarmante. O HUD é confuso, especialmente a navegação em mapas com múltiplos andares. As expressões faciais e a sincronia labial deixam muito a desejar. Como joguei no PS5 Pro, notei com tristeza que o game não conta com aprimoramentos para o console, nem suporte aos recursos táteis do DualSense. O que salva a parte técnica é a trilha sonora fantástica e o sistema de viagem rápida, que funciona muito bem.

Review de Code Vein 2: Potencial latente

Encerro esse review de Code Vein 2 destacando que o jogo possui uma base sólida que pode (e precisa) receber melhorias. Como joguei antes do lançamento oficial, muitos problemas técnicos podem ser resolvidos com patches pontuais.

Entretanto, falhas de game design são, em sua maioria, incorrigíveis. Na minha visão, o mundo aberto foi um erro enorme, sendo mal executado. No fim das contas, existe um bom jogo escondido sob esses problemas. Os personagens secundários são excelentes, a lore tem potencial para crossmídia e a liberdade no combate é excepcional, podendo se tornar referência no gênero.

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