Com incontáveis quadrinhos, desenhos, filmes, livros e jogos, o “Homem-Morcego” se tornou um símbolo marcante da luta contra a injustiça.

Após ter retratado uma das sagas mais emblemáticas do cinema, a Saga Skywalker, a TT Games resolveu assumir um desafio ainda maior: recriar e honrar o legado do Cavaleiro das Trevas. Será que o estúdio cumpriu a missão com êxito? É isso que você vai descobrir em nosso review de LEGO Batman: O Legado do Cavaleiro das Trevas.

Eu sou a Vingança

A história do jogo aborda os passos iniciais de Bruce Wayne, sim, começando pelo fatídico dia em que seus pais são assassinados, até os anos em que a aposentadoria do herói se aproxima, mostrando os primórdios do que vem a se tornar a Batfamília.

Assim como em A Saga Skywalker, vemos aqui a recriação de cenas fantásticas da franquia Batman, sejam elas de filmes, desenhos ou dos quadrinhos.

Elas foram organizadas em uma ordem cronológica que facilita o entendimento geral da trama e, claro, adaptadas para o universo LEGO. É muito importante lembrar que o jogo mira no publico infanto-juvenil, afinal, é um LEGO e ele não esconde isso em nenhum segundo da aventura.

O humor galhofa que marca os jogos LEGO é constante e essas cenas emblemáticas são retratadas com piadas e leveza. Considero importante ressaltar isso pra que expectativas sejam bem aplicadas aqui. Se você busca profundidade narrativa, é melhor ir rejogar a franquia Arkham!

No geral, achei a história bem competente mas sinto que o estúdio poderia ter inserido colecionáveis com a finalidade de educar os jogadores um pouco mais sobre o herói e o processo de criação dele.

Um elemento fantástico é que o game conta com localização completa em nosso idioma e vozes marcantes dos desenhos retornam, elevando a experiência e trazendo um senso maior de imersão!

Apesar de ser uma aventura LEGO, o estúdio fez questão de manter a essência de todos os personagens do panteão Batman. É engraçado ver Bane e o Coringa mandando umas piadocas de quinta série enquanto eles mantém a compostura de vilões.

Eu levei 28 horas para platinar o jogo mas sinto que um ritmo normal de jogatina vai colocar a platina em 35 a 40 horas para a maioria dos jogadores.

A duração é menor do que a Saga Skywalker mas essa redução foi uma decisão super acertada da equipe. Mais algumas horas e o jogo sairia do campo da diversão e entraria no vale da repetitividade.

De Volta à Arkham

Se a história do jogo honra vários momentos icônicos do legado do cavaleiro das trevas, o combate é quase que uma réplica da trilogia Arkham, uma das trilogias mais cultuadas no mundo dos games. Os personagens podem socar, usar gadgets, desviar, realizar abates furtivos e dar contra-golpes. O medidor de combo também se faz presente.

As lutas são tão Arkham que você desbloqueia uma habilidade que amplifica o dano ao acionar a cadeia de golpes no momento certo. Apesar da inspiração, o combate se torna muito repetitivo e logo nas primeiras horas por conta da enorme simplicidade que ele carrega. Não temos um sistema de combos complexo aqui.

A TT Games acaba subestimando seu público alvo, entregando um sistema de combate que até crianças de 4 anos conseguem jogar, mas que acaba sendo inexpressivo pra idades maiores. O estúdio tenta combater a repetitividade ao adicionar ferramentas e múltiplos personagens jogáveis mas isso acaba sendo insuficiente para variar os embates.

É legal jogar com Jim Gordon, Robin, Asa Noturna, Batgirl e Talia mas esperava uma variedade maior de golpes e combos. Felizmente a parte técnica das lutas é fantástica. Os golpes tem peso e o controle é altamente responsivo, tornando o ato de enfrentar múltiplos inimigos algo bem satisfatório.

A equipe até pensou e implementou opções para quem prefere abordagens furtivas e as animações de eliminações são bem engraçadas. É memorável ver Batman fazendo uma enterrada com uma lata de lixo na cabeça de um capanga! Por falar em memorável, temos várias batalhas contra chefes e, surpreendentemente, eles são bem ricos mecanicamente falando.

A trilha sonora dos chefes poderia ser mais emblemática mas não chega a ser algo que incomoda. Outro ponto que foi bastante simplificado foi a progressão. Ela acontece em duas grandes vias – através do aprendizado de novas habilidades e ao melhorar os gadgets de cada personagem.

Os pontos de habilidades são obtidos ao concluir missões secundárias e principais, já os dispositivos são melhorados ao abrir Cápsulas Wayne espalhadas por Gotham e em certas missões principais. Eu entendo que é um jogo para a criançada mas sinto que a progressão poderia fugir um pouco da mesmice que conhecemos bem dos jogos de mundo aberto da década passada.

Agora em um lado positivo, o level design. As missões são bem legais e brincam a todo momento com o caráter interativo das peças de LEGO. Cada personagem tem seus dispositivos e expertises e isso é explorado bem tanto nas missões principais quanto no mundo aberto.

A Mulher-Gato por exemplo é a única que consegue cortar vidros. Batman consegue usar o Spray Explosivo para explodir paredes. Asa Noturna consegue energizar dispositivos, Bat-Girl consegue hackear… a individualidade de cada herói é respeitada e podemos trocar livremente entre eles no mundo aberto, o que torna tudo ainda mais especial.

Uma Gotham Vibrante

Um grande protagonista de LEGO Batman: O Legado do Cavaleiro das Trevas é a própria Gotham. A cidade aqui é vibrante e pulsa vida (e crimes é claro).

A TT Games fez um trabalho fantástico em recriar uma das cidades mais icônicas do entretenimento e podemos visitar várias localizações que ficaram eternizadas na mente dos fãs do Morcegão.

O mais impressionante (e meio que esperado) é a enorme interatividade do cenário. Por ser um jogo LEGO, podemos quebrar quase tudo e obter peças, além, claro, de se divertir bastante interagindo com coisas variadas, sejam bancos, caixas-eletrônicos, foguetes de brinquedo e muito mais.

Quase toda esquina da cidade tem alguma coisinha pra gente “brincar” e isso reforça muito a própria essência LEGO. A travessia pelo mapa acontece de três formas – através da viagem rápida, divertidamente chamada aqui de Subwayne – através do gancho + planagem, coisa que está tão satisfatório quanto em Arkham, e através dos veículos.

O jogo conta com 30 veículos diferentes no total e temos veículos específicos para cada personagem. O fantástico aqui, além dos visuais em LEGO, é que o time se atentou até ao som emitido pelos veículos, gerando uma imersão fantástica.

Usar a turbina do Tumpler proporciona uma baita experiência sonora! Se locomover rapidamente é importante aqui. Temos centenas de colecionáveis e atividades secundárias que vão levar boa parte do tempo para a platina.

A variedade é absurda… destruir plantas carnívoras, ajudar Bullock em um caso importante, ajudar Sofia Falcone com um problema, colocar rastreadores em animais que fugiram do zoológico… é bastante coisa e a variedade impressiona.

A cereja do bolo são os enigmas do Charada e do Mestre das Pistas. São mais de 100 enigmas ao todo e que surpreendentemente variam bem no design, desafiando o raciocínio lógico de quem joga. Diferente do combate, os desenvolvedores não seguraram a mão aqui e alguns enigmas são incrivelmente complexos. Temos jogos da memória, puzzles matemáticos, puzzles de “engenharia” e muito mais.

Outro ponto de destaque é a Batcaverna. O centro de operações de Batman é super charmoso, exibindo todos os trajes obtidos na aventura, veículos e permitindo um grau elevado de customização, fazendo com que cada jogador deixe o QG do jeito que preferir!

A TT Games sabe o que faz

O estúdio responsável pelo jogo adquiriu uma expertise absurda ao longo dos anos. Eles conseguem recriar mundos inteiros dentro do contexto LEGO com um nível de precisão absurdo, mantendo, claro, a essência interativa do brinquedo. Isso se repete aqui. Os visuais estão belíssimos, impulsionadas pela Unreal Engine 5.

É estranho falar isso e parece improvável, mas constantemente eu esquecia que estava jogando um LEGO visualmente falando. Após algumas horas, você acaba tão imerso naquele mundo que ele se torna realista na medida do possível.

Como já mencionei, a parte sonora está incrível, tanto dos veículos quanto dos diálogos. A localização completa em nosso idioma ajuda na imersão. O DualSense também se faz presente. Os avisos de crimes no rádio da polícia por exemplo são emitidos no alto-falante do controle.

Apesar disso, eu senti que os recursos do controle poderiam ser mais usados no combate, amplificando a sensação de impacto.

No campo do desempenho, não tive nenhuma queda de frame perceptível, contudo, tive dois bugs em missões que me fizeram ter que voltar para o menu principal para resolver o problema. Também tive um crash. Vale mencionar que joguei antes do lançamento, logo, um patch pontual pode resolver esses problemas!

Review de LEGO Batman: O Cavaleiro das Trevas – Vale a Pena!

Respondendo à pergunta lá do começo do review, sim, a TT Games cumpriu a missão com êxito e entrega um baita jogo que faz jus ao legado de um dos maiores ícones do entretenimento. Apesar de ser uma aventura projetada majoritariamente para crianças, todo fã adulto do Batman vai encontrar algo positivo aqui, suprindo um pouco a saudade deixada pela trilogia Arkham.

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Entre as várias nuances de um jogo que precisam ser analisadas, todo o contexto externo passa a ter um grande grau de importância também. Cada lançamento de destaque de um jogo brasileiro impulsiona a nossa indústria pra frente e serve de fonte de inspiração para quem vem depois.

E, bom, fico feliz em já deixar claro que Motorslice é um jogo de dar orgulho para o país. Ele se inspira em vários games icônicos que são cultuados até hoje, fazendo uma mistura genial de mecânicas que, quando unidas, geram uma experiência marcante. A Regular Studio fez um ótimo trabalho aqui!

P contra Máquinas

Você com certeza já ouviu falar ou jogou um game protagonizado por um personagem chamado P onde ele usa espadas para golpear máquinas. Bom, eu não estou falando sobre Lies of P. Essa é a exata proposta de Motorslice.

A jornada é protagonizada por uma mulher chamada de P, com voz da ótima Kira Buckland, a 2B de NieR: Automata. P é uma Slicer veterana, uma funcionária enviada para locais inóspitos para fatiar, literalmente, máquinas que fugiram do controle.

P conta com o auxílio de Orbie, um drone avançado que conta com uma personalidade que me lembrou bastante o icônico Claptrap de Borderlands – mas sem a voz irritante e sem interrupções constantes.

Apesar de ter um componente narrativo e uma história tradicional, Motorslice não deve ser considerado um jogo narrativo. Ele é, essencialmente, um jogo de plataforma com um pouco de combate e diálogos vez ou outra. Para se ter ideia, o game nem sequer apresenta colecionáveis com textos ou coisa do tipo.

Eu entendi a ausência, contudo, fiquei tão imerso durante a jornada de P que fiquei querendo saber mais sobre os Slicers, suas origens e até sobre a espada com o motor propulsor usado por eles. Outro ponto que é válido mencionar é que a narrativa apresenta elementos de cunho “Tomboy” e a interação entre P e Orbie exala isso.

Motorslice é dividido em 9 capítulos e eu platinei o jogo em cerca de 8 horas. Não senti que a experiência foi curta. Pelo contrário. Ela termina em um momento perfeito para dar aquele gostinho de quero mais – potencializando, quem sabe, investimentos futuros na IP.

Clássicos revitalizados

Lembra no começo do texto que falei sobre mistura genial de mecânicas? Pois bem. Motorslice bebe da fonte de jogos bem conhecidos como Mirror’s Edge, Prince of Persia, Shadow of the Colossus e, claro, NieR: Automata.

A movimentação é claramente inspirada em Mirror’s Edge e Prince of Persia. Pular entre duas paredes, correr pela parede, escalar postes. O tempero original aqui são os trechos que possibilitam o uso da mecânica Slice. P usa sua espada com motor de propulsão para literalmente fatiar paredes laranjas, conseguindo se locomover pela parede.

De NieR: Automata, temos a inspiração do combate, onde P enfrenta uma série de máquinas com design que lembram máquinas reais como tratores, empilhadeiras, trens e mais. O cenário que lembra um mega canteiro industrial também faz alusão à obra da PlatinumGames.

Por fim, mas não menos importante, temos Shadow of the Colossus. Os chefões de Motorslice não são lutas tradicionais contra chefes. Elas basicamente consistem em trechos de plataforma onde precisamos escalar essas máquinas massivas enquanto fatiamos as partes vulneráveis com a espada.

Vale destacar, novamente, que o fatiar aqui é diferente de Metal Gear Rising: Vengeance por exemplo. Precisamos chegar perto da “parede” laranja, enfiar a espada no lugar e acionar o motor propulsor, andando pela área enquanto causa dano.

O combate propriamente dito é bem simples e direto ao ponto. P consegue aparar ataques de inimigos, inclusive os ataques dos chefes colossais, golpear normalmente com a espada, dar um ataque carregado e rolar como desvio. A filosofia implementada pelo estúdio é a de um golpe pra matar e um golpe pra morrer. Essa dualidade entre letalidade e fragilidade de P é interessante e faz com que o jogador esteja sempre atento nos confrontos, mesmo contra máquinas “básicas”.

Apesar de ser um game que dura apenas por volta de 8 horas, eu senti falta de uma maior variedade de máquinas inimigas. Isso somado à um cenário que pouco se altera acaba gerando um sentimento de repetição em sessões de jogatinas que passam da barreira das 1-2 horas.

Para afastar esse sentimento de repetição, o estúdio implementa mecânicas novas de maneira gradativa pelos capítulos. Em um capítulo por exemplo precisamos desviar de minas terrestres que explodem ao contato. No outro, usar dutos de ventilação para alcançar locais mais altos.

Falando em minas, a dificuldade do jogo é o que eu gosto de chamar de quente e frio. Ele pune bastante qualquer erro cometido e P morre instantaneamente caso você erre um pulo e caia de grandes distâncias. Contudo, para atenuar isso, Motorslice apresenta uma quantidade absurda de checkpoints. Eles são bem generosos para impedir que o jogador fique frustrado.

Também existe uma opção de acessibilidade para adicionar checkpoints nas lutas contra os chefes, o que facilita bastante a experiência. O game tem chefes bem desafiadores em alguns capítulos!

Óleo tá em dia

A parte técnica de Motorslice é muito competente. A movimentação de P é fluída, a física do jogo é realista e funciona bem, demandando atenção nos trechos de plataforma e tornando a experiência bem prazerosa quando passamos por seções desafiadoras.

O calcanhar de aquiles do jogo é a câmera. Em segmentos específicos ela mais atrapalha do que ajuda, servindo como um obstáculo adicional a ser vencido na trajetória de P. Também achei que a trilha sonora e os efeitos sonoros como um todo são bem tímidos.

A trilha é embalada por uma música que lembra aquelas que tocam em um saguão de um hotel requintado. Não chega a ser um problema, mas sinto que ela poderia ter um pouco mais de presença, principalmente nos embates contra as máquinas colossais.

A estética do jogo é outro ponto que merece destaque. Motorslice usa uma técnica de low-poly moderna para entregar visuais charmosos e que ao mesmo tempo ajudam à disfarçar as imperfeições (e, claro, baratear os custos). Isso casa perfeitamente bem com o senso estético brutalista que o game apresenta. O visual é cru, mas imponente, com construções gigantescas que causam deslumbramento mesmo sem apresentar decorações ou refinamento.

Review de Motorslice: Vale muito a pena!

Motorslice prova que o cenário brasileiro pode ir muito além do tradicional pixel art, bebendo da fonte de algumas das maiores obras da história da indústria. Com uma protagonista carismática, uma jogabilidade altamente responsiva e um ritmo de campanha bem dosado, o título merece presença garantida em qualquer lista de melhores indies de 2026.

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Minhas expectativas pelo metroidvania eram tão altas que mergulhei nele e mal vi a hora passar, conquistando a primeira platina do jogo no mundo inteiro! Isso já dá um spoiler deste review de Constance… Sim, eu amei o game! Para conferir minha opinião de uma maneira mais aprofundada, confira o texto completo abaixo.

Uma história sobre suficiência

Constance é um jogo relativamente curto; vasculhei cada canto dele em cerca de 16 horas. Por conta disso, não darei tantos detalhes acerca da trama. Como o título do game sugere, acompanhamos a história de Constance, uma jovem que acaba indo parar em um mundo surreal cheio de criaturas místicas e um antagonista misterioso.

O jogo engenhosamente explica tudo o que se passa de maneira direta e bem expositiva; logo, a história e seus temas são bem fáceis de compreender. Mas, muito mais do que a fácil compreensão, preciso destacar aqui a coragem de abordar temas tão pertinentes.

A narrativa é quase como um grito de socorro do estúdio. A protagonista, que trabalha como designer no mundo real, está sobrecarregada de todos os lados. Com burnout e incapaz de exercer seu potencial criativo, Constance acaba entrando no que parece ser um estado de depressão.

É aí que o surrealismo entra em cena e acabamos indo parar em um “universo mágico”, aos moldes de A Viagem de Chihiro, dando o pontapé inicial em uma aventura que vou levar sempre comigo! O curioso é que a tinta, a arte e a cor são pautas importantíssimas no game, e isso me fez pensar em outro indie que eu amo: Chicory: A Colorful Tale. O mais curioso ainda é que Chicory trata de temas parecidos.

Além da campanha tradicional, podemos concluir missões secundárias para os habitantes desse mundo surreal. Fiquei positivamente surpreso com a complexidade de algumas delas. Algumas demandam que o jogador aplique o raciocínio lógico para saber como prosseguir. Como o game não apresenta uma quantidade elevada dessas tarefas, é nítido que o estúdio pensou bem em cada uma, afastando-se completamente das tradicionais fetch quests encontradas em títulos do gênero.

Tinta para todo lado

Constance é um metroidvania; logo, você já sabe o que esperar da jogabilidade: cenários intransponíveis até encontrar habilidades de travessia específicas, lutas contra chefes, seções de plataforma desafiadoras… A maior diferença de Constance em relação a metroidvanias recentes é que ele tem mais trechos de plataforma do que de ação propriamente dita.

E, vou te dizer, alguns desses trechos são surpreendentemente desafiadores. A progressão acontece de maneira simples. Precisamos vasculhar o mapa para encontrar partes de um coração que, quando completo, aumenta a barra de vida. O mesmo vale para a barra de tinta, recurso usado para acionar habilidades especiais.

Fiquei muito surpreso (e feliz) com o design dos chefes de Constance. Além de serem visualmente fantásticos, eles são mecanicamente ricos, tornando as lutas bem legais e com um nível de desafio justo. Cada bioma do jogo abriga novos cenários e tipos de inimigos, evitando a sensação de repetição que costuma aparecer no gênero.

A maior diferenciação de Constance em relação aos demais acontece por meio de sua temática. Ao concluir missões e encontrar telas específicas, aprendemos novas Inspirações — habilidades equipáveis com grande aplicabilidade no combate. Também senti falta de uma maior escala de poder. No final do jogo, mesmo com várias habilidades de travessia e de combate, não vi tanta diferença em relação a como iniciamos a jornada.

Por fim, mas não menos importante, o jogo pode ser um pesadelo para speedrunners (temos troféus de tempo para a platina). Caso você abra o menu, o jogo não é pausado e o tempo continua correndo, demandando que o jogador volte para o menu principal para impedir que as horas passem. O problema? Voltamos ao último ponto de salvamento visitado, e não ao local onde selecionamos a opção para fechar e voltar ao menu.

Bonito feito pintura em aquarela

A aquarela é considerada uma das técnicas mais difíceis da pintura. É necessário aprender e ter uma precisão fora do comum sobre a água e o pigmento. E, bom, isso define muito bem toda a parte técnica e artística de Constance.

Tudo no jogo existe com propósito, tem alma, sentido e funciona perfeitamente bem. Você ficaria surpreso com a quantidade de metroidvanias que eu já joguei com controles não tão responsivos, e fico muito feliz em dizer que não é o caso aqui.

Ele tem uma quantidade maior de seções de plataforma do que outros games do gênero; logo, a precisão é fundamental. Ainda mais com várias mecânicas de travessia: precisamos quicar em espinhos usando o pincel mágico da protagonista, além de bater em barreiras de corrupção. Em muitas das vezes, precisamos fazer várias coisas em sequência e numa velocidade absurda. A curva de dificuldade do jogo pode frustrar alguns, principalmente os novatos.

A trilha e os efeitos sonoros são formidáveis, aumentando o grau de rebuscamento em certos trechos da trama e aprimorando a experiência das lutas contra os chefes. No quesito técnico, platinei o jogo sem nenhum percalço. Não tive bugs, quedas de frames, problemas com áudio, absolutamente nenhum problema! Constance foi polido com esmero, e tudo nele grita a identidade e a paixão da equipe que o criou.

O elenco de NPCs remete perfeitamente aos personagens oníricos, casando muito bem com a proposta da aventura. Além de servirem como um ponto de conforto para Constance, eles aumentam o grau de imersão graças ao excelente design de criaturas.

Review de Constance: Um dos melhores do gênero!

Eu já esperava que Constance fosse ótimo; contudo, certamente não esperava que ele fosse um dos melhores do gênero. A meu ver, ele não fica devendo em nada a grandes nomes recentes, como Hollow Knight e Nine Sols, tornando-se, portanto, um jogo que considero obrigatório para todo e qualquer fã de metroidvanias.

Um ponto importante para o jogador brasileiro é que Constance chegou às lojas digitais por um preço convidativo: R$ 59,90 na PS Store, R$ 53,99 na Nintendo eShop e R$ 58,95 na Xbox Store.

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Uma história sobre o que nos faz humanos

Como mencionei anteriormente, a história de Pragmata tem dois protagonistas – Hugh e Diana. Hugh é um agente da corporação Delphi que é enviado para a Base Lunar da companhia para investigar um incidente.

A empresa usa a base para criar basicamente qualquer coisa usando os Lunafilamentos, um material com uma capacidade excepcional de transformação, mas com uma durabilidade frágil. Nos minutos iniciais da história, um terremoto atinge a base, fazendo com que Hugh se separe de sua equipe e vá ao encontro de Diana, uma Pragmata.

Na breve introdução que temos de Hugh, ele declara abertamente que não confia em Bots, androides super tecnológicos que foram criados para substituir o trabalho braçal da humanidade. Apesar do jogo deixar isso bem claro, ele confia em Diana desde o primeiro encontro entre eles, coisa que achei mal formulada de início.

Apesar do começo da relação ser abrupta, a troca entre Hugh e Diana é um dos pontos fortes do jogo. A Pragmata nunca teve contato com as coisas terrenas e, sob a lente e narração de Hugh, ela passa a aprender sobre vários conceitos do nosso cotidiano, fazendo com que o game se torne um belo lembrete do que nos faz humanos.

Ver Diana interagindo com objetos da Terra é maravilhoso, gerando uma reflexão em quem joga. Curioso que um game eletrônico protagonizado por uma robô consegue nos fazer pensar sobre a beleza das coisas simples da vida.

A história principal se desenvolve bem, levando a um desfecho magnânimo que se tornou a marca registrada da Capcom em seus AAAs. A lore é expandida através de colecionáveis que são bem dosados e bem escritos, dando gosto da leitura. E, bom, o timing do lançamento do jogo é perfeito.

Com IAs e exploração espacial sendo temas fortíssimos da vida real, é legal ver um AAA fresquinho tratar desses temas com inteligência. Vale mencionar que Pragmata não é uma história de hard sci-fi. A narrativa é propositalmente fácil de ser compreendida para evitar que o tema acabe se transformando em uma barreira de entrada e não um convite.

A duração da história segue o padrão que a Capcom usa em Resident Evil, podendo durar entre 10 a 12 horas para ser concluída, vai depender da experiência de quem joga e, claro, o nível de exploração secundária realizado. Um ponto digno de menção é que Pragmata está completamente localizado em PT-BR e a qualidade da dublagem é ótima, facilitando o entendimento da história e, obviamente, proporcionando um nível maior de imersão para quem não entende inglês.

Um jogo dentro de outro

A jogabilidade de Pragmata é genial e apresenta um conceito que não lembro de ter visto em outro jogo AAA. Diana fica “acoplada” nas costas de Hugh, contudo, nós controlamos os dois de maneira simultânea. Isso ajuda a fugir daquela síndrome de “pai triste” e posiciona Diana com um grande papel atuante, sendo muito mais do que uma garotinha indefesa.

Hugh é o famoso brucutu, responsável por proteger a dupla e, claro, atirar nos bots. Já Diana, a Pragmata, fica a cargo do hackeamento, deixando os bots em estado Exposto para que Hugh atire em seus pontos fracos, além de aplicar efeitos debilitantes como Paralisia, Confusão e mais.

No começo, a proposta causa um pouco de estranheza, contudo, a curva de aprendizado é excelente e ao chegar à metade do jogo você já vai estar um expert em atirar e hackear ao mesmo tempo. E, confesso, a mecânica é incrivelmente viciante e eu espero ver mais dela em jogos vindouros!

Para sua progressão e exploração, Pragmata bebe da fonte de vários jogos que servem como inspiração, sendo Dark Souls um dos maiores expoentes. O level design é enxuto, mas inteligente, apoiando-se na verticalidade para manter o jogador ocupado. Logo nas horas iniciais é possível desbloquear um sonar que marca os objetos próximos, destacando a nova postura mais acessível da Capcom.

Agora, você deve estar se perguntando, como assim Pragmata, um jogo de tiro e hackear robôs, se inspira em Dark Souls? Vamos lá. Primeiramente, no combate. Esquivar e pular gastam a Barra de Propulsão, funcionando como uma Barra de Estamina. A progressão também se inspira nos Souls.

Ao derrotar Bots, ganhamos um recurso chamado de Lunafilamentos, o equivalente às almas de Dark Souls. Esse recurso permite melhorar as Unidades de Ataque, Defesa e Tática (armas e gadgets finitos), aprender novas habilidades, melhorar capacidades do traje de Hugh e aprimorar os Nodos de Hackeamento que Diana pode acionar no combate.

A exploração é dividida em Blocos, onde, no início de cada Bloco encontramos uma Escotilha de Fuga para voltar ao Abrigo, o equivalente às fogueiras, e, ao retornar, os Bots respawnam. O game conta até com um inimigo chamado de Drone Escavador que foge ao chegarmos perto e, caso seja hackeado com sucesso, larga uma grande quantidade de Lunafilamentos, fazendo alusão ao Lagarto de Cristal de Dark Souls.

Os inimigos apresentam uma barra de calor, que, quando preenchida, permite que o jogador pressione um botão para acionar um ataque crítico devastador. Além disso, a apresentação dos chefes ocorre em arenas, do jeito pomposo que a FromSoftware acostumou a comunidade.

E por falar em chefes, eles possuem um design mecânico e visual fantástico, tornando as lutas memoráveis. Mas calma. Apesar das óbvias inspirações, Pragmata é muito mais acessível no que diz respeito à dificuldade, apresentando um modo Casual. E por falar em dificuldade, no modo Padrão ela é justa até metade do game, depois, caso você faça o conteúdo secundário, você se torna incrivelmente poderoso e atropela tudo pelo caminho, até os chefes.

O jogo tem uma excelente variedade de armas, gadgets e inimigos. A cada 10-15 minutos, nos deparamos com uma novidade, seja um inimigo inédito, uma arma nova ou um gadget fresco que tem grande utilidade nos embates. Os gadgets envolvem coisas como uma Rede que mantém os inimigos estáticos, uma espécie de lança granadas que derruba os bots, minidrones que atiram e por aí vai.

A variedade de armas também impressiona mas é preciso destacar que o game tem dois tipos de armas. Existe a arma fixa de Hugh, com bala infinita (mas pente recarregável) e que funciona como uma pistola ou fuzil de assalto, e as Unidades de Ataque, armas com munição limitada e com grande poder de fogo. Temos rifles que disparam um feixe de laser, um lançador de mísseis teleguiado, uma espingarda e muito mais. A frequência com que elas surgem no mapa é bem dosada e o jogo incentiva bastante o uso de equipamentos novos.

Apesar do incentivo, antes de irmos para um Setor, podemos montar um loadout no Terminal Bondeviário, escolhendo os equipamentos e nodos prediletos, funcionando como uma espécie de build.

Mas nem tudo em Pragmata é perfeito, existem certos elementos burocráticos que incomodam um pouco após algumas horas. Por exemplo, sempre que você morre, você retorna ao Abrigo. Seria fantástico ter a opção de voltar na última Escotilha de Fuga visitada. O game também tem pouquíssimas animações de “finalização”, o Tiro Crítico acionado por Hugh quando os inimigos atingem o pico de temperatura.

DNA arcade

Com o passar dos anos, a Capcom foi aprimorando suas habilidades de storytelling, entregando jornadas com um grande apelo emocional por pura exigência do mercado e demanda dos fãs.

Mas um aspecto louvável da publisher é que ela nunca abandonou seu DNA arcade, entregando jogos que, apesar do forte teor narrativo, continuam se portando como um jogo e não um filme jogável.

Além das missões principais, Pragmata tem um conteúdo secundário interessante, com uma boa dose de variedade. Um desses conteúdos é chamado de Simulação de Treinos. Nesse modo, o jogador precisa concluir testes com tempo e condições específicas para obter recompensas que ajudam e MUITO na progressão de Hugh e Diana.

Além da Simulação, os jogadores também podem encontrar e atirar em pequenas estátuas de Mini Cabin. O recurso é claramente inspirado no icônico Mr. Raccoon da franquia Resident Evil. Por fim, mas não menos importante, nos cenários podemos nos deparar com Salas Vermelhas, ambientes perigosos que colocam o jogador para enfrentar uma horda de inimigos em troca de recompensas valiosas.

Por falar em missões principais, tenho certeza de que a duração da campanha de Pragmata vai gerar debates online, afinal, para muitos, é impensável um jogo AAA durar entre 10 a 12 horas nos tempos atuais. Contudo, após ter zerado o jogo e feito todo o conteúdo secundário, penso que Pragmata tem a duração perfeita.

No fim da aventura, fica o gostinho de quero mais e não aquela sensação de alívio gerada ao concluir jogos que acabam durando mais do que deveriam. E reforço que o fim da campanha é apenas o começo. A Capcom usou toda sua experiência com fator replay e retenção de jogador e implementou um ótimo conteúdo pós-jogo que incentiva a rejogada.

Chamada de Lunática, a dificuldade é desbloqueada após zerar Pragmata pela primeira vez e ela muda fundamentalmente a experiência, apresentando inimigos mais letais e um nível de tensão maior graças à mecânica de atirar/hackear. Além da dificuldade nova, desbloqueamos o NG+ e um modo extra com novas doses de desafio. É interessantíssimo ver o tratamento que a Capcom dá ao “pós-jogo” de suas obras e o quanto ela respeita o tempo de seus consumidores.

Todo o conteúdo adicional é valoroso e esculpido com esmero, indo além do propósito de inflar horas de jogatina!

RE Engine brilha como o Sol

Tecnicamente falando, Pragmata beira a perfeição. Muito pela aplicação da RE Engine que é aprimorada a cada novo jogo da Capcom. Joguei 28h no PlayStation 5 Pro e não tive nenhuma queda de frame, bug ou crash.

Em uma única vez, meu áudio ficou “estourado” e o problema foi solucionado ao fechar o jogo e abrir novamente mas, como mencionei, isso aconteceu apenas uma vez em 28 horas. A parte sonora de Pragmata é fantástica.

As vozes, tanto em inglês quanto em português, combinaram muito bem com os personagens. Os efeitos sonoros são de ponta, com armas e bots emitindo barulhos bem credíveis que ajudam na imersão.

A direção de arte é genial. Os desenvolvedores saíram da “caixinha” pra não apresentar mais um jogo que se passa em uma estação espacial. Graças ao apoio da lore com os Lunafilamentos, percorremos trechos que lembram uma floresta, em outro uma grande cidade urbana e por aí vai.

O que a Capcom fez com a RE Engine é absurdo e o motor gráfico aos poucos vai se tornando uma espécie de monstro que evolui enormemente após cada lançamento.

Review de Pragmata: Outro acerto gigantesco da Capcom

A consistência da Capcom é assustadora e, fico feliz em encerrar este review de Pragmata cravando que eles fizeram de novo. A publisher prova que é capaz de entregar muito mais do que as joias da casa, apresentando uma nova IP altamente viciante com personagens memoráveis.

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Confira abaixo a tabela atualizada dos valores:

• PS5 Edição Digital – De R$ 3.999,90 para R$ 4.599,90
• PS5 – De R$ 4.499,90 para R$ 5.099,90
• PS5 Pro – De R$ 6.999,90 para R$ 7.499,90
• PlayStation Portal – De R$ 1.499,90 para R$ 1.899,90

Caso você não tenha visto, a PlayStation anunciou os novos preços hoje (27) alegando condições desafiadoras do mercado. A Guerra do Irã e o uso massivo de componentes nos data centers de IA fizeram com que os custos de praticamente tudo disparasse.

O aumento foi considerável, contudo, com a aplicação de cupons e promoções que são cada vez mais frequentes, o consumidor brasileiro não deve sofrer tanto com o acréscimo.

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Jogos que já contam com suporte ao novo PSSR

Entre os games que receberam otimizações estão:

• Silent Hill 2
• Silent Hill f
• Nioh 3
• Alan Wake 2
• Control
• Dragon Age: The Veilguard
• Senua’s Saga: Hellblade II
• Final Fantasy VII Rebirth
• Rise of the Ronin

Além disso, a Sony destacou que Crimson Desert já chegará preparado para o PSSR no lançamento, marcado para 19 de março. Outros títulos de peso, como Assassin’s Creed Shadows e Cyberpunk 2077, devem receber suas atualizações nas próximas semanas.

O que é o PSSR?

O PSSR (PlayStation Spectral Super Resolution) é a nova tecnologia da Sony que promete gráficos mais nítidos e desempenho otimizado, especialmente em jogos de última geração. Com a chegada dessa atualização, títulos populares ganham um incremento na qualidade, reforçando o poder do PS5 Pro.

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O título da Capcom é o primeiro a utilizar a tecnologia atualizada, marcando o início de uma nova fase do sistema de upscale por IA no console.

Novo PSSR é fruto da parceria entre Sony e AMD

O novo PSSR é resultado da colaboração entre a Sony e a AMD. A base parte do FSR 4 da AMD, mas recebeu cerca de seis meses adicionais de refinamento específico para o PS5 Pro, com ajustes na rede neural e no algoritmo responsável pelo processamento das imagens.

Segundo a Sony, a melhoria não se limita a um único jogo. A partir de março, outros títulos compatíveis também passarão a utilizar a versão aprimorada do PSSR.

Além disso, uma atualização de sistema será liberada no mesmo período, permitindo que os usuários do PS5 Pro ativem manualmente a opção “Aprimorar a qualidade da imagem PSSR” nas configurações do console.

Com isso, os jogadores poderão aplicar o novo método de upscale em games que já oferecem suporte ao PSSR, potencialmente obtendo imagens mais nítidas e estáveis sem sacrificar desempenho.

Resident Evil Requiem se beneficiou amplamente da tecnologia, entregando a melhor versão entre os consoles com folga, rodando em 4K a 60 fps com ray tracing ativo ou em 4K a até 120 fps sem ray tracing.

Você esperava uma atualização do PSSR para o PS5 Pro?

Fonte: PS Blog

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PS5 Pro é o grande vencedor no Resident Evil Requiem

A Digital Foundry revelou que, nos consoles, a versão do PlayStation 5 Pro está bem acima das demais. É a única que oferece opções de modos gráficos: um modo em 4K a 60 fps com ray tracing ativado e outro em 4K sem ray tracing, mas com taxa de quadros de até 120 fps.

Os detalhes, reflexos e a iluminação do jogo estão significativamente melhores no novo console da Sony quando comparados às versões do PlayStation 5 e do Xbox Series X, que apresentam desempenho praticamente idêntico, rodando em um único modo a 4K e 60 fps, sem ray tracing.

Já o canal El Analista de Bits comparou as versões do Xbox Series S e do Nintendo Switch 2. Segundo a análise, o portátil leva vantagem gráfica graças ao uso de DLSS, entregando texturas e resolução superiores ao console de entrada da Microsoft. No entanto, perde na taxa de quadros, que apresenta instabilidade e pode cair para perto de 30 fps, mesmo com a meta de 60 fps.

O Xbox Series S, por sua vez, decepciona ao apresentar a pior qualidade de imagem entre todas as versões, com resolução base de 600p antes de passar por upscaling para 1080p utilizando FSR.

Vale lembrar que a DG já publicou a análise completa de Resident Evil Requiem e também disponibilizou o guia de platina do jogo. Portanto, se você pretende alcançar os 100%, já pode começar a se preparar.

• Guia de Platina e Conquistas – Resident Evil Requiem

Você se impressionou com o resultado do Resident Evil Requiem no PS5 Pro? Em qual plataforma vai jogar?

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O estúdio foi conquistando espaço entregando alguns dos melhores RPGs da história, chegando em tempos mais atuais com Avowed. Lançado originalmente no Xbox Series e PC em fevereiro de 2025, o jogo chega 1 ano depois no PlayStation 5 trazendo várias melhorias e conteúdos inéditos. Mas será que a versão de PS5 merece seu tempo? É isso que você vai descobrir em nosso review de Avowed!

Um mundo em ebulição

Avowed se passa no mesmo universo de Pillars of Eternity, um outro RPG da Obsidian incrivelmente denso. Apesar da clara conexão entre as duas obras, é possível jogar Avowed sem nenhum conhecimento prévio da outra franquia do estúdio.

Na história do jogo, o protagonista, que é uma Deidade, é enviado pelo Imperador para investigar uma praga misteriosa nas Terras Férteis. Uma Deidade é um status obtido por um ser ao ser tocado por um Deus e ganhar habilidades especiais. Eu fiquei positivamente surpreso com a lore e a densidade narrativa de Avowed.

A investigação da praga é a trama principal, contudo, temos várias subtramas acontecendo de maneira simultânea que são tão importantes quanto. Os nativos das Terras Férteis não gostam do Império e seu colonialismo, passando a orquestrar uma revolução com grandes consequências, até mesmo para o nosso personagem. Graças a isso, precisamos navegar entre ser firme em nossa lealdade para com o Império, gerando represálias com os revoltosos, ou tomar partido a favor da revolução.

A linha de moralidade em Avowed é bem “cinza” e isso me agradou bastante. Existem embates que podem ser completamente evitados através do diálogo, o que ajuda a estabelecer um bom fator replay, afinal, você fica refletindo sobre as possibilidades das escolhas.

Além de transitar entre sua própria noção de certo e errado, escolhendo bem a quem você se alia, uma Voz misteriosa conversa com frequência com o protagonista. Essas interações cósmicas adicionam muito a trama e servem como um ponto de conexão com a trama geral de Eora, o mundo compartilhado entre Avowed e Pillars of Eternity.

Repleto de maquinações políticas, reviravoltas e diálogos que oscilam entre o tom sério e humorado, Avowed entrega uma ótima experiência narrativa dentro de um mundo de alta fantasia. É claro que é perceptível que a história e os termos foram simplificados para se adequar a um público mais generalista do que fãs de cRPGs mas o game não faz feio nesse departamento.

Os aliados são bem desenvolvidos e temos as tradicionais conversas nos Acampamentos que ajudam a dar luz nas motivações deles e, claro, expandir a relação do protagonista com quem o acompanha.

No quesito narrativo, duas coisas me incomodaram. As missões secundárias, em sua maioria, deixam bastante a desejar. Muitas delas se assemelham mais as famosas “fetch quests” e poderiam ser melhor trabalhadas. Quando o estúdio ousa um pouco mais, como na missão de Sargamis, o conteúdo secundário rivaliza facilmente com o principal.

O segundo ponto que me incomodou foi na oratória. Pode ser um pouco estranho falar isso, mas os personagens em Avowed falam como se morassem em Los Angeles e em 2026. Claro que sem as gírias, mas os diálogos carecem da eloquência e de uma conexão maior com a temática central de alta fantasia.

Veloz e Furioso

Você deve estar pensando, o que Toretto tem a ver com Avowed? Bom, muita coisa. Seguindo a dica de um amigo que jogou no lançamento do Xbox, eu comecei Avowed já no Caminho dos Condenados, a dificuldade mais alta.

Após passar muito perrengue nas horas iniciais, raiva e pensar em diminuir a dificuldade, agora defendo veementemente que o jogo foi feito para ser jogado nessa dificuldade. Ela te força a entender todos os sistemas do jogo, ler a descrição dos itens, procurar em todo canto por loot e comida e, claro, ter um foco nível laser nos embates.

Se movimentar e esquivar constantemente é uma peça fundamental na sobrevivência. Eu fiquei genuinamente surpreso ao notar que a dificuldade não transforma os inimigos em esponjas de dano, nem mesmo os chefes sofrem desse mal. O estúdio foi perfeito em incrementar mais a reatividade e, claro, o dano causado, deixando a experiência desafiadora mas não entediante.

E o sistema de combate brilha bastante por si só. Você pode jogar com os tradicionais arquétipos de um RPG, seja como um mago, caçador ou guerreiro, Avowed vai além permitindo que você tenha um grau de liberdade um pouco mais amplo.

Dá pra empunhar uma espada ou pistola junto com um grimório, permitindo que você atire e conjure magias. Essa liberdade se extende para a construção de builds, deixando o jogador escolher qual o caminho mais divertido pra ele. Eu costumo brincar que existem RPGs de ação que são mais ação do que um RPG propriamente dito e Avowed é um caso claro disso. Ao menos no combate.

O sistema de builds, apesar de ter uma diversidade interessante, é bem simples e direto ao ponto. Tudo pensando em atrair audiências e fazer com que o jogador foque na ação e na trama principal. Na dificuldade mais alta, os aliados são um reforço e tanto, pendendo a balança ao seu favor. Como um bom RPG, eles também apresentam arquétipos, o que facilita na composição da equipe e no acionamento de comandos durante as lutas.

Fiquei surpreso com os chefes do jogo. Em sua maioria, eles são mecanicamente ricos e passam bem o sentimento de que se trata de um inimigo único. Contudo, sinto que os chefes da campanha principal poderiam ter uma “apresentação” melhor no que diz respeito a arena.

Além da intuitividade do combate, independente da build escolhida, ele apresenta uma boa noção de impacto. A mecânica de aparar no jogo é bem prazerosa de ser acionada e dar tiros na cabeça dos inimigos gera interrupções nas ações, tornando-se algo vital nas dificuldades mais altas.

Mas nem tudo são flores. Pela duração do jogo, senti que ele poderia ter uma variedade maior de inimigos. Com poucas horas investidas já começamos a perceber esse excesso. E existem inimigos com ataques específicos que apresentam um hitbox estranho. Outro aspecto que eu notei, que não chega a ser um problema técnico de fato, é que os inimigos que atacam a distância no jogo são implacáveis. Mesmo de distâncias absurdas, eles não erram um ataque e são bem agressivos. Penso que eles precisavam de um pequeno ajuste de dano, ao menos na dificuldade mais alta.

O lado azul da força

Joguei Avowed no PS5 Pro e a experiência foi bem satisfatória. Não tive nenhuma queda de frame, bug ou coisa do tipo. O jogo está muito bonito, com cores vibrantes, um ótimo trabalho de iluminação e animações de ponta. Os ataques brutais acionados ao destruir a barra de stamina dos inimigos são muito bem feitos. As magias são lindíssimas cheias de efeitos e partículas. Curiosamente é um dos poucos jogos recentes que você realmente se sente empolgado em jogar de mago.

No Pro o jogador tem acesso a três tipos de renderização: o meu escolhido, o Modo Balanceado, que combina fidelidade gráfica e taxa de quadros estável para telas com suporte de 120 Hz, e os tradicionais Qualidade e Desempenho.

É algo bem particular mas em jogos de fantasia um aspecto importantíssimo pra mim é o design de armas e armaduras. E Avowed entrega isso muito bem. Os itens únicos são belíssimos e o visual passa que eles realmente são especiais. As armaduras também apresentam uma boa textura, ganhando uma camada de realismo.

Além da boa direção de arte, Avowed também entrega um trabalho estupendo em toda a parte sonora. As vozes dos personagens casam muito bem com suas personalidades, os efeitos sonoros são ótimos e a trilha sonora passa um sentimento perfeito que mescla mistério, aventura e fantasia. O jogo transita bem entre momentos de seriedade e humor e a música desempenha um papel importante em ser um veículo dessa transição.

Review de Avowed – Vale a Pena!

Encerro esse review de Avowed cravando que o jogo vale e muito o seu tempo, principalmente se você aprecia RPGs modernos com um foco maior na ação. Além de chegar pela primeira vez nas plataformas PlayStation, a atualização de aniversário adiciona novos conteúdos como raças inéditas e até um tipo de arma novo, além, claro, de trazer recursos muito solicitados como o NG+ e o modo foto. Com um preço honesto na PS Store pela experiência proposta, você dificilmente vai ser arrepender de dar uma chance ao jogo!

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A nova aventura é protagonizada por um jovem Kratos que acompanha seu irmão, Deimos, em uma jornada para resgatar um jovem espartano que está desaparecido. Você vai descobrir nesse review de God of War: Sons of Sparta se a nova aventura de Kratos vale o seu tempo e se ela faz jus ao legado do personagem.

O mythos espartano

Muitos anos antes de Kratos se tornar um arauto da vingança, ele era um jovem espartano com sonhos e que servia como mentor de seu irmão, Deimos. God of War: Sons of Sparta funciona bem em mostrar o background dos personagens, como o código de ética e expertise deles foi forjado e, principalmente, passamos a compreender melhor a relação entre Kratos e Atreus.

Seu jeito de educar e direcionar Deimos lembra muito as aventuras nórdicas recentes da franquia. Uma coisa que chega a ser irritante para o ritmo é as interrupções constantes em forma de cutscenes obrigatórias. O estúdio não soube aplicar bem a frequência desses diálogos.

Outro ponto que causa um impacto negativo em relação à narrativa são os problemas de mixagem de som e até mesmo falta de sincronia nas legendas. Apesar do jogo estar dublado em nosso idioma, muitas vezes os personagens não conseguem terminar suas frases e a legenda ou aparece antes ou por vezes até depois do que foi dito.

No mais, a aventura tem uma duração satisfatória (cerca de 12 a 15 horas para concluir apenas a história) e o fim da jornada dos irmãos orna bem com o que foi apresentado dentro da franquia ao longo dos anos. O estúdio respeita muito bem o legado construído pela Santa Monica. A cereja do bolo consiste nos comentários de Calliope na medida que Kratos vai se aproximando do fim da história.

Por ser um prequel, jogar sabendo todo o efeito Dominó que acontece dentro da história e tudo que Kratos passa até chegar o momento atual com Atreus dá um gostinho ainda mais especial para a trama.

Agora confesso que a narrativa é excelente para um fã de God of War, contudo, para um jogador que não conhece a franquia, ela é um tanto quanto simplória e não é uma boa porta de entrada para a saga.

O início do Fantasma

Antes de Kratos se tornar o Fantasma de Esparta, ele já era um guerreiro bem versado no uso da lança e escudo. God of War: Sons of Sparta deixa isso evidente. Apesar de ainda não ser um adulto, Kratos consegue despachar inimigos formidáveis como Harpias, a Skolopendra, Cíclopes, Centauros e muito mais.

A variedade de inimigos é bem satisfatória e muitos deles entregam uma dose absurda de nostalgia, visto que caso você seja um fã da saga, passamos anos e anos destroçando esses adversários.

Além de usar sua lança e escudo nas batalhas, Kratos também consegue usar Bençãos dos Deuses que basicamente funcionam como magias. Apolo por exemplo consegue um estilingue impulsionado pelo poder do sol. Todas as bençãos podem ser aprimoradas, desbloqueando dois ataques especiais novos.

Um ponto formidável é que essas Bençãos além de serem incrivelmente úteis em combate, também possuem um grande valor na exploração e travessia. Podemos acionar mecanismos, destruir portas roxas mágicas, pular mais alto usando as botas da vitória concedidas por Nice e por aí vai.

A lança possui três partes, como a haste e a ponta, que podem ser aprimoradas no ferreiro, aumentando atributos como dano e poder de atordoamento. Dois pontos importantes em metroidvanias são a precisão de comandos e o impacto dos golpes e felizmente essas duas coisas foram bem aplicadas aqui.

Em suma, a Mega Cat seguiu a cartilha dos metroivanias enquanto respeitou as animações de combate da franquia principal, só que dois defeitos gigantescos seguram e muito a experiência.

O primeiro é o dano de colisão. Caso você encoste em um inimigo, você vai sofrer dano e vai ser jogado um pouco para trás. Esse mecanismo muitas vezes faz com que você fique travado em um lugar (aconteceu comigo dezenas de vezes nas 31 horas jogadas). As vezes os inimigos também ficam posicionados nas pontas das beiradas, impedindo que o jogador suba e progrida no cenário.

Somado a esse defeito irritante, temos um combate que fica repetitivo demasiadamente rápido pela falta de armas novas. A escolha do estúdio por apresentar apenas a lança como arma para Kratos foi um tanto quanto esquisita e torna os combates tão enjoativos que em certo ponto você vai fazer de tudo para simplesmente passar correndo.

Uma maratona de colecionáveis

God of War: Sons of Sparta apresenta uma quantidade surpreendentemente grande de conteúdos secundários. Precisamos coletar artefatos valiosos, cristais que funcionam como fragmentos de história, totens de gatos e por aí vai.

Muitos desses itens estão intimamente ligados à lore e ajudam a contextualizar mais sobre o mundo e a mitologia grega. É claro que eles também servem como uma alavanca para a progressão, concedendo almas que podem ser usadas para aprender novas habilidades.

O problema dessa maratona é que a travessia no mapa só fica menos irritante perto do final do jogo, quando liberamos a viagem rápida entre acampamentos. Antes disso, o ato de ir e vir é frustrante e engessado.

As botas de Nice ajudam a diminuir o tempo para chegar nos locais, contudo, seu uso está atrelado à uma das barras de recurso, o que não tem nenhum sentido lógico. Um lado muito positivo da platina do jogo é que as atividades secundárias e colecionáveis te deixam tão forte que você termina de fato se sentindo como um Deus, algo próximo da versão atual de Kratos em God of War: Ragnarok.

Defeito na forja

A quantidade de problemas técnicos em God of War: Sons of Sparta me fazem pensar que o jogo não teve um trabalho de QA aplicado de maneira extensiva.

Como mencionei no começo do review, temos problemas na mixagem de áudio, legendas dessincronizadas e além disso tive quedas de frames constantes e até crashes. Isso beira o absurdo visto que se trata de um jogo 2D em pixel art rodando no PlayStation 5 Pro.

E acaba também sendo uma pena, visto que a direção de arte está fantástica e emula bem os jogos principais da franquia e a trilha sonora e efeitos sonoros estão impecáveis. Eu confesso que nem a dublagem brasileira e nem a americana me agradaram, o sentimento é de que as vozes não casaram bem com os personagens mais jovens.

O departamento de animação também brilhou muito na construção do jogo, com finalizações brutais que fazem jus à franquia e animações de ataque dos inimigos que estão idênticas aos dos jogos principais, porém, claro, transportadas para um mundo 2D em pixel art.

Review de God of War: Sons of Sparta

God of War: Sons of Sparta é uma faca de dois gumes. Como um jogo que busca reproduzir a experiência da franquia através de um formato novo, ele funciona muito bem, contudo, analisando o jogo friamente como um metroidvania, as falhas são evidentes e escancaram a falta de experiência do estúdio com o gênero.

O problema aqui é que o gênero é um dos mais concorridos do mercado e as comparações com outras obras são inevitáveis. Somado a isso, temos uma parte técnica repleta de problemas que diminuem consideravelmente o quesito diversão, tornando a jornada frustrante em muitos trechos.

Somando todos esses pontos, eu só recomendo God of War: Sons of Sparta para fãs ferrenhos da franquia. Caso você não tenha qualquer tipo de conexão com a saga de Kratos, só cogite pegar o jogo em caso de uma promoção agressiva.

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