Por exemplo, um desses títulos leva os jogadores a um reino encantado onde um jovem herdeiro tenta reconstruir seu império. A direção de arte tem a assinatura de um veterano do Ghibli, enquanto a trilha sonora é composta pelo mesmo músico responsável pelas melodias inesquecíveis de diversas animações icônicas.

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Além disso, outro jogo aposta em um universo vibrante onde guerreiros e chefs duelam em uma competição intensa. A mistura de batalhas dinâmicas com puzzles criativos, aliada a um estilo visual desenhado à mão, cria uma experiência única para quem aprecia o charme das animações japonesas.

Portanto, se você sonha em explorar mundos encantados e viver histórias emocionantes como as vistas nas animações do Ghibli, confira a lista completa abaixo e embarque nessa jornada visualmente deslumbrante!

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Battle Chef Brigade Deluxe

Com um visual que lembra animações japonesas, não é surpresa que Battle Chef Brigade Deluxe conquiste os jogadores com sua proposta única. O jogo coloca os participantes em uma competição culinária intensa, onde é preciso caçar ingredientes, enfrentar criaturas e preparar pratos incríveis para impressionar os jurados. Além disso, a combinação de ação e puzzles torna a experiência ainda mais criativa.

No que diz respeito aos personagens, os jogadores destacam Mina como uma protagonista carismática, com habilidades ágeis em combate e talento na cozinha. No quesito avaliação, o jogo possui uma nota de 8,1 no Metacritic, com elogios ao sistema de batalhas e às mecânicas de culinária. A história mantém um bom ritmo, e, por consequência, a mistura de gêneros torna a experiência bastante variada.

Por outro lado, algumas críticas recaem sobre o fundo artístico, que parece simples em certos momentos. No entanto, isso não compromete o jogo, sendo visto como parte de seu charme. Em contrapartida, as animações vibrantes e os desafios estratégicos garantem horas de diversão. Portanto, para quem gosta de aventuras criativas e mecânicas diferentes, essa é uma excelente escolha.

Ni No Kuni: Wrath of the White Witch Remasterizado

A versão remasterizada de Ni No Kuni: Wrath of the White Witch chegou ao PS4 em 2019, trazendo visuais aprimorados e um desempenho mais fluido em comparação à edição original de PS3. A animação continua sendo um dos grandes destaques, já que o Studio Ghibli esteve envolvido no projeto, e a trilha sonora assinada por Joe Hisaishi mantém a atmosfera mágica da aventura.

A história segue Oliver em sua jornada para salvar a mãe, explorando um mundo encantador repleto de desafios e criaturas misteriosas. Apesar da longa duração, o jogo se mantém envolvente, oferecendo diversas missões secundárias e batalhas estratégicas. Muitos jogadores comparam sua mecânica a Pokémon, mas destacam que a narrativa é mais cativante.

No PS4, os gráficos ficaram ainda mais impressionantes, e o nível de dificuldade cresce gradualmente, tornando a experiência desafiadora sem ser frustrante. O jogo também é compatível com o PS5, embora algumas funções possam não estar disponíveis. Para quem gosta de JRPGs com um toque de magia e aventura, essa é uma excelente escolha.

Hoa

Com uma direção de arte que remete diretamente aos filmes do Studio Ghibli, Hoa é um encantador jogo de plataforma. Desde os primeiros momentos, ele convida o jogador a explorar cenários pintados à mão, acompanhando a jornada de uma pequena fada por um mundo mágico. Lançado para Nintendo Switch, PC, PlayStation e Xbox, o título se destaca não apenas pelo visual deslumbrante, mas também por uma atmosfera serena.

Desenvolvido pelo Scrollcat Studio, Hoa oferece uma experiência relaxante. Além da trilha sonora suave, criaturas simpáticas e desafios leves ajudam a criar uma jogabilidade que prioriza a contemplação e a conexão emocional com o ambiente. A inspiração em Meu Amigo Totoro é evidente: a diretora de arte, Son Tra Le, buscou recriar a sensação de estar imerso nos mundos encantadores dos filmes do estúdio japonês.

Embora tenha uma proposta simples, o jogo cativa. Graças à sua beleza visual e ritmo tranquilo, ele se torna uma ótima pedida para quem aprecia aventuras com sensibilidade narrativa e toques artísticos.

Spiritfarer

Desenvolvido pelo estúdio independente Thunder Lotus, Spiritfarer é um jogo com uma abordagem sensível e poética sobre a morte. Nele, o jogador assume o papel de Stella, nova barqueira dos mortos, e guia almas até o pós-vida. Ao longo da jornada, realiza tarefas e ajuda cada espírito a encontrar paz. Esses momentos são enriquecidos por diálogos tocantes, rotinas tranquilas e reflexões emocionantes.

Inspirado na mitologia grega e com forte influência visual de A Viagem de Chihiro, o jogo mistura gestão de recursos, exploração e interação com personagens profundos, cada um com sua própria história de vida. Além disso, o visual em 2D desenhado à mão e a trilha sonora emocional criam uma atmosfera acolhedora, embora também carregada de melancolia.

Por tudo isso, Spiritfarer se destaca ao tratar de temas delicados de forma leve. A experiência é emocionalmente envolvente e cheia de empatia. Em resumo, é uma escolha única para quem busca um jogo com significado e beleza.

Mika and The Witch’s Mountain

Inspirado pela magia de O Serviço de Entregas da Kiki, Mika and The Witch’s Mountain aposta em uma atmosfera acolhedora, leve e cheia de positividade. Ao assumir o controle de Mika, uma jovem bruxinha em formação, o jogador embarca em uma jornada encantadora. Durante a aventura, ele realiza entregas em uma ilha montanhosa, interage com os habitantes locais e descobre pequenos segredos pelo caminho.

Embora traga semelhanças com as obras do Studio Ghibli, o jogo possui uma identidade própria. Seu visual 3D estilizado e a narrativa original exploram temas como crescimento pessoal, amizade e simplicidade. Além disso, a mecânica de voo com vassoura é um dos destaques, proporcionando momentos relaxantes e contemplativos ao cruzar os cenários.

Por isso, Mika and The Witch’s Mountain é ideal para quem busca uma pausa dos jogos mais intensos. Com sua proposta delicada, oferece uma experiência tranquila e encantadora — perfeita para fãs de histórias leves com um toque de magia.

Rogue Spirit

Em Rogue Spirit, o jogador assume o papel do fantasma do príncipe de Midra, um reino à beira da destruição pelas forças demoníacas do Caos. Para restaurar a paz, o protagonista deve possuir inimigos caídos e absorver suas habilidades. O jogo combina ação estratégica com combate dinâmico.

Desenvolvido pela equipe indie Kids With Sticks, o título é visualmente inspirado nas obras do Studio Ghibli. Nesse sentido, o destaque está no uso marcante de cores e contrastes. Embora não se baseie diretamente em um único filme, traz a alma artística dos trabalhos de Miyazaki. Os cenários vibrantes e o estilo visual remetem à pintura tradicional em aquarela e guache.

Com isso, Rogue Spirit entrega uma aventura única ao combinar elementos de rogue-lite e ambientação estilizada. Trata-se de uma mistura de ação intensa com estética encantadora, perfeita para quem busca jogos com forte identidade visual.

Forgotton Anne

Com um visual deslumbrante que remete diretamente às obras do Studio Ghibli, Forgotton Anne encanta logo nos primeiros minutos. Sua animação, cuidadosamente desenhada à mão, impressiona desde o início e estabelece o tom encantador da experiência. Desenvolvido pela ThroughLine Games, o jogo conta com a direção de artistas que estudaram com criadores do próprio estúdio japonês. Essa influência é evidente na atmosfera mágica e emocional da narrativa.

A história se passa em um mundo habitado por objetos esquecidos. Anne precisa restaurar a ordem nesse universo peculiar, enquanto lida com dilemas morais e escolhas que moldam a aventura. Além de seu visual cativante, o jogo se destaca por seus personagens bem construídos. Outro ponto forte é a ênfase narrativa, com elementos de plataforma e puzzles que desafiam na medida certa, sem comprometer a imersão.

Portanto, ideal para fãs de aventuras com alma e profundidade, Forgotton Anne entrega uma experiência tocante. Ao misturar arte, emoção e interatividade com maestria, o jogo conquista facilmente quem busca algo mais do que simples gameplay.

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Suas produções exploram a complexidade da vida humana, a conexão com a natureza e a busca por identidade, criando mundos fantásticos que cativam públicos de todas as idades.

• Grupos da DG

O diferencial da Ghibli está na maneira como aborda temas universais. Infância, comunidade, mitologia e ecologia são recorrentes em seus filmes, mas sempre apresentados com uma sensibilidade única. Em vez de se apoiar em vilões tradicionais, o estúdio prefere narrativas que convidam à reflexão, equilibrando beleza visual com profundidade emocional.

Esse estilo inconfundível rendeu ao estúdio tanto aclamação da crítica quanto sucesso comercial. Meu Amigo Totoro se tornou um dos ícones mais reconhecíveis da Ghibli, enquanto A Viagem de Chihiro conquistou o Oscar de Melhor Filme de Animação em 2003, consolidando o prestígio internacional do estúdio. Ao longo dos anos, suas obras transcenderam fronteiras e gerações, tornando-se verdadeiras joias da animação.

Com esse histórico impecável, vale a pena revisitar a filmografia do Studio Ghibli e explorar suas obras mais marcantes, daquelas menos conhecidas às que se tornaram clássicos absolutos.

Diante da “febre” mundial de transformar as imagens baseadas no estilo do estúdio, nós do Repúbica DG resolvemos fazer essa lista com os melhores filmes do Studio Ghibli. Se prepare para uma viagem maravilhosa com esses títulos espetaculares.

O Menino e a Garça

Certamente, um dos melhores filmes do Studio Ghibli, O Menino e a Garça é um desfecho digno da brilhante carreira de Hayao Miyazaki, um cineasta cuja imaginação moldou gerações. Essa obra, carregada de melancolia e beleza, só foi possível graças à sua longa trajetória e à profundidade emocional que ele domina como poucos.

A trama acompanha Mahito, um garoto de 12 anos que vê sua vida desmoronar após perder a mãe em um incêndio devastador. Anos depois, ele se vê forçado a reconstruir sua existência ao se mudar para uma casa no campo. No entanto, a nova vida traz desafios inesperados. Enquanto lida com o bullying e a dificuldade de aceitar sua nova família, Mahito encontra refúgio na fantasia — um universo onde a dor e a realidade se entrelaçam de maneira surpreendente.

O Menino e a Garça é um filme sombrio, mas extraordinariamente belo. Cada cena transborda sensibilidade, criando um espetáculo visual e emocional que atinge o espectador em cheio. Se esta for realmente a despedida de Miyazaki, ele encerra sua jornada com um verdadeiro broche de ouro.

O Conto da Princesa Kaguya

O Conto da Princesa Kaguya, dirigido por Isao Takahata, é uma obra-prima que deve ser apreciada com a mesma delicadeza com que foi criada. Cada traço aquarelado carrega a sensibilidade de um artista no auge de sua expressão, tornando o filme uma verdadeira pintura em movimento.

Além disso, na época de seu lançamento, tornou-se o filme japonês mais caro da história, com um orçamento de 49,3 milhões de dólares. No entanto, seu verdadeiro valor vai muito além dos números. Mais do que um marco cinematográfico, essa foi a última obra de Takahata antes de sua morte, um testamento visual e emocional de sua genialidade.

A trama é baseada em uma das mais antigas e conhecidas histórias do folclore japonês: O Conto do Cortador de Bambu, também chamado de O Conto da Princesa Kaguya. Tudo começa quando um casal de idosos encontra, em um talo de bambu brilhante, uma pequena menina.

Em um piscar de olhos, a garotinha cresce e se transforma em uma jovem de beleza radiante. Convencidos de que o destino dela é a nobreza, seus pais fazem de tudo para torná-la uma verdadeira princesa. No entanto, Kaguya sempre carregou no coração o desejo simples e sincero de permanecer no campo, onde sua felicidade sempre esteve.

Com uma animação que parece flutuar como um sonho e uma história de melancolia e beleza atemporais, O Conto da Princesa Kaguya não é apenas um filme. É uma despedida tocante de um mestre e uma carta de amor à arte da animação.

Túmulo dos Vaga-Lumes

Para muitos, este é um dos melhores filmes do Studio Ghibli. Dirigido por Isao Takahata e baseado nas experiências reais de Akiyuki Nosaka, o filme narra a jornada dolorosa de dois irmãos tentando sobreviver nos últimos meses da Segunda Guerra Mundial. O Studio Ghibli, conhecido por trazer magia e esperança para suas histórias, aqui toma um caminho diferente. A guerra não é romantizada nem amenizada. Pelo contrário, Takahata retrata seu impacto com uma crueza devastadora, onde a inocência infantil se desfaz diante da fome, do desamparo e da indiferença.

A animação, belíssima e delicada, contrasta ironicamente com o peso da narrativa. Cada cena, cada vaga-lume que brilha por um instante antes de apagar, carrega uma melancolia sufocante. Portanto, não há finais felizes, apenas a dura realidade de uma época cruel.

Além disso, Túmulo dos Vaga-Lumes não é apenas um filme, é um manifesto contra a guerra, um lembrete de suas cicatrizes e uma experiência que, uma vez vivida, nunca se apaga da memória.

Princesa Mononoke

O Studio Ghibli sempre teve um talento especial para transmitir mensagens profundas e poderosas às crianças, sem jamais subestimar sua inteligência. E Princesa Mononoke é um exemplo brilhante disso. À primeira vista, pode parecer apenas uma história sobre guerreiros e batalhas, mas basta olhar um pouco mais fundo para perceber que, no coração da trama, há uma crítica feroz à exploração dos recursos naturais, ao ódio irracional entre os povos e ao egoísmo desenfreado da humanidade.

Lançado em 1997, o filme nos transporta para o período Muromachi, uma era de transformações e conflitos. Nesse cenário, os guardiões da floresta lutam desesperadamente para impedir que os humanos profanem suas terras sagradas. É nesse contexto que conhecemos Ashitaka, um jovem príncipe amaldiçoado por um espírito vingativo. Forçado a deixar sua aldeia, ele parte em uma jornada em busca de cura, mas acaba chegando à imponente Cidade de Ferro, onde a ambiciosa Lady Eboshi está travando uma guerra sem precedentes contra os deuses da natureza.

O que se desenrola a partir daí é uma aventura épica, repleta de nuances e simbolismos. Nenhum personagem é totalmente bom ou mau — todos carregam seus próprios dilemas e razões, tornando a história ainda mais rica e envolvente. Com uma animação deslumbrante e uma narrativa que desafia expectativas, Princesa Mononoke não é apenas um filme. É uma reflexão atemporal sobre equilíbrio, destruição e a eterna batalha entre progresso e preservação.

O Castelo Animado

A oitava obra dirigida por Hayao Miyazaki não é apenas um sucesso, mas também uma das mais queridas pelos fãs do Studio Ghibli. E não é para menos. Com um mundo de fantasia absolutamente fascinante, um elenco improvável e, claro, o sempre presente cenário de guerra tratado com sensibilidade, O Castelo Animado se fixou em nossas mentes e corações de forma inesquecível.

Quando Miyazaki começou a desenvolver o filme, a invasão do Iraque em 2003 estava em curso, e ele não escondeu sua indignação. Furioso com os acontecimentos, decidiu transformar sua revolta em arte, criando uma obra que carrega uma forte mensagem pacifista. Além disso, o diretor trouxe para a história temas recorrentes em sua filmografia, como o empoderamento feminino e a luta contra padrões impostos.

O resultado? Uma animação deslumbrante, repleta de emoção, crítica social e personagens cativantes. Não por acaso, Miyazaki declarou que esse é um dos seus filmes favoritos.

A Viagem de Chihiro

Mesmo quem nunca assistiu a dos filmes do Studio Ghibli ou não tem o menor interesse em animação japonesa já ouviu falar de A Viagem de Chihiro. E, muito provavelmente, gostou. A obra-prima de Hayao Miyazaki transcende barreiras culturais e se tornou um dos maiores marcos da animação mundial. Afinal, poucos filmes conseguem criar um universo tão original e, ao mesmo tempo, contar uma história tão universal sobre amadurecimento e autodescoberta.

A jornada de Chihiro, uma menina de 10 anos presa em um mundo mágico repleto de espíritos e criaturas fantásticas, é mais do que uma simples aventura. É um conto sobre liberdade, resiliência e identidade, tudo isso envolto em um espetáculo visual que deixa qualquer um boquiaberto.

Miyazaki se inspirou na filha de amigos que costumava visitar sua casa e, a partir disso, criou o filme mais bem-sucedido do Studio Ghibli. O impacto foi gigantesco: A Viagem de Chihiro se manteve como a maior bilheteria do cinema japonês por quase duas décadas, até ser ultrapassado por Demon Slayer em 2020. Além disso, conquistou o Oscar de Melhor Filme de Animação, consolidando-se como um dos maiores clássicos do gênero.

Um filme que encanta, emociona e sempre revela novos detalhes a cada nova visita ao seu universo. Definitivamente, um tesouro da animação.

Meu Amigo Totoro

Lançado em 1988, ele se tornou a porta de entrada para a animação japonesa para muitas crianças dos anos 90, que o guardam com um carinho especial no coração.

No entanto, diferente de O Castelo Animado ou A Viagem de Chihiro, que exploram universos vastos e cheios de magia, Meu Amigo Totoro brilha na simplicidade. A história de Satsuki e Mei, duas irmãs que encontram o enorme e adorável Totoro em meio a um dos momentos mais difíceis de suas vidas — a doença da mãe — é contada com uma sensibilidade rara.

Apesar de ser um filme com uma narrativa singela, ele compensa na emoção e na beleza dos detalhes. Além disso, cada cena é um abraço, cada paisagem transmite calma, e cada criatura mágica, como o Catbus e os susuwatari, já se tornou icônica. E claro, Totoro, com seu sorriso amigável e seu jeitão desajeitado, se tornou o símbolo definitivo do Studio Ghibli.

Mais do que um simples filme infantil, Meu Amigo Totoro é uma celebração da infância, da imaginação e dos pequenos momentos que fazem a vida valer a pena e, certamente, um dos mellhores filmes do Studio Ghibli.

As Memórias de Marnie

Em 2014, o Studio Ghibli surpreendeu seus fãs ao anunciar uma pausa temporária. Com a aposentadoria de Hayao Miyazaki, em setembro de 2013, e de Isao Takahata, que viria a falecer em 2018, o estúdio decidiu tirar um tempo para repensar seu futuro. No entanto, antes desse período de incerteza, lançaram As Memórias de Marnie, dirigido por Hiromasa Yonebayashi. Apesar do impacto da notícia, o filme trouxe uma doçura capaz de amenizar a sensação de despedida.

Assim, a trama acompanha Anna Sasaki, uma jovem introspectiva que vive com sua família adotiva. Por sofrer de asma, ela é enviada para passar um tempo na casa de parentes próximos, em uma vila litorânea. É lá que conhece Marnie, uma garota enigmática que desperta nela uma amizade intensa e transformadora.

No entanto, diferente das histórias mais fantasiosas do Ghibli, As Memórias de Marnie aposta em um tom mais melancólico e sensível, explorando temas como solidão, identidade e aceitação. Com uma animação belíssima e uma narrativa carregada de emoção, o filme prova que, mesmo em tempos incertos, o Studio Ghibli ainda sabia tocar o coração do público com sua arte única.

Ponyo – Uma Amizade que Veio do Mar

Ponyo Uma Amizade que Veio do Mar reúne todos os elementos que fazem do Studio Ghibli uma referência na animação mundial. Assim, com um visual deslumbrante, uma narrativa cativante e uma carga emocional irresistível, o filme traduz a essência do estúdio de forma brilhante. A história acompanha a amizade entre Sosuke, um garoto de cinco anos, e Ponyo, um peixinho dourado determinado a se tornar humano.

Dirigido por Hayao Miyazaki, o longa traz uma releitura delicada de A Pequena Sereia, de Hans Christian Andersen, misturada à pureza da infância. Além disso, para dar vida a essa aventura encantadora, Miyazaki apostou em um trabalho minucioso, criando cerca de 170 mil imagens individuais, mais do que qualquer outro título do estúdio.

Com sua animação fluida e traços desenhados à mão, Ponyo transmite a sensação de um conto de fadas moderno. Além disso, sua mensagem sobre equilíbrio natural e o impacto humano nos oceanos reforça a preocupação ambiental tão presente nas obras do Ghibli. É um filme que encanta todas as idades e reafirma o talento inesgotável de Miyazaki para transformar histórias simples em experiências inesquecíveis.

Memórias de Ontem

O sucesso de Memórias de Ontem foi uma surpresa, mas não por falta de qualidade. O quinto filme oficial do Studio Ghibli e o sétimo dirigido por Isao Takahata conquistou o público ao mesclar temas infantis e adultos com sensibilidade. Depois de emocionar e devastar espectadores com Túmulo dos Vaga-Lumes, Takahata criou uma obra reflexiva e melancólica, que se tornou o filme japonês de maior bilheteria em 1991.

A história acompanha Taeko Okajima, uma mulher de 27 anos que sempre viveu em Tóquio, mas decide tirar alguns dias de folga no campo, na região de Yamagata. Durante essa pausa, ela revisita memórias de sua infância, recordando amigos, desafios escolares e as inseguranças da puberdade. Conforme reflete sobre sua trajetória, Taeko se questiona se permaneceu fiel à criança que foi um dia.

Com uma narrativa intimista e um estilo visual mais realista, Memórias de Ontem se destaca por sua abordagem madura e emocional. O filme captura com precisão os dilemas da vida adulta e a nostalgia que acompanha o amadurecimento, transformando-se em uma experiência cinematográfica essencial para quem já se perguntou o que restou da criança que um dia foi.

Considerações Finais

O Studio Ghibli construiu um legado inigualável na história da animação, entregando filmes que encantam, emocionam e fazem refletir. Assim, com narrativas profundas, visuais deslumbrantes e personagens memoráveis, suas obras atravessam gerações e continuam a conquistar novos fãs ao redor do mundo.

Portanto, seja pela magia de Meu Amigo Totoro, a grandiosidade de A Viagem de Chihiro ou a sensibilidade de Túmulo dos Vaga-lumes, cada filme do estúdio carrega uma essência única. Além disso, no fim, o verdadeiro encanto da Ghibli está em sua capacidade de transformar histórias simples em experiências inesquecíveis, provando que a animação é uma arte sem limites.

E você, já assistiu a algum desses filmes do Studio Ghibli? Qual é o seu favorito? Conte para a gente nos comentários!

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Suas animações não são apenas visões belíssimas na tela, elas carregam emoção, significado e personagens inesquecíveis, que continuam vivos na memória mesmo depois que os créditos sobem.

E esse prestígio não surgiu por acaso. O Ghibli se consolidou como referência mundial porque vai além da animação tradicional, ele transforma cada cena em pura magia. Cada quadro desenhado à mão carrega um cuidado quase artesanal, cada narrativa transmite uma poesia única, e cada personagem parece ter alma própria.

• Grupos da DG

Não é à toa que, até hoje, inúmeros mangakás e animadores se inspiram no estúdio para criar suas próprias histórias, sonhando com o dia em que suas obras também ganharão vida nas telonas.

Mas o que torna o Studio Ghibli tão especial? Como ele construiu essa identidade única que combina excelência artística, profundidade emocional e um estilo narrativo inconfundível? Vamos explorar mais de perto a história do Studio Ghibli e o que fez desse estúdio japonês um símbolo de qualidade e sensibilidade, não apenas no Japão, mas em todo o mundo.

As raízes da história do Studio Ghibli: muito antes de virar realidade

Se a gente quer entender o começo da história do Studio Ghibli, precisamos entrar numa máquina do tempo e voltar lá para 1974. Naquele ano, dois nomes que mudariam a história da animação japonesa se encontraram: Hayao Miyazaki e Isao Takahata. O destino fez com que eles cruzassem caminhos nos bastidores do anime Heidi, enquanto trabalhavam no estúdio Toei.

E olha só que curioso: conforme colaboravam em diferentes projetos, perceberam que compartilhavam um sonho meio audacioso—fazer animações com uma qualidade que, na época, parecia coisa de outro mundo.

No entanto, eles não queriam apenas melhorar o que já existia. Queriam dar um passo além, ousar onde ninguém ousava. Enquanto o mercado japonês se concentrava em séries curtas e produções de orçamento apertado, Miyazaki e Takahata sonhavam grande: criar longas-metragens animados. Isso era praticamente um desafio às coisas como são da época.

A cada nova produção que trabalhavam juntos, a ideia ia ganhando forma. Eles sentiam na pele as limitações da indústria, além disso, prazos sufocantes, cortes de orçamento e um padrão de qualidade que não fazia jus ao que a animação podia ser.

Até que um dia, a ficha caiu: se queriam criar algo do jeito certo, sem correria e sem abdicar da excelência, precisavam de um espaço só deles. Um estúdio onde pudessem dar vida às histórias do jeito que realmente sonhavam. E foi assim que a semente da história do Studio Ghibli começou a brotar, ainda antes de ter nome, casa ou sequer um primeiro filme.

O Primeiro Longa e o Surgimento Oficial do Studio Ghibli

O sonho de Hayao Miyazaki e Isao Takahata começou finalmente a tomar forma em 1984, quando, em parceria com a Toei e a Tokuma Shoten, eles lançaram Nausicaä do Vale do Vento. Esse filme não só refletia exatamente a visão artística da dupla, com animação inteiramente feita à mão e atenção minuciosa aos detalhes, como também conquistou tanto crianças quanto adultos, provando que animação podia ser muito mais do que mero entretenimento infantil.

O impacto de Nausicaä foi imediato e gerou uma grande expectativa por novos trabalhos da dupla. No entanto, o estúdio que produziu o longa já não existia mais. Diante dessa oportunidade, Miyazaki e Takahata, ao lado de Toshio Suzuki e Yasuyoshi Tokuma, tomaram uma decisão crucial: fundaram, em 1985, o Studio Ghibli, que se tornaria um dos maiores nomes da animação mundial.

O nome “Ghibli”

O nome “Ghibli” surgiu de uma ideia de Miyazaki, inspirado no motor do avião italiano Caproni Ca. 309 Ghibli. A escolha não foi aleatória, pois seu pai trabalhava na indústria aeronáutica, e essa paixão por aviões se refletiria em diversas de suas obras, incluindo Porco Rosso, onde esse motor aparece como uma homenagem.

No ano seguinte, o recém-criado Studio Ghibli lançou seu primeiro longa-metragem oficial: O Castelo no Céu. O sucesso foi imediato, levando mais de 775 mil espectadores aos cinemas e consolidando o estúdio como uma nova força na animação japonesa. Esse foi apenas o começo de uma trajetória que redefiniria o gênero e influenciaria gerações de artistas ao redor do mundo.

A Aposta Ambiciosa e a Revolução no Método de Trabalho do Studio Ghibli

Após o sucesso de O Castelo no Céu, o Studio Ghibli não perdeu tempo e mergulhou na produção de novos projetos. Mas, em vez de seguir um caminho convencional, optou por uma decisão ousada: desenvolver dois longas-metragens simultaneamente, cada um sob a direção de um de seus fundadores.

Portanto, em 1988, o mundo conheceu o resultado dessa aposto. Os filmes lançados foram nada menos que Meu Amigo Totoro, de Hayao Miyazaki, e O Túmulo dos Vagalumes, de Isao Takahata. Essas duas obras-primas não só entraram para a história do estúdio, mas também se tornaram referências absolutas na animação mundial.

Assim, o impacto foi imediato e abriu caminho para o lançamento de O Serviço de Entregas da Kiki no ano seguinte. O filme conquistou o público e bateu recordes de bilheteria, levando cerca de 2,64 milhões de espectadores ao cinema e se tornando o longa mais assistido de 1989 no Japão.

Com esse sucesso estrondoso, o Studio Ghibli teve a oportunidade de reformular sua estrutura de trabalho. Até então, seguia um modelo comum na indústria da animação, contratando equipes temporárias para cada projeto, em um sistema freelance. No entanto, Miyazaki decidiu romper com essa prática e implementar um novo modelo: todos os artistas e animadores passariam a ser funcionários fixos do estúdio.

Essa mudança foi revolucionária para a época. Além da estabilidade no emprego, Miyazaki estabeleceu uma política salarial inovadora: os salários dobrariam anualmente, e homens e mulheres receberiam o mesmo valor.

No entanto, com essa abordagem, o Studio Ghibli não apenas elevou o nível da animação japonesa, mas também criou um ambiente profissional mais justo e sustentável, garantindo que sua equipe pudesse se dedicar integralmente à arte sem a incerteza de projetos temporários.

Alto Custo, Alto Risco e Alto Retorno

Com uma política salarial tão inovadora, o Studio Ghibli também precisava de uma estratégia financeira à altura. Foi assim que surgiu a filosofia dos “3 As”—Alto Custo, Alto Risco e Alto Retorno, definida pelo então diretor-executivo Toru Hara. Essa abordagem significava que o estúdio nunca poderia parar, sempre precisaria estar em produção para manter o equilíbrio financeiro.

Esse ritmo acelerado ficou evidente em 1991, quando Memórias de Ontem chegou aos cinemas enquanto Porco Rosso já estava em plena produção. Nesse mesmo período, Miyazaki percebeu que o estúdio já não comportava sua crescente equipe e propôs a construção de uma nova sede.

A ideia, no entanto, gerou um impasse interno: Toru Hara discordou da decisão e acabou deixando o estúdio. Ainda assim, Yasuyoshi Tokuma apoiou o projeto, e Miyazaki, incansável como sempre, se desdobrou entre duas grandes criações ao mesmo tempo, o novo filme e a arquitetura do novo prédio. Ambos foram concluídos e lançados em 1992.

A nova sede não só ofereceu um espaço maior e mais adequado para os artistas, como também representou um salto estratégico para o Studio Ghibli. Agora, além da produção dos filmes, eles poderiam cuidar diretamente da distribuição e divulgação, ampliando sua autonomia e seu faturamento.

Curiosamente, um dos grandes responsáveis pela estabilidade financeira do estúdio foi Meu Amigo Totoro. Diferente de outros estúdios que apostavam na venda massiva de produtos licenciados, o Ghibli nunca focou nesse mercado.

No entanto, a popularidade de Totoro gerou uma demanda espontânea por produtos inspirados no personagem, o que acabou se tornando uma importante fonte de receita. Um sucesso inesperado, mas que ajudou a garantir a sustentabilidade do estúdio sem comprometer sua essência criativa.

O Reconhecimento Internacional e o Primeiro Oscar da Animação Japonesa

Em 1997, o Studio Ghibli finalmente alcançou reconhecimento internacional com Princesa Mononoke. Diferente de suas produções anteriores, esse longa-metragem abordava temas mais maduros, conquistando não apenas o público japonês, mas também espectadores ao redor do mundo.

A recepção global do filme, no entanto, trouxe desafios inesperados. A Disney, responsável pela distribuição no Ocidente, queria realizar cortes para tornar a história mais “infantil”. Mas Miyazaki, fiel à sua visão artística, se recusou terminantemente a permitir qualquer modificação.

A insistência foi tanta que, segundo uma famosa anedota, o produtor Toshio Suzuki enviou uma espada samurai para os executivos da Miramax (subsidiária da Disney na época) com um bilhete curto e direto: “Sem cortes”. No final, a gigante do entretenimento cedeu, e o filme foi lançado em sua versão original.

A Viagem de Chihiro

Esse sucesso abriu caminho para a maior obra do estúdio até hoje: A Viagem de Chihiro (2001). Além de se tornar o filme de maior bilheteria da história do Ghibli, ele marcou um feito histórico, conquistando o Oscar de Melhor Animação, o primeiro de uma produção japonesa. O impacto foi tão grande que o longa permanece, até hoje, como um dos mais celebrados da animação mundial.

Desde então, o Studio Ghibli tem vivido um ciclo curioso, marcado pelas idas e vindas de Hayao Miyazaki. O diretor já anunciou sua aposentadoria diversas vezes, mas sempre acaba voltando para novos projetos. Em algumas ocasiões, seu retorno foi motivado por inspiração criativa, enquanto, em outras, por acontecimentos trágicos, como a morte prematura do talentoso produtor Yoshifumi Kondo, em 1998.

Em 2018, o estúdio perdeu outro de seus grandes pilares com o falecimento de Isao Takahata. Entre os membros da equipe original, Toshio Suzuki e Miyazaki continuam à frente do estúdio. Prova disso foi o lançamento do mais recente longa do Ghibli, O Menino e a Garça, em 2023, um filme que reafirma a força e a relevância de um dos maiores estúdios de animação do mundo.

Agora é com você, caro leitor. Já conhecia a história do Studio Ghibli? Conte para a gente nos comentários.

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