No entanto, Directive 8020 traz um elemento diferenciado que consegue renovar aquilo que já estava ficando batido. Pela primeira vez, a desenvolvedora trouxe mecânicas de stealth durante a gameplay, deixando a exploração mais tensa e mostrando que esse tipo de abordagem se tornará essencial nos próximos títulos do estúdio. Mesmo com uma narrativa fraca, essa novidade consegue elevar a experiência e surpreender de maneira positiva.

Mas afinal, Directive 8020 realmente entrega uma experiência memorável? O novo terror sci-fi da Supermassive Games consegue se tornar o melhor título recente do estúdio? É isso que você irá descobrir em nossa análise!

Ameaça a bordo!

Se tem algo que aprendemos ao jogar qualquer título da Supermassive Games, é que nunca devemos confiar totalmente em ninguém. Em Directive 8020, essa regra não seria diferente!

A trama leva os jogadores para uma jornada sci-fi intergaláctica em um futuro onde a Terra está entrando em colapso e morrendo aos poucos. Sem alternativas para salvar a humanidade, o planeta Tau Ceti f surge como uma última esperança de sobrevivência. Ao chegar ao local, acompanhamos um grupo de tripulantes que rapidamente percebe que não está sozinho no espaço.

Tudo isso muda quando a nave Cassiopeia sofre um ataque e acaba caindo no planeta, dando início a uma sequência de eventos bizarros com alterações na estrutura da nave. Aos poucos, a tripulação descobre que clones estão se infiltrando entre os sobreviventes, enquanto uma misteriosa substância alienígena começa a transformar os corpos humanos em criaturas grotescas.

Com isso, é possível esperar mutações alienígenas, criaturas bizarras e até mesmo clones que se identificarão como personagens para causar dúvidas no jogador, e gerar a pergunta se realmente aquela pessoa é o tripulante real ou não.

Com o passar do tempo, a tripulação começa a detectar falhas na estrutura da nave, causando falta de oxigênio, explosões e desaparecimentos misteriosos pela tubulação.

Por se tratar de uma experiência narrativa, Directive 8020 entrega um bom elenco de personagens, com alguns realmente carismáticos e memoráveis, enquanto outros parecem existir apenas para cumprir o papel do integrante bobo que não sobreviveria por muito tempo em uma situação extrema. No fim, a estrutura narrativa segue o clássico modelo já conhecido pelos fãs da Supermassive Games, apostando em clichês do terror que a desenvolvedora utiliza há anos.

Ainda assim, existe um diferencial importante que Directive consegue entregar. Como mencionado anteriormente, o game adiciona uma camada muito maior de tensão ao apostar em uma gameplay mais interativa, oferecendo maior controle sobre os personagens durante a exploração.

Ao contrário dos títulos anteriores do estúdio, onde as mecânicas geralmente se resumiam a fugir de inimigos ou escolher rapidamente um esconderijo, aqui os jogadores podem explorar os cenários com mais liberdade, utilizar o ambiente para escapar dos inimigos, abrir portas manualmente durante perseguições, interagir com outros personagens via mensagens e se esconder em tubulações.

O jogo também apresenta uma mecânica inédita chamada Turning Points (Pontos de Virada), permitindo que os jogadores retornem a momentos importantes da campanha para refazer escolhas e alterar acontecimentos específicos da narrativa, como voltar a um capítulo anterior para salvar determinado personagem após uma decisão errada.

À primeira vista, isso pode parecer uma adição que reduz boa parte do peso das escolhas, especialmente por se tratar de um jogo focado justamente nas consequências das decisões do jogador. No entanto, a funcionalidade acaba funcionando mais como uma opção de acessibilidade e liberdade para diversos estilos de gameplay.

Além disso, Directive também oferece níveis de dificuldade que desativam completamente essa mecânica, obrigando os jogadores a lidarem com todas as consequências de suas ações sem a possibilidade de voltar atrás. Dessa forma, quem prefere uma experiência mais “tradicional”, no estilo clássico da The Dark Pictures Anthology, ainda poderá aproveitar a campanha sem mudanças na fórmula original.

O maior problema de Directive 8020

Se tem algo que a Supermassive Games sabe fazer é entregar um jogo no qual todas as suas escolhas acabam impactando para a sobrevivência do personagem… e talvez isso também possa ser um grande problema. Mesmo que nos primeiros minutos do jogo, o jogador saiba que tem algo errado, a história demora para se desenvolver, criando um verdadeiro vínculo com o jogador apenas na metade do game (capítulo 4).

A narrativa também apresenta algumas inconsistências ao longo da campanha e, apesar de contar com nomes conhecidos da indústria cinematográfica, como Lashana Lynch, conhecida por trabalhos em 007: Sem Tempo para Morrer e Bob Marley: One Love, existem momentos em que a história perde força e acaba desanimando o jogador.

Em diversos trechos, o roteiro não consegue sustentar o mesmo nível de tensão por muito tempo, fazendo com que alguns acontecimentos pareçam apressados ou pouco desenvolvidos. A fórmula do clichê não parece funcionar aqui até porque o plot acaba sendo extremamente previsível e sem graça.

Para não me aprofundar na história e evitar spoilers acidentais nesta análise, não vou entrar em detalhes sobre os principais acontecimentos da trama, mas existe um momento específico em que o grande plot do jogo finalmente é revelado e dá a entender que os protagonistas sequer ficaram “preocupados”.

A reação dos personagens diante da descoberta é superficial, quase sem transmitir o desespero que uma situação daquela deveria causar. Embora Directive 8020 tente manter uma atmosfera de tensão e desconforto psicológico, grande parte dessas emoções não funcion como deveria. Alguns trechos passam a impressão de que os personagens simplesmente aceitam tudo rápido demais, tornando o impacto dramático do jogo bem fraco.

Nem tudo é tão estranho

Mas nem tudo está perdido aqui… Com a introdução das novas mecânicas de stealth e uma exploração mais livre dos cenários, Directive 8020 parece funcionar como um verdadeiro experimento o futuro da Supermassive Games. A novidade mostra um caminho promissor para os próximos projetos, adicionando uma camada extra de tensão que vai muito além do tradicional sistema de escolhas narrativas.

Além de deixar a experiência mais sinistra, essa abordagem aumenta a imersão do jogador explorando ambientes, buscando rotas de fuga e se escondendo das ameaças, sem depender exclusivamente das decisões de ficar pressionando botões aleatórios.

Outro ponto interessante é a enorme evolução no trabalho de facial capture (trabalho de captura facial) e sincronização labial (lip sync) dos personagens. As expressões faciais estão muito mais naturais e detalhadas, enquanto o lip sync acompanha perfeitamente os diálogos com uma qualidade assustadora, o que mostra que Directive vai muito além de um jogo interativo.

Seguindo o padrão que já conhecemos da franquia The Dark Pictures Anthology, Directive 8020 consegue entregar cenas extremamente cinematográficas sem comprometer o ritmo da narrativa ou a qualidade visual ao longo da campanha. Em suma, quanto mais a história avança, mais o jogo impressiona tecnicamente. Uma verdadeira obra de arte nesse aspecto!

Aspectos técnicos

Como mencionado anteriormente, Directive 8020 impressiona quando o assunto é qualidade técnica e visual. O trabalho de sincronização labial e captura facial alcança um nível extremamente elevado, entregando expressões realistas e animações cinematográficas que facilmente se tornaram as melhores já produzidas pela Supermassive Games, e talvez até desta geração dentro do gênero de filme/jogo interativo.

Embora a narrativa não consiga manter o mesmo nível de qualidade durante toda a campanha, o jogo acerta em cheio na construção da atmosfera sci-fi. A sensação de estar preso em uma nave tomada por inimigos, cercada por ameaças desconhecidas e problemas bizarros, funciona muito bem e contribui para deixar a experiência mais tensa.

Visualmente, Directive 8020 entrega cenários extremamente detalhados, ótima iluminação e efeitos que mostram constantemente o clima sombrio. Além disso, o título também disponibiliza diferentes modos gráficos para os jogadores ajustarem a experiência, sendo eles:

• Qualidade – atinge 30 FPS em uma resolução mais alta;
• Equilibrada – atinge 40 FPS em uma resolução que foca na qualidade e desempenho;
• Desempenho – atinge 60 FPS perdendo um pouco de resolução e focando no desempenho.

A trilha sonora de Directive 8020 também merece destaque e ajuda bastante na construção da atmosfera sombria do jogo. Em diversos momentos, principalmente no final de alguns capítulos, somos surpreendidos por músicas licenciadas que aumentam a imersão no game.

Para aproveitar toda a tensão, o ideal é jogar utilizando um headset ou um bom soundbar, já que o áudio, trilha sonora e efeitos sonoros trabalham muito bem com sons ambientes, passos de stalkers e perseguições. Cada detalhe sonoro contribui para deixar o jogo ainda mais imersivo e desconfortável.

Tudo funciona de maneira perfeita, desde o áudio até a direção de arte e a paleta de cores utilizada nos cenários. Com uma campanha que gira em torno de 8 a 10 horas de duração, Directive consegue entregar uma experiência sci-fi sombria e angustiante, marcada por excelentes aspectos visuais e sonoros que ajudam a sustentar toda a atmosfera do jogo.

O jogo sofreu com pequenos engasgos em determinados momentos, além de dois crashes ao longo da minha jogatina. Ainda assim, é importante ressaltar que a versão testada era anterior à atualização de lançamento (day one patch), algo que pode resultar em problemas técnicos desse tipo antes da versão final chegar aos jogadores.

Review de Directive 8020 – Vale a Pena?

Directive 8020 introduz mecânicas inéditas dentro da fórmula da Supermassive Games que realmente fazem diferença durante a gameplay, principalmente com a adição do stealth e da exploração dos cenários. Essas novidades conseguem trazer mais tensão e aumentar significativamente a imersão, mostrando uma evolução importante para o gênero de jogos interativos do estúdio.

Infelizmente, o mesmo não pode ser dito da história. Apesar da ambientação sci-fi sombria e do clima de tensão, a história acaba utilizando os clichês já conhecidos do terror espacial e de filmes clássicos dos anos 90, deixando soluções previsíveis e personagens que raramente conseguem fugir do “básico”.

Mesmo entregando momentos tensos e visualmente impressionantes, é difícil recomendar o jogo em seu preço cheio. Embora as novas mecânicas tragam adições interessantes para a fórmula interativa, o roteiro não consegue sustentar por muito tempo, tornando a campanha pouco memorável.

No geral, 8020 é um passo importante de evolução para a franquia em termos de gameplay e parte técnica, mas ainda falha em entregar uma narrativa realmente marcante. Minha recomendação é comprar o jogo em uma promoção nos consoles ou no PC.

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Programado para chegar em 7 de maio de 2026 para PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 e PC, Mixtape promete entregar uma experiência única e extremamente marcante para os jogadores. Com uma atmosfera envolvente e cheia de personalidade, o título carrega a mesma essência de The Artful Escape, que inclusive, faz parte do mesmo universo do jogo.

Conheça o game e entenda o porque ele tem tudo para se tornar um título obrigatório pelos apaixonados por música!

Um último adeus

Em Mixtape, assumimos o papel de Rockford, uma jovem que está vivendo o seu último dia do ensino médio ao lado de seus amigos Slater e Cassandra antes de ir embora da cidade. Com essa premissa em mente, os três amigos embarcam em uma aventura nostálgica com lembranças da sua adolescência rebelde e das aventuras que viveram juntos ao longo dos anos.

Como um registro das lembranças e sua paixão por música, cada capítulo introduz ao jogador uma trilha sonora, o que faz o game conectar o jogador a uma vibe de cozy game. Não apenas mantendo o jogador relaxado, mas revisitando clássicos da música que são utilizados nos últimos momentos compartilhados pelos amigos.

Aqui, não espere grandes sequências de ação, mas sim momentos capazes de marcar a vida dos jovens. Mixtape aposta em uma atmosfera mais “rebelde” e nostálgica, repleta de lembranças sobre festas, amizades antigas e os lugares onde adolescentes se reuniam para conversar, rir e aproveitar o momento em que estavam vivendo. Tudo isso ganha ainda mais personalidade graças ao humor ácido e ao jeito debochado de Slater, que torna cada diálogo ainda mais divertido.

Os personagens são extremamente carismáticos e conseguem criar uma conexão com o jogador logo nos primeiros minutos. Um exemplo disso acontece logo no início, enquanto andamos de skate rumo à casa de Rockford. Durante o trajeto, Cassandra e Slater começam a relembrar histórias e situações divertidas que viveram juntos.

Mas Mixtape vai muito além de uma simples narrativa sobre lealdade. O jogo cria uma conexão real com o jogador ao abordar amizade, crescimento e memórias da juventude de forma emocionante. Em diversos momentos, foi impossível não lembrar dos tempos de escola, das amizades de infância e das lembranças com os amigos da rua. No fim, o game funciona como uma verdadeira carta de amor às amizades e aos momentos que acabam nos definindo ao longo da nossa vida.

A gameplay de Mixtape é simples e dividida em atos, colocando os jogadores para reviver os flashbacks de Rockford em diversas situações. Ao longo da jornada, participamos de mini-games de baseball, sequências de diálogos enquanto andamos de skate, perseguições para ajudar uma amiga e até mesmo momentos dentro de um parque de diversões repleto de dinossauros.

Como havia mencionado anteriormente, esses mini-games não são introduzidos apenas para manter a gameplay interativa, mas servem como uma grande inspiração para relembrar os momentos que passaram juntos. Enquanto os jogadores relembram do passado, Rockford adiciona novas faixas para suas memórias e momentos atuais.

Com aproximadamente 3 horas de duração, Mixtape entrega uma experiência curta, mas extremamente marcante. É o tipo de jogo que pode ser concluído em uma única jogada ou durante um final de semana, mas que permanece na memória muito depois depois. Ao longo da jornada, diversas memórias sobre a sua juventude com certeza serão relembradas.

Pode parecer clichê e até bobo o que vou dizer, mas é aquele tipo de jogo que podem passar anos, e você com certeza nunca se esquecerá que jogou, justamente por ser uma experiência interativa, onde nos conectamos com os personagens de certo modo.

Acredite em mim, você nunca mais será o mesmo após jogá-lo!

Aspectos técnicos

A parte técnica é sem sombra de dúvidas o ponto mais marcante e único que o jogo oferece. Seguindo a estética de stop-motion e cel-shading, o jogo remete aos clássicos dos anos 80/90 com fortes inspirações aos filmes da época.

Em certos trechos, Mixtape aplica filtros de TV de tubo, cenas em preto e branco e alterações na proporção da tela, mantendo a carga nostálgica. O visual é bem marcante, com uma paleta de cores quentes e vibrantes que transmite uma experiência de “ambiente agradável”.

A escolha da trilha sonora também é um grande acerto para os jogadores, evidenciando que o estúdio conseguiu encaixar a vibe de exploração com aventura dos amigos em um tom agradável.

Durante a minha experiência com o game, sofri com 2 crashes jogando no PlayStation 5 Pro, onde tive que reiniciar um capítulo do zero. É importante ressaltar que tive acesso ao título de forma antecipada, e bugs como esse com certeza serão corrigidos no dia do lançamento. No geral, a experiência foi perfeita e não tenho absolutamente nada do que reclamar.

Review de Mixtape – Vale a Pena?

Após falar tão bem sobre tudo de Mixtape, é impossível não indicar a compra para todos. O game entrega uma trama profunda sobre lealdade, amor e amizade, e ainda complementa com um easter egg espetacular (que não irei mencionar), uma trilha sonora maravilhosa e personagens muito marcantes.

Mixtape é sem sombra de dúvidas aquele tipo de jogo que podem passar anos e nunca esqueceremos que tivemos a oportunidade de jogá-lo pelo menos uma única vez. Vale cada centavo!

O game chega aos consoles e PC no dia 7 de maio de 2026.

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Mesmo com um lançamento discreto, Altered Echoes deixa claro que preserva a identidade da franquia, trazendo de volta personagens conhecidos e diversas conexões com o segundo jogo, já que sua narrativa ocorre em paralelo aos eventos de Little Nightmares II. No fim das contas, experiências em realidade virtual vão além de uma boa história: o que realmente faz diferença é a imersão. Sensações como medo e adrenalina ganham força ao fugir de um inimigo ou atravessar ambientes controlados por criaturas perturbadoras, criando momentos que impactam diretamente o jogador.

Mas será que Altered Echoes realmente entrega esse nível de imersão? Ele consegue honrar o legado dos jogos clássicos da franquia? É isso que você irá descobrir em nossa Review!

Uma nova perspectiva

Com uma narrativa enigmática e envolvente, Little Nightmares VR: Altered Echoes coloca o jogador no controle de Dark Six, a versão sombria da protagonista conhecida por sua icônica capa de chuva amarela. A história começa em um quarto com uma televisão de tubo, enquanto o misterioso Homem Magro (Thin Man) passa a perseguir as crianças. Durante a tentativa de fuga, Six acaba sendo capturada, deixando para trás um fragmento de sua essência.

A partir desse momento, o jogador assume o controle desse “eco”, embarcando em uma jornada para entender o que realmente está acontecendo, descobrir o motivo por trás do sequestro e tentar se reagrupar novamente ao corpo original.

Logo nos primeiros minutos, o jogo funciona como uma introdução às suas mecânicas, ensinando o jogador a interagir com o cenário, seja arrastando objetos, como uma cadeira para alcançar uma porta, coletando itens escondidos para avançar ou até escapando de criaturas. Nesse aspecto, ele mantém a premissa original da franquia, com uma narrativa enigmática e a clássica sensação de vulnerabilidade com ambientes gigantes e criaturas imensas.

O que mais chama atenção nesta versão é a forma como ela apresenta as criaturas, aproximando o jogador e criando um momento único de tensão. Em determinado trecho da campanha, a Iconik, estúdio responsável pela versão em Realidade Virtual (VR), recriou momentos marcantes de Little Nightmares II, como a icônica cena em que o Homem Magro (Thin Man) captura Six. Além disso, há outros trechos emblemáticos, como a passagem pela escola, onde a professora observa atentamente os alunos que estão bagunçando na aula.

Embora essa atmosfera sombria já estivesse presente no lançamento original em 2021, ela ganha uma dimensão completamente diferente na realidade virtual, tornando tudo mais intenso e assustador. Vale destacar também que Little Nightmares nunca exigiu que o jogador conhecesse os títulos anteriores para compreender sua narrativa, mas as diversas referências tornam a experiência ainda mais rica para quem já acompanha a franquia há muitos anos.

Sem oferecer armas ou qualquer meio direto de confronto, Altered Echoes mantém o jogador em constante vulnerabilidade, limitando suas opções a se esconder atrás de móveis, buscar abrigo em salas ou simplesmente correr para escapar das ameaças. Essa sensação é ainda mais bizarra na realidade virtual, que reforça a ideia de um mundo desproporcional, onde pequenos sobreviventes enfrentam perigos gigantescos. A ideia de recriar esse universo em VR é simplesmente genial, além de muitos jogadores já terem pedido por isso!

Uma experiência confortável em VR

Diferente de muitos títulos em realidade virtual, Little Nightmares VR: Altered Echoes pode ser jogado tanto em pé quanto sentado. Em termos de locomoção, o jogo adota apenas o movimento via analógico, sem a tradicional opção de teletransporte. Isso pode incomodar alguns jogadores, mas, na prática, a movimentação com os controles do PS VR2 Sense se mostra mais fluida e natural. Além disso, há a opção de giros rápidos, que ajudam a reduzir o desconforto e tornam a navegação mais confortável para quem tem sensibilidade a enjoo.

Outro elemento que contribui para reduzir o motion sickness é o uso da vinheta, que uma borda escura nas laterais da tela, estilizada para simular o capuz da capa da Six. Embora seja uma forma de reduzir os danos nesse quesito, ele serviu como uma funcionalidade e estética para o game.

Para quem opta por jogar sentado, o título oferece comandos simplificados que permitem realizar ações como escalar, descer e se agachar atrás de móveis com apenas um botão. Essas facilidades fazem diferença no conforto geral e não comprometem a imersão, funcionando como uma alternativa prática para reduzir o desconforto, especialmente para quem prefere uma experiência mais tranquila após um dia cansativo, sem precisar jogar o tempo todo em pé.

Com aproximadamente 5 horas de duração, o jogo mantém um ritmo consistente do início ao fim, exatamente o que se espera de Little Nightmares, ainda mais em uma experiência no PS VR2. Mesmo sem diálogos, o jogo entrega uma jogabilidade sólida com mecânicas simples, surpreendendo principalmente pela presença de criaturas perturbadoras.

Review de Little Nightmares VR: Altered Echoes – Vale a Pena?

Não é exagero dizer que Little Nightmares VR: Altered Echoes é um dos jogos mais divertidos de terror do PlayStation VR2. Com uma gameplay simples, onde é possível aprender todas as mecânicas rapidamente, o jogo conta com momentos marcantes dos títulos anteriores e coloca os jogadores em ambientes únicos e sombrios.

As opções de acessibilidade não são muito amplas, mas cumprem bem o papel de minimizar o motion sickness. Ao longo das cerca de 6 horas que passei com o jogo, não tive qualquer desconforto nesse aspecto e acabei me divertindo bastante, ainda mais por já ser fã da franquia. A versão em realidade virtual se destaca como uma experiência praticamente indispensável, e mesmo chegando mais tarde, mostra que há muito espaço para novos spin-offs ou até continuações nesse formato.

Um jogo perfeito e essencial para todos os jogadores!

• Código cedido gentilmente pela equipe da Bandai Namco Brasil.

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Tive a oportunidade de revisitar o jogo antes e depois dessas atualizações, o que mostra o comprometimento do estúdio em trazer uma experiência definitiva. As mudanças aplicadas impactam diretamente a gameplay, tornando o jogo ainda mais fluído. Mesmo diante das polêmicas iniciais, Crimson Desert se mantém como um forte candidato a jogo do ano, com mecânicas únicas inseridas em um mundo vasto e repleto de descobertas. No fim das contas, trata-se de um jogo imersivo de RPG em mundo aberto, capaz de oferecer mais de 100 horas de conteúdo.

Pensando nessa experiência, a equipe da República DG teve a oportunidade de testá-lo no PS5 Pro. Mas afinal, Crimson Desert realmente vale a pena? É isso que você irá descobrir em nossa análise!

Perdido na imensidão de Pywell

Conforme novos anúncios e trailers eram publicados, o continente de Pywell se mostrava vasto e repleto de atividades que refletiriam durante a campanha, seja no momento de exploração, missões secundárias ou até mesmo na narrativa que era complementada com o conteúdo secundário do jogo. Aqui, era nítido ver como o jogo era grandioso. Após jogá-lo eu tive certeza que o jogo entregava uma experiência única e diferente de tudo aquilo que já havia visto em jogos do gênero, porém, com uma identidade própria e repleto de segredos que surpreendem os jogadores a cada momento.

Em Crimson Desert, os jogadores assumem o papel de Kliff, um guerreiro determinado e líder dos mercenários conhecidos como Jubas Cinzentas. Após serem surpreendidos por uma emboscada do grupo Ursos Negros, a maior parte de seus companheiros é massacrada em um evento que mudaria completamente o rumo de sua vida, fazendo-o carregar o peso do fracasso como líder.

Embora essa seja apenas a base da narrativa, a história se desenvolve de forma mais complexa ao longo da jornada. Novos personagens surgem, antigos aliados são revelados como sobreviventes, e Kliff inicia uma busca para reunir uma equipe novamente. Seu objetivo passa a ser claro por aqui: reconstruir seu grupo e enfrentar o clã responsável pela emboscada, colocando um fim definitivo aos ataques sangrentos.

Para retomar seu posto de liderança, enfrentamos uma verdadeira jornada brutal. O guerreiro é obrigado a selar pactos com corruptos para financiar seu exército e recrutar novos combatentes. Entre a busca por armas poderosas e a reconstrução de um império, Kliff luta para sobreviver às cicatrizes de uma catástrofe que ainda assombra seu passado.

As missões secundárias também desempenham um papel importante na construção da narrativa. Embora algumas possam parecer superficiais ou com objetivos pouco relevantes, elas recompensam o jogador com itens únicos que contribuem diretamente para a progressão e evolução do personagem, como espadas, escudos e armaduras capazes de influenciar seus atributos.

Atividades como contratos de mercenário, solicitações de moradores de pequenos vilarejos, caçadas a monstros lendários e até desafios de puzzle estão espalhadas pelo mapa, incentivando a exploração. Além disso, áreas secretas escondem itens valiosos que contribuem diretamente para deixar o personagem ainda mais forte.

Apesar da grande quantidade de conteúdo secundário, fica a impressão de que a história principal acaba funcionando apenas como um pano de fundo para a progressão até o final do jogo. Isso porque as atividades paralelas de Crimson Desert se mostram muito mais divertidas do que a trama central, que segue uma abordagem baseada na clássica jornada de vingança e na busca por aliados. Veja bem… a campanha não chega a ser ruim, muito longe disso, mas deixa algumas pontas soltas e acaba recorrendo a elementos mais clichês.

Outro ponto que me incomodou bastante foi a falta de carisma dos personagens, que acabam sendo pouco memoráveis e, em muitos casos, parecem estar ali apenas para preencher lacunas na narrativa. Em diversos momentos, surge aquela sensação de “qual o propósito disso?” ou até mesmo “por que esse personagem está aqui?”, o que enfraquece o envolvimento com a história.

Tive a oportunidade de explorar Pywell por muitas horas e fiquei extremamente surpreso com muitas descobertas que fiz ao longo dessa jornada. Um exemplo disso é que algumas paredes escondiam grandes segredos, e que ao serem revelados, te mostram a real importância de explorar todo o mapa, além do mundo estar em constante evolução, onde você nunca ficará enjoado de explorar por horas.

Um dos principais problemas que notei em Crimson Desert está justamente no ritmo (pacing) da experiência. A campanha demora a engrenar, especialmente por conta da grande quantidade de tutoriais concentrados logo nas primeiras horas. Em vários momentos, acabei não utilizando muitas dessas mecânicas apresentadas, seja por simplesmente esquecer ou por parecerem pouco relevantes durante a exploração.

Por outro lado, assim que as primeiras horas se passam, o jogo finalmente revela seu verdadeiro potencial. É nesse momento que o mundo se abre de forma mais orgânica, incentivando a exploração e permitindo descobrir os inúmeros segredos espalhados por cada canto do mapa, bem como as missões e vilarejos descobertos.

E por falar na quantidade de sistemas, Crimson Desert entrega uma variedade impressionante de mecânicas, o que o torna um título complexo e bastante diferente do padrão do gênero. Com o tempo, o jogo recebeu atualizações importantes baseadas no feedback da comunidade, refletido principalmente em redes sociais e vídeos.

Essas melhorias ajudaram a refinar diversas mecânicas, simplificando algumas ações e tornando a experiência mais intuitiva. Como resultado, o gameplay se torna mais fluido e prático, sem a necessidade de executar diversos comandos para realizar determinadas ações.

Ao me aprofundar ainda mais no jogo, os confrontos contra chefes se destacaram de forma positiva. A variedade de inimigos é significativa, reforçando que a experiência não se torna repetitiva, seja pela diversidade de mecânicas, pela quantidade de NPCs ou pela variedade de missões. Além disso, os chefes apresentam uma boa variedade em seu moveset, muitas vezes exigindo preparo adequado em equipamentos por parte do jogador, tornando-se desafiador em diversos momentos.

No fim das contas, a Pearl Abyss entrega uma das experiências de mundo aberto mais marcantes de 2026, fazendo jus à proposta de oferecer algo próximo de um verdadeiro MMO. Mesmo com muitas dúvidas por parte do público, a empresa se mostrou competente e está sempre ouvindo o feedback para tornar o jogo cada vez melhor a cada atualização!

Combate único e estratégico

Após abordar as mecânicas de exploração, é importante destacar que o jogo também entrega uma experiência bastante imersiva no combate. O sistema permite a execução de combos com ataques fortes e fracos, além do uso de habilidades ativas e passivas, o que adiciona profundidade e torna as batalhas mais dinâmicas e envolventes.

Ainda assim, nem tudo funciona perfeitamente. Em alguns momentos, os combates podem se tornar cansativos, principalmente por conta da alta quantidade de HP de certos inimigos. Como já mencionado, alguns chefes exigem preparo estratégico e bons equipamentos para enfrentar as grandes hordas. Para quem aprecia um sistema de combate mais robusto, Crimson Desert certamente entrega, ainda mais após as atualizações que aprimoraram significativamente a jogabilidade.

O jogo apresenta uma árvore de habilidades (skill tree) segmentada em diferentes categorias. Entre elas, estão os atributos de saúde, que influenciam diretamente na sobrevivência, força e vitalidade; a stamina, essencial para a execução de combos, esquivas e a mobilidade de Kliff; e o espírito, responsável por liberar habilidades especiais, além de aprimorar a defesa e os contra-ataques.

Essas habilidades não são adquiridas apenas com o avanço de nível. O jogo também permite desbloquear novos movimentos por meio dos Artefatos do Abismo ou até mesmo ao observar e replicar técnicas utilizadas por inimigos durante os combates.

Crimson Desert não é um jogo para todos

Polêmico ou não, Crimson Desert entrega uma experiência imersiva e única, mas está longe de ser um título para qualquer pessoa. O jogo exige dedicação e paciência para dominar seu combate e compreender a ampla variedade de mecânicas disponíveis. Além disso, a narrativa pode não agradar a todos em diversos momentos, chegando a prejudicar o ritmo da progressão. Mesmo com certa variedade, algumas missões secundárias acabam se tornando repetitivas e cansativas ao longo da jornada.

O ritmo também pode parecer lento por muitas vezes, tendo em vista que o jogo não oferece recompensas imediatas para os jogadores, focando mais em premiar aqueles que estão explorando todos os cantos de Pywell.

Mais uma vez, vale reforçar: o jogo não é ruim, muito pelo contrário. Ainda assim, pode frustrar quem espera algo nos moldes de Skyrim ou The Witcher, títulos que combinam diversas mecânicas com uma narrativa envolvente do início ao fim. Confesso que minhas primeiras horas foram difíceis, principalmente pela quantidade excessiva de sistemas, que acabam tornando a experiência cansativa. Com o tempo, no entanto, fui me adaptando e passei a aproveitar bem mais o que o game tem a oferecer.

Aspectos técnicos

Como já era esperado, Crimson Desert surgiu como um dos projetos mais ambiciosos já anunciados, gerando enorme empolgação entre o público. No entanto, em diversos momentos, esse hype acabou “esfriando”, principalmente pela ausência de demonstrações do jogo rodando em consoles, o que acabou levantando dúvidas e gerando certa desconfiança por parte dos jogadores.

No aspecto técnico, envolvendo gráficos e desempenho, o jogo apresenta uma experiência sólida após as atualizações. Nos consoles, é possível escolher entre modos distintos: o modo desempenho, que prioriza 60 FPS com resolução dinâmica em torno de 1440p utilizando upscaling, e o modo qualidade/fidelidade, que entrega 4K nativo a 30 FPS.

Ainda assim, o título sofre com pop-ins frequentes, especialmente em áreas mais densas, como florestas ou vilarejos com grande concentração de NPCs. Essa questão se torna ainda mais perceptível nos consoles, devido às limitações de hardware. No PlayStation 5 Pro, por outro lado, há a opção do modo equilibrado, que oferece 40 FPS com Ray Tracing. Mesmo assim, ainda é possível notar pequenos engasgos em determinados momentos.

Visualmente, o jogo impressiona pela riqueza de detalhes, evidenciando o cuidado e a dedicação do estúdio. Esse capricho vai além do level design, refletindo também na construção do mundo e na elaboração dos puzzles, que contribuem para uma experiência mais imersiva.

A trilha sonora também se destaca, adaptando-se aos diferentes momentos do jogo. É possível perceber variações claras entre combates comuns, batalhas contra chefes e outros trechos da experiência, o que contribui para a imersão. Os efeitos sonoros complementam esse conjunto, com conversas de NPCs e sons ambientes bem trabalhados, como cachoeiras e o movimento da vegetação. No geral, trata-se de um projeto ambicioso e que consegue surpreender.

Review de Crimson Desert – Vale a Pena?

Dizer que Crimson Desert certamente não é um jogo para todos certamente pode acabar assustando alguns jogadores, mas precisamos destacar aqui que é necessário que os jogadores alinhem sua experiência para não achar que estarão jogando um título como The Witcher 3: Wild Hunt.

Com a vasta quantidade de conteúdo secundário, puzzles e exploração praticamente infinita, Crimson Desert se mostra como uma experiência obrigatória para todos, porém, a decepcção pode vir por parte da campanha, personagens com pouco carisma (assim como Kliff) e até mesmo a apresentação de milhares de mecânicas que fazem o jogo perder o ritmo e muitas se tornam até irrelevantes.

De forma geral, a Pearl Abyss entrega uma experiência envolvente e bastante competente, com potencial para figurar entre os principais concorrentes a jogo do ano em 2026.

O que reforça essa evolução constante é a atenção ao feedback da comunidade, refletida em atualizações frequentes que aprimoram a experiência. No fim das contas, Crimson Desert é o tipo de jogo capaz de garantir muitas horas de diversão e que, com as melhorias contínuas, tem tudo para se consolidar como um título indispensável para todos os jogadores!

Esta review foi produzida graças a um código de PS5 cedido gentilmente pela Pearl Abyss.

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Como era de se esperar, Mouse seria comparado com Cuphead pelo estilo artístico, porém, com uma identidade própria, com um universo único e uma experiência diferente de tudo aquilo que já estamos acostumados.

À primeira vista, Mouse parece um desenho dos anos 30 que eu encontrei perdido em um sótão qualquer. Mas bastam apenas alguns minutos com a arma nas mãos para entender que Jack Pepper não é o Mickey Mouse, mas sim um investigador pronto para eliminar a corrupção a todo custo.

É um misto de nostalgia com uma das melhores experiências que tive nos games em 2026 até agora, se tornando com folga meu jogo favorito do ano. Mesmo com o ano apenas começando, esse é aquele tipo de experiência que fica marcada pra sempre.

Depois de passar mais de 30 horas no controle do detetive Jack Pepper, a pergunta que fica é: Mouse: P.I. For Hire é apenas um jogo bonito com filtro de 1930 ou ele realmente tem a essência para prender o jogador? É isso que você irá descobrir em nossa Review!

Uma investigação em um mundo de Corrupção

Pronto para encarar a corrupção dos anos 30, Jack Pepper, um rato e ex-herói de guerra, se torna detetive após um desaparecimento misterioso, que rapidamente evolui para um caso envolvendo assassinato e corrupção em Ratópolis. Mesmo diante dos perigos impostos pela máfia e por policiais corruptos, ele decide se infiltrar em delegacias, portos e até nas ruas dominadas pelo crime.

Um dos grandes destaques perceptíveis já nos primeiros minutos de gameplay é a variedade de armas, combinada com elementos de metroidvania, segredos espalhados pelos cenários e missões secundárias liberadas ao chegar à base de investigações de Jack. O local funciona como um hub, onde é possível organizar as provas coletadas, participar de mini-games de beisebol com cartas, que rendem moedas para desbloquear um item secreto, além de comprar colecionáveis e muito mais. Essas evidências também destravam novas missões, armas e itens.

Mesmo com uma progressão linear, Mouse incentiva a exploração ao esconder áreas secretas que podem ser acessadas com habilidades como pulo duplo, gancho e até o uso do rabo do protagonista, que funciona como uma hélice para flutuar.

Mesmo com uma narrativa presente, fica evidente que o foco principal de Mouse: P.I. For Hire está no combate. A grande quantidade de inimigos em tela cria uma sensação de dificuldade, lembrando a pegada frenética de jogos como Doom. E não se deixe enganar pelo visual: o ritmo é acelerado e pode se tornar bastante desafiador, dependendo da dificuldade escolhida ao longo da campanha.

Ainda assim, a experiência não se torna cansativa ou repetitiva, já que o jogo se renova constantemente com a introdução de novas armas, chefes e missões.

O jogo apresenta personagens cativantes que dão vida à história e garantem que o conteúdo secundário seja tudo, menos entediante. Eles servem como peças-chave para os mistérios do enredo, destacando-se por sua personalidade marcante e piadas fora de hora com um humor ácido.

Apesar de complementarem a trama e manterem o jogador focado, essas atividades pecam pela falta de inovação, limitando-se a tarefas repetitivas de busca, coleta ou entrega de itens.

Como destacado, embora a narrativa não seja o foco central, o título brilha ao investir em mecânicas de combate e exploração. Além disso, os colecionáveis espalhados pelo mapa desempenham um papel fundamental ao tentar aprofundar o enredo.

Um FPS caótico e viciante

Se há algo que Mouse: P.I. For Hire entrega com maestria, é um combate caótico e frenético. Com hordas de inimigos, chefes imponentes e um arsenal variado que vai de pistolas a bazucas, a ação é constante. No mapa, os jogadores podem liberar itens semelhantes a pergaminhos que permitem aprimorar o armamento, aumentando a cadência de tiro, o dano e a capacidade do pente, além de desbloquear habilidades especiais.

Os pergaminhos de upgrade nem sempre estão à vista, exigindo que o jogador explore o mapa com cautela em busca de áreas secretas e resolva puzzles para abrir cofres, que podem emperrar permanentemente caso ocorra um erro. Essa dinâmica torna o jogo mais desafiador para aprimorar o vasto arsenal com mais de 10 armas.

Embora Jack possa recorrer a socos e pontapés, o combate corpo a corpo é visivelmente menos eficaz que o armamento do detetive. O combate também vai muito além de armas, explorando os objetos de cenário: é possível chutar barris, detonar galões de fogo ou gelo e derrubar objetos suspensos para esmagar os adversários.

Estrategicamente, usar o ambiente a seu favor funciona melhor, mas o título peca por não permitir um estilo de jogo stealth. Em níveis de dificuldade elevados, onde cada bala conta, a furtividade seria essencial para escapar. Como o combate é “pé no chão”, habilidades como a esquiva tornam-se essenciais para escapar das balas e compensar a falta de recursos.

O design de inimigos e chefes é um dos pontos altos na gameplay. A cada nova área, somos apresentados a adversários com movesets diferentes, que alternam entre o poder de fogo e o combate corpo a corpo. A galeria de chefes é gigante e memorável, com destaque especial para o trecho da delegacia, que funciona como uma excelente homenagem à franquia Resident Evil.

Em Mouse, não basta só sair atirando, o segredo é saber usar o cenário a seu favor e economizar bala, tudo isso sem parar de se mexer nem por um segundo. P.I. For Hire vai muito além do visual de desenho antigo, o que atrai mesmo é esse combate ágil que não deixa o ritmo cair!

Um misto entre erros e acertos

Depois de exaltar tantas qualidades, é preciso pontuar onde Mouse: P.I. For Hire escorrega, já que nenhum jogo é perfeito. Embora seja meu favorito de 2026 até agora, ele peca na falta de conteúdo pós-campanha. O combate frenético até convida a jogar de novo, mas a ausência de modos extras, como um sistema de hordas ao estilo Call of Duty: Zombies, pode afastar quem busca fator replay.

Além disso, a narrativa por vezes parece apenas um pretexto para avançar de fase. Veja bem… ela não é ruim, mas falta a imersão que os ótimos personagens secundários do jogo oferecem.

O mini-game de beisebol até diverte nos primeiros minutos, mas rapidamente se torna cansativo. Falta variedade e novas mecânicas ao longo do tempo, o que faz com que a experiência fique repetitiva, especialmente ao exigir 35 partidas para liberar recompensas. Além disso, não há opção de acelerar as partidas, mantendo sempre o mesmo ritmo contra uma CPU bastante fácil de vencer.

Na parte técnico, mesmo rodando em hardware como uma RTX 5090 e o Legion GO 2, notei pequenos engasgos em trechos com spawns de muitos inimigos. Embora sejam falhas pontuais e raras, é um detalhe que não poderia passar batido nesta análise.

Aspectos técnicos

Se tem algo que surpreende em Mouse: P.I. For Hire, é sem sombra de dúvidas os gráficos e o estilo artístico optado pelo estúdio para tornar o jogo um verdadeiro noir clássico dos anos 30. A escolha pelo estilo ‘rubber hose’ não é apenas algo estético, ela cria um contraste absurdo entre o velho e o novo. É como se estivéssemos jogando um curta perdido da era de ouro da animação, mas com uma metralhadora na mão.

Mais do que um “rostinho bonito”, o jogo brilha na construção dos cenários. O level design é surpreendente, recheado de rotas alternativas e colecionáveis que se camuflam na própria arquitetura do mapa. É o tipo de jogo que exige atenção: se você correr demais e explorar pouco, perde os detalhes que realmente trazem a atmosfera dos anos 30 e os segredos presentes em cofres e portas secretas para o 100% do game.

O visual te atrai, mas o level design te prende. O mapa é um labirinto de segredos que recompensa o jogador, escondendo detalhes da história em áreas que muitos deixariam passar batido. Dá para sentir que cada canto foi pensado para reforçar essa ambientação de época, transformando a exploração em algo tão divertido quanto o combate em si.

O design de som brilha ao usar o jazz e a música clássica dos anos 30 para elevar a imersão. Cada detalhe foi planejado, desde o ruído das armas até os filtros sonoros que trazem variação à trilha sem cansar o jogador, mantendo o estilo impecável ao longo das cerca de 20 horas de campanha.

Review de Mouse: P.I. For Hire – Vale a Pena?

Mouse: P.I. For Hire sempre exalou brilho, desde o anúncio que paralisou a internet com seu visual único. Testá-lo agora, perto do lançamento, só confirmou minhas expectativas: é, sem dúvidas, um forte candidato a Jogo do Ano e um dos títulos mais divertidos de 2026! Com combate frenético e um mundo repleto de segredos, o jogo é ousado e viciante.

Mesmo com deslizes técnicos e uma trama simples, ele entrega o que o mercado atual raramente oferece: uma experiência inovadora e puramente divertida. É uma verdadeira carta de amor aos fãs do gênero.

Não restam dúvidas, esse é um jogo obrigatório para todos!

Esta review foi produzida graças a um código de PC cedido gentilmente pela Fumi Games.

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Lançado originalmente em 26 de junho de 2025 para PlayStation 5, o jogo chegou ao PC em menos de um ano, reforçando a estratégia da Sony de expandir seu alcance e atingir um público além dos consoles. Como esperado, a versão de PC traz melhorias importantes, incluindo suporte a tecnologia de upscaling, taxa de quadros desbloqueada e outras melhorias significativas.

Mas afinal, vale a pena jogar Death Stranding 2: On the Beach no PC? Compensa revisitar o game novamente mesmo após zerar ou até platinar no PS5? É isso que você irá descobrir em nossa Review focada na parte técnica do game!

Esta review foi produzida graças a um código de PC cedido gentilmente pela PlayStation Brasil.

Pode ficar tranquilo(a): esta análise é totalmente livre de SPOILERS!

O retorno de Sam Bridges

Eu fiquei receoso com o que iria achar da narrativa da sequência, afinal, eu não joguei o primeiro. Todos os comentários sobre Death Stranding 1 reforçavam o quanto Kojima é um “gênio louco”, que a história era complexa e tudo mais.

Me preparei antecipadamente assistindo e lendo recapitulações e me joguei nessa sequência.

Eu fui jogar o 2 com essas expectativas e acabei me surpreendendo mas não de um jeito positivo. A história do segundo jogo é bem óbvia e o estúdio não faz esforço pra esconder os maiores segredos da aventura. Se você prestar atenção, muitos dos enigmas que servem de alicerce pra história podem ser desvendados logo nos capítulos iniciais.

O jogo também respeita e assume que muitos são novatos, explicando vários termos através dos diálogos. Isso é feito de uma forma inteligente e bem dosado, de modo que os veteranos não fiquem de saco cheio com a reexplicação das coisas.

No geral, meu sentimento é de que a história é ótima mas não chega a ser excelente.

Temos 3 narrativas que se desenrolam de maneira simultânea e o foco acaba sendo em explicar as coisas. Em virtude disso, eu acabei sentindo falta de um maior desenvolvimento de personagens e dos temas abordados na trama.

• Confira nossa Review completa do PS5 CLICANDO AQUI!

As melhorias da versão de PC

O port de Death Stranding 2: On the Beach ficou nas mãos da Nixxes, estúdio já conhecido por adaptar diversos títulos da PlayStation para PC. Antes de entrar nos detalhes desta versão, vale destacar a qualidade da Decima Engine, que continua entregando visuais impressionantes e um nível de realismo elevado, algo que já chamava atenção no PlayStation 5 e no PlayStation 5 Pro.

No PC, essa versão foi aprimorada com melhorias gráficas significativas, acompanhadas de um ótimo desempenho até mesmo em máquinas mais modestas. Antes de detalharmos os testes realizados e nossa avaliação final da versão de PC, vale destacar todas as novidades que estão inclusas, tornando-se a versão definitiva do jogo. Confira a seguir:

• Upscaling e Frame Generation – O jogo conta com suporte às tecnologias NVIDIA DLSS 4, AMD FSR 4 e Intel XeSS 2. Pela primeira vez em um título da PlayStation no PC, também foi implementada a tecnologia PICO (Progressive Image Compositor), conhecida como uma solução de upscaling da Guerrilla Games utilizada nas versões de PlayStation 5.
• Desbloqueio da taxa de quadros – Diferente das versões de connsole no qual o jogo foca em 30 e 60 FPS, no PC é possível desbloquear a quantidade de quadros de acordo com sua preferência.
• Novidades no Ray Tracing – O Ray Tracing está presente nos reflexos, e especialmente em superfícies como a água, elevando o realismo das sombras e da ambientação.
• Suporte a resolução Ultrawide – Suporte para monitores Super Ultrawide (32:9) durante a gameplay e Ultrawide (21:9) em cutscenes.
• Imersão com o DualSense – Suporte completo as tecnologias de feedback háptico e gatilhos adaptáveis do DualSense.

À primeira vista, as melhorias ficam evidentes principalmente nas áreas externas, com avanços na vegetação, no realismo do mar, nas montanhas e até em objetos de cenário. Vale destacar que a versão de PS5 já entregava um nível alto nesse aspecto, mas no PC tudo se torna ainda mais perceptível, especialmente com as configurações no preset “Alto”. Sem dúvidas, o trabalho de otimização da Nixxes é essencial, garantindo uma experiência fluida e acessível para diferentes configurações de PC, sem problemas de engasgos, stutterings ou bugs que possam comprometer a experiência dos jogadores.

A cada novo port lançado pelo estúdio, fica a impressão de uma evolução constante, elevando o nível a cada projeto e entregando resultados cada vez mais próximos da perfeição!

Bancada de testes

Para oferecer uma análise completa e mostrar como o jogo se comporta em diferentes configurações, realizamos testes em 4 máquinas distintas. A seguir, você confere como cada teste foi realizado e as conclusões obtidas em cada cenário:

Obs 1: O HD Seagate Mach.2 Exos 2X14 foi utilizado apenas para os testes de desempenho e carregamento.

Obs 2: Embora as recomendações mínimas exijam uma memória de 16GB RAM, o recomendado é utilizar 32GB de RAM.

Obs 3: Reduzir as configurações ao mínimo podem até melhorar o desempenho no Steam Deck e no Legion Go 2, mas a experiência se torna praticamente injogável nos portáteis.

Obs 4: Até o momento, Death Stranding 2: On the Beach ainda não recebeu o selo de verificação para o Steam Deck.

Bancada Principal – Notebook Gamer Alienware M16 R1

• Processador Intel Core i9 13900HX
• 16GB de RAM DDR5 5600MHz
• 1 TB M.2 SSD NVMe
• Placa de Vídeo GeForce RTX 4060

Resultado dos testes – Utilizando todas as configurações no “Alta” e com DLSS ativado, é possível atingir picos de 60 FPS com quedas em alguns trechos (áreas internas e externas).

Bancada Secundária – Notebook Gamer Acer Nitro 5

• Processador Ryzen 7 4800H
• 8GB de RAM
• Placa de Vídeo GeForce GTX 1650

Resultado dos testes – Utilizando todas as configurações no “Baixo”, é possível atingir picos de 30 FPS (áreas internas e externas) com muitos problemas de desempenho e engasgos. Os jogadores poderão desfrutar do game em resoluções como 720p.

PC 3 – Steam Deck

É possível rodar Death Stranding 2: On the Beach no Steam Deck, entretanto, a experiência é praticamente injogável, com quedas constantes até mesmo mantendo todas as configurações no “Baixo”.

Resultado dos testes – Utilizando todas as configurações no “Baixo”, a experiência se torna injogável.

PC 4 – Lenovo Legion GO2

É possível rodar Death Stranding 2: On the Beach no Lenovo Legion Go 2, mas o jogo apresenta pequenos engasgos e exige que as configurações gráficas sejam mantidas no preset “Baixo” para garantir alguma estabilidade.

Resultado dos testes – Utilizando todas as configurações no “Baixo”, é possível atingir os 30 FPS com alguns engasgos durante o combate.

Conclusão – Apesar do port oferecer inúmeras configurações manuais, o uso do Upscaling é essencial para manter o “bom funcionamento” do game em diversas áreas. Novas atualizações serão essenciais para melhorar o desempenho do game no Steam Deck.

Review de Death Stranding 2: On the Beach – Vale a Pena?

Como já era esperado, a Nixxes Software entrega mais um port de alto nível para o PC, desta vez com Death Stranding 2: On the Beach. Utilizando a Decima Engine, o jogo impressiona ao elevar ainda mais o realismo dos ambientes e a naturalidade dos movimentos dos personagens durante a gameplay.

Embora não seja uma recomendação essencial para quem já explorou a experiência no PlayStation 5, a versão de PC se destaca como a edição definitiva e facilmente figura entre os jogos mais bonitos disponíveis no PC atualmente.

Ainda assim, mesmo com uma excelente otimização geral, os portáteis podem enfrentar algumas limitações, exigindo ajustes ao longo da campanha para manter um bom desempenho. No fim das contas, Death Stranding 2: On the Beach se consolida como uma experiência profunda e imersiva, que vai muito além da jogabilidade: é uma narrativa cheia de camadas e reviravoltas, algo que torna Hideo Kojima um verdadeiro roteirista no mundo dos games.

Death Stranding 2: On the Beach já está disponível para PlayStation 5, PlayStation 5 Pro e PC.

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A nova aposta da Ubisoft busca alcançar o público mobile ao apresentar uma experiência inédita dentro da franquia, ambientada em uma Nova York devastada por um surto viral. Com foco em mundo aberto, missões cooperativas e progressão baseada em loot, The Division Resurgence surpreende pela evolução da série, especialmente pela forma como adapta seus controles para smartphones.

Mesmo com tantos pontos positivos, fica a dúvida: o jogo realmente consegue atingir novos jogadores e conquistar o público mobile inspirado no sucesso dos consoles? É isso que você irá descobrir em nossa Review!

PS: A análise foi realizada em um iOS através de uma cópia cedida pela Ubisoft Brasil.

Um mundo vivo e hostil

Em The Division Resurgence, a história se passa no começo de uma epidemia pandêmica situada no coração de Nova York. Os jogadores assumem o papel de um agente da Primeira Onda da SHD que havia entrado em coma durante os eventos de The Division 1 (exclusivo dos consoles e PC).

Ao despertar, os jogadores notam que a cidade foi completamente devastada, dando início a uma jornada de sobrevivência em um ambiente hostil. A missão é proteger um assentamento civil, que passa a funcionar como base de operações ao longo da nossa gameplay.

Neste momento da campanha, o jogo introduz o sistema de Especializações, classes com habilidades próprias que impactam diretamente o estilo de combate. Entre elas, acabei me identificando mais com o Vanguard, principalmente por já estar familiarizado com as habilidades que também estão presentes em outros jogos do gênero. A especialização permite escanear inimigos pelo mapa, marcando alvos automaticamente e potencializando os disparos, o que acelera bastante a eliminação e causa o dobro de dano nos inimigos.

Apesar dessa escolha não ser definitiva, o jogo também disponibiliza outras classes para quem prefere explorar abordagens diferentes de gameplay, sendo elas:

• Vanguarda – Especialista focado em reconhecimento de área e dano. A classe permite utilizar o Pulse para escanear e marcar os inimigos, aumentando o dano e ajudando a equipe na localização.
• Médico de Campo – Especialista focado no suporte e cura. A classe permite utilizar drones, restaurar as armaduras e HP dos aliados da equipe.
• Baluarte – Especialista voltado à proteção do time, equipado com um Escudo Balístico capaz de absorver o dano e proteger os aliados por todo o mapa.
• Demolidor – Especialista focado em dano explosivo. Com um lançador de granadas equipado, é possível limpar boa parte dos inimigos com pequenas explosões.

Seguindo o padrão dos jogos anteriores, o título traz um sistema de habilidades como uma Árvore de Talentos. Nele, os jogadores acumulam pontos para desbloquear especializações e habilidades únicas, além de aprimorar atributos como redução do tempo de recarga, aumento de dano e até expansão do HP.

Após algumas horas de jogo, é possível trocar de classe caso o jogador não se adapte ao estilo escolhido. Além disso, avançar na campanha em modo cooperativo se torna fundamental para desbloquear novos itens, aprimorar armas e desenvolver estratégias, especialmente diante da presença de novas facções inimigas.

E por falar em novos inimigos, o jogo apresenta uma campanha exclusiva que introduz a facção Freemen, presente ao longo de toda a jornada. Além disso, o mundo aberto se destaca pela variedade de atividades disponíveis. Um dos meus maiores medos durante a revelação do game era encontrar um mapa vazio, mas acontece justamente o contrário: há sempre algo acontecendo por aqui, com oportunidades de exploração, coletar loot e participar de novos confrontos.

O jogo também conta com um sistema de eventos, que concedem novos bônus diários e semanais, tornando a experiência da exploração ainda mais único. Se tem algo que me surpreendeu é que em nenhum momento o jogo te deixa de mãos abanando, sempre com algo que pode ser explorado ou descoberto com o passar do tempo. Conteúdo e fator replay é o grande charme de The Division Resurgence!

Seguindo o padrão do gênero, The Division Resurgence traz um sistema de loot aliado a um Passe de Temporada, além de eventos semanais e mensais. Os jogadores podem optar por adquirir o Passe para acelerar o desbloqueio de recompensas ou simplesmente progredir de forma natural ao avançar na campanha e explorar outros modos de jogo. Dessa forma, a experiência se mantém acessível, sem criar vantagens desbalanceadas para quem decide investir dinheiro.

Partindo para o lado competitivo do game, 3 modos de jogo foram implementados:

• Missões e Open World – Campanha principal do game, que pode ser realizada solo ou cooperativo, além de permitir repetir as missões que já foram concluídas anteriormente;
• Conflito – Modo de jogo que funciona com um Team Deatchmatch, onde equipes se unem para derrotar outros jogadores em equipes;
• Dark Zone – Modo de jogo PvE de jogador vs jogador.

Por se tratar de uma análise em acesso antecipado, encontrar partidas foi praticamente impossível. Durante os testes, eu estava no Japão, e os servidores da Ásia estavam quase vazios. Mesmo ao tentar me conectar a outras regiões, a distância impactou diretamente a qualidade da conexão, resultando em instabilidade e problemas frequentes.

Vale destacar que, com o lançamento oficial, a tendência é que o número de partidas aumente significativamente, já que mais jogadores estarão ativos e participando do modo online.

Uma jogabilidade quase perfeita

Você já imaginou jogar The Division na palma da mão? Pois é, esse momento finalmente chegou. E, para ser sincero, o resultado me surpreendeu bastante!

Mesmo não sendo um jogador frequente de mobile e sem tanta experiência com shooters/FPS em smartphones, a adaptação foi extremamente natural. Os comandos são responsivos e bem ajustados, sem exageros na interface e nada de HUD poluído ou carregado de ações desnecessárias, o que torna a experiência fluida e acessível desde os primeiros minutos.

O jogo também oferece suporte a controles, o que pode agradar quem busca uma experiência mais próxima dos consoles. Ainda assim, a jogabilidade me pareceu mais fluida utilizando apenas os comandos na tela. As ações são intuitivas: é possível se proteger em coberturas, atirar rapidamente sem precisar mirar ou usar a mira de precisão com armas como snipers, disparando automaticamente ao soltar o botão. Pode não ser o modelo ideal para todos, mas a agilidade e a resposta dos comandos me surpreenderam, especialmente depois de já ter experimentado o jogo nos consoles.

No geral, trata-se de uma experiência bastante completa, que consegue traduzir bem a essência da franquia para o mobile, entregando algo muito próximo do que se espera nos consoles, direto no smartphone ou tablet.

Aspectos Técnicos

Por se tratar de uma experiência “AAA mobile”, The Division Resurgence pode não apresentar o mesmo desempenho em todos os smartphones. Ainda assim, o jogo oferece opções de configuração que ajudam a tornar a experiência mais estável, especialmente em aparelhos mais antigos.

Durante os testes, joguei em um iPhone 17 Pro Max, equipado com o chip A19 Pro, e mesmo com o alto poder de processamento, houve momentos de engasgos ao longo da campanha, principalmente em áreas com grande concentração de inimigos. Além disso, em alguns momentos durante a minha exploração, o jogo acabou crashando, o que me fez perder alguns itens que eu já havia coletado. É importante manter a conta da Ubisoft ativada para garantir bônus ao longo dos meses.

Os gráficos impressionam e em muitos momentos nem parecem de um título pensado para smartphones. Com visuais de alto nível, um mundo aberto hostil e cenários ricos em detalhes, fica evidente o cuidado da equipe no desenvolvimento, entregando uma experiência que antes parecia exclusiva dos consoles.

Em relação a parte sonora, o jogo também se destaca. O trabalho de áudio é surpreendente, permitindo identificar a movimentação dos inimigos, o impacto dos disparos e até os perigos espalhados pelo mapa e pela campanha. Jogar com headset ou fones de ouvido é praticamente essencial, não só pela imersão, mas também pela vantagem estratégica, seja na comunicação com a equipe ou na movimentação dos inimigos.

Review de Tom Clancy’s The Division Resurgence – Vale a Pena?

Como era de se esperar da franquia, Tom Clancy’s The Division Resurgence surge como um título essencial, uma verdadeira carta de amor para os fãs e também uma excelente porta de entrada para novos jogadores no mobile. Com campanha inédita, uma nova facção e uma boa variedade de conteúdos secundários, o jogo entrega uma experiência imersiva, com muitas horas de gameplay, alto fator replay e Passes de Temporada que prometem expandir ainda mais o conteúdo no lançamento e no pós-lançamento.

Apesar de alguns pequenos engasgos e questões de desempenho observados durante a análise, a jogabilidade se mantém fluida na maior parte do tempo e tende a evoluir com futuras atualizações baseadas no feedback da comunidade. Por ser um título free-to-play, é natural que alcance um público amplo, apresentando esse universo rico e sua nova história a ainda mais jogadores.

Sem exageros, Resurgence tem potencial para se consolidar como um dos grandes nomes do gênero, e possivelmente um dos melhores shooters mobile disponíveis atualmente. Para os fãs da franquia, é um título obrigatório!

Tom Clancy’s The Division Resurgence será lançado em 31 de março de 2026 para Android e iOS.

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Quando Fatal Frame 2: Crimson Butterfly Remake foi anunciado, a reação inicial foi marcada por incerteza e por se tratar de um dos títulos mais queridos da franquia e frequentemente apontado pelos fãs como o melhor, qualquer mudança poderia gerar receio. Isso se intensificava ainda mais pelo fato de a Koei Tecmo ter lançado recentemente algumas remasterizações que não agradaram ao público.

Embora eu não seja um dos maiores fãs da série, tive a oportunidade de jogar Fatal Frame 2 pela primeira vez no PlayStation 2, e ele acabou se tornando um daqueles jogos responsáveis por várias noites de insônia na minha infância. Convenhamos: o terror japonês é sem dúvida, um dos mais perturbadores que existem. Ele provoca uma sensação real de pânico e vulnerabilidade ao espectador.

A grande questão aqui era: Crimson Butterfly Remake realmente faria jus ao título de remake ou seria apenas uma versão com gráficos melhorados? Felizmente, posso dizer que o resultado superou minhas expectativas. O jogo não se limita a melhorias apenas a melhorias visuais, trazendo também novas mecânicas de gameplay, uma expansão em alguns pontos da história e até mesmo um final completamente inédito.

Prepare um lanche, apague as luzes e venha descobrir por que este pode ser o jogo definitivo que os fãs da série sempre esperaram!

Esta review foi produzida graças a um código de PS5 cedido gentilmente pela KOEI TECMO.

Pode ficar tranquilo(a): esta análise é totalmente livre de SPOILERS!

O ritual da Vila Minakami

A história de Fatal Frame 2: Crimson Butterfly Remake acompanha as irmãs gêmeas Mio e Mayu Amakura. Durante uma visita a um local marcante de sua infância, que em breve seria submerso pela construção de uma represa, Mayu se depara com uma misteriosa borboleta vermelha e decide segui-la pela floresta.

Percebendo que a irmã parecia agir de forma estranha e hipnotizada, Mio decide segui-la e acaba sendo conduzida a uma espécie de dimensão espiritual do passado, onde ambas chegam à Vila Minakami (conhecida como The Lost Village). O que inicialmente parecia apenas uma noite comum logo se transforma em algo muito mais sombrio, quando notamos que o vilarejo está preso em uma noite eterna, consequência do Sacrifício Escarlate, um ritual que acabou falhando e terminando em uma tragédia.

A partir desse momento, nosso principal objetivo passa a ser entender por que tantas almas vagam sem rumo por esse lugar amaldiçoado, encontrar Mayu que começa a demonstrar um comportamento cada vez mais estranho e tentar quebrar esse ciclo macabro. Como nossa principal aliada de toda franquia, a Câmera Obscura está de volta e é encontrada por Mio, servindo como uma “arma” para se proteger e exorcizar os espíritos que vagam na região.

Para os jogadores que nunca tiveram contato com a série, a Câmera Obscura funciona como a principal “arma” do jogo e utiliza diferentes tipos de filmes e filtros. Esses elementos atuam de forma semelhante a munições, mas dentro de uma única câmera. Cada filme ou filtro possui características próprias, como causar mais dano, reduzir o tempo de recarga entre as fotos ou até mesmo amplificar o dano causado aos espíritos. No entanto, esses recursos são bastante limitados e raramente encontrados durante a exploração.

Para registrar a foto perfeita e causar mais dano aos inimigos, é necessário executar o Fatal Frame no exato momento em que o espírito está prestes a atacar. Esse curto intervalo de tempo é essencial, pois a captura nesse instante aumenta significativamente o dano causado e ainda pode atordoar o inimigo, evitando ataques consecutivos.

Além disso, o jogo mantém o sistema de barra de HP e stamina, sendo que a stamina é consumida ao correr ou até mesmo em momentos de susto durante encontros com os fantasmas.

Novidades surpreendentes do Remake

Durante os primeiros minutos de gameplay, já é possível perceber mudanças significativas na construção do mapa. O vilarejo agora se apresenta de forma mais ampla, oferecendo maior liberdade para que o jogador explore seus arredores. Para acessar novas áreas, será necessário resolver novos puzzles, coletar documentos que expandem a lore do jogo e descobrir eventos que podem levar a pequenas missões secundárias.

A clássica câmera fixa do original foi deixada de lado nesta versão, dando lugar a uma perspectiva em terceira pessoa. Essa alteração torna a experiência ainda mais assustadora, especialmente nos momentos em que os fantasmas se aproximam do jogador. A nova abordagem aumenta a sensação de tensão durante as aparições e ao mesmo tempo, moderniza um jogo que permaneceu preso no tempo por quase 20 anos.

Outra novidade presente em Fatal Frame 2: Crimson Butterfly Remake é a introdução de uma mecânica de furtividade, que permite ao jogador decidir entre enfrentar os fantasmas diretamente ou tentar escapar utilizando o stealth. A lanterna também continua desempenhando seu papel na exploração, ajudando a iluminar ambientes escuros, no entanto, mantê-la acesa aumenta as chances de ser detectado pelos espíritos que vagam pelo vilarejo.

Em diversos momentos, optei por utilizar a furtividade, especialmente porque alguns inimigos do vilarejo costumam atacar em grupo. Para quem já está familiarizado com a série, sabe que enfrentar três ou quatro fantasmas em sequência pode facilmente se tornar uma situação fatal.

Com a introdução dos Charms (Amuletos), o remake traz uma evolução interessante ao sistema de combate. Agora, os jogadores podem coletar amuletos pelo cenário ou adquiri-los utilizando pontos obtidos ao fotografar espíritos. Uma vez equipados, esses itens funcionam como atributos adicionais, oferecendo vantagens como redução do dano recebido, aumento da janela de Shutter Chance nas fotos ou até mesmo uma pequena recuperação de HP.

É engraçado como pequenos detalhes mudam tudo por aqui! No original, a Mio era muito mais vulnerável, limitada a utilizar curas básicas e ao clássico Stone Mirror para salvar o progresso. Agora, com esse sistema de amuletos, o jogo ganha uma camada mais tática que faz todo sentido e torna ainda mais acessível. Você sente que tem mais recursos para enfrentar os fantasmas, mas o medo de ser pego num corredor apertado continua exatamente o mesmo.

Por fim, além das melhorias significativas nas mecânicas mencionadas anteriormente, o jogo também apresenta o final “Vínculo de Sangue” (Frozen Butterfly), somando-se aos desfechos clássicos que já existiam desde a versão de 2003. No original de PlayStation 2, os jogadores basicamente se deparavam primeiro com o trágico final canônico e o final “bom” exigia condições específicas, que na prática, era quase impossível de alcançar na primeira run.

Todas essas mudanças foram fundamentais para reforçar o tom dramático de Fatal Frame e aumentar o fator replay. Confesso que essa deveria ter sido a abordagem da Koei Tecmo desde o anúncio dos remasters anteriores da franquia. É uma pena pensar que uma narrativa tão envolvente tenha ficado presa ao passado por tanto tempo. Por outro lado, é gratificante ver que finalmente temos uma versão que faz jus ao legado do jogo!

Os problemas do Remake

Após destacar todas as novas mecânicas e melhorias que ajudam a transformar este no que pode ser considerado o melhor jogo da franquia Fatal Frame, infelizmente alguns problemas sérios acabam se sobressaindo e podem se tornar uma verdadeira pedra no sapato para a maioria dos jogadores.

Antes de entrar nesses pontos, é importante esclarecer que esta análise foi realizada na versão de PlayStation 5 Pro, antes do lançamento oficial do jogo, o que normalmente poderiam ocasionar certos problemas. Ainda assim, para entender melhor o problema que me acompanhou durante toda a gameplay, é fundamental diferenciar aquilo que é uma escolha artística dos desenvolvedores, falhas técnicas ou até mesmo falta de uma atualização.

Ao iniciar o game, pude notar que o jogo estava extremamente escuro. Para resolver este problema, decidi abrir as configurações e aumentar o brilho ao máximo para tentar, de alguma forma melhorar esse aspecto. Tentei habilitar o HDR e até mesmo desabilitar para ver se de fato alguma mudança seria aplicada por aqui, mas o jogo seguia escuro, dando a impressão de que eu estava equipado o tempo todo com a Câmera Obscura.

O jogo utiliza o granulado de filme como uma escolha artística da equipe de desenvolvimento, criando uma atmosfera mais sombria e intensa. No entanto, os problemas de iluminação aliados à granulação constante acabam comprometendo a experiência em vários momentos. Em diversas situações, mesmo com a lanterna ligada, os cenários ficavam tão escuros que era difícil enxergar o caminho, me obrigando a me aproximar da televisão e manter o brilho no máximo para conseguir continuar jogando.

Curiosamente, ao tirar capturas de tela ou gravar vídeos, o problema simplesmente desaparecia, como se a iluminação estivesse funcionando normalmente no jogo. Para garantir que não se tratava de alguma configuração incorreta, decidi realizar dois testes diferentes.

• Baixar a demonstração no Nintendo Switch 2;
• Baixar a demonstração na Steam (PC);

Em todas essas versões o problema da escuridão excessiva não estava presente. O granulado ainda era perceptível, mas cumpria claramente seu papel artístico de tornar os ambientes mais sombrios, algo que remete diretamente à atmosfera do clássico lançado no PlayStation 2.

Acredito que a versão final do jogo possa receber uma atualização para corrigir esse problema no lançamento. Ainda assim, é importante destacar que tive acesso apenas à versão de PlayStation 5 Pro antes da chegada oficial do título. Não tive contato com as versões completas dos outros consoles, o que me permitiu testar apenas as demonstrações disponibilizadas nessas plataformas.

Minha suspeita é de que o jogo tenha recebido uma atualização diferente daquela disponível nas demos. Ainda assim, independentemente disso, esse problema acabou impactando diretamente minha experiência durante a análise.

E por falar em problemas, é impossível não mencionar a ausência de legendas em Português do Brasil (PT-BR). Em pleno 2026, ainda não termos suporte ao nosso idioma oficial continua sendo uma grande falha. Isso acaba se tornando uma barreira para muitos jogadores e afasta parte do público de um jogo que é fortemente centrado em sua narrativa.

Aqui, o título oferece apenas alguns dos principais idiomas, como inglês, espanhol e japonês, o que é uma pena, especialmente considerando a grande quantidade de documentos e arquivos espalhados pelo jogo que são essenciais para compreender a história. Isso se torna ainda mais evidente a partir do quarto capítulo, quando diversas revelações importantes começam a surgir.

Outro ponto que também pode incomodar alguns jogadores é a limitação de 30 FPS nos consoles. Durante meus testes na versão de PS5 Pro, não enfrentei travamentos ou quedas de desempenho que comprometessem a experiência, porém o jogo permaneceu travado nessa taxa de quadros.

No PC, por outro lado, é possível alternar entre 30 e 60 FPS, o que acaba sendo um pouco frustrante, especialmente considerando que o hardware dos consoles atuais teria capacidade suficiente para rodar o jogo com maior fluidez.

Aspectos técnicos

Em comparação com a versão anterior lançada no Nintendo Wii, Fatal Frame 2: Crimson Butterfly Remake apresenta melhorias gráficas significativas. Os cenários agora contam com uma maior quantidade de detalhes e objetos espalhados pelo ambiente, além de paisagens cuidadosamente construídas que remetem aos templos tradicionais do Japão. Tudo isso é aliado com um excelente level design que se conecta o tempo todo, ligando casas e até mesmo templos de um ponto ao outro para facilitar a sua rota.

O jogo também se destaca pelos efeitos sonoros perturbadores, que ampliam significativamente a sensação de imersão ao explorar o vilarejo. Para tornar a experiência ainda mais bizarra, recomendo utilizar um headset, já que assim é possível perceber detalhes como o ranger da madeira ao caminhar sobre o assoalho das casas, os sons dos espíritos se aproximando e até mesmo os gritos de agonia quando fotografamos um fantasma e causamos dano.

No geral, o game entrega uma boa experiência com gráficos satisfatórios, que estão longe de se tornarem os mais bonitos da geração, mas cumprem bem seu papel entregando uma atmosfera sombria e tensa para quem procura um verdadeiro survival horror assustador.

Review de Fatal Frame 2: Crimson Butterfly Remake – Vale a Pena?

O folclore japonês é repleto de espíritos vingativos, rituais antigos e elementos perturbadores, o que sempre foi um grande destaque tanto em produções cinematográficas quanto em lendas urbanas presentes na cultura do Japão. Retornar a um clássico do passado exige um cuidado especial por parte da desenvolvedora, principalmente pelo forte fator nostálgico que inevitavelmente envolve os jogadores.

Mesmo com os problemas de iluminação mencionados, que podem ser corrigidos com ajustes futuros, Fatal Frame 2: Crimson Butterfly Remake consegue entregar exatamente aquilo que esperamos da franquia: terror na medida certa, com sustos inesperados, uma narrativa envolvente e confrontos únicos utilizando a icônica Câmera Obscura.

O jogo ainda se mostra pouco acessível para o público brasileiro, já que não conta com legendas em Português do Brasil. Isso acaba tornando a experiência menos atrativa para parte dos jogadores, especialmente porque a narrativa depende bastante de arquivos e documentos espalhados pelo cenário que detalham os acontecimentos históricos do vilarejo.

Por outro lado, o título compensa com diversas novidades na gameplay, incluindo um novo final que aumenta o fator replay e a mudança para uma câmera em terceira pessoa, algo que foi muito bem-vindo e ajuda a modernizar a experiência. No geral, Fatal Frame 2: Crimson Butterfly Remake é um jogo envolvente e que certamente vale o tempo dos fãs de terror!

O problema de iluminação, inclusive, já vem sendo comentado por outros jogadores em vídeos de gameplay no YouTube e em discussões na internet. Por isso, é provável que uma atualização seja lançada para corrigir essa questão.

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Com a chegada de Rayman 30th Anniversary, celebrar o relançamento de tantos títulos marcantes da Ubisoft traz à tona uma onda de nostalgia. Apesar de seu enorme sucesso nos consoles, o game acabou permanecendo “adormecido” por muitos anos. Reviver esse clássico vai além de uma simples homenagem; é uma oportunidade para que novos jogadores descubram não apenas as versões lançadas para PC, mas também façam novos jogadores conhecerem Rayman através de suas adaptações para Game Boy Color, Game Boy Advance e até mesmo no Atari.

Será que o game realmente envelheceu bem? Será que teremos futuros lançamentos de Rayman para os consoles de nova geração? É isso que você irá descobrir em nossa Review!

Esta review foi produzida graças a um código de PC cedido gentilmente pela Ubisoft Brasil.

30 anos de Rayman: Uma celebração que vai além dos jogos

Ao iniciar Rayman 30th Anniversary, o jogador encontra a opção “História”, uma introdução que revisita as origens do personagem e funciona como um verdadeiro diário de desenvolvimento. O conteúdo apresenta documentários exclusivos dos bastidores, revelando detalhes que nunca haviam sido compartilhados publicamente. Além de explorar o processo de criação e evolução de Rayman, o material também apresenta a trajetória pessoal do desenvolvedor francês Michel Ancel, em parceria com a Ubisoft.

Além dos vídeos apresentando os bastidores da franquia, a coletânea também reúne uma galeria de imagens que documentam todo o processo de desenvolvimento desde 1995. O material revela etapas de criação, artes conceituais e curiosidades sobre a adaptação e lançamento dos jogos para plataformas como PlayStation, DOS, Atari Jaguar, Game Boy Color e Game Boy Advance, oferecendo uma visão geral da evolução da série ao longo dos anos.

Como se não bastassem todas essas informações, a coletânea ainda inclui um protótipo de Rayman, apresentado como a primeira demo jogável do projeto. O protótipo desenvolvido em 1992 para SNES trata-se de um nível inacabado que funciona como um experimento, permitindo observar a movimentação do personagem e o mundo no qual somos inseridos.

Embora seja uma demonstração com menos de 1 minuto de duração, sua presença no conteúdo de 30 anos é extremamente significativa, afinal, estamos falando de um conteúdo raro, que permaneceu inédito por décadas e que agora pode ser testado pelo público pela primeira vez.

Os jogos de Rayman ao longo dos anos

Sem sombra de dúvidas, a proposta 2D foi o grande acerto da franquia, tendo em vista que jogos de aventura estavam começando a ganhar força no mercado. O sucesso de Rayman se tornou algo constante, gerando diversas continuações e expandindo a franquia para outras plataformas, indo além do PC. É surpreendente ver que um projeto experimental se tornou um verdadeiro hit viral para a época.

Na coleção de 30 anos de jogos de Rayman, o jogo oferece 5 títulos clássicos, sendo eles:

• Rayman – Lançado originalmente em 1995 para PlayStation 1, essa é a versão definitiva do primeiro Rayman lançado no PC, com a adição de sequência de vídeos animados e animações em 2D;
• Rayman – Lançado originalmente em 1995 para Atari Jaguar, essa foi uma versão alternativa de Rayman, que utilizava um cartucho com diferenças na gameplay se comparadas ao mesmo título do PS1;
• Rayman – Lançado originalmente para MS-DOS em 1995, o jogo também contava com pequenas diferenças em relação as versões lançadas nos consoles;
• Rayman – Lançado para Game Boy Color em 2000, o título foi baseado na história de Rayman original, projetado para as plataformas de 8 bits;
• Rayman Advance – Lançado para Game Boy Advance em 2001, este foi o primeiro título da versão portátil de 32 bits.

Todos os títulos presentes na coletânea preservam o conteúdo original de seus lançamentos, reunindo mais de 100 níveis no total. Além disso, a coleção traz melhorias modernas, como sistema de conquistas e troféus para os consoles atuais, opções de exibição em tela cheia ou no formato original, filtros visuais clássicos que reforçam a atmosfera nostálgica e até cheats especiais que permitem ativar recursos como vida infinita.

Em poucas horas de gameplay, já é possível perceber o peso do tempo nas mecânicas do jogo para os padrões atuais. Isso fica evidente principalmente nos momentos de salto e escalada entre plataformas, que exigem uma certa precisão para evitar quedas. O mesmo acontece com os ataques de Rayman, que demandam um timing bastante preciso para derrotar os inimigos. Trata-se claramente de um jogo de outra época, e dentro desse contexto, é natural encontrar uma jogabilidade mais travada e menos fluida quando comparada aos títulos modernos.

Sinto que a empresa perdeu a oportunidade de ir além do relançamento, apostando em remasterizações ou ajustes nas mecânicas que poderiam transformar a coletânea em uma celebração ainda mais marcante dos 30 anos da franquia. Uma abordagem interessante seria manter as versões clássicas intactas no pacote, mas também oferecer edições remasterizadas desses mesmos títulos, reunindo ambas as experiências em um único jogo.

De modo geral, os jogadores podem esperar uma experiência nostálgica, com mais de 100 níveis desafiadores que preservam a essência do clássico. No entanto, a coletânea não traz mudanças significativas para a série, mantendo-se fiel a proposta original.

Aspectos técnicos

Como mencionado anteriormente, a coletânea preserva todo o conteúdo original, incorporando filtros visuais clássicos e modernos que ajudam a melhorar a experiência. Mesmo sem grandes alterações, o gameplay ganha um charme extra com a possibilidade de ajustar o filtro, destacando ainda mais os belíssimos cenários do jogo.

De certa forma, Rayman se destaca por seus níveis repletos de detalhes, cores vibrantes e um level design criativo, com mundos que se conectam de maneira fluida e natural. A trilha sonora também merece destaque: ela é marcante e cheia de personalidade, despertando as memórias de quem jogou na época. Em relação ao desempenho, todos os títulos incluídos na edição de 30 anos rodam a 60 FPS, entregando uma fluidez que já era esperada pelo público.

Review de Rayman 30th Anniversary – Vale a Pena?

Apesar de ter me divertido bastante revisitando os clássicos da franquia Rayman, fica a sensação de que a celebração de 30 anos poderia ter ido além. A inclusão de novos conteúdos, melhorias na jogabilidade ou até mesmo uma atualização visual mais robusta para os consoles atuais teria melhorado significativamente o pacote. Gostaria muito de ver algo semelhante ao trabalho realizado pela Activision com a trilogia Crash Bandicoot N. Sane Trilogy.

Rayman é um personagem icônico e certamente merecia uma homenagem ainda mais ambiciosa. O material dedicado à história de desenvolvimento é extremamente relevante e funciona como uma excelente adição para fãs, mas a jogabilidade também poderia ter recebido o mesmo nível de atenção.

Rejogar Rayman continua sendo uma experiência voltada a nostalgia, especialmente para quem acompanhou a série desde o início. Ainda assim, vale considerar aguardar uma futura promoção para jogá-lo novamente. Fica aqui a minha esperança de que nosso herói retorne em breve com um novo título mais divertido, trazendo melhorias significativas de gameplay ou até mesmo um remake completo do clássico lançado em 1995!

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Felizmente, a Capcom vive atualmente um dos melhores momentos de sua história, consolidando-se como uma das empresas mais consistentes da indústria ao entregar jogos que estão fazendo cada vez mais sucesso.

A franquia Resident Evil passou por diversas fases ao longo dos anos, desde os clássicos que definiram o survival horror no PlayStation 1, até Resident Evil 4, um título que redefiniu todos os padrões da indústria.

Mesmo com muitos títulos de sucesso, nem o público deixou de criticar algumas decisões da empresa, especialmente aquelas que priorizaram uma abordagem mais voltada para a ação e mudanças na narrativa, como aconteceu em Resident Evil 6.

Após esse período conturbado, a Capcom passou a revisitar o “passado”. Esse retorno ao verdadeiro survival horror só se tornaria ainda mais relevante em 2017, com uma proposta ousada e totalmente diferente do que a franquia vinha apresentando, introduzindo a câmera em primeira pessoa.

Em 2025, tivemos o primeiro contato com Resident Evil Requiem durante uma apresentação hands-off realizada na Summer Game Fest, em Los Angeles. Meses depois, já com mais informações reveladas, surgiu a oportunidade de experimentar o jogo em primeira mão durante a gamescom, na Alemanha. Uma conquista especial para a equipe, mas que carrega um significado ainda maior para quem acompanha a franquia desde o início!

Deixando de lado o momento mais emocional desta análise, é importante ressaltar que Resident Evil Requiem aposta em uma proposta ousada, reunindo elementos que marcaram os jogos anteriores, enquanto introduz novidades que poderão determinar o futuro da franquia. Ainda assim, é preciso ser honesto: nem tudo é perfeito aqui. Requiem é um título que deve dividir opiniões, um verdadeiro ame ou odeie, mas que compensa com muita personalidade e uma das melhores jogabilidades dos últimos anos.

Uma das características mais marcantes do jogo é a forma como Leon Scott Kennedy, agora aos 51 anos, demonstra o peso de tudo o que viveu. Seu cansaço emocional e psicológico reforça ainda mais o significado do título Requiem, que ganha uma camada simbólica ao sugerir o possível encerramento de uma era, ou até mesmo a despedida de um agente que viveu o verdadeiro inferno desde os acontecimentos em Raccoon City.

Será que Resident Evil Requiem representa a evolução definitiva da franquia? O novo título consegue entregar a melhor experiência da série desde Resident Evil Village e seus aclamados REmakes? É exatamente isso que você irá descobrir agora em nossa análise TOTALMENTE LIVRE DE SPOILERS!

Esta review foi realizada a partir de um código de PS5 disponibilizado antecipadamente pela CAPCOM Brasil.

Destinos entrelaçados

Desde o primeiro anúncio de Resident Evil Requiem, a Capcom deixou claro que o terror estaria de volta e seria o “centro da experiência”, colocando Grace diante de um caso que iria mudar a sua vida para sempre, assim como aconteceu com Leon em 1998, durante o incidente de Raccoon City. As semelhanças entre suas jornadas revelam que o destino de ambos os protagonistas está ligado a traumas profundos e às cicatrizes que foram deixadas no passado.

Em Requiem, os jogadores assumem o papel de Grace Ashcroft, uma analista de inteligência do FBI designada para investigar um misterioso caso envolvendo desaparecimento e assassinato. Ao receber a missão, Grace entra em estado de choque ao descobrir que o Wrenwood Hotel é o mesmo local onde sua mãe foi assassinada oito anos atrás. O crime jamais foi solucionado, o que acabou causando uma profunda ferida em sua vida.

Na primeira sessão de nossa gameplay, o game deixa evidente o foco total no terror, e podemos ter a mesma sensação passada em Resident Evil 7 e Resident Evil Village. Pequenos corredores, salas escuras, e uma iluminação, ou melhor, a falta dela, que reforçam a sensação de pavor.

Após a confirmação da presença de Leon nos trailers divulgados pela Capcom, a expectativa dos jogadores aumentou consideravelmente. Diferente da campanha de Grace, o jogo “recomenda” controlar Leon em terceira pessoa, reforçando o foco na ação constante ao longo de seus capítulos. Essa proposta fica evidente já no primeiro segmento ambientado nas ruas de Wrenwood, quando Victor Gideon, um dos principais antagonistas da narrativa, utiliza uma pistola biológica capaz de transformar cidadãos em zumbis, ampliando rapidamente a disseminação do vírus.

O peso do tempo também está presente aqui, tendo em vista que 30 anos se passaram desde o incidente de Raccoon City, lembrando que Leon Scott Kenedy já não é mais o novato prestes a iniciar seu primeiro dia de trabalho.

Enquanto com Grace os jogadores vivenciam uma experiência claramente voltada ao survival horror, marcada por puzzles, corredores apertados, ambientes escuros e constante escassez de munição (a depender da dificuldade), a campanha de Leon segue um caminho oposto. Com o agente veterano, o combate se torna mais brutal, trazendo um arsenal variado e inimigos constantes, focando em uma abordagem mais próxima do action horror.

2 histórias, uma única Campanha

Ao contrário do que muitos jogadores imaginaram, Resident Evil Requiem apresenta uma única narrativa principal, diferente do que vimos em Resident Evil 2, onde era possível escolher entre as campanhas de Leon e Claire. Em Requiem, essa decisão funciona surpreendentemente bem, já que a história alterna naturalmente entre os momentos vividos por Leon e Grace, mantendo o ritmo da narrativa em constante evolução.

Desde o início da campanha, o jogo sugere que Grace seja jogada em primeira pessoa, enquanto Leon assume a perspectiva em terceira pessoa, embora o jogador possa alterar o tipo de câmera a qualquer momento pelo menu.

E, sinceramente? Essa foi uma das melhores decisões da Capcom! Por ser uma personagem inexperiente, lançada em um cenário de horror sem qualquer preparo, a visão em primeira pessoa reforça perfeitamente a sensação de vulnerabilidade e medo, colocando o jogador diretamente na pele de alguém que está enfrentando tudo aquilo pela primeira vez.

Nos trechos de Leon, o grande destaque fica por conta do combate em terceira pessoa. Com um agente extremamente experiente em campo, o jogo aposta em confrontos brutais, trazendo múltiplas finalizações, a introdução de um tomahawk que pode ser utilizado tanto para afastar inimigos quanto para atacá-los, e claro, um arsenal completo com múltiplas armas que podem ser obtidas ao explorar a campanha.

Mas você provavelmente deve estar se perguntando: é possível perceber essas diferenças de “experiência” também durante o combate com Grace? A resposta é simples: sim! Com ela, fica evidente que estamos diante de alguém assustado, reagindo pela primeira vez a criaturas bizarras e situações extremas. A escassez de munição varia de acordo com a escolha da dificuldade pelo jogador, a falta de experiência em utilizar uma faca para finalizar inimigos e até a maneira desesperada como Grace empurra inimigos nos corredores para ganhar tempo e fugir reforçam essa sensação de vulnerabilidade.

Durante boa parte da minha gameplay, o medo era real e constante, com a falta de recursos e a dificuldade em manter a mira estável, já que a personagem tremia muito e deixava tudo ainda mais desesperador. Esses pequenos detalhes não apenas tornam o game ainda mais divertido, mas mostram que no universo de Resident Evil, muitos personagens foram forçados a viver essas circunstâncias.

Em uma primeira gameplay, explorando cada ambiente e buscando todos os colecionáveis disponíveis, os jogadores devem levar cerca de 15 horas para concluir a campanha. Esse tempo pode variar bastante, dependendo da experiência de veteranos da franquia ou de novos jogadores que estejam tendo seu primeiro contato com a série. Já em uma segunda run, a duração tende a cair significativamente, já que estaremos familiarizados com os inimigos, puzzles e áreas de exploração.

Se havia algo que realmente me preocupava durante a campanha, era a possibilidade de passar grande parte do jogo controlando apenas Grace. Felizmente, isso não acontece, já que o jogo equilibra bem o tempo de tela entre os dois protagonistas. Por eu ter uma forte preferência por jogar com Leon, os primeiros trechos com o personagem inicialmente pareciam muito curtos, mas ganham maior duração conforme a narrativa avança, mesclando entre os momentos de tensão vividos por Grace e o combate mais intenso protagonizado por Leon.

Mesmo sendo um grande fã do survival horror e tendo apreciado bastante a experiência com a nova protagonista, o estilo de combate de Leon continua sendo um dos grandes atrativos da franquia. Sua construção como personagem se consolidou como algo icônico desde Resident Evil 4 e Resident Evil 6, reforçando sua presença dentro da série.

Em suma, independentemente das transições entre os personagens ao longo da campanha, fica evidente que essas novas mecânicas têm potencial para se tornar parte do futuro da franquia, equilibrando diferentes estilos de gameplay e agradando tanto os fãs do survival horror clássico quanto aqueles que preferem a abordagem mais voltada para a ação. Uma baita oportunidade da Capcom em fazer história novamente!

A gameplay de Resident Evil Requiem

Como mencionado anteriormente, Resident Evil Requiem oferece 2 estilos de gameplay, desde o survival horror, ao action horror. Isso é visilmente apresentado aos jogadores desde o início da campanha, mostrando as grandes diferenças de cada um dos personagens.

Com Grace, os jogadores vivenciam momentos mais voltados ao stealth, seja para evitar confrontos diretos ou realizar ataques furtivos pelas costas dos inimigos. Esse sistema se torna evidente logo na introdução da primeira perseguidora do jogo, que exige uma abordagem mais cautelosa. Entre as novidades, destaca-se a mecânica de arremessar garrafas para distrair os inimigos por meio do som dos estilhaços.

Durante a gameplay realizada em agosto, a convite da Capcom, tive a impressão de que essa mecânica ainda estava um pouco “crua”. Mesmo ao arremessar a garrafa de vidro para distrair os inimigos, eles não pareciam reagir ao som, o que acabava tornando o recurso praticamente dispensável naquele momento de testes.

Já na versão final do jogo, ficou evidente uma evolução significativa do sistema. A resposta dos inimigos ao barulho melhorou, tornando o stealth muito mais funcional, além da introdução de um novo item na campanha que também pode ser utilizado para atordoar inimigos.

Com Leon Scott Kennedy, alguns momentos também permitem uma abordagem furtiva, mas a essência do personagem segue um caminho bem diferente. Aqui, os confrontos são mais diretos, com inimigos mais agressivos e um combate focado em ação, incluindo finalizações com chutes, socos e novas execuções integradas ao uso das pistolas e da própria Requiem.

Assim como em no quarto título, é possível atordoar adversários com disparos para abrir espaço para ataques corpo a corpo, utilizando o Tomahawk como ferramenta de finalização ou até mesmo desmembrando inimigos com o poder das armas de fogo.

Outro aspecto que me chamou bastante atenção durante a gameplay foi a forma como Resident Evil Requiem combina mecânicas de títulos anteriores da franquia, tornando a jogabilidade mais fluida e disparada uma das melhores de todos os tempos. Um bom exemplo está na fusão entre o combate de Resident Evil 4 e alguns elementos de movimentação e finalizações vistos em Resident Evil 6.

Antes que isso cause preocupação, vale destacar que Leon não executa todos aqueles “malabares malucos” do sexto jogo. Ainda assim, algumas mecânicas que remetem diretamente aos movimentos introduzidos em Resident Evil 6 estão presentes, incluindo um momento específico da campanha em que um inimigo armado dispara em todas as direções, remetendo claramente às sequências mais voltadas para a ação vistas naquele título.

Em relação ao combate, Grace conta com um arsenal bastante limitado, restrito inicialmente a pistolas básicas e facas, obtidas após sua chegada a Rhodes Hill, depois de escapar da transfusão de sangue. Nesse momento da narrativa, Leon entrega a Requiem para ajudá-la a sobreviver e conforme a campanha avança, novos recursos passam a ser encontrados, como sucata e materiais utilizados na fabricação de munição e facas. Esse sistema de criação se estende aos dois protagonistas, estando presente ao longo de toda a campanha.

Na campanha de Grace, é importante destacar que o sistema de criação possui limitações claras, já que os jogadores precisam desbloquear as receitas por meio de amostras localizadas no laboratório. O jogo introduz uma ferramenta fundamental para a protagonista: o Coletor de Sangue, um dispositivo de análise capaz de extrair sangue dos zumbis que foram mortos.

O material coletado pode ser utilizado na fabricação de diferentes recursos, como o injetor hemolítico, que destrói as células sanguíneas dos infectados fazendo-os explodir, além de munição para pistolas, injetores responsáveis pelo aumento permanente da saúde e outros itens indispensáveis para a sobrevivência. Já na campanha de Leon, essa mecânica específica não está presente, sendo necessário apenas coletar recursos como pólvora e sucata para a fabricação de munições destinadas aos vários tipos de armas de fogo do game.

Como mencionado anteriormente, o tomahawk se torna uma arma fundamental durante o combate, funcionando tanto para ataques ofensivos quanto para aparar investidas inimigas, incluindo golpes de chefes. Para utilizá-lo de forma eficiente, é preciso realizar o bloqueio no momento exato, evitando danos desnecessários. No entanto, o gerenciamento do equipamento é essencial, já que a arma perde o fio após múltiplos usos, exigindo que o jogador a amole regularmente utilizando uma pedra de afiar.

Se você achou que as novidades do combate param por aí, está enganado. Resident Evil Requiem oferece aos jogadores um arsenal variado que é desbloqueado ao longo da campanha de Leon, indo muito além da pistola inicial e da própria Requiem.

Tudo isso funciona de forma bastante eficiente na prática, já que é possível sentir o peso e o impacto de cada arma durante o combate. Um dos melhores exemplos são as finalizações com a Requiem, a poderosa magnum de Leon, capaz de explodir a cabeça dos inimigos com um único disparo. As demais armas também apresentam a sensação de impacto, com desmembramentos visíveis e membros amputados, reforçando a brutalidade dos confrontos.

Bom, se você chegou até aqui, provavelmente percebeu uma sequência de elogios vindos de alguém apaixonado por Resident Evil. Porém, a verdade precisa ser dita: nem tudo são flores… Resident Evil Requiem apresenta alguns problemas significativos e que me deixaram decepcionado.

Quando iniciei a campanha com Grace, imaginei que o jogo apostaria em puzzles mais complexos e desafiadores. Não necessariamente algo no mesmo nível dos clássicos do PlayStation 1, que eram realmente desafiadores e, muitas vezes, até pouco acessíveis para parte dos jogadores da época, mas, esperava desafios mais marcantes por aqui.

Resident Evil Requiem adota uma abordagem mais linear, sem apresentar grandes obstáculos ao longo da jornada, concentrando seus desafios em puzzles mais tradicionais, como a abertura de cofres e enigmas baseados em figuras que precisam ser organizadas na ordem correta.

O jogo também não apresenta puzzles realmente complexos para abrir portas ou avançar na campanha. É verdade que, em determinados momentos, o jogador pode acabar se perdendo, principalmente quando inimigos bloqueiam caminhos ou perseguem o personagem por corredores vazios. Ainda assim, fica a sensação de que elementos mais elaborados de resolução de enigmas foram deixados de lado, algo que poderia ter enriquecido ainda mais a experiência.

Considerando que Rhodes Hill não possui a estrutura de uma mansão enigmática como nos títulos clássicos da franquia, é compreensível que não existam aquelas portas absurdamente elaboradas ou quebra-cabeças bizarros. No entanto, os puzzles presentes acabam sendo muito simples, geralmente com a solução praticamente entregue ao jogador logo ao lado, bastando a leitura de um arquivo para encontrar a resposta.

Como se não bastassem esses pontos, o jogo também decepciona (muito) quando o assunto são as boss fights e o desenvolvimento dos inimigos. Embora seja evidente que o foco narrativo esteja centrado na história de Grace Ashcroft, os chefes acabam sendo deixados de lado. Esse ponto eu iria abordar no momento em que estava falando da campanha de ambos os personagens, mas sinto que são motivos parecidos e deveriam ser incluidos neste mesmo tópico.

Ao citar Resident Evil Village, faço referência justamente à forma como o título apresentou seus chefes. Mesmo com introduções relativamente breves, cada líder de região possuía objetivos claros, uma personalidade marcante e uma história que se desenvolvia naturalmente ao longo da campanha. Em Resident Evil Requiem, por outro lado, muitos inimigos parecem ter sido inseridos apenas como obstáculos durante gameplay, surgindo mais como desafios pontuais para tornar a jornada de Leon mais difícil.

Por mais curioso que pareça, todos os chefes do jogo possuem arquivos dedicados a explicar de forma breve a história de cada um deles. Mesmo gostando de ler arquivos e parando para ler todos, essa abordagem não é divertida, já que grande parte do desenvolvimento desses inimigos fica restrito a textos. Como consequência disso, essas informações podem facilmente passar batidas pelos jogadores, transformando chefes em figuras irrelevantes.

Outro aspecto que para mim, está entre os mais decepcionantes do jogo é a falta de variedade no moveset dos chefes. Em várias batalhas, fica evidente que as arenas são pouco exploradas, praticamente sem interações com o cenário na hora de atacar. Na maioria das vezes, o ambiente se limita a carros, pilares ou barreiras usadas apenas para se proteger ou desviar dos golpes.

Sinto que os chefes poderiam ter sido melhores aproveitados no contexto histórico e da gameplay. Por outro lado, alguns problemas podem ser compensados com finalizações brutais por parte de Leon, arremessando ferramentas, barras de ferro e cortes com Tomahawk nos inimigos.

Gráficos, Trilha Sonora e Desempenho de Resident Evil Requiem

Se tem algo que a RE Engine continua entregando com excelência é qualidade técnica, algo perceptível desde o sétimo capítulo da franquia. Tive a oportunidade de jogar Resident Evil Requiem no PlayStation 5 Pro e, mesmo sem a adição de modos de jogo como Modo Qualidade ou Modo Desempenho, o jogo impressiona pela performance.

O resultado é uma das experiências mais fluidas já vistas na série e talvez entre os jogos mais recentes da atual geração. Não é exagero dizer que Requiem se destaca nesse aspecto, oferecendo uma gameplay estável a 60 FPS, com visuais extremamente realistas do início ao fim da campanha.

Em nenhum momento do jogo sofri com quedas de desempenho, engasgos, bugs relevantes ou crashes, reforçando que a Capcom segue no caminho certo ao evoluir constantemente a RE Engine e torná-la a base inicial de seus jogos.

Tudo isso é acompanhado por gráficos surpreendentes, cores vivas, cenários extremamente detalhados e um trabalho de captura facial (MoCap) que representa, sem dúvida, o melhor já visto na franquia até hoje e possivelmente o melhor que já vi em toda a minha vida. Os personagens se destacam ainda mais, permitindo perceber pequenos detalhes nas expressões do rosto, nos tecidos das roupas ou nos elementos de cenário.

O jogo também implementa todos os recursos do DualSense, incorporando feedback háptico e gatilhos adaptáveis que se comportam de maneira diferente conforme a arma utilizada, tornando o acionamento do gatilho mais “duros e pesados”. Embora não seja uma funcionalidade utilizada por todos os jogadores, sua implementação contribui para a imersão e pode fazer diferença para aqueles que buscam uma experiência mais completa dentro do survival horror.

Partindo para o lado sonoro, o jogo é uma verdadeira obra prima! Ao utilizar um headset, o som espacial está presente, dando um ar mais sombrio na jogatina, especialmente nos momentos que controlamos Grace Ashcroft. Aqui, os inimigos (zumbis) possuem um pouco de “humanidade”, onde podemos escutar alguns deles se desculpando por aquilo que está acontecendo ou o sofrimento que é estampado em sua voz.

Apesar de ter realizado minha campanha principal em inglês, também testei a dublagem em Português do Brasil, e o trabalho de Felipe Grinnan (Leon) e Angela Sant’Albano (Grace) é simplesmente impecável. Ambos conseguem transmitir emoção, peso e personalidade em cada diálogo. Um trabalho digno de destaque e uma verdadeira obra-prima da dublagem nacional!

Review de Resident Evil Requiem – Vale a Pena?

Quando tive contato com Resident Evil na era do PlayStation 1, mesmo apavorado com os zumbis, pude sentir que aquilo se tornaria algo gigante. Mesmo na percepção de uma criança, você é capaz de entender suas frustrações com o jogo, além do medo constante em uma franquia que provavelmente traumatizou boa parte das crianças. Ter a oportunidade de jogar Resident Evil Requiem em acesso antecipado não foi apenas uma realização de um sonho, mas uma meta que eu nunca imaginei que iria alcançar em minha vida.

Deixando o fanatismo e a nostalgia de lado, sinto que Resident Evil Requiem deixou muito a desejar nas lutas contra os chefes, fazendo com que esses combates sejam completamente esquecíveis com o passar do tempo. Entretanto, o jogo conquista aqueles que buscam uma gameplay assustadora e frenética com cada um dos personagens. Requiem pode sofrer com a falta de desenvolvimento dos chefes, mas entrega uma experiência sólida quando falamos de jogabilidade.

Arrisco a dizer que esse é um dos jogos mais bonitos que joguei da franquia, graças a RE Engine e a implementação de novas mecânicas que provavelmente se tornarão o futuro daqui pra frente.

Requiem não é o melhor Resident Evil da franquia quando falamos sobre narrativa, mas é capaz de entregar uma experiência única e altamente recomendada para todos os jogadores. Por isso é certo dizer, que mesmo com erros, Requiem é uma verdadeira carta de amor para os fãs do survival horror e uma ótima forma de introduzir novos jogadores para conhecerem um pouco mais sobre a história.

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