Em um cenário no qual o público demonstra cada vez menos paciência com experiências que exigem dedicação constante, a aposta em um extraction shooter competitivo já colocava o projeto sob pressão desde o início.

Esse contexto ajuda a explicar por que Marathon se transformou tão rapidamente em um jogo divisivo. A Bungie tenta, ao mesmo tempo, reinventar uma franquia clássica, estabelecer uma nova aposta comercial de longo prazo e manter uma identidade artística extremamente forte.

O resultado é um título que impressiona em vários aspectos fundamentais, mas também tropeça em decisões de design que limitam bastante seu alcance.

Artisticamente impecável

A primeira grande qualidade do jogo tá em sua direção de arte. Marathon é visualmente marcante e constrói uma estética futurista muito própria, apoiada em cores agressivas, silhuetas fortes, interfaces carregadas de personalidade e um universo que mistura frieza corporativa com ameaça constante.

Tau Ceti IV é um mundo que chama atenção de imediato, com seus corredores sintéticos, design das armas, propagandas das facções e ambientes abandonados criando uma atmosfera que realmente parece distinta dentro do mercado atual.

No entanto, esse mesmo estilo tão forte cobra seu preço. Em sessões mais longas, Marathon pode se tornar cansativo justamente por exagerar em contraste, ruído visual e excesso de informação.

Em combate, isso pesa ainda mais, pois em alguns momentos, diferenciar rapidamente um inimigo controlado pela inteligência artificial de um jogador humano não é tão simples quanto deveria. E, dentro de um extraction shooter, qualquer detalhe pode ser fatal.

O jogo acerta ao construir um dos universos visuais mais autorais dos últimos tempos, mas falha quando precisa transformar essa estética em algo compreensível e de domínio fácil.

Gunplay de Marathon faz frente com grandes FPS

Se existe um campo em que a Bungie continua sendo referência, porém, é no tiro em primeira pessoa. O gunplay de Marathon é excelente, com cada arma transmitindo peso, impacto, resposta e personalidade.

O recuo, o áudio, a velocidade dos disparos e o tempo de abate formam um conjunto muito sólido, e atirar continua sendo extremamente prazeroso. Isso sustenta boa parte da jogabilidade mesmo quando outros sistemas não são tão bons.

O arsenal também contribui bastante pra essa sensação. Há muita variedade entre as armas, e o sistema de modificações ajuda a tornar o equipamento mais flexível. Marathon acerta ao não transformar a raridade em único critério de valor.

Uma arma relativamente comum, por exemplo, ainda pode ser muito útil se estiver bem montada e adequada ao estilo do jogador. Essa lógica incentiva experimentação e evita um pouco aquela sensação automática de trocar tudo apenas porque encontrou equipamentos com atributos melhores.

Extraction shooter ou hero shooter?

Os corredores, que funcionam como classes, também ajudam a dar profundidade às partidas. O toque de hero shooter muda bem a dinâmica do jogo e faz com que mobilidade, suporte, infiltração, defesa e controle de espaço ganhem peso.

Há personagens ótimos pra emboscadas e fugas rápidas, enquanto classes de suporte ou reconhecimento se destacam mais em equipes coordenadas. Tudo isso garante boas possibilidades estratégicas, e a composição dos esquadrões realmente importa.

O problema é que Marathon não faz um bom trabalho ao introduzir tudo isso. O jogo explica pouco, ensina mal e joga uma quantidade grande de sistemas, contratos, facções, upgrades, itens e menus na frente do jogador sem construir uma curva de aprendizado agradável. E a interface piora ainda mais essa sensação.

Os menus são, sem exagero, um dos aspectos mais frustrantes. A navegação é truncada, os ícones se parecem demais, a tipografia é agressiva e falta clareza nas coisas que mais importam. Organizar inventário, comparar itens, entender mods, administrar a progressão das facções e escolher contratos poderia ser muito mais intuitivo.

A interação com loot dentro das partidas também sofre com isso. Abrir caixas, avaliar recursos e decidir rapidamente o que vale a pena carregar nem sempre flui bem, o que gera uma sensação constante de exposição desnecessária em um gênero no qual segundos fazem muita diferença.

Marathon é bom, mas não é pra todos

Ainda assim, quando Marathon entra no seu loop principal, ele mostra por que esse tipo de experiência consegue atrair um público tão fiel. A estrutura é simples: entrar no mapa, cumprir objetivos, enfrentar IA hostil e outros jogadores, coletar recursos e tentar extrair vivo. Se sair, o progresso continua. Se morrer, a perda é imediata.

Essa lógica de risco e recompensa continua funcionando muito bem. Os melhores momentos do jogo surgem justamente quando você já conseguiu o que precisava, tá bem equipado e só quer sair em segurança. O som de passos ao longe, a dúvida entre lutar ou recuar e o receio de atravessar áreas abertas fazem Marathon atingir um nível de intensidade raro.

Os inimigos controlados pela máquina também ajudam bastante. Robôs e criaturas pressionam, punem quaisquer distrações e às vezes confundem a leitura da partida, justamente porque seus movimentos e sons podem se confundir com o de jogadores.

A progressão baseada em facções e contratos também tem méritos. Mesmo quando a extração falha, quase sempre existe alguma sensação de avanço. Reputação, desbloqueios e recompensas ajudam a evitar que derrotas virem perda total. Por outro lado, o fato de só ser possível avançar um contrato por vez torna esse sistema mais arrastado do que deveria.

A experiência solo reforça outro ponto importante. Marathon até oferece ferramentas pra quem prefere jogar sozinho, como o Rook, voltado pra infiltração e coleta, mas o jogo claramente favorece esquadrões. Boa parte do conteúdo mais interessante e lucrativo fica mais hostil sem um time fechado, e isso limita muito as coisas.

No fim, Marathon é um jogo cheio de qualidades evidentes e problemas igualmente difíceis de ignorar. Ele é brilhante no combate, excelente em som e visualmente muito forte, mas também é confuso, pouco acolhedor e escasso em conteúdos. Há potencial, só que também há um excesso de preciosismo em quase tudo que cerca a sua melhor parte.

Hoje, Marathon se estabelece como uma experiência competente e muito particular, mas ainda distante de ser uma recomendação. Pra quem já gosta do gênero e aceita aprender seus sistemas na marra, ele tem bastante a oferecer. Pra o restante do público, ainda soa como um jogo muito bom preso dentro de uma estrutura que insiste em dificultar a própria vida.

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Graças ao pessoal muito querido da Popagenda, ganhamos uma chave de acesso antecipado ao jogo e pudemos testar toda a campanha, conhecendo a emocionante jornada de autodescoberta e de redenção da jovem Alo.

E olha… Em termos de história, o pessoal mandou muito bem aqui e contou uma aventura realmente única e fácil de se identificar. É impossível não perceber, no fundo do seu coração, alguns tópicos que são discutidos ali e que se desenvolvem com naturalidade e maturidade.

Mas Fishbowl é só uma espécie de visual novel retrô? Bom… Pode ser que sim, pode ser que não. Depende do quão fundo você vá nele e também do quão bem ele consiga te convencer de que é um projeto redondo.

Uma vida difícil

No jogo, você assume o papel de Alo, uma jovem de 21 anos que larga sua terra natal pra encontrar trabalho em uma cidade distante. Sozinha e preocupada com seu futuro, ela vive apreensiva por diversas coisas de seu passado, em especial as que envolvem o luto profundo pelo falecimento de sua avó.

Agora, com a pandemia e com o isolamento social, o trabalho remoto parece ser muito cruel com ela, pois o contato humano se torna altamente restrito. Mergulhada no silêncio de sua casa, ela busca nas ligações, nas mensagens e no seu estágio como editora de vídeo um meio de ocupar sua mente e de evitar que pensamentos ruins a sabotem.

O problema? Há uma profunda sensação de que nada daquilo vale a pena e de que ela não é boa em nada. Com isso, a depressão se aproxima com força… e resta a ela enfrentar os traumas e medos confiando em todas as boas pessoas que tão ao seu redor.

Fishbowl é um jogo curto, que leva de 5h a 7h pra ser concluído, mas ele conta com um bom fator replay por ser muito baseado em escolhas. Todas as suas mecânicas principais buscam simular uma rotina, exigindo que você passe o dia com Alo e tome conta não apenas da casa, mas de suas responsabilidades.

Falando da história, o jogo possui vários personagens que se destacam tanto pelos visuais quanto por seus próprios arcos. Suas tramas se desenvolvem ao mesmo tempo que a de Alo, mas sem tanta profundidade e nem de longe competem por tempo de tela.

Isso com certeza é uma vantagem aqui, pois um jogo curto que sofre com descentralização costuma perder o foco muito rapidamente e ficar confuso. Enquanto em Fishbowl, a história principal é bem coerente e todas as secundárias ajudam muito nessa recuperação pessoal da protagonista.

Após um certo tempo da campanha, você ganha acesso livre aos contatos do celular, e pode ligar pra suas amigas, colegas de trabalho, mãe e uma vizinha. Às vezes eles atendem, outras não, e quando falam geralmente trazem alguns roteiros bem emocionantes, por mais simples e diretos que eles sejam.

Além disso, Fishbowl tem um minigame de puzzle que é muito simples, mas que também conta mais histórias. Ele consiste basicamente em você empacotar caixas e enviar pras pessoas que tão ao seu redor. No dia seguinte, é possível ligar pra elas e escutar historias envolvendo esses presentes e objetos, em um processo muito interessante e orgânico.

Enquanto isso, a historia de Alo é contada com mais detalhes. Háalgumas cenas especiais de atos, digamos assim, ligações que você recebe, eventos obrigatórios pra fazer antes de dormir ou depois de acordar, e muitos flashbacks. Boa parte desses flashbacks, aliás, acontece por meio de um processo contrario do empacotamento: o desempacotamento.

Resgatando memórias

No jogo, Alo recebe as caixas com lembranças de sua avó, e uma é desempacotada por dia. Após isso, o jogo ativa uma cena interativa de flashbacks onde as historias dos objetos e da avó são contadas com um altíssimo grau de maturidade e relevância, pra só depois a protagonista sentir o impacto dessas coisas.

Fishbowl tem um sistema de humor que vai melhorando ou piorando com o passar dos dias. Por exemplo, lembranças ruins e pensamentos negativos fazem Alo ser coberta por uma sombra, e esse medidor acaba caindo. Já quando as lembranças são boas e Alo toma banho, lê livros, limpa a casa, cozinha, bebe água, rega o jardim e mais, o medidor cresce e a deixa mais feliz.

infelizmente, na pratica, não vi muita função nisso. Fishbowl parece ser bem direto em relação ao caminho que Alo escolheu seguir, como se o seu processo de luto e de luta interna fosse algo obrigatório que todos nós devemos acompanhar. O que basicamente muda são algumas escolhas narrativas no meio do caminho, principalmente as que envolvem sua carreira.

Durante a campanha, você precisa preparar Alo pra realizar um sonho de infância, que é ser poeta, mas enfrentando problemas por conta de um grave bloqueio sofrido pela personagem. Ela também pode continuar sua carreira promissora como editora de vídeo ou pode simplesmente voltar pra sua terra natal e trabalhar com a mãe. Essas escolhas ficam evidentes só muito em late game, então não parece que o resto do jogo tem mesmo um impacto.

Porém, quando falamos em sua proposta mesmo, de aliar minigames simples (cada ação na casa, por exemplo, é um minigame de apertar botões) a uma história bem contada, as coisas ganham novos contornos. A historia de Fishbowl é boa mesmo e muito madura, trazendo lições valiosas que jogadores de todas as idades podem pegar.

Além disso, há um elemento fantasioso que brinca com a realidade no jogo: um peixe de brinquedo. Ele funciona como uma espécie de catalisador pras lembranças da personagem, mas funciona muito bem em um roteiro que precisa ter um nível aceitável de compromisso com a veracidade.

Fishbowl é uma rica experiência sensorial

Por ser um jogo no geral muito agradável, Fishbowl vai passar por aí e você nem vai perceber o tempo. É tudo bem acessível, mesmo um minigame à la Guitar Hero, que consiste em fazer um bom trabalho de edição de vídeo e encaixar cores em uma espécie de ferramenta de edição. Como o trabalho é diário, essa recorrência faz ate mesmo você sentir o que alo sente: mais confiança no serviço e uma sensação de que as coisas tão melhorando naturalmente.

Falando sobre outros elementos, Fishbowl conta com uma excelente trilha sonora retrô, visuais em pixel art bem bonitos, mas nada impressionantes, e um fluxo de jogabilidade que não cansa, mesmo diante de uma rotina onde você acorda, faz uma série de coisas e dorme, pra depois fazer o mesmo no dia seguinte. Óbvio que a narrativa é bem mais engessada do que poderia e não há um peso assim real nas decisões, no sentido de haver um impacto ali.

Mas no geral, é um bom projeto inspirado no visual novel, e que busca inovar por meio de um gameplay que vai além de apertar botões pra passar o diálogo.

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Darwin’s Paradox, desenvolvido pela ZDT Studios, é a mais nova e ousada aposta da empresa. Esqueça tudo que você viu nas outras franquias: aqui, a ideia é algo completamente fora da caixinha, onde absurdos e exageros se misturam em uma experiência de plataforma surpreendentemente divertida.

E se você é fã desse tipo de jogo baseado em precisão e em muitas coisas acontecendo na tela… Bom, talvez a aventura de um pouco que foi tirado a força de seu lar seja exatamente o que você precisa.

Longe de casa

A história de Darwin’s Paradox é bem boba. Basicamente, você assume o papel de um polvo que tá de boa brincando com o colega no oceano, até que chega do nada uma nave espacial e te abduz, junto do colega e de varias outras coisas que tão por perto.

Daí, você aparece em um mega complexo industrial supostamente alienígena. Quer dizer, supostamente não, alienígena mesmo, que pretende te transformar em comida pra uma grande rede de alimentos marinhos. Então não resta outra opção: o polvo precisa escapar de lá com vida, enquanto é perseguido por ratos, cozinheiros, captores, peixes gigantes e ate mesmo uma gaivota maluca.

Darwin’s Paradox é um jogo de aventura e plataformas com abordagem cinematográfica. Enquanto seus visuais lembram muito as animações da Disney, com cenas em 3D e um altíssimo nível de profundidade ambiental, o gameplay não foge muito das coisas que você conhece: algo que Bionic Bay fez ao reduzir as frustrações do Super Meat Boy.

Dessa forma, fica claro que a ideia do jogo funciona diante de precisão e quebra-cabeças. Ao longo de pouco mais de 4h, você deve passar por alguns capítulos narrativos e diversos mapas únicos, resolvendo questões que envolvem desde a fuga de captores até a sobrevivência em locais repletos de armadilhas.

Aqui não vemos nada muito fora do normal. Os quebra-cabeças envolvem empurrar caixas, descobrir passagens secretas, ativar botões no momento certo e mais, enquanto as armadilhas vão desde espinhos a elementos da natureza, como fogo, raio e outros. Porem, é nas mecânicas de jogo onde Darwin’s Paradox realmente brilha.

Polvo esperto

No jogo, o polvo consegue escalar qualquer superfície, permitindo que você busque segredos, rotas alternativas e caminhos pra escapar das mais diversas situações. O movimento dele, alias, é muito daora. Pense numa coisa divertida e satisfatória é andar com esse polvo por tubulações e descobrir como avançar, às vezes, de uma forma que você nunca pensaria.

Além disso, ele nada em águas “nadáveis”, digamos assim, ou seja, nada de tentar a sorte em poços contaminados. Ele também se impregna de radioatividade pra assustar ratos, algo que o deixa escorregadio e o impede, por exemplo, de escalar paredes ou se grudar. Há também um recurso de atirar tinta em locais que você consegue determinar, mas de duas formas distintas.

Dentro da água, sua tinta vira um jato que o esconde dos inimigos. Por alguns segundos, você pode atravessar o fluxo e ficar invisível pra quem for, ate mesmo pra câmeras e maquinas que rastreiam teu movimento por meio de feixes de luz. Já fora d’água, sua tinta vira um tiro e consegue acertar objetos de interesse, como latas, desabilitar caixas de eletricidade e mais.

Darwin também corre, mas apenas no oceano por meio de um dash, e pula. No geral, esses fundamentos são simples, mas muito bem feitos, e conversam bem com um jogo que busca, a todo instante, a objetividade. Há apenas algumas cenas animadas, por exemplo, e elas são muito bonitas, apesar de haver quedas de FPS pontuais devido a grande quantidade de informação.

Design dos mapas e gameplay desafiador

Já o design dos mapas é bem interessante, apesar de explorar pouco um mundo mais exterior, nesse sentido. Assim, nem sempre fica tão claro onde o polvo tá ou qual o sentido de tudo aquilo estar ali, dando a impressão de que apenas são áreas genéricas de esgoto e tudo mais colocadas dentro de Darwin’s Paradox pra dar volume.

Mas se prepare pra morrer muito. Nem de longe o jogo é tão complexo quanto Bionic Bay e não há sistemas de combate aqui, mas as armadilhas frustram em alguns momentos. Nada que umas tentativas não resolvam, porém os tempos de carregamento poderiam ser ligeiramente menores, visto que o jogo tem esse conceito de tentativa e erro em quase toda a campanha.

A precisão não é tão exigente assim e não há nada que te trave em termos de parar pra pensar. Mas alguns takes de câmera poderiam ser mais simples, pois as vezes a perspectiva mais atrapalha do que ajuda. Essas questões não são frequentes, mas como a ideia do jogo é essa de plataformas, o ideal é fazer o impossível pra não tornar a jogabilidade tão estressante.

Universo curioso e belíssimo

O mundo de Darwin’s Paradox, por sinal, é curioso e bem feito em termos visuais. Há diversas referencias à indústria e ao mercado gastronômico, críticas sociais a exploração animal, especialmente dos mares, e colecionáveis pontuais com alguns easter eggs bem daora e com mais informações de lore, totalizando 20 espalhados pelo jogo. E caso você perca algo, tem uma seleção de capítulos, então não existem troféus perdíveis.

Tecnicamente, o jogo é muito caprichado. Os efeitos visuais estão muito bonitos e nem de longe destoam dessa estética mais cinematográfica. Ácido, efeitos dentro do mar, com um desfoque muito interessante em comparação com a superfície, eletricidade, fogo e tudo mais… Tudo realmente tá bem caprichado e se dá muito bem com os excelentes efeitos de partícula, sombras e reflexos.

Em relação ao som, o jogo tem uma trilha sonora bem Scooby Doo, dando aquela sensação de desenhos antigos onde havia muito desajeitamento, confusões e desespero, mas de uma forma mais cômica. O jogo, aliás, tem muito alívio cômico, principalmente quando colocam frente a frente a persistente gaivota e o polvo.

Darwin’s Paradox é diversão garantida

No geral, Darwin’s Paradox é decente no que se propõe. Apesar de simples e muito curto, sua apresentação visual dispensa comentários e merece muitos elogios. Um belo trabalho de animação geral que o coloca na prateleira dos grandes projetos inspirados em animações em 3D, como Kena.

A jogabilidade é acessível, as plataformas são equilibradas e os quebra-cabeças não exigem quebrar a cabeça demais. Porém, o mundo poderia ser mais ousado e a historia poderia ser mais rica por meio de CGIs.

É um bom ar fresco da Konami, aproveitando esse intervalo aí sem grandes lançamentos de suas principais franquias. E principalmente, Darwin’s Paradox é um jogo divertido. Com certeza quem pegar ele vai gostar bastante por tar experimentando algo genuinamente agradável, leve e que não vai te esquentar tanto.

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Nesse cenário, a Milestone decide ir na contramão e aposta em algo mais ousado: um jogo de corrida arcade com forte foco narrativo, estética inspirada em animes dos anos 1990 e mecânicas que misturam direção, combate e gerenciamento de recursos.

Nesse sentido, Screamer não tenta ser discreto. Pelo contrário, ele abraça o exagero e uma identidade bem definida, mas diante de uma ambição que cobra o seu preço. Em vários momentos, o jogo exige demais do jogador, seja pela complexidade das mecânicas, seja por decisões de design que nem sempre funcionam bem.

Uma história interessante que se perde no excesso

Logo no início, fica claro que Screamer quer ser mais do que um simples jogo de corrida. O modo história coloca o jogador em um torneio ilegal organizado por Mr. A, em um mundo cyberpunk dominado por corporações e tecnologia avançada.

O destaque dessa parte vai pro Echo, sistema que permite que carros e pilotos sejam reconstruídos após acidentes, o que influencia tanto a narrativa quanto o gameplay.

O problema tá na forma como essa história é contada. Em vez de um protagonista claro, o jogo apresenta cinco equipes diferentes, cada uma com seus próprios objetivos. A ideia é interessante, pois amplia o universo em direção a vários caminhos. No entanto, na prática, isso prejudica o envolvimento emocional.

A narrativa de Screamer muda constantemente de perspectiva, o que quebra o ritmo e dificulta a conexão com os personagens. Em muitos momentos, fica difícil lembrar motivações ou entender a importância de certos conflitos. Assim, mesmo com uma campanha longa, o excesso de personagens dilui o impacto emocional.

Além disso, o jogo demora pra engrenar. As primeiras horas são carregadas de diálogos e introduções, com pouco avanço real. Quando a história finalmente começa a evoluir, já existe um certo desgaste, e pra piorar, o tempo entre cenas e corridas é desbalanceado, com longos trechos de diálogo pra corridas rápidas, o que prejudica o ritmo geral.

Direção de arte que tenta ser a salvação

Se a narrativa de Screamer tropeça, a direção artística compensa com folga. O jogo de corrida acerta ao abraçar a estética cyberpunk com cores bem características, iluminação neon e designs marcantes.

Os carros são um dos grandes destaques do jogo, pois sem limitações de licenciamento, cada veículo possui identidade própria e reflete bem seu piloto e equipe. Essa conexão visual funciona muito bem e reforça a personalidade de um jogo que busca nisso uma vantagem competitiva.

As pistas também seguem essa linha, com circuitos urbanos e ambientes que favorecem a alta velocidade. Ainda assim, a variedade de cenários é limitada, o que gera repetição ao longo da campanha. E a trilha sonora, embora não seja memorável, cumpre bem seu papel e combina com a proposta do jogo.

Gameplay profundo, mas exigente

É no gameplay que Screamer realmente se diferencia. O sistema de direção com dois analógicos muda completamente a forma de jogar: o analógico esquerdo controla a direção, enquanto o direito define o drift. No começo, isso pode parecer estranho, mas com o tempo, o sistema faz sentido e oferece um bom nível de controle.

Além disso, o jogo adiciona camadas com os sistemas de Sync e Entropia. A Sync é usada pra boosts e é carregada com ações como trocas de marcha no tempo correto, já a Entropia permite ataques e defesas. Essa dinâmica cria um ciclo estratégico interessante, mas também aumenta a complexidade e seu nível de preparo.

O resultado é um gameplay profundo e até mesmo inovador em alguns sentidos, mas que exige atenção constante. Pra jogadores menos experientes, isso pode ser frustrante, especialmente nas primeiras horas.

Dificuldade inconsistente atrapalha

O maior problema de Screamer tá no equilíbrio. O jogo apresenta picos de dificuldade desregulados e sem lógica, com desafios que exigem execução quase perfeita sem preparação adequada.

A inteligência artificial também contribui negativamente. Em algumas corridas, os adversários parecem ter vantagem injusta, mantendo desempenho perfeito independentemente das condições. Isso gera uma sensação de injustiça e sugere que há regras pouco específicas pra cada corrida.

Além disso, certas missões impõem objetivos que não combinam com o fluxo natural da jogabilidade. Somado a isso, o desbalanceamento entre personagens faz com que algumas escolhas sejam claramente superiores, o que limita a liberdade do jogador.

Um arcade que exige disciplina

Apesar da estética arcade, Screamer não permite uma jogabilidade casual. Saber quando frear, controlar o carro e gerenciar recursos é essencial. Isso cria uma experiência híbrida, que mistura acessibilidade visual com exigência mecânica.

Fora da campanha, o jogo oferece bons modos adicionais, incluindo Arcade, Time Attack e multiplayer local. No entanto, boa parte do conteúdo depende do progresso na história, o que pode incomodar quem quer ir direto pras corridas.

Screamer é um jogo cheio de personalidade, que acerta na proposta visual, traz mecânicas interessantes e tenta inovar em um gênero que precisa disso. Por outro lado, sofre com narrativa confusa, dificuldade inconsistente e sistemas que podem afastar parte do público.

Ainda assim, é um jogo que merece atenção. Pra quem estiver disposto a aprender suas mecânicas e aceitar suas falhas, existe uma experiência rica e desafiadora aqui. Pra outros, pode parecer apenas um jogo que exige mais do que deveria.

No fim, Screamer é exatamente isso: um título que acelera com tudo, mas que nem sempre sabe a hora certa de frear.

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Não estamos falando de gigantes como Resident Evil ou Silent Hill, mas sim de projetos menores que acabam ganhando espaço graças à internet, especialmente o YouTube, que virou praticamente um palco pra esse tipo de experiência crescer.

Project Songbird entra exatamente nesse cenário. Desenvolvido pelo criador de conteúdo Conner Rush em parceria com a Fyre Games, o jogo chega como mais uma dessas experiências narrativas focadas em atmosfera, identidade e impacto emocional. E o mais interessante é que ele não tenta reinventar a roda, mas sim trabalhar muito bem dentro daquilo que já propõe.

Uma história pessoal, sensível e bem conduzida

A trama de Project Songbird gira em torno de Dakota, uma musicista que passa por um bloqueio criativo depois de eventos traumáticos que mudaram completamente sua forma de enxergar a arte. Isso acaba afetando diretamente sua carreira, já que os produtores não compram essa nova fase.

Pressionada a continuar produzindo, ela se isola em uma cabana para tentar recuperar a inspiração. E aí já vem aquele alerta clássico do terror: cabana isolada nunca termina bem.

A partir desse momento, o jogo começa a brincar com a percepção da protagonista e do jogador. A linha entre realidade e alucinação vai ficando cada vez mais borrada, e isso é trabalhado de forma bem interessante. O roteiro não tenta ser excessivamente complexo, mas consegue ser maduro e eficiente, com momentos que alternam entre o sutil e o perturbador.

Outro ponto forte é a forma como o ambiente ajuda a contar essa história. As transformações do cenário, sejam elas mais orgânicas ou claramente artificiais, funcionam como extensão da mente da personagem. Isso cria uma sensação constante de desconforto, mas sem precisar recorrer a sustos baratos o tempo todo.

Gameplay variado, mas com algumas limitações

Na parte jogável, Project Songbird segue uma estrutura bem conhecida dentro do terror narrativo. Mapas relativamente compactos, puzzles, exploração e momentos de sobrevivência compõem o loop principal da jogabilidade, e isso funciona bem até certo ponto.

Dakota tem acesso a algumas ferramentas que trazem variedade. É possível usar armas de fogo com munição limitada e impacto na movimentação, um gravador que capta sons do ambiente e dos inimigos, além de um walkie-talkie que tem um papel interessante na narrativa. E sim, também dá pra resolver as coisas no machado de lenhador quando necessário.

A furtividade também aparece no jogo, ainda que de forma simples. Existem esconderijos e a possibilidade de distrair inimigos com garrafas, o que te permite analisar abordagens e decidir qual melhor caminho tomar antes de ir pro fight.

O problema é que nem tudo funciona tão bem quanto poderia. O combate corpo a corpo, por exemplo, sofre com a falta de clareza visual. A interface minimalista ajuda na imersão e na leitura do cenário, mas acaba prejudicando na hora da ação, especialmente quando você precisa saber se está acertando ou não um golpe. Além disso, algumas mecânicas, como o parry, simplesmente não se mostram úteis.

Puzzles inteligentes e um mundo que te desafia

Os quebra-cabeças são um dos pontos altos de Project Songbird. Eles exigem atenção real do jogador, seja em diálogos, detalhes do cenário ou conexões entre áreas diferentes. Não é aquele tipo de puzzle que se resolve sozinho, e isso é ótimo.

Por outro lado, o jogo às vezes exagera na falta de direcionamento. Em alguns momentos, você fica completamente no escuro sobre o que fazer ou para onde ir. A ideia de não segurar a mão do jogador é válida, mas aqui poderia existir um equilíbrio melhor. Um diário mais funcional ou pistas visuais mais claras fariam diferença sem comprometer a proposta.

O backtracking também aparece com frequência, mas felizmente os cenários ajudam a manter o interesse do jogador. Tanto os ambientes internos quanto externos são bem detalhados, com um uso de iluminação e reflexos que contribui bastante para a atmosfera. Existem alguns problemas técnicos, especialmente no terceiro ato, mas nada que comprometa a experiência como um todo.

Atmosfera, som e identidade artística

Se tem algo que Project Songbird acerta muito bem é na atmosfera. O jogo abraça um estilo mais artístico e psicológico, lembrando até certos filmes de terror mais experimentais. Mudanças de perspectiva, corredores que se transformam, transições inesperadas… tudo isso ajuda a criar uma sensação constante de instabilidade.

A trilha sonora também merece destaque. Além das músicas originais, o jogo traz faixas licenciadas que podem ser encontradas como colecionáveis e ouvidas na cabana. Esse cuidado ajuda a reforçar a conexão com o tema central da história, que é justamente a arte e o processo criativo explorados pela história do jogo.

Outro detalhe interessante é o modo foto. Aqui temos essa ferramenta de forma embutida ao jogo, com Dakota podendo selecionar a câmera e tirar fotos do que quiser. Mas nem espere nada demais: esse recurso é simples e conta com filtro único de polaroid, bem como a capacidade máxima de 20 fotos.

E aqui vale uma recomendação: jogue com fones de ouvido. O design de som é essencial para o jogo, tanto na construção da mundo ao seu redor quanto na percepção dos inimigos e de mais ameaças ambientais.

Project Songbird é um refresco em dias quentes

Project Songbird é claramente um projeto muito pessoal, e isso aparece em cada detalhe. Ele não tenta competir com grandes produções, nem precisa disso. O que ele faz é entregar uma experiência curta e cheia de identidade.

Com cerca de 5 horas de duração, é aquele tipo de jogo que respeita o seu tempo e ainda consegue deixar uma marca. Existem falhas técnicas e algumas decisões de design que poderiam ser melhor ajustadas, mas nada que apague o que ele tem de melhor.

Se você curte terror mais narrativo, com pegada psicológica e um toque artístico mais forte, Project Songbird é uma recomendação. É mais uma prova de que, mesmo fora dos holofotes, o gênero continua encontrando formas interessantes de se reinventar.

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E para te deixar por dentro de tudo que rolou no evento, separamos uma lista com todos os vencedores. Confira abaixo e fique por dentro também dos indicados em cada categoria.

Os vencedores do Oscar 2026

Melhor Atriz Coadjuvante

• Elle Fanning — Valor Sentimental
• Inga Ibsdotter Lilleaas — Valor Sentimental
• Amy Madigan — Weapons
• Wunmi Mosaku — Pecadores
• Teyana Taylor — Uma Batalha Após A Outra

Melhor Longa de Animação

• Arco
• Elio
• KPop Demon Hunters
• Little Amélie or the Character of Rain
• Zootopia 2

Melhor Curta de Animação

• Butterfly
• Forevergreen
• The Girl Who Cried Pearls
• Retirement Plan
• The Three Sisters

Melhor Figurino

• Avatar: Fire and Ash
• Frankenstein
• Hamnet
• Marty Supreme
• Pecadores

Melhor Maquiagem e Penteado

• Frankenstein
• Kokuho
• Pecadores
• The Smashing Machine
• The Ugly Stepsister

Melhor Direção de Elenco

• Hamnet
• Marty Supreme
• Uma Batalha Após A Outra
• O Agente Secreto
• Pecadores

Melhor Curta-Metragem

• Butcher’s Stain
• A Friend of Dorothy
• Jane Austen’s Period Drama
• The Singers – EMPATE
• Two People Exchanging Saliva – EMPATE

Melhor Ator Coadjuvante

• Benicio Del Toro — Uma Batalha Após A Outra
• Jacob Elordi — Frankenstein
• Delroy Lindo — Pecadores
• Sean Penn — Uma Batalha Após A Outra
• Stellan Skarsgård — Valor Sentimental

Melhor Roteiro Adaptado

• Bugonia — Will Tracy
• Frankenstein — Guillermo del Toro
• Hamnet — Chloé Zhao e Maggie O’Farrell
• Uma Batalha Após A Outra — Paul Thomas Anderson
• Train Dreams — Clint Bentley e Greg Kwedar

Melhor Roteiro Original

• Blue Moon — Robert Kaplow
• It Was Just an Accident — Jafar Panahi e roteiristas
• Marty Supreme — Ronald Bronstein e Josh Safdie
• Valor Sentimental — Joachim Trier e Eskil Vogt
• Pecadores — Ryan Coogler

Melhor Design de Produção

• Frankenstein — Tamara Deverell
• Hamnet — Fiona Crombie
• Marty Supreme — Jack Fisk
• Uma Batalha Após A Outra — Florencia Martin
• Pecadores — Hannah Beachler; Monique Champagne

Melhores Efeitos Visuais

• Avatar: Fire and Ash
• F1
• Jurassic World Rebirth
• The Lost Bus
• Pecadores

Melhor Curta Documentário

• All the Empty Rooms
• Armed Only With a Camera: The Life and Death of Brent Renaud
• Children No More: “Were and Are Gone”
• The Devil Is Busy
• Perfectly a Strangeness

Melhor Documentário

• The Alabama Solution
• Come See Me in the Good Light
• Cutting Through Rocks
• Mr. Nobody Against Putin
• The Perfect Neighbor

Melhor Trilha Sonora Original

• Bugonia
• Frankenstein
• Hamnet
• Uma Batalha Após A Outra
• Pecadores

Melhor Som

• F1
• Frankenstein
• Uma Batalha Após A Outra
• Pecadores
• Sirât

Melhor Montagem

• F1 — Stephen Mirrione
• Marty Supreme — Ronald Bronstein e Josh Safdie
• Uma Batalha Após A Outra — Andy Jurgensen
• Valor Sentimental — Olivier Bugge Coutté
• Pecadores — Michael Shawver

Melhor Fotografia

• Frankenstein
• Marty Supreme
• Uma Batalha Após A Outra
• Pecadores
• Train Dreams

Melhor Filme Internacional

• Brasil — O Agente Secreto
• França — It Was Just an Accident
• Noruega — Valor Sentimental
• Espanha — Sirât
• Tunísia — The Voice of Hind Rajab

Melhor Canção Original

• “Dear Me” — Relentless
• “Golden” — KPop Demon Hunters
• “I Lied To You” — Pecadores
• “Sweet Dreams of Joy” — Viva Verdi!
• “Train Dreams” — Train Dreams

Melhor Direção

• Chloé Zhao — Hamnet
• Josh Safdie — Marty Supreme
• Paul Thomas Anderson — Uma Batalha Após A Outra
• Joachim Trier — Valor Sentimental
• Ryan Coogler — Pecadores

Melhor Ator

• Timothée Chalamet — Marty Supreme
• Leonardo DiCaprio — Uma Batalha Após A Outra
• Ethan Hawke — Blue Moon
• Michael B. Jordan — Pecadores
• Wagner Moura — O Agente Secreto

Melhor Atriz

• Jessie Buckley — Hamnet
• Rose Byrne — If I Had Legs I’d Kick You
• Kate Hudson — Song Sung Blue
• Renate Reinsve — Valor Sentimental
• Emma Stone — Bugonia

Melhor Filme

• Bugonia
• F1
• Frankenstein
• Hamnet
• Marty Supreme
• Uma Batalha Após A Outra
• O Agente Secreto
• Valor Sentimental
• Pecadores
• Train Dreams

O que você achou do Oscar 2026? Achou justas as premiações ou discorda de alguma delas? Comente!

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J vou deixar o veredito logo de cara: minha nota é 10. E não é um 10 emocional nem por amor à franquia. É um 10 porque a Capcom acertou a mão em praticamente tudo aqui. Ela pegou um spin-off que já tinha personalidade dentro do universo de Monster Hunter, aparou as pontas, deixou os sistemas mais fluidos e entregou um RPG que te prende por horas sem se esforçar.

É o tipo de jogo em que você liga o console pensando em fazer uma missão rápida e, quando percebe, já perdeu a tarde inteira explorando os mapas, chocando ovos, testando builds de monstros e mexendo no seu time.

E quando um RPG consegue provocar esse tipo de sensação, já dá pra entender que tem alguma coisa muito especial acontecendo ali.

Um Monster Hunter diferente; e agora muito mais confiante

Desde o primeiro jogo, Monster Hunter Stories sempre foi uma leitura bem diferente da série principal. Enquanto os Monster Hunter tradicionais giram em torno de combate em tempo real e da caça direta de criaturas gigantes para fabricar armas e armaduras, Stories sempre puxou o universo da franquia para o lado de um RPG japonês clássico, com combate por turnos e foco nos vínculos.

Essa ideia já era boa antes. Só que em Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection a sensação é de que a série finalmente encontrou sua forma mais segura.

A história ajuda bastante nisso. A aventura se passa entre os reinos de Azuria e Vermeil, duas nações que vivem um momento de guerra, com recursos cada vez mais escassos e um conflito político prestes a explodir. Ao mesmo tempo, o mundo começa a sofrer com um fenômeno estranho chamado crostalização, que transforma criaturas e ambientes em estruturas de cristal e ameaça o equilíbrio natural das regiões.

No meio disso, o protagonista não é um aventureiro qualquer jogado no mundo. Você assume o papel do príncipe ou da princesa de Azuria, alguém que já possui responsabilidade dentro daquele universo e que também atua como Patrulheiro, uma espécie de guardião dos ecossistemas.

Essa decisão muda bastante a maturidade da história. Em muitos JRPGs você começa como um personagem completamente perdido que vai entendendo o mundo aos poucos. Aqui não. Seu personagem já conhece aquela realidade e já tem um papel fundamental dentro dela.

E mesmo mantendo a estética colorida e charmosa da série, com monstros carismáticos e uma direção de arte cheia de personalidade, Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection passa a sensação de que os problemas realmente têm peso.

Um loop de gameplay simplesmente viciante

Se existe um ponto em que Monster Hunter Stories 3 realmente brilha, é no loop de gameplay.

Basicamente, tudo no jogo conversa entre si. Você sai para explorar o mapa procurando uma espécie específica, coleta materiais e usa para crafting, encontra um ovo raro, restaura habitats, testa novas variações de monstros, enfrenta inimigos mais fortes, ganha materiais melhores, fabrica equipamentos superiores e volta ao mapa ainda mais preparado.

É um ciclo extremamente bem conectado. E o mais impressionante é que quase nenhum sistema parece estar ali só para preencher espaço, algo que infelizmente acontece em muitos RPGs gigantes. Em Twisted Reflection, praticamente tudo tem uma função.

Um dos melhores exemplos disso é o sistema de restauração de ecossistemas. Em várias regiões do mapa existem monstros invasores que prejudicam o ambiente e impedem a fauna local de prosperar. Ao derrotá-los, você pode montar acampamentos e reintroduzir espécies na área.

Isso gera dois efeitos muito legais. O primeiro é narrativo: dá uma sensação genuína de estar melhorando o mundo. O segundo é mecânico: regiões restauradas começam a gerar ovos melhores, monstros mais fortes e novas possibilidades de build. Ou seja, o jogo recompensa diretamente quem se envolve com o sistema.

Combate estratégico e muito mais refinado

O sistema de batalha continua baseado no famoso triângulo de ataques: Força, Velocidade e Técnica. Em essência, ele funciona como uma espécie de pedra-papel-tesoura. Só que em Twisted Reflection essa base recebe muitas camadas.

Além do tipo de ataque, entram em jogo fatores como fraquezas elementais, tipo de arma, partes do corpo do monstro, gerenciamento de stamina e sinergias entre personagens e Monsties. Isso transforma cada luta em algo muito mais estratégico do que parece à primeira vista, mas ao mesmo tempo acessível e gerenciável.

Uma das adições que mais gostei foi a Barra de Alma Serpe. Ela funciona como um alvo estratégico adicional durante as batalhas. Dependendo da situação, atacar essa barra para quebrar o ritmo do inimigo e causar stun pode ser muito mais eficiente do que focar diretamente nas partes do corpo.

Outro detalhe excelente é a separação entre stamina e afinidade, o que melhora bastante o ritmo do combate de Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection. Agora você pode usar habilidades com mais liberdade sem sentir que está sabotando o seu próprio ataque especial.

E visualmente elas também estão ótimas. As animações de poderes especiais são lindíssimas, os ataques especiais são extremamente bem dirigidos e a câmera sabe valorizar os momentos importantes sem transformar tudo em uma verdadeira confusão visual; ou algo simples demais.

Um RPG que funciona por mérito próprio

Outra coisa que eu gostei muito em Monster Hunter Stories 3 é que ele abraça sem medo a estrutura de um JRPG clássico.

A campanha segue um ritmo bem tradicional do gênero. Você vai desbloqueando novas regiões, conhecendo personagens, entendendo os problemas locais e explorando cada bioma com seus próprios monstros e mecânicas.

Ao mesmo tempo, o jogo oferece uma quantidade enorme de conteúdo paralelo. Existem dragões anciões que aparecem à noite, espécies invasoras com mecânicas próprias, habitats para restaurar, builds complexas de monstros e uma monstropédia gigantesca para completar.

No PS5 base, que foi onde joguei, a experiência também foi excelente. A direção de arte é linda, o cel shading é muito bem trabalhado e as cutscenes têm uma qualidade de animação impressionante. Fora que o jogo está bem estável em termos de performance e qualidade gráfica.

A trilha sonora também merece elogio. Ela é belíssima e deve entrar no rol de obras de arte dos videogames. Um álbum extremamente agradável de se escutar.

Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection é perfeito

No fim das contas, Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection é facilmente o melhor jogo da sub-série até agora; e sem forçar muito, diria que é o melhor de toda a franquia Monster Hunter.

Ele pega tudo o que já funcionava nos títulos anteriores, melhora a fluidez dos sistemas, aprofunda o combate, fortalece a exploração e amarra tudo isso em um mundo que realmente parece vivo. E o mais importante: é um jogo que te prende de verdade.

Você sempre sente que existe algo novo para descobrir, algum monstro diferente para testar ou alguma build interessante para montar. E quando um RPG consegue provocar esse tipo de curiosidade constante, ele já está fazendo algo muito correto.

Por tudo isso, pra mim não tem muito mistério: Monster Hunter Stories 3 é um jogo nota 10. Parabéns para a Capcom, que se encontra em uma fase rara na história dos videogames.

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O jogo será o terceiro título da série e promete concluir os eventos iniciados em Remothered: Tormented Fathers e Remothered: Broken Porcelain. Ao mesmo tempo, o estúdio afirma que a nova produção também pretende abrir caminho para o futuro da franquia, trazendo mudanças importantes no gameplay, narrativa e apresentação cinematográfica.

Segundo Antonio Cannata, CEO da Stormind Games, o retorno à série aconteceu por um forte senso de responsabilidade com os fãs. O executivo afirmou que Remothered foi o primeiro projeto desenvolvido pelo estúdio e que a equipe não queria ver a franquia desaparecer após os dois primeiros jogos.

“Remothered foi o primeiro jogo que desenvolvemos no início da nossa jornada. Depois de nossas experiências recentes com A Quiet Place e Mafia: The Old Country, decidimos voltar à série porque não aceitávamos ver Remothered desaparecer”, explicou Cannata.

Terror psicológico retorna em novo cenário

Em Remothered: Red Nun’s Legacy, os jogadores explorarão um convento envolto em mistérios e acontecimentos perturbadores. A narrativa gira em torno da lenda da Freira Vermelha, figura importante do folclore da série, enquanto é preciso sobreviver a inúmeras ameaças.

Durante a exploração, o jogador enfrentará os chamados Stalkers, inimigos persistentes que perseguem o personagem ao longo da jornada. Assim como nos títulos anteriores da franquia, fugir, se esconder e administrar recursos serão elementos importantes do gameplay.

Cutrona, afirmou que a nova produção aprofunda a história da série e introduz novas habilidades que expandem mecânicas já conhecidas. Segundo ele, embora o jogo funcione como uma experiência independente para novos jogadores, o título também oferecerá o desfecho esperado pelos fãs que acompanham a franquia desde o primeiro capítulo.

Novas habilidades e foco em horror clássico

Entre as novidades confirmadas em Remothered: Red Nun’s Legacy está um sistema de poderes de hipnose, que permitirá interpretar objetos e revelar memórias escondidas. Essa mecânica ajudará a descobrir passagens secretas e entender melhor os acontecimentos dentro do convento.

O jogo também promete manter a atmosfera inspirada nos clássicos do survival horror em terceira pessoa, com exploração, puzzles e coleta de itens sendo fundamentais para progredir.

Além disso, será possível investigar diferentes áreas do convento enquanto procuram pistas que revelam o passado do local conhecido como Cristo Morente. Assista abaixo ao trailer:

Remothered: Red Nun’s Legacy ainda não possui data de lançamento confirmada. O título já pode ser adicionado à lista de desejos nas lojas digitais, incluindo Steam, Epic Games Store e GOG, além das plataformas de console.

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E isso, no fim das contas, tem sido ótimo. Com orçamentos mais modestos e menos pressão para agradar todo mundo, muitos estúdios independentes começaram a testar ideias mais ousadas, reaproveitar estruturas conhecidas e construir experiências bem particulares.

É nesse espaço que aparece Unsealed: The Mare, título de terror do estúdio sueco Gamhalla que chamou atenção ainda na época da demo para PC. Agora, com a versão completa em mãos, dá para dizer com tranquilidade que existe algo interessante aqui.

Não exatamente revolucionário, nem muito diferente do que fãs do gênero já conhecem, mas certamente eficaz no que se propõe. E, antes de tudo, vale agradecer à Perp Games pela chave de acesso antecipado.

Presa em um pesadelo…

A história acompanha Vera, uma mulher presa em um pesadelo dentro de uma casa que parece familiar demais. Para escapar daquele lugar, ela precisa encontrar pistas espalhadas pelos ambientes, recuperar memórias fragmentadas e abrir caminhos ligados ao passado.

O problema é que essa jornada acontece sob a perseguição constante de uma entidade chamada The Mare, uma figura macabra que vaga pelos corredores escuros, sempre com um sorriso perturbador e com sons que parecem vir de tempos menos assustadores.

A estrutura do jogo é simples. Unsealed: The Mare é um survival horror dividido em três capítulos narrativos, com progressão baseada em exploração, coleta de itens e resolução de pequenos bloqueios. O principal sistema gira em torno dos “selos”, algo que já aparece no próprio título.

Na prática, o jogador precisa encontrar e queimar bichos de pelúcia com um isqueiro para abrir portas seladas. Cada área exige um número específico desses bonecos, e aí entra uma das melhores qualidades do jogo: ele sabe como transformar essa busca em um certo nível de desespero.

Os bonecos nem sempre estão escondidos em locais óbvios, mas também não ficam à vista o tempo todo. Por isso, o jogo acerta ao criar aquela sensação de estar andando em círculos dentro de uma casa hostil, tentando lembrar o que passou despercebido enquanto a ameaça continua circulando.

Além disso, existe outra mecânica importante chamada Focus Memory. Ao ativá-la, Vera passa a enxergar elementos que não existem no plano normal, como palavras escritas nas paredes, pistas visuais e objetos que liberam novas rotas. É um recurso interessante porque ajuda a variar a exploração e dá uma camada extra à narrativa, mesmo que nem sempre pareça tão intuitivo quanto deveria.

Não quebre a cabeça pra sobreviver

As ferramentas de sobrevivência são básicas, mas funcionam bem. Vera usa uma lanterna e um isqueiro, ambos com carga limitada. Em teoria, isso deveria criar mais pressão, mas na prática, o sistema é bem tolerante, já que as baterias espalhadas pelo mapa reaparecem com relativa facilidade ao entrar e sair de cômodos.

Ou seja, o gerenciamento de recursos existe, mas está longe de ser injusto. Isso pode decepcionar quem procura algo mais punitivo, embora ajude bastante a manter consistente o ritmo da campanha.

A grande estrela de Unsealed: The Mare é, sem dúvida, The Mare. A entidade não chega a ser especialmente inteligente nem muito agressiva em termos de perseguição, mas compensa isso com aura.

O design visual é excelente, as aparições são muito bem dosadas e a criatura vai se transformando ao longo da campanha, ficando mais ameaçadora de formas que às vezes são óbvias e às vezes não. Os jumpscares também funcionam muito bem, principalmente porque o jogo entende a importância do sistema de som, mas se tornam apelativo depois de algum tempo.

Aliás, jogar Unsealed: The Mare com fones de ouvido é praticamente obrigatório. O trabalho de áudio é o ponto mais forte do projeto. Rangidos de porta, luzes falhando, objetos caindo, ruídos ao longe e passos mal posicionados criam uma sensação de insegurança. Quase sempre parece que algo vai acontecer. E, mesmo quando nada acontece de fato, o jogo continua provocando essa expectativa. Nesse aspecto, ele lembra bastante o que MADiSON fez tão bem.

Além disso, a atmosfera é muito bem construída. A casa, os corredores, os cômodos escuros e a forma como a iluminação é usada ajudam bastante a sustentar a campanha. Há também temas sensíveis por trás da narrativa, o que dá um peso mais pessoal ao jogo. O problema é que ele nem sempre equilibra bem essa história.

Existe uma nebulosidade quase excessiva na forma como tudo é contado, e isso acaba tornando a trama mais confusa do que envolvente em alguns momentos. Dentro de certo recorte, as peças até se encaixam. Ainda assim, não demora muito para parte dos jogadores simplesmente desistir de interpretar tudo e passar a focar só em terminar.

Curto, mas passa de ano

Outro ponto que pesa contra o jogo é a duração. Zerar Unsealed: The Mare leva pouco mais de duas horas, e isso realmente deixa uma sensação de que dava para ter visto mais. Como o jogo é quase inteiramente baseado em gameplay, não dá para dizer que o tempo foi desperdiçado. Mesmo assim, faltam cenas extras, momentos narrativos mais elaborados e talvez algum respiro que aprofundasse melhor a jornada de Vera.

Em compensação, o jogo oferece alguns sistemas adicionais que ajudam a deixar as coisas um pouco mais ricas. Vera pode coletar lâmpadas para iluminar permanentemente certas áreas e usar uma câmera especial para exorcizar elementos importantes, numa lógica que lembra um pouco Fatal Frame.

Também existe um componente leve de stealth, já que em vários momentos é melhor se esconder e esperar a entidade passar. A inteligência da Mare não impressiona, mas esse tipo de interação ainda funciona bem para quem entra de cabeça.

Unsealed: The Mare é acessível, mas precisa de mais

No geral, Unsealed: The Mare faz exatamente aquele arroz com feijão bem executado. Ele não reinventa nada, não apresenta uma grande novidade dentro do terror e trabalha com elementos que fãs do gênero já viram inúmeras vezes. Só que faz isso com competência o suficiente, relativizando no caso.

O som é excelente, a ambientação funciona, a criatura principal tem presença e o medo aparece na forma mais crua. Por outro lado, a campanha curta, a história confusa em excesso e a jogabilidade simples demais impedem que o jogo deixe uma marca mais forte.

Ainda assim, para quem gosta de terror e sabe apreciar um projeto menor que entende o próprio tamanho, vale a atenção. Não é um dos mais memoráveis dos últimos tempos, mas definitivamente sabe assustar.

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No centro de todas essas inovações está o DLSS 4.5 Dynamic Multi Frame Generation, que chega em 31 de março como parte da próxima versão beta opt-in do NVIDIA App.

Na prática, esse novo recurso reforça a ideia de que a NVIDIA quer tornar o frame generation mais inteligente e menos estático. Durante a CES 2026, a empresa já havia mostrado que o DLSS 4.5 traz um novo modelo de transformador de segunda geração, melhora a qualidade de imagem em todas as GPUs GeForce RTX compatíveis e adiciona o modo Multi Frame Generation 6X.

Agora, com o Dynamic Multi Frame Generation, o sistema passa a ajustar em tempo real o multiplicador de quadros para atingir a taxa de quadros desejada pelo jogador ou acompanhar a taxa de atualização do monitor. Em outras palavras, a proposta é equilibrar desempenho, responsividade e estabilidade de forma dinâmica, em vez de deixar tudo preso a uma configuração fixa.

Esse recurso será liberado primeiro para as GPUs GeForce RTX Série 50 por meio de override no NVIDIA App. Além disso, a mesma atualização também vai permitir o uso do novo modo 6X do DLSS 4.5 Multi Frame Generation nesses modelos.

Segundo a NVIDIA, isso pode elevar bastante a taxa de quadros em 4K, especialmente em jogos com path tracing, com impacto mínimo na resposta graças ao Reflex. Ao mesmo tempo, a empresa também atualizou o modelo de Frame Generation nas séries RTX 50 e RTX 40 para melhorar a clareza de interfaces estáticas dentro dos jogos, algo importante porque a sobreposição de HUD e menus sempre foi um ponto sensível nesse tipo de tecnologia.

Integrações de jogos ao NVIDIA DLSS 4.5

Mas o anúncio não ficou só no software. Durante a GDC, a NVIDIA confirmou 20 novas integrações de DLSS 4.5 e Path Tracing em jogos bastante aguardados. Entre os destaques estão 007 First Light, que chega em 27 de maio com Path Tracing e DLSS 4.5, Control Resonant, previsto para este ano com o mesmo conjunto de recursos, e Tides of Annihilation, que também contará com DLSS 4.5 e Path Tracing.

Além deles, Samson foi confirmado para 8 de abril com DLSS 4.5 Super Resolution e Ray Tracing, enquanto The Vernyhorn também receberá DLSS 4.5 e Ray Tracing.

Outro anúncio de peso envolve o RTX Mega Geometry Foliage, evolução de uma tecnologia que já havia aparecido em Alan Wake 2. A ideia aqui é lidar melhor com cenários densos, cheios de vegetação e elementos geométricos complexos. Ao comprimir a geometria em clusters e atualizar essas estruturas de forma muito mais rápida, o sistema reduz uso de VRAM, melhora taxa de quadros e permite mais detalhe visual com tesselação em tempo real e path tracing completo.

A Remedy já vai usar isso em Control Resonant, enquanto a CD Projekt RED trabalha com a NVIDIA para aplicar um novo sistema de folhagem em The Witcher 4. Segundo a empresa, essa abordagem torna a atualização seletiva da vegetação visualmente transparente, o que ajuda a manter qualidade alta sem cobrar tanto da memória e da GPU.

Ferramentas para mods e mais novidades

No lado das ferramentas para mods, a NVIDIA também apresentou uma nova atualização do RTX Remix, que no próximo mês receberá o Advanced Particle VFX. Esse pacote expande bastante o controle sobre partículas, com animações dinâmicas ao longo do ciclo de vida, elementos aleatórios para deixar os efeitos menos previsíveis e novas simulações físicas, como magnetismo, arrasto e colisão com a geometria do cenário.

A ideia é dar aos modders mais liberdade para remasterizar jogos clássicos com partículas mais realistas, mais caóticas e bem mais impressionantes. A comunidade já vinha aproveitando o Remix Logic, lançado em janeiro, para alterar visuais com base em eventos do jogo. Agora, com o novo sistema de partículas, a tendência é que esses mods fiquem ainda mais sofisticados.

A empresa também revelou um novo GeForce Game Ready Driver, preparado para jogos importantes como Crimson Desert e DEATH STRANDING 2: ON THE BEACH, ambos com suporte ao DLSS 4 com Multi Frame Generation. Além disso, o driver adiciona suporte a mais de 35 novos monitores compatíveis com G SYNC, ampliando as opções de displays com VRR para usuários GeForce.

Geforce NOW expandido

No GeForce NOW, a NVIDIA seguiu a mesma linha de expansão. A plataforma passará a oferecer até 90 FPS em dispositivos de realidade virtual, incluindo Apple Vision Pro e Meta Quest, superando o limite anterior de 60 FPS.

Além disso, a empresa anunciou integração futura com contas da GOG, que se juntará ao suporte já existente para Xbox, Ubisoft Connect e Epic Games Store. Isso significa que os jogadores poderão sincronizar bibliotecas e encontrar jogos compatíveis com mais facilidade.

A NVIDIA também confirmou novos títulos chegando ao serviço no mesmo dia do lançamento no PC, como CONTROL Resonant e Samson. No Brasil, porém, a data para a chegada do novo suporte em VR ainda não foi divulgada.

Outro ponto forte da apresentação foi o avanço nas ferramentas de criação com IA. O ComfyUI ganhou um novo App View, pensado para simplificar fluxos de trabalho com uma interface baseada em prompts. Assim, artistas e criadores podem gerar vídeos localmente sem precisar mexer em grafos complexos logo de início.

A NVIDIA também confirmou suporte nativo aos formatos NVFP4 e FP8, além de novos modelos otimizados como FLUX.2 Klein 4B, FLUX.2 Klein 9B e LTX 2.3 FP8. Segundo a empresa, isso pode entregar entre 2,5 e 3 vezes mais desempenho e cortar até 60% do uso de VRAM em GPUs RTX.

Para fechar esse bloco, o RTX Video Super Resolution foi integrado ao ComfyUI como novo nó, permitindo gerar prévias em resolução mais baixa e depois ampliá las rapidamente para 4K.

Na área de realidade estendida, a NVIDIA também oficializou a integração do CloudXR ao visionOS, em parceria com a Apple. Com isso, desenvolvedores poderão transmitir experiências XR de PCs com GeForce RTX diretamente para o Apple Vision Pro, usando streaming foveado via Wi Fi em até 4K e 120 FPS. O CloudXR 6.0 chegará em breve ao iRacing e ao X Plane 12, o que já indica onde a empresa enxerga maior potencial imediato para essa tecnologia.

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