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Ele tinha certa fama, teve vários jogos e muita gente lembra dele até hoje, principalmente pelo jeito extremamente falastrão durante as fases. Mas, sinceramente, ele nunca entrou no meu “top mascotes” daquela época. Meu favorito sempre foi o Mario, então o Bubsy acabava ficando mais como aquele personagem curioso que aparecia aqui e ali.

Só que o mais engraçado é que o próprio Bubsy 4D parece reconhecer a fama meio conturbada do personagem. O jogo faz piada com isso o tempo inteiro.

Ele entende que Bubsy virou quase um personagem “difamado” dentro do mundo dos games depois de alguns títulos bem criticados, especialmente Bubsy 3D, lançado originalmente em 1996 e lembrado até hoje pelos controles confusos e pela tentativa de levar o mascote para o 3D sem muito sucesso.

Agora, em 2026, a Fabraz, junto da Atari — que adquiriu os direitos da franquia em 2023 — tenta novamente trazer o personagem de volta aos holofotes. E olha… apesar de vários problemas claros, eu admito que me diverti mais do que imaginava.

O jogo chega em 21 de maio para Nintendo Switch, PlayStation, Xbox e PC. Quer saber tudo o que eu achei dessa nova empreitada do personagem? Fica comigo nesta review de Bubsy 4D e, caso prefira, segue a análise em vídeo:

História simples, mas isso não é um problema

Começo esta review de Bubsy 4D pela história do game. Ela é extremamente simples, quase como uma desculpa para colocar você nas fases, mas sinceramente? Em jogo de plataforma isso raramente é um problema.

Os eternos inimigos da franquia, os Woolies, roubam todos as ovelhas da Terra. Só que as ovelhas acabam se rebelando contra os próprios captores e retornam como os BaaBots, criaturas armadas com tecnologia Woolie e determinadas a roubar o bem mais precioso do Bubsy: seu novelo dourado.

A partir daí, Bubsy reencontra personagens conhecidos da franquia, como Terri, Terry e Virgil enquanto segue numa jornada para derrotar novamente os vilões.

É uma história extremamente clichê e previsível, mas ela funciona como pano de fundo para a aventura. E sinceramente? Plataforma nunca precisou de uma narrativa ultra complexa para funcionar.

O mais divertido é justamente perceber que o próprio jogo brinca com a imagem meio caótica do Bubsy. Ele continua falastrão, continua soltando frases aleatórias e comentários o tempo inteiro, mas agora parece existir uma autoconsciência muito maior sobre isso.

O problema é que boa parte dessas piadas pode simplesmente passar batida para jogadores brasileiros, porque o jogo não possui qualquer localização em português. Nada. Nem legendas, nem interface, nem dublagem. E como o humor do Bubsy depende bastante de diálogos rápidos e piadas bobas, você acaba perdendo parte da experiência caso não entenda inglês.

Quando a movimentação encaixa, Bubsy 4D realmente fica divertido

O jogo possui três mundos principais divididos em cerca de 15 fases no total, cada um deles encerrando com um chefe. A estrutura lembra bastante algo próximo de Super Mario 3D World, com fases mais delimitadas, mas ainda oferecendo espaço para exploração, coletáveis e desafios opcionais.

Você pode simplesmente correr até o final da fase ou tentar completar objetivos extras, como pegar todos os colecionáveis, finalizar dentro de um determinado tempo ou procurar itens escondidos que desbloqueiam roupas e habilidades para o personagem.

Inclusive, o fator replay vem justamente daí. Embora a campanha principal seja relativamente curta — eu levei entre sete e oito horas para finalizar explorando bastante coisa — existe bastante conteúdo para quem quer fazer 100%, buscar platina ou focar em speedrun.

O game possui um modo chamado Nine Lives, o qual você não pode recever 9 hits, ou seja, levou 10 hits, já era! É Game Over. Bem legal pra quem busca um desafio maior!

O game possui pulo duplo, pode planar, escalar paredes usando as garras, se transformar numa bola gigante para ganhar impulso e ainda fazer um salto diagonal bem legal. Quando tudo isso começa a funcionar junto, o gameplay realmente flui.

Só que existe um problema: o jogo complica demais alguns comandos.

Para jogadores acostumados com plataforma, isso provavelmente não será um problema tão grande. Mas para alguém menos familiarizado, muita coisa pode parecer confusa. Você precisa combinar várias mecânicas ao mesmo tempo em certas plataformas, e isso acaba criando momentos meio desajeitados.

Caso você se perca em meio à vários movimentos, o game conta com um menu de movimentos, o Moveset Menu, onde você pode ver todos os comandos úteis.

A câmera atrapalha mais do que ajuda em vários momentos

Se teve algo que realmente me incomodou durante boa parte da experiência foi a câmera.

Ela frequentemente se perde sozinha, gira de forma estranha e atrapalha bastante em algumas sequências de plataforma mais precisas. Em speedruns isso fica ainda pior, porque você precisa constantemente reajustar a câmera apertando R3 para recentralizar tudo.

Dá até para perceber que os próprios desenvolvedores sabiam desse problema, porque o recurso de reset rápido da câmera claramente existe para minimizar isso. Só que ainda assim, em vários momentos eu acabava brigando mais com a câmera do que propriamente com a fase.

Outro ponto que também não funcionou muito bem para mim foi o uso do DualSense.

O jogo claramente tenta criar uma experiência mais imersiva usando os recursos do controle, principalmente os sons saindo do alto-falante enquanto Bubsy fala ou interage com o cenário. Só que sinceramente? Parece uma tentativa de replicar o que Astro Bot faz de maneira brilhante — mas sem o mesmo cuidado.

Não chega a estragar a experiência, mas também não adiciona praticamente nada.

Divertido, mas tecnicamente bem limitado

Visualmente, Bubsy 4D me decepcionou um pouco.

Eu entendo perfeitamente que estamos falando de um jogo com menor escopo, mas sinceramente, em pleno 2026, eu esperava algo mais caprichado visualmente. Alguns mundos possuem cores agradáveis e um visual simpático, mas o último mapa especificamente eu achei realmente feio. A paleta de cores é apagada e pouco chamativa.

Não é um jogo horrível visualmente, longe disso, mas também passa muito longe de impressionar.

Em compensação, a performance foi estável durante praticamente toda a experiência. Não tive quedas de FPS relevantes no PlayStation 5, mesmo em momentos mais movimentados.

Os problemas aparecem mais na parte técnica visual mesmo:pequenas falhas de colisão, Bubsy atravessando partes do cenário e um bug específico em que fiquei preso numa parede e precisei reiniciar o jogo.

Nada absurdo, mas são detalhes que claramente mostram certa falta de polimento.

A trilha sonora funciona, mas os efeitos sonoros roubam a cena

A trilha sonora segue um estilo mais puxado para jazz e blues, e sinceramente, combina bastante com a proposta do jogo. Não é nada memorável ou algo que eu vou sair ouvindo depois, mas funciona bem enquanto você joga.

Agora, os efeitos sonoros eu gostei bastante.

O Bubsy gritando quando cai de lugares altos, os sons exagerados durante movimentação, os efeitos das habilidades e até os barulhos enquanto ele fica parado ajudam muito a dar personalidade para o personagem e deixam a experiência mais imersiva.

Por outro lado, achei bem ruim a parte de áudio envolvendo diálogos com NPCs. Algumas vozes e efeitos parecem mal mixados ou simplesmente estranhos.

Review de Bubsy 4D – Vale a pena?

Finalizo esta review de Bubsy 4D dizendo que ele me surprrendeu, positivamente e dependendo do que você espera dele, isso pode acontecer contigo também.

A Fabraz claramente entendeu que precisava respeitar a identidade caótica do personagem, mas ao mesmo tempo atualizar sua jogabilidade para os dias atuais. E embora o jogo tenha vários problemas técnicos, uma câmera inconsistente e um visual apenas razoável, existe aqui um plataforma genuinamente divertido.

Quando você domina as mecânicas de movimentação, o gameplay fica muito satisfatório. Explorar as fases, fazer speedrun, coletar itens e testar habilidades realmente funciona.

Ele não tenta ser o próximo grande mascote da indústria. Não tenta competir com Mario. Não tenta reinventar o gênero. E talvez justamente por isso ele consiga funcionar melhor do que muita gente imagina.

Se você gosta de jogos de plataforma 3D mais simples, sente falta daquele clima de mascotes clássicos dos anos 90 ou simplesmente quer algo leve e divertido para jogar por algumas boas horas, Bubsy 4D consegue entregar isso.

Curtiu a review de Bubsy 4D? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: Rune Dice (PS5)
• Review de LEGO Batman – O Legado do Cavaleiro das Trevas após a platina (PS5 Pro)
• Review: Black Jacket (PS5)

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E eu preciso admitir que essa é uma reação estranha da minha parte, pois eu nunca soube explicar o motivo pelo qual não gostei de Tales of nas primeiras vezes que tentei a série. Em momentos distintos da minha vida, eu experimentei Tales of Vesperia e Tales of Berseria, especificamente, e em ambos os casos, eu acabei jogando por cerca de 10 horas antes de dropar os jogos por um motivo ou outro. Eles simplesmente não me prenderam o suficiente.

No caso de Tales of Arise, a minha experiência foi muito diferente, e isso aconteceu já desde os primeiros momentos de jogatina. Como um JRPG épico, com uma direção de arte belíssima e uma trilha sonora impactante, Tales of Arise apresenta logo de cara uma seleção de personagens muito interessantes, que se aventuram em uma narrativa que toca em temas surpreendentemente complexos e profundos. Com um sistema de combate igualmente divertido, Tales of Arise tem tudo o que qualquer fã de JRPG pode procurar. Agora, como será que está esse port para o Switch 2? É isso que vamos discutir nesta análise.

• Antes de continuar, clique aqui caso queira conferir o nosso review original da versão de PlayStation 5.

Robusto em conteúdo e performance

Começando pelo começo, é importante deixar claro que Tales of Arise — Beyond the Dawn Edition chega ao Switch 2 oferecendo um “pacote definitivo” da versão original. Em outras palavras, isso significa que o pacote básico do Switch 2 entrega não apenas o conteúdo original do jogo (lançado inicialmente como um título cross-gen em 2021), mas também inclui sua expansão intitulada Beyond the Dawn, além — é claro, de uma série de cosméticos, itens e outros bônus extras especiais.

Dito isso, embora a versão básica do Switch 2 já seja bastante robusta, existe também um pacote Premium que adiciona ainda mais cosméticos e outros elementos supérfluos, mas nada que faça realmente falta na experiência básica do jogo. Comparado com o que foi feito por outras empresas (como no caso de Persona 3 Reload, por exemplo, no qual absolutamente todos os DLCs e pacotes extras são oferecidos como compras separadas), o pacote de Tales of Arise no Switch 2 é bastante interessante, o que mostra um enorme respeito por parte da Bandai Namco para com seus fãs Brasileiros.

E por falar em respeito para com nosso país, vale ressaltar que todo o conteúdo de Tales of Arise, das 60 horas da campanha básica às 20 horas da expansão Beyond the Dawn, está inteiramente localizado em nossa língua, em uma adaptação brilhante que traduz perfeitamente termos e sotaques dos personagens. Em termos de áudio, o jogo apresenta opções de dublagem em inglês e japonês, o que funciona muito bem para fãs do “estilo anime”, que queiram jogar com a dublagem original, por exemplo, mas com texto em português do Brasil.

Em termos de visuais e performance, estamos falando de uma conversão extremamente satisfatória para o Nintendo Switch 2. O jogo roda a 1080p tanto no modo portátil, quanto no modo TV, o que funciona perfeitamente bem com a direção de arte distinta que o jogo apresenta, onde todos os ambientes são lindamente realizados com texturas que lembram um estilo aquarela muito particular. Enquanto cutscenes são apresentadas em uma taxa de quadros de 60 frames por segundo, os momentos de gameplay são travados a 30 — apesar da limitação, o jogo roda lindamente, sem engasgos, mesmo nos momentos mais caóticos de batalha.

Um conto de dois mundos

Quanto ao jogo em si, Tales of Arise — Beyond the Dawn Edition se divide em duas campanhas, que são apresentadas uma como sequência da outra. Na campanha principal, acompanhamos um conflito bastante complexo envolvendo dois planetas distintos. Rehna, um planeta tecnologicamente avançado, que possui acesso a magias extremamente poderosas, tem dominado e controlado a população de Dahna a força já tem 300 anos. Assumindo o papel do Máscara de Ferro — um misterioso protagonista sem memória —, nosso objetivo começa com uma rebelião rumo à liberdade.

Embora Tales of Arise brinque com alguns clichês do gênero de JRPG, o elenco de protagonistas que é apresentado aos poucos durante as 60 horas de campanha é extremamente cativante e divertido. Um dos grandes trunfos do jogo nesse sentido é a inclusão das chamadas “esquetes”, pequenos trechos narrativos opcionais que aparecem após determinados acontecimentos da trama. É por meio desses diálogos entre os personagens que suas personalidades são elaboradas e desenvolvidas de maneiras surpreendentes.

Com isso, cada um dos seis protagonistas que fazem parte da sua party traz uma personalidade única, que brilha em momentos distintos de uma trama que, por si só, explora temas e conflitos bastante complexos e interessantes. Dahna, como o planeta que abarca grande parte da narrativa, é quase que um segundo protagonista por si só, já que cada uma de suas cinco regiões apresentará visuais, acontecimentos e personagens únicos. Existem algumas pequenas soluções de conflito mais simplórias em certas subtramas, mas são momentos pontuais em uma história épica e grandiosa.

Para além dessa campanha principal, o conteúdo de Beyond the Dawn continua a história de Máscara de Ferro e seus amigos em uma aventura que busca atar as possíveis pontas soltas deixadas pela narrativa principal. É uma nova história que precisa ser jogada ao término da história principal, já que ela vai lidar diretamente com as consequências das ações dos protagonistas, e acrescenta um pouco mais de Tales of Arise para aqueles que terminarem a campanha principal com um gostinho de “quero mais”.

Uma dança em forma de combate

Para acompanhar uma narrativa bastante interessante, Tales of Arise apresenta um sistema de combate em tempo real que consegue ser, ao mesmo tempo, simples e engajante. Como um bom JRPG, é um sistema que começa bastante simplório, mas se torna progressivamente mais interessante conforme novas mecânicas são introduzidas durante as primeiras dez horas da campanha.

Basicamente, enquanto você controla um dos personagens da sua party (que pode ser o Máscara de Ferro, ou cada um dos outros quatro membros ativos a cada momento), todos os outros participantes da batalha são controlados pela inteligência artificial do jogo, que os comandará automaticamente, deferindo golpes, usando poderes especiais e magias. Você pode, nesse sentido, “programar” a sua party para agir de maneira mais moderada, ofensiva, ou defensiva, de acordo com a opção que você escolher.

Dentro desse sistema, a sua parte no combate se dá em tempo real, por meio de controles bastante responsivos, que estão inteiramente focados na combinação de combos simples, ataques especiais (ligados à pontos que são gastos quase como uma “stamina”), além de golpes de invocação, que podem ser ativados ao chamar os colegas de party. Isso, sem falar ainda nos ataques finalizadores especiais, que podem ser ativados quando inimigos ficam vulneráveis depois de receberem uma quantidade de dano expressiva.

Conforme você começa a dominar esses sistemas, ficando mais habilidoso ao encontrar maneiras de combar todas essas habilidades em uma sequência ininterrupta, o combate de Tales of Arise começa a brilhar de verdade, quase parecendo uma dança deliciosa de executar. Nesse sentido, novas habilidades vão tornando o combate cada vez mais divertido e engajante, já que você começa a encontrar maneiras de recuperar os seus pontos de stamina ao esquivar perfeitamente, ou derrotar um inimigo em meio às hordas.

Um pouquinho de clássico, uma pitada de repetição

Embora o combate de Tales of Arise seja divertido em um nível mecânico, existe um pequeno problema a nível estrutural que pode se tornar um pequeno porém à longo prazo: o jogo apresenta uma variedade de inimigos pequena, o que faz com que o combate se torne um tanto quanto repetitivo com o tempo.

Um dos motivos para isso é o quão “clássica” é a estrutura de jogo de Tales of Arise. Para o bem e para o mal, a progressão do jogo e exploração de cada um dos cenários da aventura segue uma abordagem mais clássica, com mapas relativamente lineares que são interligados por caminhos específicos. Diferentes de outros jogos mais modernos, que costumam apelar para uma estrutura de mundo aberto, Tales of Arise segue uma vibe um pouco mais antiquada.

Por um lado, eu acho isso refrescante em 2026, já que o jogo pode brincar com designs de mapas mais específicos. Hora você explora algo muito próximo de uma dungeon old-school, com portas que precisam ser abertas com as chaves corretas. Em outros momentos, você tem uma planície relativamente expansiva, com algumas opções diferentes de caminhos e segmentos secundários divertidos de encontrar.

A repetição vem do modo como inimigos são posicionados no mapa. Ao “encostar” em um ou mais inimigos, você é teleportado para um cenário de batalha padrão, onde fica durante o período da luta. Com um número relativamente baixo de inimigos diferentes, e cenários que não fazem muita diferença nas lutas em si, o combate (embora mecanicamente delicioso) se torna repetitivo com o tempo.

Review de Tales of Arise — Beyond the Dawn Edition: um JRPG com J maiúsculo

Como é de se esperar do gênero, Tales of Arise compensa um pouco essa possível repetição com uma gama absurda de atividades e conteúdos secundários. Isso inclui desde dezenas de side quests dos mais variados tipos, até mesmo atividades paralelas como a preparação de refeições, a manufatura de armas e acessórios, além de um minigame de pesca, como não poderia deixar de ser.

Com um pacote bastante robusto, que traz a experiência de Tales of Arise intacta em modalidade portátil, a versão do Nintendo Switch 2 não deixa nada a desejar quando comparada às versões de plataformas mais potentes e, assim, se torna uma opção extremamente válida para aqueles que queiram uma aventura que vai durar dezenas e dezenas de horas.

Se você, assim como eu, nunca tinha entrado de verdade na franquia Tales of, digo com tranquilidade que Tales of Arise — Beyond the Dawn Edition é uma das melhores portas de entradas para esse que é um dos melhores JRPGs lançados na plataforma. Se você gosta do gênero e procura uma narrativa vasta, com combate divertido, pode entrar de cabeça que você não vai se arrepender.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Bandai Namco.

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Para saber mais sobre o background do game e entender como foi todo o processo de remasterização, conversamos com os criadores Rodrigo Dal’Asta e Rafael Dolzan durante a gamescom Latam. Nesse bate-papo, tiramos diversas dúvidas e acabamos entendendo bastante sobre a paixão que existe diante de um projeto ambicioso e que respeita tudo que foi mostrado pelo original.

República DG entrevista Continuum sobre Outlive 25

República DG: Vocês estão trabalhando em um remaster, certo? Como foi trazer de volta um jogo clássico preservando a identidade original, mas também atendendo às expectativas modernas?

Continuum: Foi um grande desafio. A comunidade joga esse título há 25 anos, então havia uma responsabilidade grande em atender quem já era fã e, ao mesmo tempo, tentar atrair um público novo.

No início, a ideia era entregar um remaster mais simples, mas durante o processo entendemos que precisávamos fazer algo a mais. Trabalhamos com a comunidade durante todo o desenvolvimento, inclusive com uma fase de beta test de quatro meses. Esse retorno ajudou muito.

A comunidade apontou detalhes de balanceamento, recursos pouco usados e problemas que, com o tempo, ficaram mais claros. Então fomos ajustando mecânicas, melhorando a arte, modernizando a rolagem, adicionando zoom e refinando o jogo como um todo.

O resultado ficou quase como um jogo novo, mas ainda fiel ao estilo original. A ideia era preservar o sentimento que as pessoas tinham do jogo antigo, mas entregar uma experiência que hoje parecesse melhor e mais confortável de jogar.

República DG: Em termos técnicos, quais foram os maiores desafios da remasterização, principalmente em gráficos e som?

Continuum: No som, não tivemos tanta dificuldade, porque a matéria-prima original já tinha sido produzida em uma qualidade muito boa. Na época, por limitações de hardware, a gente precisava reduzir a qualidade, mas os arquivos originais eram bons.

Na parte gráfica, o desafio foi maior. A arte original sofreu redução de cores e qualidade para funcionar nos computadores de 25 anos atrás. Naquele tempo, isso não era tão perceptível. Hoje, com monitores melhores e resoluções maiores, a diferença aparece muito mais.

Durante o desenvolvimento, percebemos que a arte antiga não seria suficiente, principalmente depois que adicionamos o recurso de zoom. Quando o jogador aproximava a câmera, a perda de qualidade ficava evidente.

Então tivemos duas opções: tirar o zoom ou refazer a arte. Decidimos manter o recurso e refazer boa parte da arte a partir dos modelos originais. Isso aumentou o prazo de desenvolvimento, mas valeu a pena pelo resultado final.

República DG: Vocês falaram bastante sobre nostalgia. Como equilibrar essa lembrança afetiva com uma experiência que ainda funcione hoje?

Continuum: A nostalgia é uma arma poderosa, mas também exige cuidado. Às vezes a pessoa lembra de algo antigo como se fosse melhor do que realmente era. Quando revisita aquilo hoje, pode perceber limitações que antes não incomodavam.

Então nosso cuidado foi manter a sensação positiva que o jogador tinha do jogo, mas com melhorias reais. A pessoa precisava jogar agora e sentir: “continua bom” ou até “está melhor do que eu lembrava”.

Se a gente entregasse exatamente como era, talvez algumas coisas soassem ruins hoje, como a rolagem, a fluidez ou a qualidade gráfica. Por isso trabalhamos para melhorar esses pontos sem descaracterizar o jogo.

República DG: Houve mudanças no balanceamento das ações e unidades nessa versão remasterizada. O que vocês sentiram que precisava melhorar?

Continuum: Foram vários pequenos detalhes. Não houve uma única grande mudança, mas muitos ajustes espalhados pelo jogo.

Ao longo de 25 anos, a comunidade jogou tanto que encontrou desequilíbrios que talvez nem fossem visíveis na época. Algumas estratégias ficavam fortes demais, enquanto certos recursos praticamente não eram usados.

A gente coletou esse feedback e trabalhou para criar contrapesos. Algumas coisas precisaram ser enfraquecidas, outras fortalecidas. O objetivo era garantir que nenhuma estratégia fosse boa contra tudo.

Um exemplo é a parte de inteligência e espionagem. Era um recurso muito interessante, mas pouco usado, porque até o jogador conseguir pesquisar e utilizar, muitas partidas já tinham acabado. Então ajustamos essa dinâmica para tornar o sistema mais relevante.

República DG: A comunidade teve influência direta nesse processo de balanceamento?

Resposta: Sim, muita. A gente não recebeu apenas mensagens soltas. Fizemos reuniões com representantes da comunidade, conversamos pelo Meet e ouvimos os principais pontos.

Eles tinham até uma espécie de “acordo de cavalheiros”, um documento com regras para evitar certas estratégias, porque algumas ações quebravam o equilíbrio e tiravam a graça da partida.

Para nós, isso mostrava que havia problemas que precisavam ser resolvidos dentro do próprio jogo. O jogador não deveria precisar combinar regras externas para a partida funcionar.

Então trabalhamos nesses pontos e hoje a ideia é que todo mundo possa jogar livremente, sem depender dessas restrições.

República DG: O multiplayer suporta até 16 jogadores simultâneos. Como foi estruturar isso em termos de estabilidade e performance?

Continuum: O multiplayer, em si, não afeta tanto a performance gráfica. São questões separadas. O jogo original já tinha suporte para 16 jogadores. Na prática, são oito exércitos no mapa, e cada exército pode ser controlado por até dois jogadores. Isso era uma inovação na época, porque dois jogadores podiam controlar o mesmo exército de forma cooperativa: um cuidando da base e outro do ataque.

O mais curioso é que isso foi desenvolvido para a internet brasileira de 25 anos atrás, que era muito mais limitada. Então o jogo já precisava ser muito otimizado para funcionar bem naquele cenário.

Na versão atual, o maior trabalho foi adaptar o sistema para funcionar em cima da Steam. O multiplayer já tinha uma base sólida, então não foi o maior desafio do projeto, embora tenha exigido ajustes.

República DG: As unidades têm comportamentos próprios e certa autonomia. Como isso funciona dentro da estratégia do jogo?

Continuum: Cada unidade tem características próprias e poderes específicos. Algumas são melhores contra unidades aéreas, outras contra terrestres, e o jogador precisa entender em que momento usar cada uma.

Um ponto interessante é que as unidades têm certa inteligência. Elas podem reagir a situações sem depender de comando manual o tempo todo. Por exemplo, uma unidade aliada pode ajudar outra que esteja sendo atacada.

Também é possível configurar comportamentos. O jogador pode definir que uma unidade use uma habilidade especial quando achar mais adequado ou recue para a base quando estiver com pouca vida.

Isso dá mais profundidade estratégica, porque o jogador não controla apenas a posição das unidades, mas também como elas devem reagir dentro da batalha.

República DG: O sistema de caminhos automatizados muda bastante a forma de jogar. Ele foi pensado como acessibilidade ou como aprofundamento estratégico?

Continuum: Ele nasceu para acrescentar elementos de estratégia. Em jogos de estratégia, as unidades normalmente procuram o caminho mais curto. Só que, às vezes, esse caminho passa por uma base inimiga ou por uma área perigosa. Então o jogador pode querer criar um desvio ou atacar por outro lado.

Com o sistema de caminhos, dá para usar o mapa de forma mais estratégica, dividindo tropas, criando rotas alternativas ou até fazendo rondas para proteger uma base.

Então não foi pensado apenas como acessibilidade, mas como uma forma de dar mais controle tático ao jogador.

República DG: Quais melhorias técnicas foram implementadas para facilitar a criação de conteúdo no editor?

Continuum: O editor já existia no jogo original, mas foi reescrito e melhorado para esta versão.
Ele é um programa para Windows usado para editar todas as fases da campanha. Com ele, o jogador também pode criar mapas e campanhas próprias.

A ferramenta é bem flexível. Existe um sistema de eventos que permite programar situações dentro do mapa e até contar pequenas histórias. Não é algo totalmente simples, porque envolve uma lógica parecida com programação, mas ficou mais intuitivo do que era antes.

A comunidade já fazia muita coisa com o editor antigo, inclusive campanhas enormes. Agora, com mais recursos, as possibilidades aumentaram bastante. Dá para criar mapas tradicionais, campanhas, modos inspirados em tower defense, corrida e outras experiências diferentes dentro da estrutura do jogo.

República DG: Considerando o cenário atual dos RTS, o que vocês acreditam que o jogo faz de diferente para se destacar?

Continuum: O cenário mudou bastante. Quando o jogo original saiu, RTS era um dos gêneros mais comentados. Hoje, o mercado está muito mais segmentado, com muitos estilos diferentes e um público que costuma experimentar vários gêneros.

Por isso, os jogos de estratégia saíram um pouco do mainstream. O remaster chega para ocupar parte desse espaço e mostrar que ainda existe força nesse tipo de experiência.

A ideia foi apresentar um RTS com estilo clássico, mas renovado. Trabalhamos no balanceamento, nas possibilidades estratégicas e em uma linguagem mais acessível ao público atual.

Também criamos tutoriais e deixamos algumas dinâmicas mais rápidas, porque o jogador de hoje nem sempre quer passar duas horas em uma partida. Então o jogo busca manter fidelidade ao original, mas adaptado para um público mais moderno.

República DG: Existe possibilidade de levar o jogo para consoles ou portáteis?

Continuum: O primeiro passo natural seria pensar em plataformas mais adaptadas a jogos de estratégia. Um exemplo citado foi o Switch 2, pelo controle que pode funcionar como mouse.

Para consoles tradicionais, seria mais complexo, porque um RTS exige muitas adaptações de interface e controle. Talvez fosse necessário mexer bastante na forma de jogar.

Sobre Steam Deck, o jogo roda. Ele ainda não tem uma versão específica ou verificação oficial, mas já foi testado e funciona. Como o jogo é leve, a expectativa é boa.

Também já usamos bibliotecas pensando em possíveis ports para Linux e macOS, o que facilitaria uma adaptação futura para Steam Deck de forma mais nativa.

Outlive 25 já está disponível pra PC.

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Na gamescom Latam 2026, tivemos a chance de conversar com Mikael Kasurinen, diretor criativo de Resonant, que nos contou um pouco mais não apenas sobre seu histórico na Remedy e seu papel, como também sobre as mudanças no seu novo game e de que forma elas contribuirão para uma narrativa ainda mais ambiciosa.

República DG entrevista diretor criativo de Control Resonant

República DG: Você já tem bons anos trabalhando na Remedy, ajudando a criar algumas das IPs mais icônicas do mercado. Como você começou?

Mikael Kasurinen: Certo, então… na verdade, nos anos 90 eu já modificava muitos jogos. Você conhece o jogo Doom? Se você se lembra do início dos anos 90, muitos jogos surgiram, como Quake e outros do tipo. Eu passava meu tempo livre modificando esses jogos e, de certa forma, fui me envolvendo com isso. Era uma maneira de me aproximar do desenvolvimento de jogos, mas eu nunca realmente acreditei que isso se tornaria minha carreira.

Até que, em 2001, eu já era um grande fã da Remedy na época. Eles tinham acabado de lançar Max Payne 1, e foi então que comecei a modificar o jogo e me interessar mais pelo que eles estavam fazendo. Com o tempo, acabei conseguindo entrar no estúdio, e o primeiro jogo em que trabalhei foi Max Payne 2. Foi assim que minha carreira começou.

Desde então, segui uma trajetória voltada ao design. Comecei como designer de gameplay, trabalhando em diferentes níveis, encontros de combate e outros aspectos do jogo. Depois que terminamos Max Payne 2, passei a trabalhar em Alan Wake, onde atuei como designer líder, e foi a partir daí que minha carreira continuou evoluindo.

República DG: Você pode falar um pouco sobre o seu papel na Remedy hoje? Qual exatamente é o trabalho de um Diretor Criativo?

Mikael Kasurinen: O que fazemos na prática? Então, há um ponto importante: grande parte do meu papel é ter uma visão mais ampla do que estamos tentando fazer. É definir os pilares do projeto e garantir que todos entendam quais são, digamos, os elementos centrais, aquilo que não é negociável na base do jogo. São as coisas-chave que precisam funcionar bem ao longo de toda a experiência.

A partir disso, também é essencial garantir que toda a equipe entenda o que estamos fazendo e por quê. Esse é o ponto de partida. É bom ter um plano, mas, na prática, quando você começa a trabalhar em algo, as coisas geralmente dão errado. Sempre surgem surpresas e imprevistos.

Então, como diretor, o que você precisa fazer é trabalhar junto com a equipe para identificar problemas e também oportunidades. Às vezes, alguém traz uma ideia interessante que não estava no plano inicial. O desafio é entender como integrar isso e reagir da maneira certa, sempre com o objetivo de construir o melhor jogo possível.

No começo, seu papel é mais ativo na tomada de decisões e em garantir que a experiência continue coesa. Já o papel do diretor criativo muda ao longo do processo. Quanto mais o desenvolvimento avança, menos ele atua diretamente em decisões pontuais e passa a focar mais no refinamento, assegurando que tudo esteja bem ajustado e em um bom nível de qualidade no final da produção.

República DG: Qual seu gênero de jogo predileto? E tem algum game que você consiga apontar como seu favorito de sempre?

Mikael Kasurinen: Um dos meus jogos favoritos de todos os tempos era um que acho que muita gente nem lembra mais, chamado Space Control 2. O que eu amava nele, na época, é que começava como um jogo relativamente simples. Era basicamente combate espacial, com naves 2D girando uma em torno da outra enquanto você lutava contra diferentes raças alienígenas.

Mas o que eles fizeram na sequência foi algo impressionante. De repente, você podia explorar um universo inteiro. Quando você abria o mapa pela primeira vez, aquilo era absurdo para a época. Estamos falando de 1989 ou 1990, e havia inúmeras possibilidades. Você podia voar livremente para qualquer planeta, encontrar diferentes raças, coletar minerais e usar esses recursos para melhorar sua nave.

Para mim, aquilo foi algo realmente marcante. Eu era adolescente na época, e essa experiência me fez perceber o que os jogos poderiam ser. Acho que isso influenciou muito o meu gosto, e provavelmente não é surpresa que eu tenha me tornado um grande fã de RPG.

Eu gosto de jogos que oferecem um mundo rico e interessante, em que cabe a mim explorá-lo do meu jeito. Gosto de poder desenvolver meu personagem como quiser e decidir como enfrentar cada situação, escolhendo minha própria abordagem. É essa sensação de controle que me atrai. Por outro lado, não sou tão fã de jogos em que tudo já está muito definido e eu apenas sigo um caminho pré-determinado.

República DG: Max Payne, Quantum Break, Alan Wake, Control… Em cada nova IP/projeto, a Remedy continua entregando narrativas de altíssima qualidade com diversas temáticas e personagens profundos. O que você considera ser o segredo do sucesso da Remedy?

Mikael Kasurinen: Acho que ajuda o fato de sempre termos sido bastante independentes. Como estúdio, tivemos muitos editores diferentes ao longo do tempo, mas isso acabou cultivando uma atitude própria e uma cultura que começou lá no início dos anos 90 e seguiu pelos anos 2000. Sempre tivemos essa ideia de que podemos conduzir nossas próprias ideias, sem ficar esperando que outros nos digam o que fazer. A independência e esse pensamento criativo sempre estiveram presentes.

Também houve um momento marcante nesse processo. O primeiro jogo que fizemos foi Death Rally, depois partimos para Max Payne, que é um tipo de jogo completamente diferente, e em seguida fizemos Alan Wake, novamente algo bem distinto. Isso acabou se tornando parte do nosso DNA como estúdio.

A gente acredita que pode criar qualquer coisa, desde que realmente se comprometa com isso. Se houver investimento e entusiasmo, é possível fazer acontecer. Essa atitude está no centro de tudo o que fazemos.

República DG: Em Control Resonant, iremos controlar Dylan e não Jesse. O que motivou a troca de protagonista?

Mikael Kasurinen: Sim, então essa é uma conversa mais ampla. Uma das coisas principais é que não foi exatamente uma escolha do tipo “vamos mudar o personagem”. Isso já está na base da franquia. Control não é uma série centrada em um único protagonista cuja história seguimos ao longo de vários jogos. É, na verdade, a história de um mundo em evolução.

Cada jogo ambientado no universo de Control apresenta uma perspectiva diferente desse mesmo mundo. Por isso, é intencional que o protagonista mude. Não é algo inédito na indústria. Séries como GTA ou Assassin’s Creed também fazem isso, mantendo o mesmo universo, mas com personagens diferentes.

A diferença é que essa é a visão da Remedy para esse universo, quase como um RPG, em que você passa por diferentes experiências dentro do mesmo cenário. O protagonista pode mudar, e geralmente vai mudar. No entanto, o ponto principal é que não queremos simplesmente saltar para um contexto totalmente novo, com personagens completamente desconhecidos, como acontece em outras franquias.

Em vez disso, existe um fio condutor entre os jogos. Dylan não é um personagem novo, ele já estava presente no primeiro jogo, assim como Jesse. O que estamos fazendo agora é mudar a perspectiva para ele. Não se trata de introduzir alguém aleatório sem conexão com a história, mas de continuar o caminho que já foi estabelecido, apenas sob um novo ponto de vista. Por isso, faz sentido que agora seja o Dylan.

República DG: Onde a história de Resonant se encaixa na linha do tempo? Vamos ver o que Jesse tem feito como a nova Diretora do FBC?

Mikael Kasurinen: Sim, a Jesse definitivamente está lidando com alguma coisa, mas ainda não sabemos exatamente o quê. Eu tenho um problema aqui, porque não posso revelar muito mais do que isso neste momento. Desculpa por isso.

República DG: Vai ser necessário jogar o título anterior para entender a história de Resonant?

Mikael Kasurinen: Eles foram projetados de uma forma em que não importa a ordem em que você joga. Isso acontece, em parte, por causa do novo protagonista. Dylan é, de várias maneiras, uma espécie de lousa em branco. Ele esteve em coma por sete anos, então nós realmente não o conhecemos, e eu também acho que ele não se conhece muito bem. Ao longo do jogo, ele está tentando encontrar seu próprio caminho.

Por isso, mesmo que você nunca tenha jogado nada da Remedy antes, ou não tenha jogado Control, é possível começar por Control Resonant e entender rapidamente o que está acontecendo. Você aprende sobre Dylan junto com o restante do mundo.

Além disso, existem personagens que também não têm conhecimento sobre o passado. Um exemplo é Zoe, que você conhece no início do jogo. Ela estava fora da Casa Mais Antiga quando o bloqueio aconteceu no jogo anterior, então não sabe quem é Jesse, nem conhece a história ou essas forças envolvidas. Ao interagir com ela, você acaba descobrindo muitas coisas, porque ela também questiona o que está acontecendo.

De certa forma, ela representa os jogadores que não tiveram contato com Control antes. Conversando com ela, você aprende bastante sobre o passado e até sobre o que pode ter acontecido com Dylan. Por isso, o jogo foi pensado para funcionar de forma independente, permitindo que qualquer pessoa comece por ele. E, se houver interesse em entender melhor como Jesse se tornou diretora, que é uma história à parte, aí sim é possível voltar e jogar o primeiro Control. Não se trata de uma única narrativa contínua, mas de histórias que funcionam por si só.

República DG: A Remedy fez um grande movimento estratégico recentemente ao fazer uma parceria com a Annapurna para cofinanciar o jogo e explorar adaptações para TV e cinema. De que forma ter esse potencial transmídia e total independência criativa muda a maneira como você aborda a construção de mundo?

Mikael Kasurinen: Sim, definitivamente isso tem impacto. Existe toda uma nova gama de oportunidades que se abre para nós em relação ao que podemos fazer com a narrativa. Ela não fica mais restrita apenas aos jogos, já que podemos expandir para um cenário mais amplo dentro da mídia, como programas de TV, filmes e outras possibilidades.

Mas ainda é cedo para esse tipo de movimento, porque é uma indústria que segue seu próprio ritmo. Mesmo assim, é algo que nos anima bastante e que estamos interessados em explorar no futuro.

República DG: Desenvolver um jogo dessa escala para PlayStation 5, Xbox Series e PC simultaneamente é sempre um obstáculo técnico. Como a engine proprietária Northlight evoluiu para lidar com a destruição e a física desse novo “parque de diversões expansivo”?

Mikael Kasurinen: Sim. No início, quando começamos a falar sobre Control Resonant como um jogo e o que isso significaria para nós, passamos muito tempo discutindo as limitações tecnológicas que precisaríamos superar, especialmente em relação à Northlight. Também pensamos em como construir elementos como edifícios para um mundo desse tamanho, já que este é o maior jogo que já fizemos.

Para mim, era muito importante que o jogo fosse fluido. Queríamos que ele fosse responsivo, agradável de jogar, e atingir sessenta quadros por segundo sempre foi uma meta importante. Todas essas diretrizes foram definidas desde o início, e nós acompanhamos esse progresso ao longo do desenvolvimento.

Acho que estamos fazendo um bom trabalho em garantir que tudo funcione como planejado. O que realmente nos ajudou foi o tempo, principalmente para entender melhor a plataforma, como o PlayStation 5, e garantir que cada elemento esteja no lugar certo. Assim, conseguimos otimizar o jogo de forma adequada quando chega o momento do lançamento.

República DG: A indústria de jogos em 2026 está enfrentando desafios massivos em relação aos custos de desenvolvimento AAA. Diante desse clima, como a Remedy está equilibrando a ambição de criar uma Manhattan massiva e com a realidade distorcida, mantendo as operações do estúdio sustentáveis?

Mikael Kasurinen: Sim, está se tornando cada vez mais importante ter muito cuidado com onde colocamos nosso tempo e energia, porque isso pode facilmente sair do controle, se tornar muito complexo, muito caro e gerar atrasos. E ninguém quer atrasos. É algo realmente difícil de equilibrar.

O que ajuda é que a Remedy sempre foi um estúdio relativamente pequeno. Gosto de pensar que conseguimos fazer muito com poucos recursos. Essa mentalidade nos acompanha há bastante tempo. Aprendemos a pensar fora da caixa e também a abrir mão de ideias que não funcionam.

Tentamos focar no que realmente importa para os jogos que criamos, priorizando as decisões certas e deixando de lado o que é periférico ou menos relevante. Claro que isso não é fácil, porque às vezes você acaba abrindo mão de coisas que poderiam ser importantes. Ainda assim, no fim das contas, é fundamental manter o orçamento sob controle e cumprir os prazos.

Não é simples, mas é a realidade do ambiente em que estamos hoje. O pior cenário é ultrapassar limites, trabalhar demais por muito tempo e perder o controle do projeto. A competição é forte, então precisamos ser inteligentes na forma como usamos nosso tempo.

República DG: Muito obrigado por conceder seu tempo para produzirmos essa entrevista Mikael! Pra finalizar, você quer deixar alguma mensagem para a comunidade brasileira?

Mikael Kasurinen: Sim. O que eu posso dizer para todos os nossos fãs brasileiros é que é fantástico estar aqui. É a minha primeira vez, e eu fiquei realmente impressionado. Acho que todos nós nos surpreendemos com a resposta dos fãs brasileiros aos jogos que criamos. Somos muito gratos por isso.

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Entre as várias nuances de um jogo que precisam ser analisadas, todo o contexto externo passa a ter um grande grau de importância também. Cada lançamento de destaque de um jogo brasileiro impulsiona a nossa indústria pra frente e serve de fonte de inspiração para quem vem depois.

E, bom, fico feliz em já deixar claro que Motorslice é um jogo de dar orgulho para o país. Ele se inspira em vários games icônicos que são cultuados até hoje, fazendo uma mistura genial de mecânicas que, quando unidas, geram uma experiência marcante. A Regular Studio fez um ótimo trabalho aqui!

P contra Máquinas

Você com certeza já ouviu falar ou jogou um game protagonizado por um personagem chamado P onde ele usa espadas para golpear máquinas. Bom, eu não estou falando sobre Lies of P. Essa é a exata proposta de Motorslice.

A jornada é protagonizada por uma mulher chamada de P, com voz da ótima Kira Buckland, a 2B de NieR: Automata. P é uma Slicer veterana, uma funcionária enviada para locais inóspitos para fatiar, literalmente, máquinas que fugiram do controle.

P conta com o auxílio de Orbie, um drone avançado que conta com uma personalidade que me lembrou bastante o icônico Claptrap de Borderlands – mas sem a voz irritante e sem interrupções constantes.

Apesar de ter um componente narrativo e uma história tradicional, Motorslice não deve ser considerado um jogo narrativo. Ele é, essencialmente, um jogo de plataforma com um pouco de combate e diálogos vez ou outra. Para se ter ideia, o game nem sequer apresenta colecionáveis com textos ou coisa do tipo.

Eu entendi a ausência, contudo, fiquei tão imerso durante a jornada de P que fiquei querendo saber mais sobre os Slicers, suas origens e até sobre a espada com o motor propulsor usado por eles. Outro ponto que é válido mencionar é que a narrativa apresenta elementos de cunho “Tomboy” e a interação entre P e Orbie exala isso.

Motorslice é dividido em 9 capítulos e eu platinei o jogo em cerca de 8 horas. Não senti que a experiência foi curta. Pelo contrário. Ela termina em um momento perfeito para dar aquele gostinho de quero mais – potencializando, quem sabe, investimentos futuros na IP.

Clássicos revitalizados

Lembra no começo do texto que falei sobre mistura genial de mecânicas? Pois bem. Motorslice bebe da fonte de jogos bem conhecidos como Mirror’s Edge, Prince of Persia, Shadow of the Colossus e, claro, NieR: Automata.

A movimentação é claramente inspirada em Mirror’s Edge e Prince of Persia. Pular entre duas paredes, correr pela parede, escalar postes. O tempero original aqui são os trechos que possibilitam o uso da mecânica Slice. P usa sua espada com motor de propulsão para literalmente fatiar paredes laranjas, conseguindo se locomover pela parede.

De NieR: Automata, temos a inspiração do combate, onde P enfrenta uma série de máquinas com design que lembram máquinas reais como tratores, empilhadeiras, trens e mais. O cenário que lembra um mega canteiro industrial também faz alusão à obra da PlatinumGames.

Por fim, mas não menos importante, temos Shadow of the Colossus. Os chefões de Motorslice não são lutas tradicionais contra chefes. Elas basicamente consistem em trechos de plataforma onde precisamos escalar essas máquinas massivas enquanto fatiamos as partes vulneráveis com a espada.

Vale destacar, novamente, que o fatiar aqui é diferente de Metal Gear Rising: Vengeance por exemplo. Precisamos chegar perto da “parede” laranja, enfiar a espada no lugar e acionar o motor propulsor, andando pela área enquanto causa dano.

O combate propriamente dito é bem simples e direto ao ponto. P consegue aparar ataques de inimigos, inclusive os ataques dos chefes colossais, golpear normalmente com a espada, dar um ataque carregado e rolar como desvio. A filosofia implementada pelo estúdio é a de um golpe pra matar e um golpe pra morrer. Essa dualidade entre letalidade e fragilidade de P é interessante e faz com que o jogador esteja sempre atento nos confrontos, mesmo contra máquinas “básicas”.

Apesar de ser um game que dura apenas por volta de 8 horas, eu senti falta de uma maior variedade de máquinas inimigas. Isso somado à um cenário que pouco se altera acaba gerando um sentimento de repetição em sessões de jogatinas que passam da barreira das 1-2 horas.

Para afastar esse sentimento de repetição, o estúdio implementa mecânicas novas de maneira gradativa pelos capítulos. Em um capítulo por exemplo precisamos desviar de minas terrestres que explodem ao contato. No outro, usar dutos de ventilação para alcançar locais mais altos.

Falando em minas, a dificuldade do jogo é o que eu gosto de chamar de quente e frio. Ele pune bastante qualquer erro cometido e P morre instantaneamente caso você erre um pulo e caia de grandes distâncias. Contudo, para atenuar isso, Motorslice apresenta uma quantidade absurda de checkpoints. Eles são bem generosos para impedir que o jogador fique frustrado.

Também existe uma opção de acessibilidade para adicionar checkpoints nas lutas contra os chefes, o que facilita bastante a experiência. O game tem chefes bem desafiadores em alguns capítulos!

Óleo tá em dia

A parte técnica de Motorslice é muito competente. A movimentação de P é fluída, a física do jogo é realista e funciona bem, demandando atenção nos trechos de plataforma e tornando a experiência bem prazerosa quando passamos por seções desafiadoras.

O calcanhar de aquiles do jogo é a câmera. Em segmentos específicos ela mais atrapalha do que ajuda, servindo como um obstáculo adicional a ser vencido na trajetória de P. Também achei que a trilha sonora e os efeitos sonoros como um todo são bem tímidos.

A trilha é embalada por uma música que lembra aquelas que tocam em um saguão de um hotel requintado. Não chega a ser um problema, mas sinto que ela poderia ter um pouco mais de presença, principalmente nos embates contra as máquinas colossais.

A estética do jogo é outro ponto que merece destaque. Motorslice usa uma técnica de low-poly moderna para entregar visuais charmosos e que ao mesmo tempo ajudam à disfarçar as imperfeições (e, claro, baratear os custos). Isso casa perfeitamente bem com o senso estético brutalista que o game apresenta. O visual é cru, mas imponente, com construções gigantescas que causam deslumbramento mesmo sem apresentar decorações ou refinamento.

Review de Motorslice: Vale muito a pena!

Motorslice prova que o cenário brasileiro pode ir muito além do tradicional pixel art, bebendo da fonte de algumas das maiores obras da história da indústria. Com uma protagonista carismática, uma jogabilidade altamente responsiva e um ritmo de campanha bem dosado, o título merece presença garantida em qualquer lista de melhores indies de 2026.

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República DG: Você pode se apresentar e contar sobre o seu papel na Potato Kid?

Potato Kid – Meu nome é Paulo Santos, eu sou fundador e designer de diversas coisas do jogo Talaka. Eu faço a parte de game design, level design, narrative design, sound design e também implemento tudo isso. Nós utilizamos vários “chapéus” pra dar conta de todas as partes do jogo.

República DG: A indústria de jogos está navegando por um cenário bem complexo. Estamos vendo mudanças massivas com custos inflados do desenvolvimento de AAA, consolidações de estúdios e uma cena indie altamente competitiva. Considerando o peso histórico na indústria, como vocês se posicionam para não apenas sobreviver, mas prosperar no clima atual?

Potato Kid – Essa é uma pergunta bastante difícil de responder, porque não existe uma fórmula matemática. É preciso ler o mercado e se posicionar da forma mais saudável possível como desenvolvedor e como estúdio, sem ficar para trás ou preso a modelos antiquados que já não funcionam. É algo que exige reflexão diária e decisões constantes.

Na Potato Kid, a decisão foi ser, por definição e por design, um estúdio pequeno. Isso permite ter mais tempo para trabalhar no jogo e caprichar em cada detalhe, ao contrário de um estúdio maior, que tem custos mensais elevados e acaba pressionando prazos porque o dinheiro se esgota mais rápido.

O caminho escolhido foi o de uma equipe muito coesa, que se dá bem e trabalha com facilidade em conjunto, para construir um jogo mais artesanal. A animação é frame por frame, o design é pixel por pixel, as hitboxes são ajustadas com cuidado, tudo para deixar a experiência agradável de jogar. Esse processo exige tempo, então a decisão foi manter um escopo menor, com orçamento mais controlado, aumentando as chances de sucesso como produto.

Se um jogo custa 100 milhões de dólares, por exemplo, precisa vender muito para se pagar. Se custa 1 milhão, a pressão já é menor. Com 200 mil, menor ainda. A lógica é criar um produto muito bom com um orçamento mais equilibrado, garantindo que o jogo seja saudável e o estúdio sustentável. A aposta é ser pequeno para fazer coisas grandes.

República DG: O Brasil consolidou sua posição como um dos maiores e mais apaixonados mercados de jogos globalmente. Historicamente, tratavam a América Latina como um mercado secundário. Qual a estratégia específica para engajar o público brasileiro hoje em dia?

Potato Kid – Não existe uma única estratégia correta. Cada produto tem a sua. Tudo depende da força daquele jogo e de como ele pode ressoar com essa comunidade tão apaixonada, que lota eventos, participa de lives e consome videogame de forma intensa. No caso de Talaka, existe uma vantagem natural. O jogo foi pensado para ser visualmente marcante, com gameplay sólido e uma arte única.

Além disso, a cultura brasileira está presente em tudo: inimigos baseados em lendas, biomas como Pantanal, Sertão e São Paulo, NPCs inspirados nos orixás. O jogo respira Brasil. Para o público brasileiro, essa identidade tende a chamar atenção de forma imediata. A ideia é atrair pela estética ou curiosidade e manter o jogador pela qualidade do gameplay.

Depois, a permanência vem também pela cultura. A narrativa aborda apagamento cultural e o equilíbrio entre as próprias raízes e as influências externas. O ponto central é justamente não abandonar uma coisa nem se fechar para a outra. No caso de Talaka, a arte chama bastante atenção, pelo menos é o que o público vem comentando.

A pessoa testa, percebe que o controle responde bem, reconhece elementos culturais como o Exu, e uma coisa leva à outra. Isso ajuda a manter o jogador engajado!

O título tem um encaixe natural com o mercado brasileiro, algo que a publisher também reconhece. A ideia é ampliar a presença local, buscar criadores de conteúdo que se conectem com o estilo do jogo ou com a temática cultural e fazer essa mensagem chegar ao público. O grande desafio é se destacar no meio de tanto lançamento. Não existe uma fórmula única para isso.

Mas há confiança de que o jogo tem atributos suficientes para atravessar essa barreira e encontrar seu público.

República DG: Quando falamos sobre o mercado brasileiro, localização e preços regionais são sempre o tópico mais acalorado. Os jogadores brasileiros podem esperar uma localização em português do Brasil no lançamento para todos os grandes títulos futuros? E como vocês estão lidando com a disparidade econômica em relação ao preço dos jogos na região?

Potato Kid – Sobre português do Brasil, sempre vai existir. É algo natural para o estúdio. Muitas vezes o desenvolvimento começa em inglês, mas rapidamente o conteúdo já é traduzido. O jogo atualmente já funciona de forma bilíngue. Mesmo em projetos anteriores, quando o trabalho era terceirizado, em várias situações o português brasileiro era incluído por iniciativa própria, justamente por entender a importância disso para o público local.

Dublagem depende mais de orçamento, então ainda está sendo avaliado se haverá voice acting completo ou uma abordagem mais baseada em sons e expressões. Mas o texto em português está garantido.

Sobre preço, esse é um ponto essencial… A intenção é que Talaka seja acessível. O preço não pode ser uma barreira. Ainda não existe um valor definido, mas no Brasil será mais barato do que em regiões com maior poder aquisitivo. Não faz sentido simplesmente converter dólar para real. 20 dólares não equivalem diretamente a R$ 100 reais na realidade do jogador brasileiro.

Essa diferença é bem compreendida internamente, até por ser um estúdio formado por brasileiros que consomem jogos regularmente. O objetivo é encontrar equilíbrio entre remuneração justa e volume de vendas. Em muitos casos, faz mais sentido vender mais unidades a um preço acessível do que poucas unidades a um preço alto.

A estratégia segue essa linha: entender o contexto local e aplicar um valor mais adequado.

República DG: Com a atual maturidade de serviços de assinatura, como Game Pass e Playstation Plus, quão importantes são esses canais alternativos de distribuição para os futuros lançamentos? Sabemos que a ideia inicial do projeto é o a ideia do projeto é o PC, mas vocês pretendem trazer para os consoles?

Potato Kid – Existe a intenção de levar o jogo para consoles. Já há experiência com isso em projetos anteriores. A ideia é que seja um título multiplataforma, embora ainda não esteja definido se isso acontecerá já no lançamento.

Sobre PlayStation Plus e Xbox Game Pass, são modelos diferentes. O PlayStation Plus costuma trabalhar mais com jogos que já têm algum tempo de mercado, enquanto o Game Pass frequentemente inclui lançamentos. Esses acordos variam muito de projeto para projeto e envolvem negociações diretas com Sony e Microsoft. No caso de Talaka, não há nada fechado no momento. Existem conversas, contatos em eventos e trocas com a indústria, mas nada concreto.

O que é claro é que esses serviços mudaram o comportamento dos jogadores e a dinâmica do mercado. Ainda existe uma busca por equilíbrio entre assinatura e vendas tradicionais. O foco principal, no momento, é fazer o melhor jogo possível!

Se surgir uma oportunidade interessante, será avaliada. Caso contrário, o objetivo continua sendo alcançar o público por meio de preço acessível e qualidade do produto.

República DG: E pra finalizar, vocês querem deixar alguma mensagem pro povo brasileiro? Principalmente para a galera que pretende jogar o Talaka?

Potato Kid –A ideia é que o público brasileiro participe do desenvolvimento do jogo. O objetivo é que Talaka chegue ao lançamento o mais refinado possível, e para isso o feedback dos jogadores é essencial. Em breve deve ser aberto um período em que jogadores poderão entrar no Discord e testar versões ainda em desenvolvimento, assim como aconteceu no evento.

A intenção é coletar opiniões sobre narrativa, gameplay, arte, bugs e tudo possível. Existe uma forte confiança de que o público brasileiro pode contribuir diretamente para melhorar o jogo. Então o convite é claro: adicionar na wishlist, acompanhar nas redes e participar desse processo.

A proposta é construir um jogo melhor junto com a comunidade.

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No entanto, essa relação com os animes não é recente. Nos anos 90 e 2000, a TV Globo já apresentava esse universo para milhões de brasileiros. Naquela época, com pouco acesso à internet, muitos conheceram títulos famosos como Dragon Ball, Sakura Card Captors e Digimon pela TV aberta.

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Por isso, o interesse por animes cresceu rápido no país, fortalecendo a cultura otaku e abrindo espaço para produtos e eventos. Atualmente, com o avanço dos streamings, ficou ainda mais fácil assistir anime online. Assim, o Globoplay passou a incluir novos títulos em seu catálogo. A seguir, veja boas opções para começar hoje.

Pokémon

Pokémon é um dos animes mais conhecidos do mundo e teve grande impacto no Brasil, principalmente no início dos anos 2000. Na época, a exibição na TV aberta ajudou a apresentar o universo dos animes para uma nova geração. Hoje, o título continua relevante e segue atraindo fãs de diferentes idades.

Atualmente, o anime Pokémon conta com mais de 25 temporadas e diversos filmes. Embora o catálogo do Globoplay não seja completo, ainda é a opção com mais conteúdos da franquia dentro da plataforma, incluindo temporadas e filmes clássicos.

A história acompanha treinadores que capturam e evoluem Pokémon para batalhas e aventuras. No começo, seguimos Satoshi, que sai em jornada para se tornar um Mestre Pokémon ao lado de Pikachu. Ao longo do caminho, ele faz amigos, enfrenta desafios e explora novas regiões, o que mantém a história sempre dinâmica e interessante.

My Hero Academia

My Hero Academia se tornou um dos animes shounen mais populares dos últimos anos, conquistando fãs no mundo todo. A história foi finalizada com 8 temporadas e, atualmente, duas delas estão disponíveis no Globoplay, sendo uma boa porta de entrada para quem quer começar.

O enredo se passa em um mundo onde a maioria das pessoas possui poderes, conhecidos como individualidades. No entanto, acompanhamos Izuku Midoriya, que nasceu sem nenhum, mas ainda assim sonha em se tornar um grande herói.

Tudo muda quando ele conhece All Might, o maior herói da sua geração. A partir desse encontro, Izuku ganha uma chance única e entra em uma escola especializada. Assim, ele inicia uma jornada intensa, marcada por treinos, desafios e ameaças reais, enquanto aprende o que realmente significa ser um herói.

Jujutsu Kaisen

Jujutsu Kaisen é um dos animes mais populares da atualidade e segue em alta entre os fãs do gênero. Apesar de já ter novas temporadas confirmadas, o Globoplay conta, por enquanto, com a primeira, o que já é suficiente para conhecer a proposta da história.

A trama acompanha Yuuji Itadori, um estudante comum que acaba entrando em contato com objetos amaldiçoados e criaturas perigosas. A partir disso, sua vida muda completamente.

Depois de um acontecimento inesperado, Yuuji passa a fazer parte de um mundo oculto que luta contra essas ameaças. Assim, ele entra em uma escola especializada e começa a treinar suas habilidades, enquanto enfrenta desafios cada vez maiores.

Spy x Family

Spy x Family é uma ótima escolha de anime para assistir no Globoplay, principalmente para quem busca algo leve e divertido. A série mistura ação, comédia e momentos em família, o que a torna perfeita para diferentes públicos. Atualmente, duas temporadas estão disponíveis na plataforma.

A história acompanha um espião que precisa criar uma família falsa para cumprir uma missão importante. No entanto, tudo fica mais interessante quando ele acaba se envolvendo com uma assassina e uma garota com poderes telepáticos, sem que nenhum deles conheça o segredo do outro.

Assim, enquanto tentam manter as aparências, diversas situações inesperadas acontecem. Com o tempo, o que começou como um plano acaba criando laços reais, tornando a convivência cada vez mais especial.

Miraculous World: Tóquio – Força Estelar

Embora não seja um anime japonês, Miraculous World: Tóquio – Força Estelar entra na lista por sua forte inspiração no estilo das animações japonesas. Por isso, é uma boa opção para quem gosta desse tipo de visual e narrativa no Globoplay.

Dessa vez, a história leva Marinette até Tóquio, onde uma nova ameaça coloca a cidade em risco. Ao lado de Kagami, ela precisa agir rapidamente para conter o perigo.

Enquanto isso, um vilão começa a transformar pessoas em criaturas gigantes, aumentando ainda mais o caos. Assim, Ladybug reúne heróis locais e forma uma equipe com habilidades especiais. Com isso, a trama avança com muita ação, batalhas intensas e foco no trabalho em equipe.

Fruits Basket

Fruits Basket é um dos animes shoujo mais populares entre os fãs e se destaca pela sua história emocional. A obra conta com três temporadas, mas, no Globoplay, apenas a primeira está disponível até o momento.

A trama acompanha Tooru, uma jovem que, após perder a mãe, passa a viver sozinha. No entanto, sua vida muda quando ela é acolhida pela enigmática família Souma.

Com o tempo, Tooru descobre que os membros da família carregam um segredo ligado ao zodíaco, marcado por um passado difícil. Assim, a convivência revela traumas profundos, mas também cria laços de afeto. Mesmo diante dessas situações, Tooru mantém sua gentileza e, pouco a pouco, influencia positivamente todos ao seu redor.

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Isso aconteceu devido à combinação única de elementos do jogo, com destaques para sua direção de arte extremamente singular, e uma abordagem muito única em termos de narrativa. Mais do que contar uma história com começo, meio e fim, OPUS: Prism Peak coloca o jogador como um construtor ativo de uma narrativa que, às vezes, mais parece um grande e caleidoscópico puzzle. É um jogo que me deixou com muitas perguntas, mesmo após os créditos finais — e digo isso da maneira mais positiva possível.

Antes de entrar em mais detalhes, contudo, acho importante dar um passo para trás e contextualizar melhor o que é OPUS: Prism Peak. Criado pelo estúdio independente Taiwanês SIGONO, e publicado pela Shueisha Games, OPUS: Prism Peak é o quarto título de uma série de jogos narrativos. Antes que você pergunte: não, não é preciso jogar qualquer um dos títulos anteriores para apreciar OPUS: Prism Peak, pois o título é totalmente independente, e se distancia bastante de seus predecessores.

Nesse aspecto, OPUS: Prism Peak se difere até mesmo em temática. OPUS: The Day We Found Earth, OPUS: Rocket of Whispers e OPUS: Echo of Starsong são basicamente novelas visuais (aquele tipo de jogo narrativo praticamente desprovido de mecânicas) com um grande foco em cenários e narrativas de ficção científica. Além de apresentar mais mecânicas e elementos de gameplay, OPUS: Prism Peak também muda o seu gênero narrativo com um todo, já que abandona o setting sci-fi para explorar uma história de fantasia envolvendo espíritos e animais antropomorfizados.

A viagem de Chihiro Eugene

Nessa narrativa, que dura cerca de 9 horas, você controla Eugene, um fotógrafo jornalístico que se encontra em um mundo mágico e estranho após um acidente de carro. Neste universo em que elementos do mundo real se mesclam à personagens e acontecimentos fantástico, Eugene decide ajudar Ren, uma cativante garota sem memórias, a chegar a sua casa, que fica no topo de uma gigantesca montanha.

Em termos de estrutura, o jogo é constituído por uma jornada bastante linear, durante a qual Eugene e Ren precisarão atravessar o mundo mágico das “Dusklands”, enquanto ajudam diferentes espíritos no decorrer do seu caminho. Esses espíritos, por sua vez, assumem a forma de diferentes animais, formas essas que refletem diferentes aspectos da sua personalidade, bem como do seu background e verdadeiro papel na vida e aventura de Eugene.

É fácil traçar paralelos entre a narrativa apresentada em OPUS: Prism Peak e filmes consagrados do Estúdio Gibli, como A Viagem de Chihiro. A vibe geral que o jogo passa (tanto em termos visuais, como em batidas narrativas) lembra muito algumas das fantásticas histórias de Hayao Miyazaki e sua equipe. A maior diferença está no papel do jogador em desenovelar o grande emaranhado narrativo de OPUS.

Digo isso, pois a narrativa de OPUS: Prism Peak é composta por diferentes camadas, algumas das quais precisam ser preenchidas pelo jogador tanto em termos mecânicos, quanto em ligações mentais relacionadas aos personagens e acontecimentos da vida de Eugene. Dentro do jogo, isso toma forma como um caderno de anotações, que o jogador precisa preencher com fotos, frases e outras informações que você passa a adquirir ao longo da narrativa.

Magnus Opus?

Essa estrutura focada em puzzle narrativo é, ao mesmo tempo, uma das maiores forças e também uma das poucas fraquezas de OPUS: Prism Peak. Diferente de outros tipos de jogos narrativos que entregam “de mão beijada” os maiores mistérios e batidas narrativas de sua trama, Prism Peak deixa ao cargo do jogador ligar os pontos e preencher o caderno de anotações de Eugene. Diferentes sessões, como páginas a respeito dos espíritos, lendas sobre a criação das Dusklands e até mesmo um alfabeto próprio compartilhado pelos habitantes desse lugar precisam ser preenchidos pelo jogador com as informações que você coleta ao longo do jogo.

O ponto negativo dessa estrutura está relacionada às forças e fraquezas de cada subplot apresentado em Prism Peak. Embora o trabalho mental de montar as peças narrativas do jogo seja bastante divertido, é um pouco frustrante passar boa parte do jogo questionando quem são determinados personagens, quais são seus papéis na trama, para chegar no final de descobrir que suas participações são, na realidade, pouco interessantes ou relevantes para o que Eugene e Ren precisam vivenciar.

É preciso dizer, contudo, que OPUS: Prism Peak apresenta diversas subtramas (além, é claro, do grande arco narrativo geral), e a maior parte de suas batidas narrativas são sim bastante interessantes. Mais do que isso, é interessante como o jogo expressa todo esse quebra-cabeça narrativo em forma de mecânicas. Como mencionei anteriormente, Eugene é um fotógrafo, e sua câmera é uma das principais ferramentas nessa grande aventura fantástica.

Pode parecer simples, mas o ato de “tirar fotos” é explorado de diversas maneiras por OPUS: Prism Peak. Identificar pontos de interesse, bem como os momentos certos de tirar determinadas fotos que servem como essas “peças” para os quebra-cabeças narrativos, é deveras interessante. Personagens podem pedir fotos específicas por meio de enigmas, e descobri-los em sua totalidade é uma tarefa divertida durante o jogo como um todo. O único revés é que é muito fácil perder fotos importantes em uma primeira run, o que pode deixar caminhos narrativos sem conclusões.

Uma bela foto fora de foco

Em termos de apresentação, OPUS: Prism Peak se sobressai enormemente tanto em relação aos seus visuais, quanto sua trilha sonora. O mundo mágico de Dusklands é representado em um estilo artístico cel-shaded que brilha graças ao fantástico uso de cores, bem como a superexposição de elementos comuns e fantásticos. Uma fábrica abandonada construída no topo de um enorme boi, uma estação de trem guardada por uma cachorra rabugenta e uma cidade habitada por sombras sussurrantes são apenas alguns dos belos cenários do jogo.

Infelizmente, contudo, toda essa beleza tem um certo custo, pois a performance no Nintendo Switch 2 deixa a desejar em algumas áreas. Por mais que o jogo seja muito bonito, apresentando uma resolução tanto no modo portátil, quanto na TV, algumas áreas são impactadas por quedas notáveis na taxa de quadros, dando a impressão de que o jogo está rodando lentamente em momentos específicos.

Além disso, também encontrei alguns pequenos bugs durante a minha aventura, como modelos de personagem que “piscam” em posições diferentes conforme você entra ou sai daquele cenário, ou ainda um estranho segmento em que a tela toda ficou preta e verde durante alguns segundos. A desenvolvedora já fez postagens se mostrando cientes de tais problemas, e prometeram lançar patches com correções tanto para o Nintendo Switch 1 quanto o Nintendo Switch 2, então talvez o jogo esteja em melhores condições em alguns meses.

O último “problema” que eu comentaria a respeito de OPUS: Prism Peak está relacionado a uma barreira específica para nós, brasileiros: a ausência de localização na nossa língua. A narrativa do jogo é bastante profunda, com muitos termos próprios que são criados para descrever o mundo das Dusklands e seus habitantes. Consequentemente, aproveitar o que há de melhor no jogo (sua narrativa) pode ser um desafio e tanto para alguém que não seja totalmente fluente na língua inglesa.

Review de OPUS: Prism Peak — um puzzle narrativo excelente, apesar de algumas barreiras

Se tratando de jogos narrativos, poucos jogos oferecem uma experiência similar ao que você encontra em OPUS: Prism Peak. Com um estilo artístico impressionante, ele apresenta uma narrativa profunda, que funciona como um quebra-cabeças que precisa ser completado pelo jogador. Embora nem todas as peças que o compõem sejam incríveis, esse foi um dos jogos mais marcantes que eu joguei esse ano, e me deixou pensativo durante muito tempo após sua conclusão.

Caso a barreira de idioma não seja um problema para você, e você não seja muito sensível a alguns pequenos engasgos e bugs aqui e ali, eu diria que OPUS: Prism Peak é um jogo que vale muito a pena ser testado. Para quem gosta dos filmes e narrativas apresentadas pelo Estúdio Gibli, esse é um jogo imperdível.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Shueisha Games.

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No campo dos AAs e indies, as adições de Warrior: Abyss e Squirrel With a Gun devem agradar quem gosta de propostas alternativas.

Jogos da PS Plus Extra de abril (2026)

• Horizon Zero Dawn Remastered | PS5
• The Crew Motorfest | PS5, PS4
• Football Manager 26 Console Edition | PS5
• Warriors: Abyss | PS5, PS4
• Squirrel With a Gun | PS5
• The Casting of Frank Stone | PS5
• Monster Train | PS5

Vale mencionar que o Brasil ficou com um jogo a menos por conta de questões de licença envolvendo o jogo Football Manager 26: Console Edition e, em virtude disso, ele não será concedido aos assinantes brasileiros.

PS Plus Deluxe de abril (2026)

• Wild Arms 4 | PS5, PS4

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De um lado, é necessária uma mentalidade diferente durante a jogatina, já que imagina-se que o nível de desafio (seja narrativo ou mecânico) seja totalmente diferente de um jogo voltado ao público geral. Além disso, é preciso pensar em como uma criança de 2026 encararia um jogo como Snoopy & The Great Mystery Club. Ela conhece Snoopy, Charlie Brown e o resto da turma, para começo de conversa?

Além disso, um outro fator externo que um jogo como Snoopy & The Great Mystery Club me faz pensar é a respeito de sua acessibilidade — e aqui falo da palavra nos dois sentidos possíveis. Fatores como localização, por exemplo, podem comprometer enormemente um jogo como esse, visto que esse aspecto afeta muito mais as crianças (e já adianto, não, ele não está disponível em português do Brasil). Ademais, questões como preço pesam mais ainda quando falamos de um jogo para crianças. Afinal, pais e mães não estão comprando um jogo para si, para seu próprio entretenimento, mas estão fazendo-o para um filho ou filha que pode muito bem enjoar do jogo com 15 minutos.

Algumas dessas considerações não costumam passar pela minha cabeça quando estou fazendo análise de outros jogos, porém foram alguns dos vários aspectos a respeito dos quais fiquei matutando enquanto jogava Snoopy & The Great Mystery Club para essa análise. No final das contas, não adianta eu falar apenas de como o jogo é, mas também de como ele pode parecer para o seu público infantil. E, já adianto, eu realmente fico em dúvida se Snoopy & The Great Mystery Club realmente seria capaz de atingir o seu público-alvo aqui no Brasil.

Os grandes pequenos mistérios da infância

Em termos gerais, Snoopy & The Great Mystery Club apresenta uma campanha single-player com cerca de 6 horas de duração, durante as quais o jogador controla Snoopy e outros personagens das tirinhas de Peanuts durante uma aventura bastante mundana. Como o próprio título implica, a ideia básica é que Snoopy, Charlie Brown e outros personagens clássicos da franquia se veem diante de alguns mistérios que precisam ser resolvidos.

Narrativamente falando, esses mistérios no geral são bastante focados no dia-a-dia das crianças da série, e tratam em sua maioria de coisas muito simples, do cotidiano mesmo. O que aconteceu com o material de esportes que desapareceu? Onde foi parar a pipa de um dos personagens? Esses são apenas alguns exemplos das situações que fazem parte da narrativa do jogo.

Para resolver tais mistérios, você precisará explorar ambientes variados, como a casa de Charlie Brown, a vizinhança da turminha, a escola e a floresta. Em cada um desses lugares, você encontrará alguns dos diversos personagens da franquia, que poderão te ajudar (ou não) com dicas, missões e, em alguns casos, alguns mini-games que oferecem alguma variedade maior para a campanha.

Embora não possua um vocabulário muito rebuscado, a história do jogo é composta por bastante diálogo entre os personagens, o que pesa bastante no aspecto que eu mencionei no início dessa análise. Para um adulto, que saiba a língua inglesa, é tranquilo aproveitar a narrativa do jogo e ver as interações divertidas entre esses personagens cativantes da franquia Peanuts. Uma criança (ou adulto que não saiba inglês), contudo, certamente se perderá muito facilmente.

Snoopy, um grande “entregador de cartas”

Essa questão da língua impacta enormemente o jogo não apenas em termos de apreciação narrativa, mas também no que se refere ao progresso no jogo em si. Digo isso, pois a maior parte do gameplay de Snoopy & The Great Mystery Club envolve conversar com os NPCs, compreender o que eles estão pedindo, e então ir para lugar X ou Y para encontrar uma pista ou outro personagem que ajudará no progresso do mistério da vez.

Isso, inclusive, é um dos maiores pontos negativos de Snoopy & The Great Mystery Club como um todo. Embora existam alguns mini-games diferentes durante a aventura, bem como algumas mecânicas ligadas a diferentes roupas que Snoopy pode vestir (aspectos que falarei mais em breve), a maior parte da campanha do jogo é composta por famigeradas “fetch quests”. Sabe, aquele tipo de missão onde não existe muita ação real, e você só está indo de um lugar para outro do mapa, enquanto é guiado por personagens que não adicionam muito à experiência.

Embora possa ser divertido explorar a pequena vizinhança do jogo, e cada um dos outros ambientes (e existem coletáveis secundários para ser encontrados aqui e acolá), torna-se um tanto quanto frustrante e cansativo atravessar o mapa de um lado para outro, só para ter um diálogo curto com um personagem que, por sua vez, te mandará atravessar o mapa novamente para buscar determinado item. Pegou o item? Hora de voltar de novo para entregar para o personagem inicial.

Das 6 horas que eu levei para terminar a campanha de Snoopy & The Great Mystery Club, acredito que devo ter gasto facilmente umas 4 horas só andando de um lado para o outro, o que fica enfadonho rápido. Mesmo pensando em uma criança pequena (que, de novo, enfrentará a barreira de idioma), acredito que essa estrutura de vai-e-volta deva ficar bastante desinteressante rápido.

Com grandes disfarces, pequenos mini-games

Sendo justo ao jogo, existem sim algumas pequenas mecânicas e diferentes atividades que pontuam a campanha de Snoopy & The Great Mystery Club. A mais única e engajante das duas está ligada a uma série de roupas que Snoopy desbloqueia ao longo da aventura, cada um com uma habilidade única. A primeira delas, por exemplo, é uma roupa de detetive, que permite que Snoopy encontre pegadas no chão, bem como pontos de interação no cenário. Outros exemplos são a roupa pirata, que vem com uma pá que pode ser utilizada para cavar em pontos específicos; ou a roupa de jardineiro que permite utilizar um soprador de folhas.

Por meio dessas vestimentas, Snoopy & The Great Mystery Club acrescenta alguma variedade (muito bem-vinda) à campanha, visto que cada uma dessas habilidades desbloqueiam opções e até mesmo seções diferentes do mapa, incluindo alguns coletáveis únicos. Todas essas roupas são desbloqueadas automaticamente, já que fazem parte de sessões e segmentos da história do jogo.

Outro ponto que traz alguma variedade à campanha de Snoopy & The Great Mystery Club são os minigames presentes no jogo. Ao longo da aventura, determinados personagens oferecem a oportunidade de testar essas diferentes atividades, que incluem coisas como corridas de carrinho, pilotagem de avião, ou ainda pequenas seções de beisebol ou futebol americano.

Individualmente, nenhum desses minigames é particularmente incrível. Eles são bastante curtos e muito simples, envolvendo poucos botões e comandos. Porém, novamente, é mais um ponto que traz alguma variedade à um jogo que pesa na repetição. A partir do momento em que você desbloqueia cada uma dessas atividades, é possível rejogá-las quantas vezes quiser, ou ainda testar as três dificuldades disponíveis.

Melhorias para o Switch 2, mas a que custo?

Tecnicamente, a versão de Nintendo Switch 2 de Snoopy & The Great Mystery Club apresenta melhorias quando comparadas à versão original, incluindo resolução 4k na TV, taxa de quadros de 60fps, além de loadings menores. Dito isso, Snoopy & The Great Mystery Club está longe de ser um showcase gráfico das capacidades do Switch 2 (ou de qualquer outro console).

Não que exista nada de muito errado com os visuais do jogo. Se tratando da apresentação e trilha sonora, Snoopy & The Great Mystery Club faz um trabalho ok, transpondo os personagens clássicos de Peanuts para o formato 3D. Contudo, para por aí. É um jogo visualmente e tecnicamente ok, mas nada muito além disso. Vale dizer que existem alguns pequenos glitches gráficos esquisitos com os quais eu me deparei em determinada parte do mapa, em momentos nos quais as texturas de uma parede “mudavam” por algum motivo bizarro. Mas foi um bug bastante pontual.

Um aspecto de Snoopy & The Great Mystery Club a respeito do qual não posso deixar de mencionar é o seu preço. E, claro, eu sei que estamos falando de um jogo no Nintendo Switch 2, um plataforma considerada cara por boa parte dos Brasileiros. Não obstante, o valor de R$296,00 é bastante elevado quando consideramos que esse jogo tem uma campanha que pode ser facilmente finalizada em cerca de 6 horas.

Para piorar, vale ressaltar que mesmo com esse valor base, o jogo ainda possui um pacote de DLC separado, que custa R$89,00 adicionais, pacote esse que adiciona um novo disfarce, novas tirinhas (um dos colecionáveis do jogo), além de dois novos minigames. Embora existam outros jogos na plataforma tão caros quanto (às vezes, até mais caros do que ele), é complicado pensar em pagar esse valor em um jogo com foco infantil, sem localização, e com uma duração tão pequena.

Review de Snoopy & The Great Mystery Club — dispensável, a não ser que você seja muito fã

No final das contas, pessoas que são muito fãs de Peanuts certamente tirarão algum proveito de Snoopy & The Great Mystery Club. A apresentação do jogo, embora simples, tem o seu charme, e pode ser divertido encontrar os vários personagens das tirinhas clássicas de Snoopy. Por falar em tirinhas, esse é justamente um dos desbloqueáveis do jogo — um dos meus pontos favoritos era justamente encontrar uma tirinha nova para ler.

Como eu disse no início da minha análise, eu fiquei pensando muito se esse jogo tinha o necessário para entreter uma criança pequena. Infelizmente, eu acho que a resposta é não. Além do fato (meio triste) de Peanuts não ser uma franquia absurdamente famosa dentre o grupo de crianças da nossa geração atual, as questões de preço, localização e duração da campanha fazem de Snoopy & The Great Mystery Club uma indicação difícil de fazer.

Em alguns momentos da minha jogatina para essa análise, eu experimentei jogar Snoopy & The Great Mystery Club ao lado da minha filha, porém a quantidade de texto e a ausência de mecânicas diferentes faziam com que ela enjoásse rápido e pedisse para eu trocar de jogo. De toda a forma, acho ainda que esse jogo pode funcionar como uma daquelas obras “de fã, para fãs”. Isto é, se você for muito, mas muito fã de Snoopy e sua turminha.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Game Mill.

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