Para quem não acompanhou o curioso e repentino anúncio desse título, o Star Fox de Nintendo Switch 2 é uma versão moderna, inteiramente refeita, do título Star Fox 64, lançado originalmente em 1997 para o Nintendo 64. Isso significa que, em termos de progressão de jogo e level design, a campanha apresentada por Star Fox é basicamente idêntica ao jogo original. Fases, posicionamento de inimigos e chefes são praticamente os mesmos quando comparamos o jogo original a esse remake.

A principal diferença, contudo, está em uma apresentação visual e direção de arte inteiramente inéditas, com um estilo gráfico extremamente chamativo, incluindo modelos de personagens, inimigos e naves refeitos em um estilo moderno, que não deixa a desejar quando comparado a outros jogos dos dias atuais. Além disso, a história de Star Fox também foi expandida enormemente, com cutscenes inéditas, inteiramente animadas e brilhantemente dubladas em português do Brasil.

Além disso, o jogo também conta com alguns pequenos novos modos de jogo, incluindo um multiplayer online expandido, um menu com desafios especiais únicos, além de opções de controles de mouse, que transformam o jogo em uma experiência em primeira pessoa. Considerando o pacote oferecido e o preço levemente reduzido quando comparado com outros jogos da Nintendo (o jogo custa $ 279,90 em sua versão digital), Star Fox mostra-se uma opção interessante de jogo exclusivo de Switch 2. Agora, será que ele é pra todo mundo?

Na escuta, Star Fox!

Para aqueles que nunca jogaram o título original, a campanha principal de Star Fox se foca no titular esquadrão de animais antropomorfizados, composto pelo líder Fox McCloud e seus companheiros Falco, Peppy e Slippy. Controlando as poderosas Arwing (e alguns outros veículos em fases específicas), o esquadrão Star Fox é chamado à ação quando o maléfico cientista Andross ressurge com o objetivo de dominar todo o sistema solar de Cornelia.

Com um sistema de progressão bastante único, Star Fox apresenta uma campanha que se bifurca em diferentes caminhos, dependendo das suas ações e habilidades demonstradas em cada nível. Isso significa que, embora seja possível terminar uma campanha normal em cerca de 1 hora e meia, Star Fox é um título que convida o jogador a rejogar várias vezes para encontrar todos os caminhos disponíveis e, assim, liberar todas as fases. No total, existem 16 fases diferentes, cada uma com formatos e desafios bastante únicos. Porém, em uma única campanha, você visitará apenas 7 dessas missões.

A principal consequência dessa estrutura está em como Star Fox exige que o jogador jogue a campanha múltiplas vezes, dominando as mecânicas e aprendendo as diferentes estratégias tanto para conseguir pontuações mais altas (e, eventualmente, desbloquear o nível de dificuldade mais avançado) quanto para conseguir desbloquear os caminhos mais difíceis, que exigem ações específicas e manobras muitas vezes avançadas.

Além disso, uma coisa inédita dessa versão de jogo está em como as cutscenes e segmentos de história foram expandidos enormemente. Agora, ao final de cada missão, você verá o esquadrão Star Fox conversando a respeito dos feitos conquistados, bem como os próximos caminhos possíveis. Ao completar um mapa por meio de um caminho secundário, você não é apenas recompensado com uma fase nova, mas também com todo um tipo inédito de exposição narrativa.

Núcleo arcade, capa moderna

Embora a campanha de Star Fox possa soar bastante familiar para aqueles que tenham jogado o título do N64, esse novo remake apresenta visuais e performances que elevam a experiência enormemente. Não acho exagero dizer que, dentro de sua proposta única, Star Fox apresenta alguns dos visuais mais bonitos do Nintendo Switch 2. Isso tudo, com uma performance irretocável, com 60 frames por segundo e resolução de 4k na TV e 1080p no modo portátil.

O que mais se destaca na minha opinião é a maneira como o jogo recriou cada um dos cenários de modo a preencher os “vazios” que existiam na versão original. Star Fox 64 era sim um jogo impressionante para a época, visto que estávamos lidando com a primeira geração com jogos focados inteiramente em modelos 3D. Todavia, devido às limitações da época, muitos detalhes dos cenários do Star Fox 64 eram deixados à imaginação do jogador, que precisava completar as lacunas deixadas pela tecnologia da época.

O Star Fox de Switch 2 simplesmente preenche todas essas lacunas de maneira brilhante, criando um universo espacial muito rico visualmente. Planetas com superfícies oceânicas, por exemplo, são apresentados com ondas grandiosas que reagem quando você se aproxima com a sua nave. Regiões siderais, por sua vez, são iluminadas por nebulosas coloridas e extremamente detalhadas.

Essa apresentação é fechada com chave de ouro com uma trilha marcante, que define muito bem o momento-a-momento da campanha, incluindo momentos tensos, segmentos de ação, e até mesmo alguns trechos com um peso emocional elevado. Vale ressaltar, nesse sentido, que o jogo está inteiramente localizado em português do Brasil, incluindo também uma dublagem de qualidade ímpar. Eu diria, inclusive, que a dublagem em PT-BR é até mesmo melhor do que a versão em língua inglesa.

Faz um tunô barril

Embora o foco de Star Fox seja essa experiência arcade, que incentiva o jogador a rejogar a campanha de novo e de novo com o objetivo de ver todo o seu conteúdo, ainda é preciso reforçar que, no final das contas, esse ainda é um jogo relativamente curto. Mesmo que você jogue a campanha múltiplas vezes até desbloquear todas as fases e conseguir todas as medalhas de pontuação, o conteúdo básico do jogo original do N64 não era tão vasto quanto jogos de outros gêneros.

Com o intuito de melhorar um pouco esse aspecto, esse novo Star Fox de Switch 2 apresentam alguns modos extras que funcionam bem para quem quiser tirar mais proveito de um título relativamente curto. O primeiro deles é um modo de desafios, que reapresenta cada uma das fases com desafios únicos, focados em objetivos específicos, que incluem desde desafios de tempo até ações específicas que você não costuma fazer na campanha principal.

A segunda modalidade é focada em multiplayer, e pode ser jogada localmente, contra bonecos controlados pela CPU, ou online. Nesse modo, os jogadores são divididos entre o time Star Fox e o time Star Wolf, e precisam cumprir objetivos específicos em cada mapa, incluindo ações voltadas a defender ou atacar bases, ou ainda a captura e coleta de artefatos especiais. É um modo divertido, mas que não tem muita longevidade devido ao fato de apresentar apenas três mapas.

Por falar em multiplayer, todas as modalidades de Star Fox podem ser jogadas online, inclusive por meio do GameShare, onde apenas uma pessoa que tenha o jogo pode convidar amigos. Aqui, há também uma funcionalidade exclusiva de Star Fox, onde você pode utilizar sua câmera para controlar “avatares virtuais” baseados nos personagens do jogo. É uma feature divertida para aqueles que queiram jogar com amigos, e funciona surpreendentemente bem.

Review de Star Fox — Vale a pena?

No final das contas, as raízes de arcade de Star Fox 64 se mantêm intactas em Star Fox, para o bem e para o mal. De um lado, o resultado é uma experiência muito divertida, onde você é incentivado enormemente a jogar de novo e de novo com o objetivo de dominar as mecânicas de jogo e cada uma das fases únicas e desafiadoras. Todavia, é um pacote que pode não agradar jogadores que queiram uma experiência única e focada.

Caso o estilo arcade te agrade, Star Fox é um título que eu recomendo fortemente. A sua apresentação e aspectos técnicos se sobressaem enormemente, e esse é um jogo que utiliza de maneira muito interessante todos os vários recursos do Switch 2, incluindo o modo mouse, o GameShare, e a possibilidade de jogar online utilizando câmeras.

Se você nunca jogou Star Fox 64, esse novo Star Fox é, facilmente, a melhor versão que já existiu daquela experiência arcade. Caso já tenha jogado o jogo original, contudo, esse pacote apresenta diversas novas modalidades e melhorias que o fazem ser, na minha opinião, uma opção interessante e valiosa de exclusivo no Switch 2. Caso a proposta te interesse, pegue o manche e faça um tunô barril!

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Não basta ter força ou acertar mais golpes que o adversário. Cada combate é um jogo de estratégia e paciência, em que uma decisão errada pode mudar completamente o rumo da luta.

Curiosamente, nunca tive a mesma paixão pelos jogos da franquia. Gostei bastante de EA Sports UFC 4, mas UFC 5 me passou a sensação de que ainda faltava alguma coisa para traduzir essa tensão do octógono para o controle. Por isso comecei EA Sports UFC 6 com a expectativa de descobrir se a EA Vancouver finalmente havia encontrado o equilíbrio entre simulação e diversão.

Depois de boas horas dentro do octógono, saí com uma resposta positiva. Ainda existem ajustes a serem feitos, mas esta é, sem dúvida, a evolução mais consistente que a série recebeu nos últimos anos.

Sem mais delongas, fica comigo nesta review de UFC 6, realizada no PS5 base e saiba se ele vale a pena ou não:

Quando a luta começa, fica difícil não admirar o trabalho da EA

A primeira impressão é excelente e cabe aplaudir o trabalho da EA com motor gráfico Frostbite e a Sapien Technology. Os modelos dos lutadores estão entre os mais realistas que já vi em um jogo de esporte. Basta olhar para nomes como Alex Pereira, Max Holloway ou Islam Makhachev para perceber o cuidado da equipe com expressões faciais, tatuagens, movimentação e até pequenos detalhes da pele.

Mas o que realmente vende a ilusão é a animação. Cada atleta se movimenta de forma muito natural, respeitando seu estilo de luta. As entradas, a apresentação dos eventos, a iluminação da arena e até a maneira como os golpes conectam ajudam a criar uma atmosfera muito próxima das transmissões oficiais do UFC.

Existe apenas um detalhe que poderia ser melhor. Os danos físicos durante as lutas ainda parecem discretos demais. Não estou dizendo que gostaria de ver algo próximo de Mortal Kombat, mas em diversas ocasiões apliquei longas sequências de ground and pound e o rosto do adversário praticamente não apresentava marcas relevantes. Um pouco mais de impacto visual deixaria as vitórias ainda mais convincentes.

Finalmente encontrei lutas que parecem realmente perigosas

Nos jogos anteriores era comum acertar uma sequência absurda de golpes limpos e ver o adversário continuar lutando como se nada tivesse acontecido. Sempre entendi que a EA precisava equilibrar realismo e diversão, afinal, ninguém quer que toda luta termine em dois chutes na cabeça, mas muitas vezes a resistência dos lutadores parecia exagerada.

Em UFC 6 senti que esse equilíbrio finalmente começou a aparecer.

Os golpes transmitem mais impacto e escolher o momento certo para atacar se tornou muito mais importante do que simplesmente pressionar botões.

O novo Flow State

Outro responsável por essa mudança é o novo Flow State ou “Estado de Foco” para os íntimos.

Cada lutador possui características próprias que permitem encher uma barra especial de acordo com seu estilo de luta. Max Holloway, por exemplo, recompensa jogadores que utilizam bastante a movimentação de cabeça antes de responder com contra-ataques.

Quando essa barra é preenchida, o atleta entra temporariamente em um estado de vantagem que fortalece alguns atributos. Não chega a revolucionar a jogabilidade, mas gostei bastante da ideia. Além de dar mais personalidade para cada lutador, o sistema ajuda a tornar os confrontos menos arrastados do que acontecia nas edições anteriores.

Mais fácil de aprender, sem deixar os veteranos de lado

Uma das mudanças que mais percebi em UFC 6 foi a preocupação da EA Vancouver em tornar o jogo mais amigável para quem está chegando agora à franquia. Durante muito tempo, principalmente nas disputas de grappling, a série acabou afastando novos jogadores por conta de comandos pouco intuitivos e de uma curva de aprendizado bastante alta.

Desta vez, a experiência é diferente. Logo nas primeiras lutas, o jogo oferece opções de acessibilidade e assistências que ajudam a entender as mecânicas sem tirar completamente o desafio. É possível ajustar diversos parâmetros de acordo com o seu nível de experiência, o que faz bastante diferença para quem nunca jogou um título da série.

A maior evolução, na minha opinião, está justamente no grappling. Ainda acho que essa mecânica pode evoluir, mas ela deixou de ser aquela barreira quase intransponível para iniciantes. Os comandos estão mais intuitivos e as assistências conseguem orientar o jogador sem transformar tudo em algo automático.

O melhor de tudo é que essas mudanças não simplificam a experiência para quem já conhece a franquia. Quem prefere desligar as assistências e aproveitar o sistema mais técnico continua encontrando um bom nível de profundidade, principalmente nas lutas mais equilibradas.

E os efeitos sonoros?

Se os gráficos impressionam, o trabalho sonoro acompanha o mesmo nível. O impacto dos socos e chutes soam como verdadeiras bombas nos adversários, a reação da torcida muda conforme o andamento da luta e os comentários ajudam a reproduzir o clima das transmissões oficiais do UFC.

É um conjunto que reforça bastante a imersão, principalmente nas disputas mais equilibradas, quando cada golpe parece alterar o comportamento do público.

O Legado é um modo “História” misturado com modo “Carreira”

A maior surpresa da minha experiência foi perceber que a EA Vancouver resolveu investir de verdade em conteúdo. O novo modo história, O Legado, acompanha a trajetória do lutador fictício Chris Carter antes de abrir caminho para o tradicional modo carreira. Ainda existe espaço para melhorias. Algumas sessões de treinamento acabam ficando repetitivas e, em certos momentos, passei mais tempo administrando minha preparação do que propriamente lutando.

Mesmo assim, terminei esse modo bastante otimista. Pela primeira vez tive a sensação de que existe uma base sólida para ser expandida nos próximos anos. Se a EA continuar desenvolvendo essa ideia em UFC 7 e UFC 8, acredito que o modo carreira poderá se tornar um dos grandes atrativos da franquia.

Felizmente, quem prefere criar o próprio lutador também continua muito bem servido. O modo Carreira tradicional mantém a essência das edições anteriores, mas agora conta com mais opções para moldar o atleta ao longo da jornada. Entre uma luta e outra é preciso administrar semanas de treinamento, aprender novos golpes, estudar adversários, lidar com patrocinadores e até responder a interações nas redes sociais.

O Hall das Lendas é muito interessante

Confesso que comecei esse modo sem grandes expectativas. Pouco tempo depois já estava completamente envolvido.

O Hall das Lendas transforma grandes nomes do UFC em pequenas homenagens interativas. Alex Poatan Pereira, Max Holloway e Zhang Weili recebem espaços próprios que funcionam quase como museus, onde podemos conhecer mais sobre suas carreiras antes de reviver algumas das lutas mais marcantes de cada um.

Para quem acompanha o esporte, esse conteúdo tem uma grande importância, afinal, não é apenas uma sequência de desafios. Existe um cuidado em contextualizar cada momento da carreira desses atletas, tornando tudo muito mais interessante do que simplesmente entrar em uma luta histórica pelo menu principal.

Foi, facilmente, uma das minhas partes favoritas do jogo.

A Academia

Outra novidade é a Academia, um espaço pensado para quem gosta de evoluir continuamente fora das lutas principais. Nele é possível recrutar atletas, acumular experiência, desbloquear treinadores, cosméticos e diversas recompensas.

A ideia é interessante porque oferece uma sensação de progresso, mas os menus poderiam ser mais ágeis. Em vários momentos a experiência acaba ficando burocrática demais para algo que deveria incentivar o jogador a voltar com frequência.

Modo Online agora conta com crossplay

Já no online, a chegada do crossplay era uma dívida antiga da EA com a comunidade e finalmente foi paga. Durante meus testes a experiência foi boa na maior parte do tempo, embora eu ainda tenha encontrado pequenas oscilações de conexão em algumas partidas.

Review de EA Sports UFC 6 – Vale a Pena?

Finalizo esta review de UFC 6 dizendo que ele é uma evolução clara da franquia, o ciclo de 3 anos entre um lançamento fez bem ao game.

Pela primeira vez em muitos anos, não fiquei pensando apenas no que ainda falta melhorar. Fiquei curioso para ver até onde a EA Vancouver consegue levar essa base nas próximas edições.

O jogo não reinventa a série e ainda possui mecânicas que precisam evoluir. Ainda assim, ele acerta justamente onde mais precisava: as lutas finalmente transmitem a sensação de estratégia e impacto que fazem do UFC um esporte tão interessante de acompanhar.

Se você é fã de MMA, dificilmente sairá decepcionado. E mesmo para quem acabou se afastando da franquia nos últimos anos, UFC 6 representa um ótimo motivo para voltar ao octógono.

EA FC 26 está disponível para PS5 e Xbox Series desde o dia 19 de junho de 2026.

Curtiu esta review de EA Sports UFC 6? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: Flesh Made Fear (PS5)
• Review: Forgotlings (PS5)
• Review: The Adventures of Elliot – The Millennium Tales (PS5 Pro)

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Em outubro de 2025, a Tainted Pact mostrou como isso funciona na prática com o lançamento de Flesh Made Fear. O game de survival horror chegou ao PC repleto de elogios, com as análises “Muito positivas” mostrando que ainda há espaço pra projetos que busquem resgatar elementos da “era de ouro” dos videogames.

Agora, com a chegada do jogo aos consoles, finalmente tivemos a oportunidade de conhecer tudo isso. E, de fato, se trata de um título muito interessante em todos os sentidos, que sabe revitalizar onde é necessário e manter o que mais popularizou esse portfólio de jogos clássicos durante os anos 1990.

Um ou outro

Flesh Made Fear é uma homenagem aos jogos do PlayStation 1. Inspirado na trilogia Resident Evil, o game conta a história de sobrevivência da Reaper Intervention Platoon (R.I.P.), uma força de elite responsável por neutralizar Victor “The Dripper” Ripper, um ex-agente da CIA que usou sua genialidade pra transformar a cidade em um centro de mortos-vivos.

Porém, seus experimentos saíram do controle, e agora não basta só eliminá-lo. Com criaturas transformadas por todos os cantos de Rotwood, os militares precisam escapar de todo tipo de monstruosidade, bem como das armadilhas criadas por Ripper e que separaram os membros da R.I.P. assim que eles chegaram na cidade.

A missão não demora pra virar uma briga de gato e rato, onde no meio desses dois lados há uma ameaça sem precedentes e com potencial pra se tornar algo muito maior.

Flesh Made Fear é um título de ação e terror que resgata diversos elementos do survival horror clássico. Fãs do gênero podem esperar sistema de câmeras fixa, controles tanque, gerenciamento de inventário, progressão com backtracking e combate estratégico.

Tudo isso se mistura com algumas funcionalidades modernizadas, com destaque pros visuais em Full HD, trilha sonora remasterizada, combate corpo a corpo extremamente funcional e melhorias nos visuais dos personagens, especialmente quando se trata de texturas e de outras técnicas gráficas.

Uma das principais novidades de Flesh Made Fear também diz respeito à possibilidade de escolher entre duas campanhas: Natalie tem menos HP e mais espaço de inventário, enquanto Jack tem mais vida e menor inventário. Suas histórias são diferentes e apresentam novos personagens, eventos e mais, aumentando o fator replay.

Pense bem antes de atacar

Uma das questões que preciso comentar sobre Flesh Made Fear é o combate. Vemos aqui algo bastante evoluído em relação aos jogos dos anos 1990, com destaque pra maior eficiência dos tiros e pra versatilidade.

Ao longo da campanha, você consegue diversos tipos de armas de fogo, cada uma com seu próprio tipo de munição e com a possibilidade de criar mais por meio da combinação de itens. As munições, por sinal, são generosas no modo normal, mas por conta da limitação de itens e da falta de drops, é importante saber gerenciar. E pra isso, há uma opção.

O combate corpo a corpo em Flesh Made Fear foi feito de forma muito inteligente. Os personagens usam facas pra atacar os zumbis, precisando de apenas poucos golpes pra derrubá-los. Além disso, elas são importantes pro gerenciamento da arena, pois empurram os mortos-vivos pra longe, atacam vários ao mesmo tempo e são ágeis, mas muito ágeis.

Contra grupos, você não vai sobreviver. Mas pra escapar de armadilhas e poupar munição em momentos críticos, essa é a melhor alternativa. Óbvio que nem sempre ajuda, pois há inimigos que atacam muito rápido, como os parecidos com os lickers, chefões e uns monstros que viram espinhos ao se aproximarem, mas contra os zumbis padrão é essencial ter isso em mente.

Nesse sentido, o que mais atrapalha é a câmera fixa. Os movimentos tanque funcionam como uma espécie de híbrido entre os analógicos e as teclas digitais, mas as câmeras podem atrapalhar principalmente em áreas mais amplas. Nem sempre os zumbis tão à sua vista, e quando aparecem os mais rápidos é bem complicado sair sem tomar dano.

Sangrar faz mal

Um ponto legal em Flesh Made Fear é o sistema de tomar dano. Aqui, não vemos o HP convencional, mas sim uma bolsa de sangue que começa a decair quando o personagem entra em estágio de sangramento. Eles aguentam algumas porradas, mas caso você veja uma poça de sangue enquanto anda, fique de alerta ligado.

Como o jogo oferece recursos limitados (mesmo pra salvar, como aconteceu com o Ink Ribbon), as bandagens e bolsas de sangue nem de longe são infinitas. Assim, isso estimula ainda mais a saber quando e onde enfrentar os zumbis.

Puzzles, backtracking e alguns desafios injustos

Assim como os survival horror clássicos, Flesh Made Fear possui muitos quebra-cabeças ambientais, que vão desde códigos encontrados em documentos até itens que devem ser combinados. Prepare-se pra muito becktracking, mas dentro de um escopo menor devido à campanha do jogo ter umas 4h de duração.

Como o jogo não tem direcionamento do que fazer e há algumas inconsistências de onde os objetos de puzzles devem ser inseridos, existem chances de você ficar perdido e frustrado. Nesse sentido, não há muito o que fazer a não ser testar e explorar bem, especialmente pelo game não possuir localização em português do Brasil.

Tudo bem, as coisas são bem intuitivas e menos punitivas que os Resident Evil clássicos. Mas quando isso se alia a uma grande quantidade de mortos-vivos em alguns mapas, à pressão quando sua bolsa de sangue tá caindo e à escassez de recursos, fica a ideia de que esses elementos poderiam ser mais balanceados e caprichados.

Isso também fica evidente nos chefes. É muito fácil correr e ficar fugindo de alguns deles até encontrar um ponto de apoio, mas eles sempre são mais rápidos, mais fortes e mais preparados. As batalhas são relativamente longas e exigem muito gasto de munição até o terceiro ato, mas fica a impressão de um role play mais severo do que deveria ser.

O mapeamento do controle também poderia ser mais intuitivo. É muito fácil você se confundir com ações como mirar, correr e se virar 180 graus, algo que é decisivo quando você enfrenta inimigos em corredores estreitos e áreas mais compactas.

Flesh Made Fear é uma baita homenagem a filmes e jogos

Flesh Made Fear é um show de referências quando falamos de cinema. A trilha sonora alternativa, os personagens e diálogos clichês, o apelo a uma violência gráfica quase baseada em efeitos práticos, a história pouco criativa e brega… Em outros casos, essas questões seriam críticas, mas nesse aqui vemos uma receita interessante e inovadora em vários aspectos.

A jogabilidade é suave, a exploração é recompensadora e o combate agrada principalmente pela implementação do corpo a corpo. O título também tem um alto fator replay não apenas pelos eventos que você pode deixar passar na campanha (ao melhor estilo The House of the Dead), como também pela campanha dupla inspirada em Resident Evil 2.

Alguns problemas técnicos e de equilíbrio devem ser colocados na balança, mas quem jogou survival horror antes da virada do milênio não vai sentir esse peso. Enquanto isso, a modernização atrai o público mais recente, mesmo que haja uma certa resistência pra embarcar em uma jornada retrô muito peculiar e que foge dos padrões AAA.

Flesh Made Fear é um indie especial que reforça como é importante olhar pro passado e entender o que o público atual tanto pede.

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Agora, o estúdio dinamarquês retorna a esse mesmo mundo com Forgotlings, uma espécie de prelúdio que expande a mitologia apresentada anteriormente e coloca o jogador em uma nova jornada repleta de personagens curiosos.

Lançado no dia 18 de junho para PlayStation e XBOX. Antes de qualquer coisa, existe um detalhe importante que precisa ser destacado: Forgotlings não possui localização em português do Brasil. Em um jogo tão focado na narrativa, isso acaba tendo um impacto muito maior do que em outros gêneros.

A história, os diálogos e até mesmo boa parte da progressão dependem diretamente da compreensão do idioma. Quem não domina inglês ou outra língua disponível pode perder uma parcela significativa da experiência.

Sem mais delongas, fica comigo nesta review de Forgotlings e veja tudo o que ele tem pra oferecer:

Um mundo onde objetos esquecidos ganham vida

Começo esta review dizendo que o grande diferencial de Forgotlings está em seu universo. A proposta de transformar objetos esquecidos em personagens vivos poderia facilmente parecer apenas uma curiosidade visual, mas a ThroughLine Games faz um trabalho muito competente ao construir uma identidade própria para cada criatura encontrada ao longo da jornada.

No game, assumimos o papel de Fig, um boneco que acabou esquecida no mundo dos humanos e agora vive nas Terras Esquecidas, um lugar habitado por objetos abandonados que ganharam vida própria.

Como capitão da nave senciente Volare, sua missão é viajar por esse mundo para unir cinco tribos rivais diante de uma ameaça que pode colocar toda a região em risco.

É comum encontrar barcos falantes, luminárias com personalidade própria, pedras que participam de conversas e figuras que desafiam qualquer expectativa inicial. Cada personagem possui características visuais marcantes, formas únicas de se expressar e uma presença que ajuda a tornar o mundo mais interessante.

Essa criatividade faz com que a exploração seja recompensadora mesmo nos momentos em que o jogo desacelera. Existe sempre a curiosidade de descobrir quem será o próximo personagem encontrado e qual será sua história dentro daquele universo.

A própria narrativa se beneficia dessa construção de mundo. A trama de Fig funciona bem como fio condutor, mas são os habitantes das Terras Esquecidas que frequentemente roubam a cena e tornam a aventura memorável.

Uma direção de arte que impressiona do início ao fim

Se existe um aspecto capaz de chamar atenção imediatamente em Forgotlings, é seu visual. Com uma estética inspirada no Studio Ghibli.

A sensação é de estar acompanhando uma animação desenhada à mão. Os cenários apresentam um nível de cuidado impressionante, enquanto os personagens possuem animações fluidas e expressivas que ajudam a transmitir emoções mesmo durante os momentos mais simples.

O estilo artístico criado pela ThroughLine Games demonstra uma identidade muito forte. Em uma época em que muitos jogos acabam seguindo tendências visuais semelhantes, Forgotlings consegue parecer único.

O cuidado também aparece nos pequenos detalhes. As roupas, os acessórios, os movimentos e até mesmo a forma como cada personagem ocupa a tela ajudam a reforçar sua personalidade. É um daqueles jogos em que vale a pena parar por alguns segundos apenas para observar o trabalho realizado pelos artistas.

Visualmente, é sem dúvida um dos maiores destaques da experiência que tive ao produzir esta review de Forgotlings.

Narrativa é o verdadeiro foco da experiência

Embora exista combate e exploração, Forgotlings é essencialmente uma aventura narrativa.

Grande parte do tempo é dedicada a diálogos e construção do mundo. Em alguns momentos, é possível passar vários minutos apenas acompanhando conversas importantes para a trama. Então pode esperar por conversas longas.

Ao longo da jornada, também surgem decisões que influenciam diretamente o final da história e o destino de diversos personagens. Essas escolhas são chamadas de “tramas” e apresentam sempre quatro respostas possíveis: desafiar, encorajar, ter empatia ou questionar.

A boa notícia é que a história consegue sustentar esse ritmo. A jornada de Fig apresenta temas ligados à identidade e união.

O problema é que essa estrutura reforça ainda mais a questão da localização. Como quase tudo depende dos diálogos, perder informações importantes pode gerar confusão tanto na narrativa quanto na própria progressão da campanha.

Por isso, Forgotlings acaba sendo muito mais recomendado para jogadores que gostam de experiências focadas em história do que para quem procura ação.

Combate simples, mas divertido

O combate não tenta competir com grandes jogos de ação do mercado, mas oferece mecânicas suficientes para manter os confrontos interessantes.

Além dos ataques básicos, Fig pode se esquivar, defender golpes, utilizar sua lanterna para desorientar inimigos e até recorrer a abordagens furtivas em determinados momentos. Existem situações em que eliminar adversários pelas costas acaba sendo a melhor estratégia.

O impacto dos golpes é interessante e existe uma sensação agradável durante os confrontos. Mesmo sem ser particularmente complexo, o sistema cumpre seu papel dentro da proposta do jogo.

O principal problema aparece com o passar das horas. Como não existem árvores de habilidades, melhorias significativas ou sistemas de progressão mais elaborados, o combate permanece praticamente igual do início ao fim.

Isso faz com que os encontros acabem se tornando previsíveis e repetitivos em determinados momentos da campanha.

A exploração sofre com a falta de ferramentas básicas

Se existe uma decisão de design que prejudica a experiência com frequência, é a ausência de recursos para orientar o jogador.

Forgotlings apresenta áreas relativamente amplas e uma estrutura que lembra ocasionalmente jogos de exploração lateral. No entanto, não existe um mapa local que facilite a navegação dentro dessas regiões.

Além disso, o jogo também não possui um sistema tradicional de registro de missões ou objetivos.

Na prática, isso significa que perder uma informação importante durante um diálogo pode gerar longos períodos de dúvida sobre o que fazer em seguida. Como os personagens nem sempre repetem instruções anteriores, encontrar o próximo objetivo pode se tornar uma tarefa mais complicada do que deveria.

Esse problema é agravado justamente pela ausência de localização em português. Quem já estiver enfrentando dificuldades para compreender os diálogos pode acabar ficando perdido com frequência.

A sensação não é de dificuldade proposital, mas sim da falta de algumas ferramentas de qualidade de vida que tornariam a experiência mais acessível.

Dublagem e trilha sonora ajudam a dar vida ao universo

A apresentação sonora acompanha o excelente trabalho visual. A trilha sonora funciona muito bem ao longo da aventura, ajudando a reforçar tanto os momentos mais contemplativos quanto as situações de maior tensão.

Já a dublagem merece destaque especial. As vozes foram escolhidas de forma cuidadosa e combinam perfeitamente com a personalidade dos personagens. Considerando a variedade de criaturas encontradas durante a campanha, esse trabalho era fundamental para que cada uma delas transmitisse identidade própria.

O resultado é um elenco carismático que contribui bastante para a imersão.

INA é um minijogo que não empolga

Forgotlings também inclui um minijogo baseado no uso de runas coletadas durante a aventura, o INA.

A ideia é participar de partidas contra NPCs para obter recompensas e moedas dentro do universo do jogo. No papel, parece uma atividade interessante para complementar a exploração.

Na prática, porém, ele nunca alcança o mesmo nível de qualidade do restante da experiência.

As partidas rapidamente se tornam pouco envolventes e dificilmente despertam vontade de continuar jogando além do necessário. Diferente de outros minijogos marcantes presentes em RPGs e aventuras famosas, aqui a atividade parece mais uma obrigação ocasional do que uma distração divertida.

Review de Forgotlings: vale a pena?

Termino esta review de Forgotlings com uma sensação positiva sobre o game. Ele é uma aventura que entende muito bem quais são suas prioridades. A ThroughLine Games construiu um universo extremamente criativo e sustentado por uma direção de arte que está entre os grandes destaques do gênero.

Ao mesmo tempo, o jogo abre mão de sistemas mais profundos de progressão e de algumas ferramentas básicas de navegação, decisões que acabam prejudicando o ritmo da exploração em diversos momentos. A ausência de português do Brasil também pesa bastante em uma experiência tão dependente de diálogos.

Ainda assim, para quem aprecia experiências cinematográficas e produções independentes que possuem uma identidade própria, Forgotlings oferece uma jornada interessante e repleta de personalidade.

Ele talvez não agrade quem procura ação ou mecânicas complexas, mas encontra seu espaço entre os jogadores que valorizam boas histórias e uma direção artística marcante.

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E quando falo aqui de um jogo no estilo adventure point n’ click, estou me referindo justamente à era de ouro do gênero, marcado pelos incontáveis clássicos de estúdios como Sierra e LucasArts. Títulos como Monkey Island, Day of the Tentacle e Grin Fandango, cujo foco central costumava envolver uma mistura única de narrativa, puzzles e exploração. The Drifter, em sua essência, é um título que bebe nas águas de jogos como esses.

Todavia, embora The Drifter possa ser jogado como um point n’ click clássico (e logo mais entrarei em detalhes a respeito de seus controles), ele é um jogo com diversas amenidades típicas de jogos modernos, já que foi inteiramente adaptado para ser jogado com controles, com um esquema de comandos contextuais que funcionam surpreendentemente bem. 

Soma-se a isso uma narrativa bastante instigante, que mistura elementos de ação, sci-fi e elementos “pulp”, e o resultado é um jogo bastante único que, durante suas oito horas de campanha, conseguiu encontrar um espaço especial dentre os melhores jogos que eu já joguei em 2026. Agora, é preciso ser dito: com raízes fortes no gênero de adventure, The Drifter também traz algumas arestas que podem fazer com que ele não seja um jogo que agrade a todos.

Mortes, mistérios e moradores de rua

Como um dos bons jogos de adventure point n’ click, um dos pontos altos de The Drifter está, justamente, em sua narrativa. Em sua campanha linear, que dura cerca de oito hora, o jogador é colocado na pele de Mick Carter, um fracassado de meia idade que volta à sua cidade natal para o velório de sua mãe. O que já seria um complicado reencontro com sua irmã e ex-esposa, se transforma em uma aventura tensa e cheia de camadas quando Carter acaba envolvido em uma trama bizarra ligada ao enlouquecimento e desaparecimento de pessoas de rua.

Eu quero dar os mínimos detalhes possíveis sobre os elementos presentes na trama de The Drifter, pois esse é um daqueles jogos que são melhor aproveitados quanto menos você sabe a respeito do que está por vir. O que eu vou dizer é que a narrativa de The Drifter mistura de maneira brilhante diversos elementos e estilos. Em um determinado momento, você vai se ver em uma fuga alucinada digna de um ótimo filme de ação. No instante seguinte, precisa ativar seus dotes detetivescos para descobrir nomes, endereços e paradeiros de pessoas envolvidas em um grande mistério.

Além dessa mistura de diferentes “estilos” narrativos em uma única e contínua trama, outra qualidade de The Drifter está em como ele consegue surpreender e tirar o seu tapete em diversos momentos da campanha. É uma daquelas narrativas que guardam uma surpresa atrás da outra, e te faz ficar se indagando se a sua teoria anterior estava certa, ou se há algum outro detalhe que você não entendeu completamente.

Como se isso não fosse o suficiente, The Drifter ainda toca em alguns assuntos bastante impactantes. Há desde momentos muito dark e tensos, até revelações e situações verdadeiramente emocionantes. Carter, nesse sentido, é um personagem complexo e bastante falho, o que dá uma profundidade grande à trama. Infelizmente, contudo, toda essa ótima narrativa está sujeita à limitação da língua, já que The Drifter não possui localização em português do Brasil.

Apontar e clicar, com sensibilidades modernas

Toda a fantástica narrativa de The Drifter se desenrola a partir de uma estrutura de progressão linear — o jogo possui um total de nove capítulos, estruturados quase como se fossem episódios de uma série de TV —, que inclui elementos muito típicos de jogos de adventure point n’ click. Isso significa que você precisará explorar diferentes cenários, coletando itens, conversando com pessoas, e interagindo com os mais diversos elementos para solucionar puzzles que podem ser bastante complicados em alguns momentos.

Embora essa estrutura possa soar como algo “do passado”, The Drifter apresenta um sistema de controles bastante inteligente, que adapta a ideia clássica do “apontar e clicar” para o controle do videogame. Basicamente, enquanto você controla o personagem livremente com o direcional esquerdo, o direcional direito funciona como um menu contextual, que destaca todos os elementos ao seu redor com os quais você pode interagir.

Graças aos seus controles únicos, The Drifter consegue adaptar muito os conceitos e ideias de point and click clássicos para um sistema moderno e intuitivo, ao ponto de que é possível jogá-lo inteiro com controle ou no modo portátil sem aquela “lerdeza” típica do gênero — isso é, se você quiser. The Drifter também oferece uma experiência mais clássica, se você quiser, já que você pode utilizar os controles de mouse para jogá-lo da mesma forma que faria no PC.

Nesse sentido, a Powerhoof fez um excelente trabalho de conversão, já que você pode trocar entre os dois modos de controles simplesmente encostando o Joy-Con 2 em uma superfície. A mudança é instantânea. Curiosamente, toda a HUD do jogo se modifica para cada uma das modalidades, apresentando menus, itens e outros elementos de uma maneira diferente para cada tipo de controle.

Heranças do gênero, boas e más

Se por um lado The Drifter oferece diferentes opções de controle, por outro, seus puzzles e progressão são bastante específicos e, em alguns momentos, um tanto quanto obtusos. Não me entenda mal, de modo geral, o jogo apresenta uma ótima seleção de puzzles, incluindo segmentos absurdamente divertidos, onde você precisa explorar cenários, deduzir informações, e combinar e usar itens de maneiras criativas para conseguir avançar.

Não obstante, o jogo também possui a sua dose de segmentos levemente frustrantes e puzzles com lógicas um pouco esquisitas. No espectro da frustração, The Drifter apresenta alguns trechos onde Carter corre risco de vida iminente. Situações essas que às vezes são muito bem construídas, criando aquele elemento de tensão na medida certa, mas que às vezes caem em um âmbito de frustração e repetição quando a solução para aquela situação é um tanto quanto ilógica. São momentos de tentativa-e-erro que podem ficar chatos rapidamente.

Já sobre os puzzles meio ilógicos, The Drifter parece carregar às vezes aquela herança de “lógica lunática”, muito comum em jogos clássicos de adventure point n’ click. Eles não são tão comuns, nem de longe tão frustrantes quanto acontecia em jogos antigos, mas eu tive um ou outro momento em que travei porque faltava interagir com um item aleatório que estava escondido em um canto de um cenário que eu já tinha explorado, ou ainda quando tinha todos os itens em meu inventário, mas precisava combinar coisas muito nada a ver.

Novamente, contudo, reforço aqui que esses foram momentos bastante pontuais, que podem irritar jogadores que não estejam muito acostumados com jogos desse estilo, mas que de forma alguma estragam a experiência como um todo. Desde que você tenha um pouco de paciência ao travar e bater a cabeça em um ou outro segmento, The Drifter mais do que compensa com a sua narrativa engajante e impactante.

Pixels crocantes e uma trilha competente

Por fim, mas não menos importante, é preciso destacar o quão bonitos são os visuais de The Drifter. Aqui, o estúdio Powerhoof optou por apresentar o jogo todo com um estilo de pixel art muito único, que se destaca por uma combinação única de cores saturadas e chamativas, bem como suas animações extremamente bem-feitas.

Mesmo dentro das limitações auto-impostas pelo estilo, é possível ver os personagens mexendo a boca de acordo com a dublagem de cada fala, reagindo com expressões faciais aos acontecimentos mais importantes da trama, e se envolvendo em cenas de ação muito bem dirigidas. A imaginação do jogador também é utilizada de maneira inteligente, já que às vezes você é apresentado a uma tela preta, onde a narração de Carter faz todo o trabalho de descrever o que está acontecendo.

Lado a lado aos visuais chamativos de The Drifter, você tem uma trilha sonora competente, que pontua cada segmento de acordo com o clima desejado. Tudo isso é apresentado com uma performance irretocável, incluindo uma resolução de 4k e 60fps no modo TV, e full HD e 120fps no modo portátil.

Embora o estilo gráfico do jogo não pareça demandar muito visualmente, é sempre interessante quando vemos desenvolvedores como a Powerhoof fazendo um trabalho extra para utilizar as capacidades máximas do console. Tudo isso sem quaisquer quedas ou bugs durante toda a campanha do jogo.

Review de The Drifter — imperdível para fãs do gênero

Embora The Drifter possua algumas pequenas arestas em relação a elementos típicos do gênero de adventure point n’ click, o jogo faz um trabalho fenomenal de adaptar suas mecânicas e controles para sensibilidades modernas, ao mesmo tempo em que oferece opções de controles de mouse para quem queira uma experiência mais clássica.

Por meio de segmentos de exploração divertidos e puzzles muito envolventes (embora às vezes obtusos), The Drifter apresenta uma narrativa que me pegou do começo ao fim, me deixando sempre curioso para o próximo plot twist e o desenrolar do grande mistério por trás do jogo. Mais do que isso, ele foi capaz de apresentar momentos que me emocionaram de verdade, algo que valorizo muito em jogos com forte apelo narrativo.

O resultado final é um jogo que consegue trazer um gênero clássico aos tempos modernos com maestria. Mesclando um estilo de arte único, uma narrativa fantástica, e puzzles divertidos, The Drifter é um jogo obrigatório para todo fã de adventures point n’ click, e é também um jogo que pode agradar muito até mesmo quem não tenha toda essa paixão pelo gênero. Isto é, claro, desde que a limitação do idioma não seja uma grande barreira para você.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Powerhoof.

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A fuga

A narrativa de Deer & Boy não é contada do jeito explicíto. Temos cutscenes, mas nada de diálogos e tampouco colecionáveis de texto. Essa pegada interpretativa é o padrão dentro de jogos com essa proposta, logo, é algo que eu já esperava.

Nossa aventura começa ao controlar o Garoto. Lidando com uma aparente perda que o deixou desolado, ele decide fugir de casa numa tentativa de escapar da realidade. Só que no meio do caminho ele se depara com um filhotinho de um cervo, também lidando com uma perda trágica.

O pequenino cervo funciona como um deuteragonista, inicialmente servindo como um ponto de conexão emocional do garoto com o jogador. Logo após a hora inicial, mais mistérios vão surgindo na tela. Uma substância viscosa, chamada de matéria escura, está infectando qualquer ser que entra em contato com ela.

Isso serve como justificativa para o surgimento de figuras monstruosas e raivosas que funcionam como trechos de fuga no jogo. O primeiro deles, o javali, era uma criatura normal, que foi auxiliada pelo Garoto, mas que acaba sendo profundamente transformado pela matéria misteriosa. Após isso, o javali cresce em pelo menos 10x de tamanho, tornando-se imponente e furioso, capaz de arremessar carros para longe.

É diante desse contexto que descobrimos que o cervo não é um cervo comum. Ele consegue acionar uma magia azul que aparenta ter o poder de purificar os seres afetados pela matéria escura. Vários mistérios vão surgindo ao longo da trama, mantendo o jogador engajado e interessado nas respostas. O que é a matéria escura? Como ela foi parar ali? De onde vem a magia do cervo? A narrativa funciona aqui e é bem competente.

Problemas no horizonte

Deer & Boy se posiciona como um jogo de “plataforma cinematográfico”. A parte cinematográfica é facilmente percebida em vários trechos do jogo. A direção das cenas, os recursos de iluminação que lembram um filme animado, a trilha inserida para evocar sentimentos…

Minha maior ressalva com ele reside na parte do “plataforma”. Em jogos dessa proposta, os controles precisam ser extremamente precisos. Seja para pular, subir em beiradas, interagir com objetos… e infelizmente esse não é bem o caso aqui. Notei um delay considerável em certos trechos para que o Garoto cumprisse comandos básicos, como subir em uma pedra para evitar a matéria negra.

Por mais que o jogo seja compacto, essa irresponsividade incomoda e diminui bastante o fator diversão do jogo. Uma surpresa positiva foi o próprio level design. Temos um bom nível de interatividade com o cenário, com o Garoto tendo que remover obstáculos como tábuas de madeira ou interagir com cordas para fazer rochas caírem nas poças de matéria escura.

A tensão no gameplay acontece nos trechos de “perseguição” onde o Garoto precisa agir de maneira furtiva, evitando ser pego. Para entregar um senso de urgência ainda maior, temos trechos que impedem que o Garoto prossiga com o Cervo até que um caminho seja providenciado pelo jovem. Além de ajudar com o senso de urgência, isso também mantém o jogador investido no gameplay.

Uma aventura cinematográfica

Estruturado como um jogo 2.5D, Deer & Boy faz um uso inteligente da palheta de cores para aliar sua estética com o storytelling. No começo da história, temos o uso de cores predominantemente frias, como o cinza e o azul. Isso reflete o estado emocional dos dois personagens principais.

Na medida que o cervo cresce, as cores se alteram e o jogo passa a abraçar mais as cores quentes. Eu achei esse artíficio bem inteligente. Como não temos uma direção de arte realista, o estúdio se empenhou para entregar animações de ponta.

Podemos perceber o estado emocional do cervo ao prestar atenção nos sons que ele emite e o comportamento da criatura. Ele se contrai um pouco quando está com medo por exemplo. Como falei mais acima, outro grande aspecto artístico é o enquadramento escolhido para certas cenas.

Por muitas vezes, a câmera se afasta e dá um foco maior nas paisagens, gerando o sentimento de vastidão e consequentemente solidão. Por fim, mas não menos importante, o som aqui também é protagonista.

A trilha evoca muito bem uma diversidade de sentimentos, indo de tristeza profunda até conforto. Outro ponto que achei genial é que muitas vezes os puzzles contam com pistas auditivas sutis que dão um pequeno indicativo do que fazer caso você fique empacado. Mas, reforçando, elas são incrivelmente sutis, logo, o uso da lógica é demandado constantemente na aventura.

Os puzzles são bem inteligentes e não existe muito o “segurar de mãos” tradicionais de jogos como esse, o que acabou me agradando bastante. Tecnicamente falando, não tive nenhum problema com bugs ou crashes, contudo, em certos momentos, achei os visuais com um nível de qualidade abaixo do que eu esperava.

Em boa parte das cenas, a boa direção de arte ajuda a mitigar esse problema, contudo, em outros trechos essa falta de polimento nas texturas e resolução acaba se tornando bem vísivel, mesmo para um indie.

Review de Deer & Boy – Vale a Pena?

Deer & Boy conta uma história emotiva que deve agradar quem busca por uma experiência mais compacta, ideal para ser aproveitada entre jogos maiores. A amizade entre o garoto e o cervo evoluiu bem e emociona, pilares esses que julgo serem essenciais em games assim. Infelizmente nem tudo é perfeito. A jogabilidade não é tão responsiva quanto deveria, mas não chega a ser algo grave o suficiente para destruir a experiência.

Se você busca por jogos de plataforma cinematográficos com uma duração mais compactada, Deer & Boy pode ser uma excelente pedida!

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Alguns jogos tentam combinar gerenciamento com RPG, outros unem exploração com construção de cidades, mas poucos parecem tão improváveis quanto Beastro. Afinal, como um jogo pode juntar fazenda, minigames de culinária e batalhas com cartas em uma única experiência?

Lançado em 11 de junho de 2026 pela Timberline Studios, Beastro aposta justamente nessa ideia. A proposta pode parecer estranha em um primeiro momento, mas bastam alguns minutos para perceber que existe uma lógica por trás desse mundo onde cozinhar é tão importante quanto enfrentar monstros.

Joguei imaginando encontrar apenas mais um cozy game relaxante, mas acabei descobrindo uma experiência que tenta ir além da fórmula tradicional do gênero.

Nem tudo funciona perfeitamente, como você verá nesta review de Beastro, mas há personalidade suficiente para fazer o jogador querer descobrir o que vem no próximo dia dentro daquele ciclo de exploração e preparo de receitas.

Ressalto que o jogo não possui nenhuma localização para o português do Brasil, ou seja, pode prejudicar a experiência para quem tem dificuldade de ler outros idiomas.

Tudo nas mãos do Panko

O universo de Beastro se passa na vila de Palo Pori, um lugar pequeno e pacífico, cercado por uma rotina centrada em artesãos e na vida comunitária. Esse equilíbrio, no entanto, começa a ruir quando criaturas passam a avançar além dos muros da região, colocando em risco o que resta de estabilidade no local.

É nesse cenário que o jogo posiciona Panko, um jovem chef que acaba assumindo não apenas a cozinha do restaurante da vila, mas também um papel direto na dinâmica entre moradores e os chamados Guardiões, os aventureiros responsáveis por enfrentar as ameaças fora das muralhas.

Quando cozinhar se torna tão importante quanto lutar

A estrutura de Beastro gira em torno de uma rotina bastante simples. Durante o dia, exploramos áreas selvagens, coletamos ingredientes, pescamos, conversamos com personagens e enfrentamos criaturas. Quando a aventura termina, voltamos ao restaurante para transformar tudo o que encontramos em pratos capazes de fortalecer nossos heróis.

É um ciclo que lembra diversos jogos do gênero cozy, mas aqui existe um diferencial importante: cozinhar não é apenas uma atividade casual.

Os pratos preparados servem como combustível para as batalhas, influenciando diretamente o desempenho durante os confrontos. Isso faz com que explorar o mapa e encontrar novos ingredientes seja tão importante quanto vencer uma luta.

Essa ligação entre exploração e culinária acaba dando bastante personalidade ao jogo. Em vez de simplesmente acumular recursos, existe uma sensação de que cada ingrediente pode abrir novas possibilidades dentro da cozinha.

Alimente os guardiões

Um dos pilares de Beastro está na forma como o jogo trata os Guardiões. Eles não são apenas aventureiros enviados para o combate, mas personagens que dependem diretamente da sua cozinha para funcionar bem fora da vila.

Cada um deles traz preferências próprias, ligadas a sabores específicos e também à origem de cada região. Isso influencia diretamente o que faz sentido servir em cada refeição. Não se trata só de “alimentar bem”, mas de entender o perfil de cada Guardião e ajustar o preparo de acordo com isso.

E como bons guardiões, cada um tem seu gosto preferido de prato, alguns preferem os amargos, outros preferem as refeições mais doces, e seguimos assim, adaptando a nossa cozinha ao paladar de cada um deles.

Deckbuilding inteligente deixa os combates mais interessantes

Talvez a maior surpresa de Beastro esteja justamente no sistema de combate. Em vez da ação em tempo real, o jogo utiliza mecânicas de deckbuilding, onde cartas representam ataques e habilidades durante os confrontos.

A ideia funciona melhor do que eu esperava. Existe um ritmo agradável entre atacar e administrar recursos criando confrontos que exigem um pouco mais de planejamento do que normalmente vemos em jogos desse estilo.

Não chega a ser um sistema extremamente profundo, mas consegue prender a atenção e evita que as lutas se tornem apenas um obstáculo entre uma exploração e outra. Essa mistura entre cartas e culinária acaba sendo um dos aspectos mais criativos da experiência.

Um ciclo repetitivo, mas que consegue prender pela curiosidade

Depois de jogar algumas horas para a produção desta review de Beastro, ficou muito claro que Beastro segue uma estrutura bastante definida. O jogador acorda, aceita pequenas missões, coleta ingredientes, enfrenta monstros, retorna ao restaurante, pesquisa novas receitas e começa tudo novamente no dia seguinte.

Em muitos jogos isso poderia rapidamente se tornar cansativo. Aqui, porém, a sensação é diferente. Sempre existe um novo ingrediente para descobrir ou uma melhoria para desbloquear. Isso cria uma curiosidade sobre o que ainda pode aparecer nas próximas áreas.

É aquele tipo de jogo que frequentemente faz o jogador pensar: “vou jogar só mais um dia”. Ao mesmo tempo, também é impossível ignorar que a estrutura pode acabar repetitiva para quem busca uma aventura mais variada ou cheia de grandes acontecimentos. Boa parte do progresso acontece justamente pela repetição desse ciclo principal.

Direção de arte é um dos grandes destaques

Se existe um aspecto que chama atenção desde os primeiros minutos, é o visual. Beastro entrega uma direção artística extremamente simpática, com criaturas carismáticas, ambientes coloridos e personagens que parecem saídos de um livro infantil.

Os ingredientes, os monstros e até os cenários transmitem uma sensação acolhedora que combina perfeitamente com a proposta do jogo. É justamente esse estilo artístico que ajuda a tornar a rotina diária mais agradável, mesmo quando estamos realizando atividades parecidas pela décima vez.

A trilha sonora também acompanha bem esse clima relaxante, funcionando como um complemento discreto para a exploração.

Review de Beastro – Vale a pena?

Finalizo esta review de Beastro cravando que ele é um daqueles jogos que dificilmente chamarão atenção pelo tamanho da produção ou pelo orçamento milionário, mas conseguem conquistar espaço graças à criatividade.

Misturar fazenda, culinária e deckbuilding parecia uma ideia arriscada, mas a Timberline Studios encontrou uma forma interessante de conectar todas essas mecânicas. Existe repetição, algumas atividades poderiam oferecer mais variedade e a estrutura diária pode não agradar todo mundo.

Ainda assim, a combinação entre exploração, pesquisa de receitas, gerenciamento de ingredientes e batalhas estratégicas cria uma experiência bastante agradável para quem gosta de jogos cozy com um toque diferente.

Talvez Beastro não revolucione nenhum dos gêneros que utiliza como inspiração, mas consegue misturá-los de maneira competente e entregar uma aventura charmosa e cativante.

Curtiu esta review de Beastro? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: NBA The Run (PS5)
• Review: The Adventures of Elliot – The Millennium Tales (PS5 Pro)
• Review: Yoshi and the Mysterious Book (Switch 2)

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Lançado em 9 de junho de 2026 pela Play by Play Studios, NBA The Run tenta resgatar justamente essa essência ao colocar estrelas licenciadas da NBA em disputas 3 contra 3 com uma pegada totalmente arcade. Para esta análise, joguei a versão de PlayStation 5, acumulando horas suficientes para explorar seus modos de jogo e mecânicas.

A ideia, no papel, é excelente. Afinal, faz tempo que o mercado não recebe um grande arcade de basquete com jogadores reais da liga americana. Mas será que NBA The Run consegue capturar a mesma magia que transformou tantos clássicos do gênero em jogos inesquecíveis?

Fica comigo nesta review de NBA The Run e saiba se vale a pena dá uma chance ao game.

Diverte, mas falta sal

Como era de se esperar, a jogabilidade é o grande foco de NBA The Run. Afinal, trata-se de um jogo que abre mão de qualquer pretensão de simulação. A proposta é montar seu trio de jogadores e entrar em confrontos online recheados de dribles e jogadas de efeito. E, tecnicamente, o jogo funciona bem.

Os comandos respondem rapidamente e existe uma ótima sensação de controle sobre os atletas. Mesmo sendo uma experiência totalmente online, praticamente não percebi atraso entre o comando executado no controle e a ação realizada dentro da quadra. É um mérito importante da Play by Play Studios e mostra que a base da jogabilidade foi bem construída.

Cada atleta também possui características próprias. Stephen Curry continua sendo uma máquina nas bolas de três, enquanto Victor Wembanyama se destaca pela defesa e proteção de aro. Essa diferenciação incentiva o jogador a montar equipes equilibradas e explorar estilos diferentes de jogo.

O problema é que, apesar da boa base, NBA The Run nunca consegue despertar aquela sensação de espetáculo que marcou os grandes arcades esportivos.

Quando penso em NBA Jam, lembro imediatamente da bola pegando fogo após uma sequência de cestas. Em NBA Street, cada enterrada parecia um evento e cada drible exagerado fazia parte do show. Até mesmo NBA Playgrounds conseguia transformar jogadas simples em momentos memoráveis. Aqui, tudo parece contido demais.

As enterradas existem, os dribles especiais também, mas raramente arrancam um sorriso ou fazem o jogador querer repetir uma jogada apenas porque ela foi divertida de assistir. Falta aquele fator de encantamento que fazia os grandes arcades do passado parecerem imprevisíveis e cheios de personalidade.

É curioso porque a jogabilidade é competente, mas lhe falta justamente aquilo que considero mais importante para um jogo desse gênero: magia.

Pouco conteúdo transforma uma boa ideia em uma experiência repetitiva

Se a jogabilidade mostra potencial, é na quantidade de conteúdo que NBA The Run decepciona de verdade.

O jogo oferece apenas três opções principais: Knockout Squad, onde cada participante controla apenas um atleta em equipes compostas por três jogadores online; Knockout Solo, que permite controlar todo o elenco contra outro jogador; e Knockout Friends, voltado para partidas privadas entre amigos. Vale ressaltar que toda partida é uma mata-mata, ou seja, perdeu é Game Over. E é só.

Não existe modo carreira, torneios offline, desafios individuais ou qualquer experiência contra a inteligência artificial. Todo o conteúdo gira exclusivamente em torno do multiplayer online. Para mim, essa foi facilmente a maior decepção da experiência.

Nem todo mundo possui amigos interessados em jogos de basquete arcade, muito menos dispostos a pagar quase R$ 200 em um lançamento desse nicho. É verdade que existe matchmaking automático, mas quem costuma jogar online sabe muito bem como isso funciona na prática.

Sempre existe alguém que só quer tentar enterradas o tempo inteiro, outro que ignora completamente a defesa e um terceiro que simplesmente abandona a estratégia coletiva.

Em uma das campanhas que disputei, acabei passando praticamente toda a partida defendendo sozinho enquanto meus companheiros permaneciam no ataque. Conseguimos vencer o torneio, mas muito mais por sorte do que por trabalho em equipe. Essa dependência absoluta do multiplayer limita bastante o potencial do jogo.

Cada partida possui um jeito diferente de vencer

Nem tudo, porém, é negativo. Uma das mecânicas mais interessantes está nas diferentes regras de cada confronto. Em algumas partidas, vence quem alcançar primeiro 21 pontos. Em outras, enterradas passam a valer mais do que arremessos de longa distância, mudando completamente a estratégia e obrigando o jogador a repensar a composição do seu elenco.

Gostei bastante dessa proposta porque ela adiciona variedade às disputas e impede que todas as partidas pareçam iguais. O detalhe é que o jogo não informa previamente qual será a condição de vitória, criando um elemento surpresa que torna cada confronto um pouco diferente.

Infelizmente, essa criatividade não é acompanhada por um sistema de progressão igualmente interessante. Ao vencer partidas, o jogador recebe experiência e moedas para gastar na loja, mas quase todas as recompensas são cosméticas, como uniformes, banners, emotes e algumas animações extras.

Depois de poucas horas, a sensação é de estar repetindo as mesmas partidas apenas para desbloquear novos itens visuais, sem qualquer sensação real de evolução.

Também senti pouca diferença no controle entre atletas de estilos completamente distintos. Jogadores rápidos, como LaMelo Ball, e atletas mais físicos, como LeBron James, acabam transmitindo sensações muito parecidas durante a movimentação.

Visual agradável e bom desempenho

Visualmente, NBA The Run entrega um trabalho competente. O estilo artístico aposta em personagens estilizados, com traços que lembram cel shading, enquanto os principais atletas da NBA são facilmente reconhecíveis graças ao bom trabalho de modelagem. As quadras também apresentam boa variedade visual, especialmente nos confrontos finais, onde iluminação e efeitos tornam o ambiente mais chamativo.

Ainda assim, nada impressiona tecnicamente. É um jogo bonito, mas que dificilmente ficará marcado pelo seu aspecto visual.

A narração também acabou me incomodando em diversos momentos. O narrador participa praticamente o tempo inteiro da partida e, para meu gosto, fala mais do que deveria. É uma questão bastante pessoal, mas senti falta de deixar o jogo respirar um pouco mais durante os confrontos.

Pelo menos no aspecto técnico não tenho reclamações. Durante toda a análise no PlayStation 5 não encontrei bugs relevantes nem problemas de desempenho, enquanto o matchmaking encontrou partidas rapidamente na maior parte do tempo.

Review de NBA The Run – Vale a Pena?

Termino esta review de NBA The Run dizendo que ele tinha potencial para resgatar um estilo de jogo que faz falta no mercado atual. Sua proposta arcade é interessante, os controles funcionam bem e existem boas ideias espalhadas pela experiência. O problema é que tudo parece incompleto.

A ausência de modos offline e uma progressão baseada quase exclusivamente em cosméticos fazem com que o entusiasmo desapareça rapidamente. Soma-se a isso uma jogabilidade que, apesar de competente, nunca alcança o espetáculo de clássicos como NBA Jam e NBA Street.

Hoje, eu só recomendaria NBA The Run para quem é extremamente fã da NBA e possui um grupo de amigos disposto a jogar regularmente. Para quem pretende aproveitar sozinho ou busca um arcade capaz de prender por dezenas de horas, a experiência acaba se tornando repetitiva muito cedo.

Por R$ 169,90 na edição Standard e R$ 229,90 na Deluxe Edition, o investimento não parece justificável neste momento. Talvez futuras atualizações adicionem modos de jogo e mais conteúdo, permitindo que o título alcance o potencial que sua proposta sugere. Mas, por enquanto, NBA The Run diverte por algumas horas e pouco depois acaba esquecido na biblioteca.

Curtiu esta review de NBA The Run? Fica com algumas previews que o nosso time produziu na Summer Game Fest:

• Preview: Stranger than Heaven
• Preview – Turok: Origins
• Preview – Tomb Raider: Legacy of Atlantis

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Lançado inicialmente no ano de 2015 para Xbox 360 e Xbox One (e chegando ao PS4 e PC um ano depois), Rise of the Tomb Raider se apresenta como o segundo capítulo da trilogia “survival” de Lara Croft, e funciona como uma sequência direta do título Tomb Raider, de 2013 (que também foi relançado para Nintendo Switch no ano passado).

Enquanto o primeiro título dessa trilogia moderna mostra a “origem” de Lara Croft como a famosa exploradora de tumbas, Rise of the Tomb Raider conta uma história inédita, que se passa um ano após a aventura inicial de Lara. Dessa vez, a narrativa se torna ainda mais pessoal, já que mostra uma Lara levemente mais madura, que decide seguir os passos de seu pai em busca de um tesouro lendário que ele nunca conseguiu encontrar em vida.

Todavia, como não poderia deixar de ser, existem diversos obstáculos no caminho de Lara, desde o clima gélido da Sibéria, até uma fauna perigosa composta por lobos e ursos. E, claro, também há uma misteriosa entidade chamada Trindade, um grupo para-militar de fanáticos religiosos que estão atrás do mesmo tesouro lendário que Lara Croft almeja encontrar. Nesse cenário cheio de perigos, o jogo apresenta uma campanha de cerca de 15 horas, que mistura segmentos de exploração, combate e cenas de ação à lá Uncharted.

A ascensão de Lara Croft

Caso você já tenha jogado o primeiro jogo da trilogia survival de Tomb Raider, Rise of the Tomb Raider não trará surpresas muito grandes, já que ele basicamente recupera boa parte das mesmas ideias do jogo anterior enquanto expande alguns conceitos bastante interessantes. O resultado é uma experiência familiar, mas que se mostra extremamente fresca e diferenciada nos dias atuais.

Digo isso, pois Rise of the Tomb Raider explora diversos elementos que eram muito típicos da geração passada, mas que não aparecem mais com tanta frequência em jogos atuais. Seus mapas, por exemplo, não são mundos abertos típicos de jogos AAA atuais, mas sim hubs expansivas que se conectam por caminhos específicos, que oferecem seus desafios de plataforma e travessia próprios.

Graças à essa estrutura, Rise of the Tomb Raider consegue entregar uma experiência bastante variada, no qual cada momento da campanha apresenta um feeling único. Em determinados segmentos, você tem à sua disposição mapas relativamente expansivos, com diversos objetivos secundários (incluindo missões paralelas), coletáveis e outros elementos que convidam à exploração. No instante seguinte, você passa por um trecho extremamente linear e cinematográfico, durante o qual Lara Croft precisa escalar, pular e se equilibrar por caminhos tortuosos.

Essa variedade também está presente no combate, que mescla momentos mais voltados para o stealth, durante os quais o jogador pode se esconder para derrotar inimigos um a um, e também momentos de ação direta e frenética. Nesse sentido, as mecânicas de combate puro do jogo são até um tanto quanto simplistas (o próprio arsenal da Lara é limitado), mas isso não chega a ser um problema quando você considera o modo como o jogo alterna o seu foco a todo instante.

Tumbas ocultas e uma pitada de metroidvania

Dentre todos os momentos presentes na campanha de Rise of the Tomb Raider, um dos grandes destaques, na minha opinião, está na presença de tumbas opcionais que funcionam basicamente como dungeons auto-contidas. Com um foco grande em solução de puzzle, cada uma dessas tumbas apresenta um desafio único que envolve as várias habilidades da Lara.

Em uma delas, por exemplo, você precisa encontrar uma maneira de erguer o nível da água, para conseguir então chegar à uma torre no topo das ruínas. Uma outra tumba, por sua vez, foca-se nos aspectos de escalada e nas habilidades de arco e flecha de Lara, já que ela precisa criar caminhos com cordas jogando flechas em pontos específicos do mapa. Encontrar essas tumbas no mapa e explorá-las em sua completude (ganhando uma habilidade especial ao fim) é um dos pontos altos do jogo.

Por falar nas habilidades de Lara, um dos aspectos mais interessantes de Rise of the Tomb Raider está em como ele apresenta leves elementos de metroidvania, que estão ligados às habilidades e equipamentos que a Lara conquista com o avançar do jogo. Determinados pontos do mapa estão bloqueados por portas amarradas ou ainda por postes em lugares de difícil alcance. Após encontrar cordas, polias e outros equipamentos, Lara ganha a habilidade de acessar esses espaços secundários, além de incorporar tais habilidades em seu kit básico.

Graças a esse elemento, até mesmo os segmentos lineares de travessia se tornam mais interessantes com o avançar do jogo, já que o jogo passa a exigir que você combine todo o arsenal de habilidades de Lara para conseguir avançar nas ruínas antigas que, seguindo o estilo de jogos do tipo, vão desabar no instante seguinte ao qual Lara puser seus pés em um tijolo ou pedaço de madeira. Quem está com saudade de Uncharted, vai se sentir em casa aqui.

Muito conteúdo em um port competente

Em termos visuais, Rise of the Tomb Raider é um jogo com momentos muito bonitos, mas que também mostra um pouco o peso do tempo por ser um jogo do início da geração passada. Isso significa que alguns aspectos do título, como as expressões faciais de personagens secundários, por exemplo, não estão no mesmo nível de títulos foto-realistas modernos. Não obstante, esse ainda é um jogo com visuais impressionantes, mesmo tanto tempo depois de seu lançamento original.

Nesse aspecto, inclusive, vale destacar que a Aspyr fez um trabalho bastante competente nessa conversão para o Nintendo Switch 2, já que o jogo apresenta total paridade gráfica com o título original, apresentando até mesmo algumas melhorias em determinados aspectos técnicos. No âmbito da performance, o jogo roda a 4K na TV e 1080p no modo portátil (resolução mais alta do que o jogo original, até mesmo quando ele rodava no PS5), porém a taxa de quadros foi mantida a 30 frames por segundo. O resultado, contudo, é bastante positivo, já que o jogo apresenta visuais belos, que realmente brilham em determinados cenários mais elaborados.

Como a titular versão 20 Year Celebration, o port de Switch 2 de Rise of the Tomb Raider traz todos os conteúdos já lançados para o título, incluindo missões secundárias extras, como a história da Baba Yaga (uma bruxa da Sibéria), e a mansão Croft totalmente explorável. Além disso, o jogo também oferece alguns modos extras secundários, que funcionam quase como um modo rogue-like, onde Lara precisa explorar determinados cenários enquanto dá o seu melhor para sobreviver.

Um outro aspecto brilhante que precisa ser destacado em Rise of the Tomb Raider é a sua localização. Mesmo sendo um jogo “mais antigo”, o título está inteiramente dublado e legendado e português do Brasil e, de modo geral, a qualidade da tradução e localização é bastante positiva, o que é um bônus muito bem-vindo para jogadores do nosso país.

Review de Rise of the Tomb Raider: 20 Year Celebration — um jogo de aventura refrescante

Mesmo sendo um jogo com mais de 10 anos de idade, Rise of the Tomb Raider continua apresentando uma campanha bastante divertida, que se destaca enormemente pela variedade de momentos distintos que são emaranhados em uma narrativa com cerca de 15 horas. Embora alguns aspectos da experiência demonstrem o passar dos anos, ele continua sendo um jogo bastante interessante até hoje.

Com uma conversão bastante positiva, a versão de Nintendo Switch 2 certamente se configura como uma opção bastante válida para pessoas que queiram experimentar o jogo pela primeira vez — ou ainda para fãs que desejam rejogá-lo em modo portátil. Para além dos aspectos técnicos, o jogo também aproveita algumas funções do Switch 2, incluindo opções para a utilização dos controles de mouse.

Além disso, em um contexto onde vemos muitas publicadoras relançando jogos antigos por preços bastante elevados, Rise of the Tomb Raider chega ao Switch 2 custando R$129,95 em seu lançamento, um preço muito mais acessível quando comparado ao valor de jogos AAA. Assim sendo, essa se torna uma opção extremamente válida para quem quer experimentar um jogo de aventura com essa pegada. Inclusive, saio animado desse review para a possibilidade de também lançarem Shadow of the Tomb Raider no Switch 2. Eu estou esperando, Aspyr!

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Aspyr.

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Graças à um código antecipado cedido pela Square Enix, pude conhecer as aventuras de Elliot e eu já adianto, sem cerimônia mesmo – é outro grande acerto da Square, resgatando pilares que ajudaram o gênero a virar uma febre mundial anos atrás.

Um conto de eras

Nossa história é protagonizada pelo aventureiro Elliot, um jovem experiente que adora ajudar os outros. Esse primeiro contato com Elliot já me agradou bastante. Eu particularmente sinto falta de histórias com protagonistas puros e altruístas, e o jogo entrega exatamente isso, fazendo alusão aos RPGs clássicos de outrora.

Após eventos iniciais que servem para introduzir a figura de Elliot, acabamos nos deparando com a investigação de uma ruína que abriga uma porta misteriosa. A porta acaba se revelando uma espécie de portão temporal que leva Elliot para uma era diferente.

Como a narrativa é o grande foco do jogo, não entrarei em mais detalhes específicos sobre a trama. Mas confirmo que eu gostei da história e ela conta com finais múltiplos, adicionando um fator replay ao game.

A construção de mundo fica a cargo dos diálogos e dos colecionáveis que encontramos e podemos aprender mais sobre a cultura, costumes e locais do universo de Elliot. Os diálogos são bons, reais e os personagens aliados são bem escritos.

Eu particularmente achei o antagonista principal um tanto quanto caricato, suas motivações são óbvias, mas não é algo que chega a incomodar. Os dois pontos negativos da narrativa pra mim é que nem todos os diálogos são dublados e, o principal, a ausência de textos em nosso idioma. O inglês aqui é básico, logo, você não precisa ter um nível avançado para entender a trama, contudo, é obrigatório ter uma boa noção do idioma, o que torna a aventura restritiva.

A campanha, sem fazer 100%, levou 13 horas pra ser concluída.

Hora da aventura

Jogar The Adventures of Elliot me fez pensar muito em um dos meus filmes prediletos da infância – A História sem Fim. O sentimento de ficar imerso em um mundo com um alto senso de descoberta e ser a “chave” para a solução de grandes problemas é uma peça central do jogo.

E um aspecto que eleva esse charme é que as mecânicas, incluindo o combate, são simples e diretas ao ponto. Podemos atacar, bloquear, usar habilidades especiais.. o jogo foge das armadilhas de jogos modernos que apostam na complexidade para segurar o jogador.

Os comandos são bem intuitivos e a jornada entrega algo que eu considero ser fundamental em bons RPGs: um excelente senso de progressão. Elliot é um aventureiro experiente, contudo, ele não possui muitos trunfos no começo do jogo. Na metade pro final, vamos desbloqueando novos armamentos poderosos, habilidades de travessia e magicites bem poderosas que elevam a escala de poder de um jeito bem satisfatório.

Adotar o estilo de movimentação livre tornou possível até que o jogo brincasse com trechos de plataforma dentro de calabouços, o que adiciona uma variedade bem vinda no loop de gameplay. As batalhas contra chefes se tornam ainda mais especiais e eles estão com um belo design, tanto visualmente quanto mecanicamente falando.

Tratando-se de progressão do personagem, Elliot se comporta como um Zelda-like e não como um RPG. Não ganhamos experiência ao derrotar monstros. Ganhamos moedas que são usadas para comprar coisas como equipamentos e consumíveis.

O jogo conta com um engenhoso sistema de bônus acumulativo que vai aumentando mediante a quantidade de inimigos que você derrota sem levar dano. Isso é incrivelmente satisfatório e faz com que você preste muita atenção em todos os combates, inclusive contra os adversários comuns.

Por falar neles, essa foi minha única ressalva tratando-se do combate do game. Poderíamos ter uma variedade maior de inimigos. Eles se repetem com frequência. Não é algo que destrói a experiência mas certamente tira um pouco do seu brilho.

Ao longo da campanha, também podemos concluir missões secundárias. Algumas delas concedem novos tipos de armas ou consumíveis importantes como as bombas, item essencial na exploração. Isso adiciona um temperinho de metroidvania no game. Nas horas iniciais da aventura nos deparamos frequentemente com locais que ainda não podemos acessar pela falta de algum item, como a mencionada bomba.

Por falar em exploração, o jogo conta com vários calabouços e templos, como os Templos de Vida. O layout dessas dungeons varia bastante, ajudando a elevar o nível da experiência.

Uma coisa que me agradou muito foi em relação ao mapa e os recursos de qualidade de vida para o jogador. O mapa mostra exatamente onde tem um baú após removermos a “névoa” dele. Outro ponto é que podemos viajar livremente entre os pontos de viagem rápida, mesmo estando em diferentes eras. É legal ver um game facilitando a vida do jogador em questões que realmente deveriam ser facilitadas, como é o caso da travessia pelos cenários.

Charme retrô

Artisticamente falando, temos o retorno da proposta HD-2D mas numa versão evoluída. Como a movimentação aqui é livre e o jogo foi estruturado como um jogo de ação em tempo real e não por turnos, o cenário foi modificado pra dar uma sensação maior de verticalidade e imensidão.

O combate em tempo real, nos moldes dos Zeldas clássicos, exigiu que as animações também evoluíssem, tornando-se mais fluidas e estilosas. A HUD também foi levada em consideração, implementado técnicas como porta-retratos pintados em balões de diálogos, dando um aspecto artesanal bem-vindo ao game. A parte sonora também merece destaque (e muito!).

A trilha sonora está fantástica, lembrando os Dragon Quest originais e os diálogos que possuem dublagem são surpreendentemente “pés no chão”, fugindo dos exageros que marcam jogos com propostas similares.

Os efeitos sonoros, como os das bombas explodindo obstáculos, as gramas sendo cortadas e vasos quebrados, também reforçam o cuidado da equipe nesse departamento.

Um ponto que talvez incomode os veteranos do gênero é que a companion de Elliot acaba dando pistas auditivas em excesso. Por exemplo, ao entrar em uma sala e ver um baú, ela já vai falar coisas como: “olha, um baú, deve ter alguma coisa valiosa dentro”. O game tem um forte intuito em ser acessível, mesmo em situações que não precisava ser.

Review de The Adventures of Elliot – Vale muito a pena!

The Adventures of Elliot: The Millennium Tales é a prova cabal que grandiosidade não reside em visuais de ponta e aventuras mirabolantes com 100 horas de duração e mecânicas super complexas. Compacto, honesto e divertido, o jogo é um dos melhores games da Square nos últimos 5 anos e representa um passo da empresa na direção certa.

Apesar da ausência da localização dos textos em nosso idioma, recomendo as aventuras de Elliot para quem busca uma boa aventura que relembra a era de ouro do gênero na época do PS1.

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