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Por isso, é no mínimo curioso estar aqui hoje realizando esta review de Halo: Campaign Evolved no PlayStation 5. As mudanças de estratégia da Microsoft nos últimos anos abriram espaço para que jogadores de outras plataformas finalmente conhecessem algumas das suas principais franquias.

E, sinceramente, isso é algo muito positivo. Mais pessoas podem descobrir uma série gigantesca, entender por que Halo marcou uma geração e experimentar um dos FPS mais importantes da indústria.

Desenvolvido pela Halo Studios em parceria com a SkyBox Labs, Halo: Campaign Evolved será liberado em 23 de julho para jogadores com acesso antecipado, enquanto o lançamento para todos acontece em 28 de julho, chegando ao PlayStation 5, Xbox Series, PC e também ao Game Pass.

E antes de começar essa análise, preciso deixar claro um detalhe importante: eu não estou falando de Halo apenas como alguém que jogou este remake. Eu zerei Halo: Combat Evolved em 2021, então tenho uma lembrança recente da experiência original. Isso foi essencial para perceber melhor o que mudou, o que foi mantido e principalmente se esse remake realmente precisava existir.

Afinal, um remake sempre caminha em uma linha muito delicada. Ele precisa respeitar a obra original, preservar aquilo que fez aquele jogo ser especial, mas também precisa trazer novidades suficientes para justificar sua existência.

Sem mais enrolação, confira a minha review completa de Halo: Campaign Evolved. Caso prefira, você pode conferir a nossa análise em vídeo:

Uma história preservada, mas que continua fascinante

Uma das maiores preocupações dos fãs quando um remake é anunciado é a possibilidade de mudanças exageradas na história. Felizmente, esse não é o caso aqui.

Halo: Campaign Evolved mantém praticamente toda a estrutura narrativa de Combat Evolved. A desenvolvedora deixou claro que não pretendia modificar a história principal, e isso realmente aconteceu. O jogo continua contando a jornada do Master Chief, um supersoldado criado através do Projeto Spartan II, uma iniciativa da humanidade para desenvolver soldados capazes de proteger as colônias humanas espalhadas pela galáxia.

O universo de Halo sempre teve uma escala gigantesca. A humanidade avançou para outros planetas depois de consumir boa parte dos recursos disponíveis na Terra, criando novas comunidades fora do planeta natal. Porém, essa expansão colocou os humanos no caminho dos Covenant, uma aliança de espécies alienígenas guiada por um forte fanatismo religioso.

Os Covenant enxergam a humanidade como uma ameaça e iniciam uma guerra para eliminar completamente a raça humana. Nesse cenário surge o Master Chief, o principal resultado do Projeto Spartan II, um soldado criado para enfrentar ameaças que seriam impossíveis para qualquer humano comum.

A campanha ainda mantém aquele mistério envolvendo o Halo, a instalação gigantesca encontrada durante a jornada, e todos os elementos que fizeram a franquia se tornar tão importante.

Não se limite aos jogos

Mas vale lembrar: a história de Halo nunca ficou limitada aos jogos. A franquia possui livros, animações, séries e diversos outros materiais que expandem sua mitologia. Entender completamente tudo que envolve esse universo exige uma dedicação maior, porque a lore criada pela Bungie sempre teve essa característica de construir algo muito maior do que apenas uma campanha.

Isso é algo que também vemos em Destiny, outra franquia criada pela Bungie, que aposta bastante na construção de universo e em histórias que vão muito além do que é apresentado diretamente ao jogador.

Por isso, não vou avaliar a narrativa de Halo: Campaign Evolved como se fosse uma história totalmente nova. O objetivo deste remake não era reinventar o enredo, mas apresentar novamente uma das campanhas mais importantes da história dos videogames para uma nova geração de jogadores.

E nesse ponto ele faz exatamente o que precisa fazer.

Um remake visualmente impressionante

Quando os primeiros trailers de Halo: Campaign Evolved foram divulgados, uma coisa ficou clara: o salto visual seria enorme. E realmente é.

Comparar esse remake com Combat Evolved ou até mesmo com Halo: Anniversary mostra uma diferença gigantesca. Enquanto a versão Anniversary era basicamente uma remasterização que colocava uma camada visual moderna sobre o jogo original, Campaign Evolved reconstrói essa experiência do zero.

E isso fica evidente desde os primeiros minutos. Existem momentos em que eu simplesmente parei para observar os cenários. As áreas abertas, as praias, as instalações do Halo e principalmente os momentos no espaço mostram um cuidado enorme com direção artística e iluminação.

O design das armas também recebeu bastante atenção. Quem já achava o visual das armas e dos inimigos marcante no jogo original vai encontrar uma evolução enorme aqui. Cada detalhe está mais trabalhado, desde as armaduras dos Covenant até os equipamentos utilizados pelo Master Chief.

Os efeitos visuais são outro ponto que impressiona bastante. As explosões, as partículas voando pela tela, os disparos de plasma, os inimigos sendo atingidos e todo o caos criado durante os combates deixam os confrontos muito mais impactantes.

Principalmente em ambientes fechados, quando existe uma troca intensa de tiros, granadas explodindo e objetos destruídos ao mesmo tempo, o remake mostra todo o poder visual dessa nova versão.

Eu joguei no PlayStation 5 base e, visualmente falando, Halo: Campaign Evolved é um jogo muito bonito. Ele consegue entregar momentos que facilmente fazem você parar para admirar o cenário.

Nem tudo é perfeito…

Em alguns momentos, quando você aproxima bastante a câmera de determinados objetos, algumas texturas deixam a desejar. O próprio Master Chief, quando você olha para a parte inferior da armadura durante a gameplay, mostra alguns detalhes que poderiam ter recebido um acabamento melhor.

Sim, é um jogo em primeira pessoa, mas estamos falando de um remake feito completamente do zero. Esses pequenos detalhes acabam chamando atenção justamente porque o restante do trabalho visual é muito caprichado.

Também encontrei alguns problemas de pop-in durante a campanha e achei que a água poderia ter recebido um tratamento melhor. Não chega a comprometer a experiência, mas são pequenos pontos que mostram que ainda existia espaço para mais refinamento.

No geral, porém, Halo: Campaign Evolved entrega exatamente aquilo que se espera de um remake moderno. Ele transforma um clássico de 2001 em um jogo visualmente atual, mantendo a identidade da franquia e mostrando por que Halo continua sendo uma referência quando falamos de FPS nos consoles.

Jogabilidade é o coração de Halo

Se existe uma coisa que sempre definiu Halo ao longo dos anos é a sua jogabilidade. Mais do que gráficos, mais do que qualquer elemento visual, a franquia ficou conhecida pelo seu gunplay, pela sensação de controlar o Master Chief e pela forma como cada combate acontece.

E posso dizer que Halo: Campaign Evolved entende isso muito bem, portanto, logo nos primeiros minutos, você sente que está jogando Halo. Existe aquele feeling característico da franquia, aquela sensação de peso das armas, da movimentação e da forma como os confrontos acontecem. É difícil explicar, mas quem já jogou algum Halo sabe exatamente o que estou falando.

O remake mantém a essência do original, mas traz diversas melhorias que deixam a experiência mais moderna. O combate continua frenético, dinâmico e oferece liberdade para escolher como enfrentar cada situação.

Você pode trocar constantemente entre armas, buscar munição dos inimigos, utilizar diferentes equipamentos e encontrar a melhor estratégia para cada confronto. Essa liberdade sempre foi uma das maiores qualidades de Halo, e Campaign Evolved consegue preservar isso.

Além disso, o remake adiciona novidades importantes ao arsenal. Uma das grandes diferenças em relação ao Combat Evolved original está justamente na quantidade de armas disponíveis.

Mais armas…

Agora temos equipamentos vindos de outros jogos da franquia, como a Espada de Energia, o Rifle de Batalha, entre outros, aumentando bastante as possibilidades durante a campanha. Eu gostei bastante da nova variedade, principalmente porque algumas armas mudam completamente a maneira como você encara os combates.

Uma das minhas favoritas foi a espingarda, que funciona praticamente como uma escopeta tradicional e entrega aquele impacto que esperamos de uma arma de curto alcance. Porém, a minha maior surpresa foi o Needler Rifle, uma variação de uma arma icônica da franquia que agora aparece nessa campanha.

A arma dos projéteis roxos, com aqueles espinhos característicos, sempre chamou atenção pelo design, mas poder utilizá-la de uma forma mais presente durante a campanha foi uma ótima adição.

Só essas novas armas já seriam um motivo interessante para revisitar Halo novamente.

A estrutura permanece a mesma

A estrutura das missões continua seguindo o formato clássico da franquia. Você avança pelos objetivos, participa de alguns momentos de narrativa com a Cortana e o Sargento Avery Johnson, enfrenta grupos de inimigos e acompanha pequenas divisões dentro das próprias fases.

Não temos aquelas batalhas contra chefes tradicionais, como encontramos em outros jogos. O foco sempre está no combate contra os Covenant e na maneira como cada arena é construída para criar diferentes situações de batalha.

As missões costumam durar entre 30 minutos e uma hora, dependendo da dificuldade e do quanto você explora os cenários. Eu terminei a campanha completa, incluindo as três novas missões adicionadas ao remake, em aproximadamente 12 a 13 horas.

Esse tempo aconteceu porque eu explorei bastante os ambientes, procurei alguns colecionáveis e também morri bastante durante a jornada.

E aqui existe um ponto importante: Halo não é um jogo fácil.

Apesar de o Master Chief ser um dos personagens mais poderosos dos videogames, ele não é um tanque de guerra que simplesmente atravessa todos os inimigos sem preocupação. O escudo ajuda bastante, mas quando ele acaba, qualquer descuido pode significar a morte.

Eu morri muitas vezes durante a campanha, principalmente em situações onde tentei avançar sem pensar muito.

Se você já conhece Halo, domina os combates e não perde tempo explorando cada canto do mapa, provavelmente consegue finalizar a campanha com as três missões inéditas em algo próximo de sete ou oito horas. Porém, para quem está chegando agora, o jogo exige atenção.

Crânios e novos conteúdos

Uma das maiores novidades de Halo: Campaign Evolved está nos Crânios, ou na diversidade e quantidade deles.

Para quem não conhece, eles são itens escondidos pelos mapas que liberam modificadores especiais para alterar a experiência da campanha. Eles são muito importantes para aumentar o fator replay e oferecer desafios diferentes para quem quer continuar jogando depois de terminar a história.

E aqui existe uma mudança importante: os Crânios não estão nos mesmos locais das versões anteriores.

Isso significa que aquele guia antigo de Combat Evolved ou Anniversary não vai ajudar completamente. A própria desenvolvedora explicou que a mudança aconteceu por causa das alterações no design dos mapas e na reconstrução visual das fases.

Agora existem três Skulls por fase, além de novas opções adicionadas ao remake. O problema é que eles são extremamente difíceis de encontrar.

Durante minha campanha, encontrei pouquíssimos. Alguns ficam tão bem escondidos no cenário que você praticamente precisa estar procurando por eles de maneira específica.

Existe um Crânio em uma praia, por exemplo, que fica praticamente camuflado no ambiente. Eu só percebi que estava ali porque apareceu a opção de interação na tela.

Além dos Crânios, também temos os Terminais espalhados pelas fases, que adicionam mais informações sobre a história e o universo de Halo.

Outro detalhe interessante é a possibilidade de jogar em terceira pessoa através de um Crânio específico chamado Perspectiva. Eu tentei encontrar esse item durante minha campanha, mas infelizmente não consegui desbloquear essa opção para testar.

Mesmo assim, a inclusão dessa possibilidade mostra como o remake tentou trazer novidades para jogadores antigos.

Veículos recebem melhorias, mas ainda possuem problemas

Os veículos sempre tiveram um papel importante em Halo, e Campaign Evolved traz algumas melhorias interessantes nesse aspecto.

Temos novamente o clássico Warthog, o Banshee e outros veículos conhecidos da franquia. Além disso, uma das novidades mais interessantes é a possibilidade de controlar o Wraith.

Essa mecânica vem de outros jogos da série e permite algo que não existia no Combat Evolved original: roubar veículos inimigos. Você pode se aproximar, subir no veículo, eliminar o piloto e assumir o controle. É uma adição que combina muito bem com a filosofia de liberdade da franquia.

Porém, existe um problema: o controle dos veículos continua sendo uma das partes mais antigas da experiência. Mas vou falar mais sobre isso na parte dos defeitos, porque apesar das melhorias, ainda existe uma sensação de peso exagerada em alguns momentos.

No geral, quando falamos da jogabilidade, Halo: Campaign Evolved entrega exatamente o que os fãs esperavam. Ele moderniza vários elementos, adiciona conteúdo novo, mas continua sendo aquele Halo que conquistou milhões de jogadores.

A Operação Meteorito é uma das melhores coisas de Halo

Se existe um conteúdo que, para mim, realmente justifica a existência de Halo: Campaign Evolved, são as três missões inéditas adicionadas ao remake.

Eu já estava gostando bastante da campanha principal. O jogo entrega uma experiência muito bonita, porém, quando comecei essas novas missões, tive aquela sensação de estar realmente jogando algo novo.

E esse é um dos maiores méritos do remake. Não são fases colocadas apenas para aumentar a duração da campanha. Elas possuem identidade própria, apresentam novos acontecimentos e expandem um pouco mais a relação entre Master Chief e o Sargento Avery Johnson antes dos eventos de Combat Evolved.

Essas missões acontecem antes da história principal do primeiro Halo e mostram um momento em que os dois personagens trabalham juntos para descobrir mais informações sobre os Covenant. O objetivo é se infiltrar em locais específicos, coletar dados e entender melhor onde essa ameaça está localizada.

E falando em inimigos, temos aqui uma das adições mais interessantes: o Brute Berserker. Esse inimigo funciona de uma maneira diferente dos Covenant tradicionais. Ele possui um ponto específico que pode ser atingido e, quando você consegue acertá-lo, ele entra em um estado de fúria ainda maior.

O mais interessante é que essa mecânica pode ser usada a seu favor. Em algumas situações, eu consegui fazer com que ele perdesse completamente o controle e atacasse até mesmo outros inimigos ao redor.

É uma pequena mudança, mas mostra que a equipe não simplesmente colocou novos inimigos por colocar. Existe uma tentativa de criar novas situações durante os combates. Mas, para mim, o grande destaque dessas três missões é a sequência no espaço.

Uma missão de encher os olhos

Existe uma missão em uma nave que foi facilmente um dos momentos mais marcantes de toda a campanha. Eu parei várias vezes apenas para observar o cenário. O espaço ao redor, os destroços de outras naves, a escala daquele ambiente e toda a sensação de estar no meio de um grande conflito ficaram incríveis.

É aquele tipo de momento em que você percebe o quanto a tecnologia atual permite transformar uma cena que antes era limitada pelas condições da época em algo muito mais grandioso.

E uma coisa que chamou minha atenção é que, mesmo com muitos elementos acontecendo ao mesmo tempo, como objetos destruídos e vários detalhes espalhados pelo cenário, eu não senti aqueles problemas de desempenho que encontrei em outras partes da campanha.

Visualmente, essa missão é espetacular. No total, essas três novas fases adicionam aproximadamente uma hora ou uma hora e meia cada, dependendo da forma como você joga. É um conteúdo que acrescenta bastante ao pacote e, sinceramente, eu gostei mais dessas novas missões do que de alguns momentos da campanha principal.

Também temos uma nova personagem apresentada durante essas missões. Não vou entrar em detalhes para evitar spoilers, mas acredito que ela tem bastante potencial dentro do universo de Halo.

Inclusive, eu não ficaria surpreso se futuramente ela recebesse algum tipo de projeto próprio dentro da franquia. É algo parecido com o que outras séries fizeram recentemente, expandindo seus universos através de personagens secundários, como aconteceu com a expansão do universo de God of War com a história de Laufey em outros materiais da franquia.

Claro que isso é apenas uma expectativa minha, mas a personagem deixou uma boa impressão.

Campanha Remix aumenta o fator replay

Além das três missões inéditas, Halo: Campaign Evolved também adiciona o modo Campanha Remix.

A ideia é simples: pegar as missões tradicionais da campanha e modificar alguns elementos para criar uma experiência diferente.

Com os modificadores ativados, podemos encontrar:

• novos posicionamentos de inimigos;
• alterações no arsenal disponível;
• inimigos mais fortes;
• mudanças na quantidade de recursos;
• diferentes combinações durante os combates.

É uma boa alternativa para quem terminou a campanha e quer retornar aos mesmos cenários com uma experiência diferente. Porém, preciso dizer que esse tipo de recurso nunca foi algo que me atraiu muito.

Alguns filtros visuais e modificadores específicos não fazem muito meu estilo. Isso não é um problema do jogo, é simplesmente uma preferência pessoal minha. Eu não costumo gostar desse tipo de alteração em outros títulos também.

Por isso, testei algumas dessas opções apenas para entender como funcionavam, mas não fiquei muito tempo jogando dessa maneira. Ainda assim, é uma excelente adição para quem gosta de explorar todas as possibilidades de uma campanha.

E falando em explorar tudo, quem pretende buscar a platina de Halo: Campaign Evolved precisa estar preparado. A conquista dos 100% não será uma tarefa simples. Com desafios envolvendo dificuldades maiores, Crânios, modos alternativos e objetivos específicos, essa é uma platina que vai exigir bastante dedicação.

Áudio continua sendo um dos pontos fortes

Outro aspecto que merece destaque é o trabalho sonoro. A trilha sonora clássica de Halo continua presente, e isso por si só já é uma ótima notícia. A música sempre foi uma das marcas registradas da franquia, e Campaign Evolved mantém esse impacto.

Mas a grande evolução está nos efeitos. Os sons dos disparos, explosões, veículos e movimentação dos inimigos ficaram muito mais claros. Jogando com um bom fone de ouvido, a experiência melhora bastante.

Uma das coisas que mais gostei foi ouvir os Covenant durante os combates. Eles continuam tratando o Master Chief como uma ameaça quase sobrenatural, chamando ele de “demônio” e gritando enquanto avançam para atacar.

Esses pequenos detalhes deixam os confrontos muito mais vivos. Você escuta os inimigos se comunicando, percebe quando eles estão se aproximando, identifica melhor de onde vêm os tiros e sente mais impacto em cada explosão.

A trilha sonora continua maravilhosa e os novos efeitos ajudam a transformar uma campanha clássica em uma experiência muito mais moderna. Nesse aspecto, Halo: Campaign Evolved acerta em cheio.

Uma experiência que poderia ser mais polida

Se existe um ponto em que Halo: Campaign Evolved me decepcionou bastante, foi justamente no desempenho.

Antes de entrar nos problemas, preciso reforçar novamente: eu joguei uma versão bastante antecipada do jogo. Isso significa que alguns desses problemas podem ser corrigidos com atualizações antes ou depois do lançamento oficial. Porém, uma análise precisa mostrar a experiência que eu tive durante meu período de teste, e infelizmente encontrei dificuldades técnicas que impactaram bastante a campanha.

Em alguns momentos, o desempenho chegou a ser realmente preocupante. Tive várias quedas de FPS durante a jornada, principalmente em combates maiores, quando existiam muitos inimigos na tela, explosões acontecendo ao mesmo tempo e diversos efeitos visuais sendo exibidos.

E não estou falando de pequenas oscilações. Em determinados momentos, a experiência ficou bastante prejudicada, chegando ao ponto de eu pensar em desligar o console porque estava difícil continuar jogando.

O problema ficou ainda mais estranho porque meu PlayStation 5 apresentou avisos de superaquecimento algumas vezes durante a campanha.

Isso aconteceu cerca de três ou quatro vezes enquanto eu jogava Halo: Campaign Evolved. Eu não acredito que seja um problema do meu console, principalmente porque isso nunca aconteceu com outros jogos que testei no aparelho. O aviso apareceu exclusivamente durante minha experiência com Halo.

E os bugs?

Claro que isso pode ser algo específico dessa versão antecipada, mas é um ponto que precisa ser mencionado. Além das quedas de desempenho, também encontrei alguns problemas relacionados a bugs.

O principal envolveu o Warthog, um dos veículos mais famosos da franquia. Em algumas situações, ele simplesmente ficou preso em pedras do cenário.

Eu não conseguia movimentar o veículo, virar ou encontrar uma maneira de tirá-lo daquele local. Como o jogo possui um sistema de salvamento extremamente frequente, reiniciar o checkpoint nem sempre resolvia o problema.

Em algumas ocasiões, precisei abandonar o veículo e seguir a missão andando, algo que prejudica bastante o ritmo de uma campanha onde a movimentação com veículos faz parte da experiência.

Também encontrei alguns pequenos problemas de cenário, como inimigos atravessando paredes ou ficando presos em determinadas áreas, mas nada tão grave quanto os problemas de desempenho.

Para mim, o maior problema técnico de Halo: Campaign Evolved foi justamente a estabilidade.

Um remake desse tamanho precisa entregar uma experiência mais consistente, principalmente considerando que estamos falando de um lançamento que chega para plataformas atuais.

Uma estrutura que ainda carrega problemas do passado

Esse é um ponto interessante porque envolve justamente a discussão sobre remakes. Como falei no início da análise, um remake precisa respeitar o original, mas também precisa entender onde aquele jogo pode evoluir.

E aqui Halo: Campaign Evolved acaba carregando alguns problemas que já existiam em Combat Evolved. As fases de Halo sempre tiveram uma característica diferente de muitos FPS da época. Elas não são simplesmente corredores onde você segue uma linha reta até o próximo objetivo.

Existem áreas mais abertas, onde você pode explorar caminhos diferentes, encontrar inimigos fora da rota principal e observar melhor os cenários.

A ideia é boa. O problema é que essa exploração nem sempre é recompensada. Durante minha campanha, eu estava procurando os Skulls e, por isso, fui para vários locais afastados do objetivo principal. Muitas vezes encontrei áreas grandes, cavernas escondidas e caminhos alternativos que pareciam indicar que existiria alguma recompensa.

A sensação era: “Se o jogo deixou eu chegar até aqui, deve existir alguma coisa.” Mas muitas vezes não existia nada.

Para mim, a essência de um bom jogo que incentiva exploração é justamente recompensar o jogador que decide sair do caminho principal. Quando você encontra um lugar escondido, espera que exista algo esperando por você.

Isso me deixou frustrado

Um exemplo que me marcou aconteceu em uma área com várias prisões onde era possível libertar ou eliminar inimigos.

Eu pensei: “Se eu tenho a opção de ir até aqui e enfrentar esses inimigos, provavelmente existe alguma recompensa.”

Então fiz isso. Morri algumas vezes, tentei novamente, consegui eliminar todos os inimigos e fui verificar se havia alguma coisa escondida. Não tinha nada.

O jogo simplesmente não recompensava aquela decisão. E esse é um problema porque Halo: Campaign Evolved também não possui um sistema de progressão tradicional. Você não ganha experiência, portanto, não evolui o Master Chief.

Então quando você passa por uma situação difícil, enfrenta vários inimigos e explora um local distante, espera pelo menos algum retorno. Quando isso não acontece, a sensação é de que você apenas perdeu tempo.

Meu irmão, que estava acompanhando minha jogatina e nem costuma jogar videogames, comentou uma coisa interessante: “Por que o jogo deixou você ir até esse lugar se não tem nada? Parece que é só para fazer você perder tempo.”

E é curioso porque, mesmo sem ter experiência com jogos, ele percebeu exatamente o problema. Esse tipo de situação acaba cansando principalmente quando você joga sozinho, como foi meu caso.

Halo: Campaign Evolved possui cooperativo local e online, mas eu fiz toda a campanha solo. E nessas situações em que você perde um veículo, precisa atravessar grandes distâncias novamente ou explora uma área vazia, o ritmo acaba sendo prejudicado.

Não é algo que destrói a experiência, mas é uma oportunidade perdida. Um remake feito do zero poderia ter aproveitado melhor esses espaços, adicionando pequenas recompensas, novos encontros, armas escondidas ou até momentos extras de narrativa. Seria uma maneira de fazer o jogador sentir que explorar realmente vale a pena.

Alguns problemas herdados do passado ainda aparecem no remake

Apesar de todas as melhorias feitas em Halo: Campaign Evolved, alguns problemas do jogo original continuam presentes. E isso fica mais evidente justamente porque estamos falando de um remake construído do zero.

Um dos pontos que mais senti falta de uma evolução maior foi no controle dos veículos.

Halo sempre teve veículos marcantes, principalmente o Warthog, que se tornou praticamente um símbolo da franquia. Porém, controlar esses veículos ainda passa uma sensação muito pesada e pouco precisa.

O Warthog, por exemplo, parece carregar toneladas de peso. Em alguns momentos, fazer curvas ou acertar determinados caminhos se torna uma verdadeira luta.

Existe uma sequência clássica no final da campanha em que você precisa escapar utilizando o veículo, e mesmo sendo uma cena extremamente conhecida pelos fãs, controlar o Warthog ainda foi uma experiência complicada.

A sensação é que a física continua muito próxima do jogo original. Existe uma pequena evolução em relação ao passado, mas eu esperava algo mais moderno para um remake lançado atualmente. O mesmo vale para outros veículos. O controle do Banshee e de alguns equipamentos ainda poderia ter recebido um cuidado maior.

Não precisava transformar Halo em outro jogo, mas uma atualização na resposta dos comandos teria deixado a experiência muito mais confortável para novos jogadores.

O DualSense poderia ser melhor aproveitado

Outro ponto que me chamou bastante atenção foi o uso do DualSense. Quando a Microsoft decidiu levar Halo para o PlayStation 5, uma das curiosidades era justamente descobrir como a franquia aproveitaria os recursos do controle da Sony.

E, infelizmente, achei essa utilização muito abaixo do potencial. Existe suporte ao controle, mas ele é bastante limitado. Os gatilhos adaptativos aparecem pouco, o feedback háptico é discreto e, na maior parte do tempo, você praticamente esquece que está utilizando um DualSense.

O alto-falante do controle, por exemplo, é usado principalmente em momentos como a recarga do escudo do Master Chief, reproduzindo aquele som característico enquanto a energia retorna. Mas além disso, faltou uma integração maior.

Jogos que utilizam bem o DualSense conseguem transformar a maneira como você sente uma arma, um impacto ou uma ação dentro da tela. Halo: Campaign Evolved tinha uma oportunidade enorme aqui, principalmente por estar chegando justamente a uma nova plataforma.

Inimigos continuam sendo esponjas de bala

Outro ponto que poderia ter recebido melhorias está nos inimigos. A inteligência artificial continua funcionando bem e os Covenant ainda possuem comportamentos interessantes durante os combates. Eles se movimentam e reagem ao jogador de maneiras diferentes.

Porém, a resistência deles ainda incomoda em alguns momentos. Muitos inimigos continuam funcionando como verdadeiras esponjas de bala. Você atira, atira novamente, quebra o escudo e continua atirando, mas nem sempre existe uma sensação real de impacto.

Eu entendo a justificativa dentro do universo do jogo. Afinal, os Covenant utilizam uma tecnologia de escudos semelhante à do próprio Master Chief, e isso faz parte da identidade da franquia. Mesmo assim, acredito que o remake poderia ter trabalhado melhor essa sensação.

Depois de tantos anos e com tantas evoluções nos jogos de tiro, seria interessante sentir mais diferença entre acertar um inimigo protegido, um inimigo sem escudo ou uma unidade mais resistente.

Conclusão da review – Halo: Campaign Evolved vale a pena?

Finalizo esta review de Halo: Campaign Evolved com uma certeza: depois de passar horas explorando este remake de Halo: Combat Evolved, a pergunta que fica é: ele realmente precisava existir? Na minha opinião, sim.

Mesmo carregando alguns problemas, principalmente relacionados ao desempenho e algumas escolhas de design que vieram do jogo original, esse remake consegue fazer algo muito importante: apresentar Halo para uma nova geração de jogadores.

O jogo apresenta uma campanha divertida, um universo gigantesco, personagens marcantes e um dos melhores gunplays já criados para um FPS. A essência de Halo continua aqui.

As três missões inéditas são, para mim, o grande destaque do remake. Elas mostram que a equipe não queria apenas reconstruir um clássico visualmente, mas também adicionar conteúdo que realmente justificasse uma nova experiência.

Claro que nem tudo funciona perfeitamente. Os problemas de desempenho que encontrei precisam ser corrigidos. A exploração poderia ser mais recompensadora. O uso do DualSense poderia ser muito mais aproveitado. Os veículos continuam com controles pouco confortáveis.

Mas nenhum desses problemas consegue apagar a qualidade da experiência como um todo. Halo: Campaign Evolved é um remake que entende o passado, respeita o legado de Combat Evolved e consegue modernizar uma campanha histórica sem perder aquilo que fez a franquia conquistar milhões de jogadores.

Para quem é fã antigo, existe conteúdo suficiente para retornar. Para quem nunca jogou Halo, principalmente jogadores de PlayStation, essa é uma das melhores portas de entrada possíveis.

O Master Chief finalmente chegou a novas plataformas, e a estreia não poderia ser mais simbólica: justamente com o jogo que iniciou uma das maiores franquias dos videogames.

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• Review: Cultic (PS5)
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Existe um limite pra quantidade de jogos inspirados nos shooters dos anos 1990 que o mercado consegue suportar? Talvez. Afinal, depois de tantos projetos tentando recriar os famigerados mapas labirínticos e a movimentação acelerada, é natural que algumas experiências comecem a parecer versões diferentes de um mesmo projeto.

Cultic, porém, mostra que ainda há bastante espaço pra trabalhar dentro dessa fórmula. Desenvolvido praticamente por uma única pessoa, o jogo teve seu primeiro capítulo lançado em 2022 e recebeu o Capítulo Dois anos depois, mas apenas pra PC. Agora, finalmente temos a versão de consoles, e o resultado é que conhecemos um FPS diretamente inspirado por Blood, mas que não depende apenas da nostalgia pra justificar sua existência.

Temos cultistas fortemente armados, criaturas deformadas, mapas enormes, muitos segredos, armas clássicas e uma quantidade absurda de violência. Porém, o título também encontra personalidade em sua direção de arte e em momentos de terror que mudam completamente o ritmo de um boomer shooter tradicional.

Vai encarar?

Em uma New Grandewel do ano de 1963, forças ocultas trabalham nos bastidores pra reviver uma antiga entidade ancestral. Com isso, a região fica marcada por uma grande quantidade de mortes e desaparecimentos, à medida que um culto satânico sacrifica pessoas pra realizar seus propósitos macabros.

Um corajoso ex-detetive assume o caso sozinho, logo depois de ser emboscado e cair no meio desse pesadelo. Usando todo o arsenal que tá ao seu favor, ele inicia uma cruzada violenta pra exterminar todos que têm relação a esse culto, a fim de frustrar seus planos de invocar a força cósmica conhecido como “A Vontade”.

Cultic é um jogo de tiro e de jogabilidade rápida fortemente inspirado por clássicos retrô, como Blood, DOOM, Shadow Warrior e Duke Nukem. A diferença fica por conta de uma proposta mais narrativa e menos apelativa do que o boomer shooter tradicional, pois apesar de termos um protagonista badass, elementos como frases de efeito e alívio cômico são inexistentes.

O título é composto por dois capítulos e um interlúdio, que apesar de serem conectados narrativamente, são oferecidos como experiência standalone por meio do menu do jogo. O primeiro leva cerca de 5h pra ser zerado, enquanto o segundo é bem mais longo e pode chegar a mais de 10h dependendo do seu ritmo. Além disso, Cultic possui um modo sobrevivência pra você testar seus limites e capítulos bônus.

Nessa visão geral, temos uma experiência sólida e rica de jogo. Fãs dos clássicos podem esperar muitas referências e segredos, com caminhos escondidos, colecionáveis, uma quantidade satisfatória de armas e tiroteio honesto baseado em hordas e na violência gráfica.

Armas simples, mas extremamente satisfatórias

O arsenal de Cultic é bastante tradicional. Pistola, espingarda, submetralhadora, rifle, explosivos e algumas opções mais pesadas aparecem ao longo do jogo, sem “perdíveis”, por sinal, pois elas surgem em alguns momentos da campanha caso você não tenha encontrado anteriormente. A diferença tá na forma como cada uma dessas armas responde.

Os sons são fortes e impactantes, as animações são caprichadas, em especial de carregamento, e os inimigos reagem aos disparos de maneira exagerada. Mesmo a pistola inicial continua útil por boa parte da campanha, enquanto o rifle de alavanca facilmente se transforma na estrela do jogo; estando todos com uma quantidade generosa de munições oferecidas.

Acertar um inimigo à distância e assistir ao resultado dificilmente perde a graça, mesmo depois de várias horas, enquanto a escopeta acerta vários adversários de uma vez, a carabina tem um ótimo senso de repetição, o lança-foguetes tem seu peso e as demais são marcadas por seus belos designs.

As armas de Cultic também podem ser melhoradas com peças encontradas nos mapas, que nem sempre são fáceis de encontrar. As modificações são simples, mas acrescentam disparos alternativos e ajudam cada equipamento a continuar relevante, seja por meio do dano causado ou por conta da quantidade de munições abastecida.

Além disso, Cultic entrega bastante dinamite e coquetéis incendiários. É possível acender os explosivos antes de arremessá-los ou jogá-los no chão pra detoná-los com um tiro, transformando grupos inteiros de inimigos em uma confusão de chamas e pedaços voando.

Mapas enormes e cheios de detalhes

Cultic não é construído como uma sequência de corredores que leva diretamente até a saída, assim como vimos em boomer shooters mais lineares. Os mapas são grandes, possuem diferentes níveis de altura com uma boa verticalidade, sempre têm segredos e normalmente apresentam caminhos que se conectam em algum ponto.

Você procura chaves, libera atalhos, retorna a ambientes anteriores e encontra áreas secretas, sem a necessidade de realizar backtracking. Na maior parte do tempo, a exploração acontece de maneira natural, especialmente quando o jogo apresenta lugares que parecem existir além da função de servir como arenas, ou seja, te recompensando de alguma forma.

Há minas, cidades, hospitais, igrejas, centros comerciais e construções antigas em Cultic. Cada fase tenta apresentar alguma característica própria, seja por sua arquitetura, pelos inimigos, pelos coletáveis, que incluem recompensas e itens de lore, ou por uma mudança no ritmo.

Os cenários também possuem pequenas interações que não são essenciais, mas ajudam bastante na construção da personalidade do jogo. É possível mexer em máquinas de digitação, quebrar uma quantidade absurda de objetos, arremessar elementos do ambiente e descobrir pequenas áreas escondidas.

Infelizmente, em alguns momentos essa vastidão do mapa paga seu preço. Cultic poderia ter tempos de carregamento melhores após uma morte ou durante a transição dos capítulos, enquanto esse mundo sofre com alguns problemas de colisão que permitem, por exemplo, ver outras áreas ao encostar nas paredes. Isso deve ser consertado em patches próximos.

Temos elementos de terror também

Apesar da ação acelerada, Cultic reserva alguns momentos onde os inimigos nem sempre ficam visíveis (literalmente), a música diminui e o jogador precisa atravessar ambientes praticamente vazios, com alguns deles bem escuros que exigem o uso de isqueiros ou de uma lamparina portátil.

Esses trechos funcionam porque o jogo trabalha mais com expectativa do que com jumpscares óbvios. Há muitos corredores escuros e estreitos, sons distantes e objetos posicionados de forma estranha que criam uma sensação de que alguma coisa está prestes a acontecer. Aqui, temos um problema envolvendo apenas o som: ele apresenta inconsistências que nem sempre indicam o posicionamento correto de um inimigo.

Uma das melhores sequências de Cultic, aliás, acontece em uma área comercial ocupada por manequins sem rosto. Eles não atacam diretamente, mas mudam de posição sempre que deixam de ser observados; uma referência moderna ao que Resident Evil 7 fez com o DLC de Rose e que vários outros jogos conseguiram aproveitar com uma certa eficiência.

É curioso perceber que o aparecimento de inimigos comuns chega a causar certo alívio. Quando os cultistas surgem, o problema volta a ser conhecido: basta pegar a espingarda e sobreviver. Enquanto isso, as aberrações são mais rápidas e sinistras, com um design bem monstruoso e inspirado em tudo que Lovecraft foi capaz de criar.

O segundo capítulo aposta mais nesses segmentos, embora exagere em algumas sequências roteirizadas. Mesmo assim, os melhores momentos mostram que Cultic consegue construir seu próprio estilo de terror sem transformar o jogador em uma cobaia nesse sentido.

O segundo capítulo é maior, mas menos preciso

O primeiro capítulo de Cultic apresenta um ritmo melhor, assumo. Seus mapas são maiores, mas normalmente desenvolvem uma ideia central e terminam antes que ela se torne cansativa ou previsível. Aqui, temos uma preocupação melhor com a narrativa, mas sem sacrificar o tempo de campanha que, cá entre nós, já é satisfatório com suas 5h.

O segundo tenta ampliar praticamente tudo, mas estende desnecessariamente o tempo de jogo. Temos fases maiores, novos inimigos, mais chefes, armas adicionais e sequências mais elaboradas, com algumas delas sendo scriptadas e quebrando a liberdade que o boomer shooter costuma oferecer. Em seus melhores momentos, isso cria algumas das partes mais impressionantes do jogo, mas nem toda é bem-vinda.

Alguns inimigos são mais frustrantes do que desafiadores, as lutas contra determinados chefes demoram demais e as novas armas nem de longe são tão interessantes quanto as originais. Há também mapas que continuam por mais tempo do que deveriam e são preenchidos por um vazio maior, apesar das recompensas ainda estarem lá.

Cultic encontra sua personalidade em uma fórmula conhecida

Cultic não possui o mesmo humor de Blood ou a variedade de DUSK, mas também não se trata de apenas uma cópia. O jogo é recheado de personalidade por meio de uma mistura de armas clássicas, mapas interativos, terror em bom nível e violência exagerada que criam uma experiência bastante particular.

A personalidade do jogo acaba se encontrando nos pequenos detalhes, nos atalhos que levam a tesouros e a outros itens valiosos de lore, na variedade satisfatória da jogabilidade e em um ritmo muito bem estruturado, principalmente quando falamos do Capítulo Um.

Os problemas começam a acontecer no Capítulo Dois. Temos aqui algumas questões de consistência e repetitividade, e sua paleta dominada por tons escuros pode se tornar visualmente cansativa. Ainda assim, quando a música começa e os inimigos ocupam a arena, poucos shooters retrô atuais conseguem entregar uma sensação parecida.

Cultic não reinventa o gênero nem revoluciona algumas das ideias que formularam a história do boomer shooter, mas executa suas principais ideias com tanta competência que isso pouco importa. E respondendo novamente à pergunta do começo do review, o jogo prova que ainda não vimos o suficiente desse estilo.

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A criatividade das pessoas não tem limites em alguns dos casos. Ao longo de toda a nossa história, já vimos basicamente todo tipo de esporte radical, e com isso se torna quase difícil pensar em o quê mais tá faltando. Mas calma: felizmente, não precisamos ter o trabalho de gastar a mente tendo essas ideias furadas.

O estúdio Undercoders fez uma viagem pra um futuro onde as megacorporações dividiram a população em um Japão distópico, apenas pra mostrar como seria um mundo onde trens de carga se tornassem carros de Fórmula 1. Pera, carros de Fórmula 1? Não mesmo! Mas pranchas de skate ultra plus size, capazes de fazer quase tudo que Tony Hawk e outras lendas conseguiram.

E rapaz… a coisa é frenética mesmo, hein? Isso é Denshattack!

Que espécie de Tóquio é essa?

Revoltada com a situação atual da humanidade, Emi, uma jovem entregadora de ramen, decide se envolver em atividades mais arriscadas. Ao encontrar o jornalista Fernando, ela descobre que ricos e pobres tão disputando entre si lugares melhores ao sol, dirigindo máquinas gigantes que se transformaram em verdadeiros dispositivos de guerra: os trens.

Fascinada por essa ideia e pela adrenalina de se envolver nesse submundo, a jovem usa a competição como uma justificativa pra acabar com o controle da megacorporação Miraido, que controla o restante do mundo com braço de ferro e acabou por separar os ricos em domos, mantendo distância da galera baixa renda.

Não demora pra Emi perceber que seu caminho não tem mais volta. A cada circuito, a cada corrida, ela se vê cada vez mais dentro desse universo perverso e desigual, e sua própria vida começa a entrar em xeque. Será que foi uma boa decisão entrar no Denshattack? Sendo boa ou não, ela não dá a mínima pra isso.

Denshattack! é um jogo de aventura, plataformas e esporte. Com visão traseira no melhor estilo games de corrida, o título da Undercoders é basicamente um Tony Hawk’s Pro Skater com trens, contendo um sistema riquíssimo de manobras e de mecânicas que deixa, em um primeiro momento, a experiência muito viciante.

Ao longo de uma campanha de mais de 10h de duração (dependente de habilidade, aliás), você passará por vários mapas de um Japão distópico, conhecendo as grandes cidades do jeito como elas tão no futuro, bem como o interior do país em uma riqueza impressionante de detalhes.

Assim como outros títulos do estilo, Denshattack! funciona em fases, tendo uma dezena de capítulos narrativos e vários episódios dentro deles: cada um é um mapa. Além disso, temos aqui o tradicional sistema de pontuação e outras funcionalidades que expandem não somente a lore do game, como também as possibilidades de abordagem.

Enquanto isso, sua história é contada por meio de visual novel e slideshows. O visual novel se trata basicamente de conversas entre os personagens e de algumas opções de diálogo, mas sem sistemas de decisões que mudam o destino das pessoas. Já o power point vem de cenas em capítulos de chefes ou de outros momentos chave da campanha.

Rapaz… é muita coisa, hein?

Indo direto ao ponto, Denshattack! é viciante. Seu gameplay é incrível e se mostra intuitivo desde o primeiro minuto, mesmo que descarregue informações em cima de você. Apesar do trem ser um meio de transporte enorme, todo o mundo do jogo é adaptado pro seu tamanho, dando a impressão de que tudo ali tá em seu devido lugar.

Durante os capítulos, você aprende a fazer manobras no ar, grinds, manuais e praticamente tudo que um skate consegue fazer em uma rampa. O mundo do game é um playground em larga escala e todos os mapas são cheios de oportunidades de pontuação, permitindo que você vá do começo ao fim com um único combo e da forma mais intuitiva possível.

Como se não bastasse, as missões são repletas de eventos dinâmicos. Coisas se destroem o tempo todo, chefes gigantescos aparecem do nada, Emi atravessa mapas e pode buzinar pra acionar atividades especiais… A riqueza de detalhes em Denshattack! é caprichada e prova que os desenvolvedores tavam atentos ao evitarem criar algo estático demais.

O Japão distópico é muito vivo nesse sentido. E também há caminhos alternativos com colecionáveis, permitindo que você revise as missões inúmeras vezes pra coletar sprays, engrenagens e documentos de lore, ganhar mais pontos, cumprir desafios com dificuldade gradativa ou simplesmente descobrir até onde os atalhos podem te levar.

Mas aqui temos o primeiro porém do jogo. A todo instante você é apresentado a mecânicas novas, mesmo nos capítulos finais da campanha. Isso chega a ser um problema grave pois você já tá saturado de comandos no mid-game, e praticamente os novos, que são muito interessantes até (como um sistema capaz de inverter a gravidade e de fazer correr de cabeça pra baixo), geram uma resistência absurda e um cansaço mental.

Isso se agrava muito pela quantidade de informações na tela. Reforço, mais uma vez, a intuitividade do jogo, mas a alta velocidade das pistas, a quantidade de elementos visuais que indicam perigo, drifts ou outras ações, e as chances de perder bons combos depois de uma batida, deixam tudo bem frustrante após algumas horas de gameplay.

Um jogo que tenta ajudar

Apesar dos pesares, Denshattack! faz de tudo pra tornar essa jornada menos complicada. De início, temos acesso a um Manobrário, que nada mais nada menos é do que um glossário com todas as manobras possíveis.

Elas são realizadas por meio do analógico do controle e consistem em níveis básicos, intermediários e avançados. Logicamente, quanto maior a complexidade da manobra, mais difícil de realizar seu comando, mas maiores serão os pontos ganhos. Além disso, o jogo é repleto de efeitos visuais: um brilho ao redor do trem indica qual o grau de dificuldade da manobra realizada.

Outro ponto são as ícones visuais. Você é capaz de correr cada pista olhando apenas pro seu trem, pois o game te dá indícios do que fazer (e do que pode comprometer seu combo). Por exemplo, ícones vermelhos mostram perigo e indicam o momento de se esquivar de algo ou de saltar; outros dizem o momento certo de realizar uma curva com drift e ganhar pontos adicionais.

Lá na frente, quando você ativa o comando de teleférico, os elementos de interface mostram quando você deve saltar de uma fiação pra outra. Também temos um drift com as duas rodas, que permite abrir portões fechados sem perder a alta velocidade que você conquistou até o momento (e rendendo um multiplicador muito bom de pontuação).

Nesse sentido, Denshattack! te guia muito bem. Você não se sente perdido de forma alguma, mas certamente vai precisar dar um tempo pros seus olhos e pros seus dedos, pois as coisas são frenéticas.

Tempo, pontos e desafios

Denshattack! também possui um sistema de recompensas baseado em medalhas. Aqui é bem simples mesmo: completar as pistas em um certo tempo e com uma certa quantidade de pontos rende medalhas de ouro. Já cumprir desafios, que são diferentes pra cada pista, como buzinar em momentos certos, realizar manobras, encontrar segredos e mais, garantem a última medalha (são três por pista).

Outro ponto são os tipos de missões. Você vai encontrar eventos contra o tempo, eventos de atingir um mínimo de pontos, corridas pra chegar em primeiro colocado e descarrilhar outros trens, trechos mais longos com várias missões pra ser completadas dentro de um intervalo maior… E óbvio, lutas contra chefes.

Esses combates são muito, mas muito divertidos. Ao fim de cada capítulo, você continua nas pistas fazendo manobras e tudo mais, mas precisando derrotar o chefão. Eles são bem diferentes entre si e adicionam muita dinâmica ao jogo, deixando tudo cinematográfico mas sem perder o ar de desafio, ou seja, sem ser scriptado.

Eles trazem referências aos kaiju e até mesmo ao Guitar Hero, com um combate musical iradíssimo mesmo e visualmente impressionante. Curti demais esses combates.

Denshattack! vicia, então tome cuidado com o coração

O saldo deixado por Denshattack! foi positivo. O jogo tem um bom tempo de campanha, apesar da história ser boba e se estender desnecessariamente. Enquanto isso, seu gameplay é muito dinâmico e variado, permitindo que os jogadores joguem da sua maneira.

Há ótimas batalhas contra chefes e um sistema de mundo que enriquece tudo a sua volta. O título também tem um sistema de personalização que você não apenas edita cores e adesivos dos trens, como também compra novos e aproveita suas vantagens, mas tendo em mente que, em consequência, cada trem novo também tem uma desvantagem. Estratégico, nesse sentido.

Infelizmente, a quantidade de informações e de mecânicas prejudica, principalmente no late game. Quando você acha que já aprendeu tudo, o jogo vai lá e te ensina coisas ainda mais complexas. E mesmo guiando nesse caminho, estamos falando sobre humanos, certo? Então vemos uma capacidade limitada de compreender comandos e de gerar resistência a novos que aparecem.

Vale a pena demais se você tá buscando algo descompromissado. Uma experiência bem diferentona, atraente e boa de jogar; um título ousado e cheio de personalidade que traz uma renovação interessante envolvendo esse mundo dos esportes underground.

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O fato é: quando essa segunda escolha parte de devs competentes, somos agraciados com projetos bem embasados; não necessariamente caprichados. Seria justo dizer que ao menos a ousadia ganha pontos? Sim, mas também devemos nos esforçar o mínimo pra encontrar virtudes e conseguir se divertir em games coop de horror sem perder nossa sanidade.

The Mound: Omen of Cthulhu é basicamente isso. Aqui, temos um jogo muito interessante em aspectos visuais e conceituais; algo que motiva os jogadores a explorarem bem cada canto de mapas perturbadores, em busca de tesouros que ninguém conseguiu reaver e de manter a loucura afastada de suas almas.

Caça ao tesouro

Obcecados por tesouros escondidos em um continente misterioso, caçadores de todo o planeta partem em busca de construir suas fortunas. Porém, as expedições começam a apresentar uma taxa muito alta de insucesso, afastando quem coloca sua vida como prioridade em comparação com as riquezas.

Mas nem todos são assim: ao lado do capitão do Galeão, um grupo faz contratos prometendo grandes lucros para sua equipe. E cada contrato leva a aventuras inesperadas onde não há qualquer tipo de garantia. Em uma selva que tá sempre se transformando, poucos são os corajosos que têm ousadia de desbravá-la e de chegar ao seu centro, conhecido como The Mound.

The Mound: Omen of Cthulhu é um jogo de terror cooperativo, com suporte pra jogatina solo e até quatro pessoas em uma mesma sala. Ele se baseia em um loop de jogabilidade onde você aceita contratos, prepara seus recursos e parte pro continente, funcionando como um game de extração em primeira pessoa.

Quanto mais tesouros você conseguir coletar na expedição, maiores seus ganhos. Porém, coletar mais significa passar mais tempo nos mapas; e com isso, os riscos de game over se tornam muito maiores. E confie em mim: você não tá nem um pouco preparado pro que verá em apenas poucos minutos.

Inspirado nas narrativas de H.P. Lovecraft, The Mound: Omen of Cthulhu aborda muito a ideia de loucura, tornando-a um dos fundamentos do jogo. Enquanto tão em terra firme, os personagens sentem todo tipo de efeito, algo que pode os afastar dos membros de sua equipe e simplesmente não conseguir confiar em mais nada.

Enquanto isso, sua história se baseia praticamente toda em alguns poucos coletáveis. Documentos ficam espalhados pelos 18 mapas da campanha, dando pistas sobre antigos sobreviventes e sobre o evento cósmico que levou àquela calamidade. Mas não espere algo profundo: as dezenas de horas necessárias pra alcançar The Mound te fazem desprender da história e simplesmente jogar como se fosse algo próximo de um sandbox.

Depois do contrato é “boa sorte”

Assinar o contrato de expedição em The Mound: Omen of Cthulhu é um atestado de boa sorte. Depois que você aceita a missão, você tem direito a escolher alguns recursos dela pra levar, incluindo espadas, facas, machados, armas de fogo, arco e flecha, lamparina, poucas munições e itens de cura.

Como o jogo se trata de um survival, a munição e os recursos são muito escassos. Desde o primeiro momento, o game reforça a ideia de você preservar seu inventário; algo que não é desperdiçado pois tudo conta pra contagem de resultados da missão (por exemplo, você deve acumular 1000 moedas em tesouros, e todos os recursos valem alguma coisa, mesmo os que foram trazidos do Galeão).

Aqui, começa o loop da jogabilidade. Ao lado da sua equipe e de um veículo de transporte, você precisa explorar mapas muito, mas muito densos, encontrando o que for valioso e voltando pro baú do transporte pra depositar lá (também é um baú limitado). A campanha respeita muito bem esse sistema, mas nem de longe é tão simples quanto parece.

O cocheiro pode ser chamado por uma trombeta, mas isso atrai monstruosidades. Seu amigo pode ser chamado por um assobio, mas isso atrai monstruosidades. Você pode correr pra agilizar o passo, mas isso atrai os monstros. Você também pode escolher caminhos mais densos com galhos e árvores, mas isso também atrai os monstros. Você pode andar com armaduras, mas isso também faz barulho. Entendeu agora? Tudo em The Mound: Omen of Cthulhu é seu inimigo.

Como se não bastasse, o jogo tem muitas armadilhas ambientais, riscos de queda, lugares escuros e hostilidade; algo que é profundamente acentuado por um dos melhores sistemas de loucura que já vi nos games.

Sim, você está louco

A melhor forma de jogar The Mound: Omen of Cthulhu é assumindo que você tá louco desde o momento em que pisa em terra firme. Esse sistema é extremamente profundo e é responsável pela dinâmica principal de jogo, seja dando uma falsa sensação de segurança ou simplesmente abrindo uma caixa de Pandora.

O jogo é impiedoso nesse sentido. Quanto mais tempo você passa na ilha, mais os personagens jogáveis ficam sujeitos a todo tipo de insanidade, vendo sua missão ruir completamente mesmo que já esteja nos momentos finais da contagem pra retirada. Não há paz aqui.

Prepare-se pra ser capturado por monstros bizarros, pra ser marcado por umas aranhas explosivas, pra ser caçado interminavelmente por seres gigantes, pra entrar em um surto quando o corvo nota sua presença, pra ficar invisível pros seus amigos ou ver apenas suas silhuetas, pra assistir fantasmas perseguindo os outros flutuando… Cara, é bizarro.

A quantidade de anomalias existente nesse jogo surpreende. Vi meus colegas se transformarem em árvores ambulantes e em monstros, criarem uma espécie de pústula por todo o corpo, cuspirem larvas que se transformam em lacraias apavorantes, verem suas armas virando galhos de árvore e se tornando impossíveis de recarregar, serem transportados pra pontos extremos do mapa… Fora isso, os próprios monstros podem se transformar neles.

É irado demais esse sistema e acrescenta uma dinamicidade absurda. Levando em conta que os mapas mudam quando você volta pruma mesma missão, seja no sentido de rotas ou de ajustes no clima (como chuva, tempestade, noite, neblinas etc.), The Mound: Omen of Cthulhu é um dos jogos multiplayer com o maior fator replay que já pude testar.

E já que tamos falando de elogios, preciso comentar sobre os aspectos técnicos. O game tem facilmente um dos gráficos ambientais mais bonitos dessa geração. Efeitos da selva são impressionantes, a névoa é absurdamente realista, o movimento das águas brilha muito e as partículas dão uma imersão raramente vista em um jogo como esse.

E como se não bastasse, o sistema de som trabalhado pela ACE Team é de excelente qualidade. Enquanto explora os mapas, você vai ouvir gritos de sobreviventes (ou de falsos sobreviventes), barulhos de entidades cósmicas, sons da natureza, seres se aproximando ou se distanciando… Tudo isso é reproduzido com um capricho que merece palmas.

Infelizmente, é injusto

Por algumas boas horas, joguei The Mound: Omen of Cthulhu em praticamente todos os modos: solo, com um amigo e com mais três colegas. Não tive a chance de experimentar com outros dois amigos, mas o que ficou foi uma sensação de desbalanceamento profunda.

No modo solo, o jogo permite que um bot controlado por IA te acompanhe como se fosse mais um caçador de tesouros. Aqui, só elogios: a inteligência artificial dele é excelente, e em nenhum momento você o vê parado. Ele tá o tempo todo rondando pelo mapa, carregando tesouros pro baú, combatendo monstros e te ajudando a sobreviver.

Já no modo online com outro amigo, o bicho pegou. Os primeiros minutos são simples e fluem bem, mas quando você vai chegando perto da meta de tesouros as coisas perdem totalmente o controle. Inimigos aparecem de todo lado quando sua munição já tá no fim e quando não há mais frascos de cura. Fora isso, o grau de loucura aumenta consideravelmente; algo que te faz desistir e simplesmente não ver mais saídas pra missão.

As segundas chances ocorrem praticamente quando seu amigo tá vivo. Caso ele morra, o jogo vai fazer com que venha um monstro doppelganger, e exterminá-lo permite levar seu corpo pro transporte e deixar o cocheiro curá-lo. Porém, quando as coisas chegam nesse estágio, é sinal de que há poucas chances de sucesso.

Os melhores resultados em The Mound: Omen of Cthulhu foram com quatro pessoas. A cooperação no jogo é boa e você se sente ajudado por todos, seja pra levantar ou pra acumular tesouros. Além disso, o jogo entende que há uma maior resistência e coloca eventos de larga escala, como quando apareceu do nada um verme gigantesco debaixo da terra e atropelou todos nós.

Como o jogo praticamente não tem progressão (apenas melhorias nas rações de comida e upgrades temporários nas armas) e as habilidades de cada personagem são nulas, há a sensação de que o continente tá sempre à sua frente. Faz sentido dentro da lore do jogo, mas por razões óbvias isso torna a experiência frustrante em pouquíssimas horas.

Fora isso, The Mound: Omen of Cthulhu conta com algumas quedas de FPS, travamentos com crashes, poucas opções de acessibilidade e uma interface claramente projetada pro PC. Assim, fica a sensação de uma experiência de jogo ainda inacabada ou apenas mal portada da versão de computador.

The Mound: Omen of Cthulhu é desafiador à sua maneira

A primeira impressão de The Mound: Omen of Cthulhu é surpreendente. Vemos, de fato, um jogo absurdamente caprichado em termos visuais, com um design de ambientes fantástico, mapas muito maiores do que se propõem e um sistema de som que mete medo a cada passo que você dá. Vemos uma experiência totalmente cadenciada por meio desses aspectos mais “naturais”.

Apesar disso, não há como negar que a exigência pra quatro jogadores não pegou bem. Nos outros modos, vemos um desbalanceamento claro, com desequilíbrios que vão desde a quantidade de eventos e ameaças nas retas finais até na pouca capacidade de recuperação dos personagens. A frustração e o estresse são sentimentos que definitivamente vão existir.

Pontos negativos como esses são difíceis de ignorar em um jogo desse escopo. E numa época onde tanto se fala sobre a necessidade dos títulos single player retomarem a liderança do cenário de games, jogos multiplayer têm uma janela cada vez menor pra erros. Em The Mound: Omen of Cthulhu vemos poucos, mas os existentes podem comprometer muito o teu investimento.

Mas pra quem tem grupos fechados de amigos e uma grana separada pra investir em um AA de 40 dólares, só vai. Aqui os risos vão ser substituídos pelos gritos e pelo silêncio, vá por mim. E o alto grau dos desafios, mesmo em missões de nível fácil (vão até as lendárias), pode tornar esses momentos juntos mais satisfatórios em termos de recompensas.

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Agora, com a chegada ao PlayStation 5, tive a oportunidade de revisitar o universo de Starfield para produzir esta review em uma versão muito diferente daquela que estreou há alguns anos. Não falo apenas da estreia no console da Sony. Starfield desembarca acompanhado de diversas atualizações que melhoraram sistemas importantes, corrigiram problemas e deram mais consistência à experiência.

Depois de passar dezenas de horas explorando planetas, entrando para facções, construindo minha própria nave e me perdendo em missões que surgiam quando eu menos esperava, saí com uma conclusão bem diferente daquela que costumava ler nas redes sociais.

Starfield continua tendo defeitos. Alguns deles, inclusive, ainda são bem fáceis de perceber. Mas também encontrei um RPG gigantesco, capaz de transformar uma simples missão em uma aventura que dura horas, simplesmente porque a curiosidade fala mais alto do que o objetivo principal.

Sem mais enrolação, fica comigo nesta review de Starfield para PS5 e saiba o que esperar da versão para os consoles da gigante japonesa.

O universo demora a engrenar, mas recompensa quem insiste

A Bethesda nunca teve pressa para apresentar seus mundos, e Starfield segue exatamente essa filosofia.

A aventura começa quando um simples minerador encontra um artefato misterioso durante uma escavação. A partir desse momento, acontecimentos inesperados colocam o protagonista no caminho da Constellation, uma organização dedicada a investigar esses objetos espalhados pela galáxia.

Nos primeiros minutos, tudo parece relativamente simples. Você conhece personagens, aprende as mecânicas básicas e começa a entender como aquele universo funciona. Se existe uma crítica que ainda faço à campanha, é justamente esse início mais lento. Quem espera um RPG cheio de acontecimentos logo nas primeiras horas talvez estranhe o ritmo.

Comigo aconteceu exatamente isso.

Nas primeiras missões eu ainda tentava entender para onde a história queria me levar. Só que, conforme novas cidades aparecem e outras facções entram em cena, a narrativa cresce bastante. O jogo deixa de ser apenas uma busca por respostas e passa a construir um universo cheio de conflitos políticos, interesses diferentes e personagens que acabam cruzando seu caminho de maneiras inesperadas.

Foi nesse momento que comecei a ver Starfield de um jeito diferente. Não porque a campanha principal virou uma sequência de grandes reviravoltas, mas porque o mundo ao redor passou a parecer muito mais interessante do que o próprio objetivo inicial.

E essa sempre foi uma das maiores virtudes da Bethesda.

O melhor da aventura quase nunca está na campanha principal

Perdi a conta de quantas vezes iniciei uma missão simples e terminei a noite fazendo algo completamente diferente.

Em um momento eu seguia um objetivo da Constellation. Pouco depois, encontrava um pedido de ajuda em uma estação espacial, aceitava uma missão secundária e, quando percebia, já estava envolvido em uma história totalmente nova. Horas haviam passado e eu sequer lembrava qual era minha missão original.

Poucos estúdios conseguem criar esse tipo de sensação. Em Starfield, a curiosidade quase sempre vence o planejamento.

Você pousa em uma cidade apenas para vender equipamentos e acaba conhecendo um personagem que abre uma nova linha de missões. Decide investigar um laboratório abandonado e encontra documentos que levam a outro planeta. Resolve atender um chamado de emergência e termina participando de uma sequência inteira de eventos que nem imaginava existir.

Essa naturalidade faz muita diferença. Não é o jogo que empurra conteúdo para você. É o próprio jogador que começa a se distrair porque sempre existe alguma coisa chamando sua atenção.

Um universo enorme que exala qualidade

Durante o período de divulgação, um dos números mais repetidos era a presença de mais de mil planetas exploráveis. Naturalmente, muita gente imaginou que cada um deles teria algo memorável para oferecer.

Na prática, não é exatamente assim.

Ainda existem mundos que parecem existir apenas para reforçar a escala do universo. Alguns utilizam geração procedural de forma bastante evidente, repetindo estruturas e oferecendo pouca recompensa para quem decide explorá-los por completo. Essa característica continua presente. A diferença é que hoje ela pesa muito menos na experiência.

As atualizações lançadas desde 2023 conseguiram tornar a exploração mais dinâmica. A inclusão dos veículos terrestres mudou completamente a forma como atravessamos grandes áreas, reduzindo um problema que era bastante criticado no lançamento. Os encontros aleatórios durante as viagens também ajudam a quebrar a sensação de vazio que alguns sistemas transmitiam.

Mesmo assim, o que realmente faz Starfield brilhar continua sendo o conteúdo criado manualmente.

As grandes cidades, as bases abandonadas, os laboratórios esquecidos e as estações espaciais espalhadas pela galáxia demonstram um cuidado que dificilmente aparece nos ambientes gerados proceduralmente. Sempre que o jogo aposta nesses cenários, a exploração ganha outra dimensão.

Foram justamente esses momentos que mais ficaram na minha memória. Não pelos combates ou pelas recompensas, mas pela sensação constante de descobrir uma nova história escondida em algum canto da galáxia.

E, quando isso acontece, Starfield lembra por que a Bethesda continua sendo uma das maiores referências quando o assunto é construir mundos que convidam o jogador a simplesmente sair andando para ver o que existe depois da próxima porta.

A liberdade continua sendo a maior estrela da aventura

Quanto mais eu avançava na campanha, mais ficava claro que Starfield nunca quis contar apenas uma história. A missão principal serve como ponto de partida, mas é o próprio jogador quem decide o rumo da jornada. Em muitos momentos, deixei a campanha de lado por horas simplesmente porque outra situação chamou mais minha atenção.

Foi exatamente isso que mais gostei enquanto preparava esta review de Starfield. O jogo não tenta controlar o seu ritmo. Ele apenas oferece possibilidades e espera que a curiosidade faça o restante do trabalho.

As facções são um excelente exemplo disso.

Assim como aconteceu em Skyrim e Fallout, elas não existem apenas para aumentar o número de missões disponíveis. Cada grupo possui personagens bem escritos, interesses próprios e conflitos que acabam funcionando como campanhas paralelas. Em alguns casos, tive a impressão de que aquelas histórias receberam tanto cuidado quanto a narrativa principal.

Entrar para a UC Vanguard, trabalhar ao lado da Freestar Collective ou me infiltrar na Crimson Fleet mudou completamente a forma como enxerguei aquele universo. Não eram apenas missões extras para ganhar experiência ou equipamentos melhores. Cada escolha apresentava novos personagens, locais inéditos e situações que faziam sentido dentro daquele contexto.

O mais curioso é que várias dessas histórias começaram quase por acaso. Eu chegava a uma cidade para vender equipamentos, conversava com um NPC sem muita expectativa e, quando percebia, já estava envolvido em uma sequência inteira de missões.

O combate evoluiu, mas ainda respeita a identidade da Bethesda

Nunca considerei o combate o ponto forte dos RPGs da Bethesda. Sempre enxerguei seus jogos como experiências focadas na exploração e na liberdade, deixando a ação em segundo plano. Starfield melhora bastante esse aspecto, embora ainda carregue algumas características típicas do estúdio.

Os confrontos são mais dinâmicos do que eu esperava. Existe uma boa variedade de armas, a movimentação transmite mais agilidade e alternar entre primeira e terceira pessoa continua sendo uma opção interessante para adaptar a experiência ao estilo de cada jogador.

Também gostei da forma como o arsenal evolui durante a campanha. Conforme você encontra equipamentos mais raros e investe em melhorias, cada arma passa a desempenhar um papel diferente. Em vez de simplesmente substituir um rifle por outro com números maiores, comecei a montar equipamentos específicos para determinadas situações, principalmente nas missões envolvendo inimigos mais resistentes.

Ainda assim, nem tudo funciona perfeitamente.

Em alguns momentos, a inteligência artificial dos adversários deixa a desejar. Alguns inimigos insistem em repetir o mesmo comportamento durante o combate e determinados confrontos acabam se parecendo mais do que deveriam. Não chega a comprometer a diversão, mas mostra que esse ainda não é o principal foco do jogo.

E, sinceramente, acho que nem precisava ser.

Em nenhum momento tive a sensação de que Starfield queria competir com shooters modernos. Seu objetivo sempre foi oferecer liberdade para explorar, construir personagens e contar histórias. O combate cumpre bem esse papel dentro da experiência proposta.

Explorar o espaço ficou muito mais prazeroso

Uma das críticas mais frequentes feitas ao lançamento original estava relacionada às viagens espaciais. Muita gente esperava uma exploração totalmente livre entre planetas e acabou encontrando uma estrutura bastante dependente de carregamentos e viagens rápidas.

Depois das atualizações, essa sensação diminuiu bastante.

Os veículos terrestres tornaram a exploração das superfícies muito menos cansativa, enquanto os eventos aleatórios distribuídos pelos sistemas criam situações que quebram a rotina das viagens. Em diferentes momentos fui surpreendido por pedidos de socorro, comerciantes oferecendo mercadorias raras, emboscadas de piratas e pequenas histórias que surgiam sem qualquer aviso.

Esses acontecimentos parecem simples quando analisados individualmente, mas fazem uma enorme diferença depois de dezenas de horas. Eles criam a impressão de que o universo continua existindo mesmo quando você não está seguindo uma missão específica.

Os combates espaciais também ganharam meu respeito. Administrar escudos e escolher o melhor momento para atacar exige um pouco mais de atenção do que eu imaginava. Não chega a ser um simulador, nem tenta competir com jogos especializados no gênero, mas entrega batalhas divertidas e que combinam muito bem com a proposta do RPG.

Outro detalhe que gostei foi a liberdade para ganhar dinheiro. Em uma campanha investi mais no comércio tradicional, ampliando a capacidade de carga da nave.

Em outros momentos experimentei transportar contrabando e vender produtos ilegais em locais específicos da galáxia. São caminhos completamente diferentes para alcançar o mesmo objetivo, e essa flexibilidade faz com que cada jogador construa uma história própria.

Foi justamente essa sensação que me acompanhou durante toda a campanha. Quanto mais eu explorava, menos parecia estar seguindo um roteiro pronto, e mais tinha a impressão de que estava escrevendo minha própria aventura espacial.

A direção de arte continua sendo um dos maiores acertos

Mesmo depois de tantas horas explorando a galáxia, houve momentos em que simplesmente parei para observar o cenário.

Starfield não aposta naquela ficção científica exagerada, cheia de cidades iluminadas por neon ou tecnologias impossíveis. A Bethesda preferiu seguir um caminho mais próximo do chamado NASA Punk, criando equipamentos, naves e estações espaciais que passam a impressão de que poderiam existir algumas décadas no futuro. Essa escolha dá personalidade ao universo e ajuda bastante na imersão.

Cada cidade também possui uma identidade própria. New Atlantis transmite a sensação de uma capital moderna e organizada. Akila City segue um estilo completamente diferente, enquanto Neon parece viver sob suas próprias regras. Em poucos minutos caminhando por esses lugares já é possível perceber que cada um foi pensado para contar uma história diferente.

Foi justamente esse cuidado que me fez explorar cada canto das cidades. Eu entrava em lojas sem precisar comprar nada, conversava com NPCs que provavelmente muita gente ignoraria e acabava encontrando pequenas histórias escondidas em missões secundárias ou simples diálogos.

A iluminação também merece elogios. Em vários momentos, principalmente durante a exploração de alguns planetas, parei apenas para observar o horizonte. Ver uma lua surgindo ao fundo enquanto minha nave estava estacionada ou acompanhar o nascer de uma estrela em um planeta distante são cenas que ajudam a construir aquela sensação de estar realmente viajando pelo espaço.

Claro que a idade da Creation Engine ainda aparece em alguns momentos.

As animações faciais continuam longe do nível apresentado por outros RPGs modernos e alguns NPCs ainda demonstram certa rigidez durante os diálogos. Não chega a comprometer a experiência, mas evidencia que a tecnologia utilizada pela Bethesda já começa a mostrar algumas limitações.

O PlayStation 5 ainda convive com alguns problemas técnicos

Embora Starfield tenha recebido diversas atualizações desde o lançamento original, minha experiência no PlayStation 5 mostrou que ainda existe trabalho a ser feito na parte técnica.

Joguei a maior parte da campanha no Modo Desempenho, justamente buscando uma taxa de quadros mais estável. Ainda assim, encontrei quedas de FPS em diferentes momentos da aventura. Elas não acontecem o tempo inteiro, mas surgem principalmente em áreas mais movimentadas, durante alguns combates ou em cidades com muitos personagens na tela.

Outro detalhe que chamou minha atenção foi a quantidade de pop-ins. Em vários planetas, elementos do cenário como pedras, vegetação e outras estruturas eram carregados poucos metros à minha frente conforme eu avançava pela exploração.

Os velhos bugs característicos da Bethesda também continuam presentes. Felizmente, durante minha campanha não encontrei nada que impedisse a progressão da história, mas presenciei algumas situações curiosas.

Em uma conversa, por exemplo, um NPC simplesmente atravessou outro personagem enquanto ambos continuavam falando normalmente, como se nada tivesse acontecido. São aqueles momentos que muitos jogadores já associam aos jogos do estúdio e que, de certa forma, acabam arrancando até uma risada.

Os tempos de carregamento, por outro lado, são bastante rápidos graças ao SSD do PlayStation 5. Como Starfield alterna constantemente entre planetas, cidades, estações espaciais e o interior das naves, essa agilidade ajuda a manter o ritmo da aventura, mesmo com a grande quantidade de telas de transição que fazem parte da estrutura do jogo.

O DualSense também recebeu uma boa implementação. Os gatilhos adaptáveis oferecem diferentes níveis de resistência dependendo da arma utilizada, enquanto o feedback háptico acompanha disparos, explosões e alguns momentos das viagens espaciais.

Review de Starfield no PS5 – Vale a pena?

Finalizo esta review de Starfield dizendo que, por mais que ele tenha evoluído desde o lançamento, alguns problemas continuam presentes.

A geração procedural ainda cria planetas que pouco acrescentam à exploração. Depois de muitas horas, é natural encontrar estruturas semelhantes e atividades que acabam repetindo ideias já vistas anteriormente. Isso diminui aquela sensação de descoberta constante que o jogo consegue oferecer quando aposta em conteúdo criado manualmente.

Também senti falta de uma inteligência artificial mais elaborada durante alguns confrontos. Existem situações em que os inimigos tomam decisões pouco convincentes, o que reduz um pouco o desafio dos combates.

Nada disso, porém, muda aquilo que Starfield realmente pretende entregar.

Enquanto escrevia esta review de Starfield, ficou cada vez mais claro para mim que o jogo nunca quis competir com RPGs extremamente cinematográficos. A proposta sempre foi diferente. A Bethesda criou um enorme universo para ser explorado no seu ritmo, deixando que cada jogador encontre suas próprias histórias durante a jornada.

Se você entrar esperando uma campanha totalmente linear, talvez saia frustrado. Mas, se aceitar a ideia de simplesmente escolher uma direção e descobrir o que existe pelo caminho, dificilmente ficará sem algo interessante para fazer.

Curtiu esta review de Starfield no PS5? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: D-topia (PS5)
• Review: Teeto (PS5)
• Review: Assassin’s Creed Black Flag Resynced (PS5 Pro)

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Vemos filmes, séries, livros e materiais audiovisuais aproveitando tudo que a IA pode oferecer. E obviamente, os games não ficariam de fora dessa seara. Com a liberdade criativa de desenvolvedores e a busca por soluções envolvendo a inteligência artificial, projetos vão desde o futurismo até o realismo nesse sentido, a fim de convencer os consumidores de seus pontos de vista.

D-topia, novo game publicado pela Annapurna e desenvolvido pela Marumittu Games, é mais um jogo que entra nessa esfera. Simples, mas profundo em seu conceito, o título chega neste mês com uma proposta mais narrativa, porém sem abdicar da jogabilidade devido ao seu fator replay bem legal e a alguns eventos únicos que dependem exclusivamente das ações do jogador.

Se isso é o suficiente pra te fazer comprar o jogo… Bom, vamos contar tudo sobre D-topia, daí você manda sua resposta no campo de comentários, beleza?

O bem ou o dever?

Em um futuro onde a inteligência artificial tomou conta de tudo, o projeto Utopia cria conglomerados onde as pessoas vivem pra alcançar a felicidade. A mais recente cidade, D-topia, passa por alguns problemas estruturais depois de ser recém-fundada, e pra atingir sua glória, precisa de pessoas empáticas e capazes de conquistar as pessoas por meio de boas ações.

Shiro, um Mediador da residência 46, surge como um nome que todos devem ficar de olho. Especial, ele deve tomar decisões importantes enquanto interage com os moradores de D-topia: devo cumprir meu trabalho a todo custo ou entender o comportamento e aceitar quando seus interesses tão acima do interesse coletivo?

Com isso, Shiro lida com as mais variadas personalidades. Algumas delas são amigáveis desde o início, enquanto outras são mais hostis e reservadas, precisando ser conquistadas com o tempo. A felicidade é alcançada quando todos são controlados por um Mestre altruísta ou quando as pessoas aceitam suas falhas e aprendem com as consequências?

D-topia é uma aventura narrativa baseada em quebra-cabeças e exploração. Ao longo de cerca de 4h, você precisa passar por alguns capítulos enquanto interage com NPCs, completa puzzles bem legais e transita tanto pelo “mundo real” quanto pelo metaverso.

Utilizando terminais, Shiro e os Mediadores conseguem ver o “outro lado do espelho”. Através disso, é possível consertar aparelhos quebrados, encontrar pistas importantes, limpar a instalação e muito mais. Essa transição ocorre de forma imediata e é uma ferramenta obrigatória do jogo, sendo acionada basicamente em todos os episódios.

Enquanto isso, a narrativa de D-topia é aberta. Isso quer dizer que você precisa tomar decisões importantes envolvendo ações dos NPCs: eles merecem ser protegidos pelo lado humano ou devem sofrer punições por ir contra as regras do Projeto Utopia? Cabe a você escolher durante o processo de Psicoalinhamento e seguir para um dos três finais possíveis.

Como uma visão geral, o título da Marumittu Games é bem equilibrado em termos de jogabilidade. Seu gameplay é simples e extremamente acessível, sendo até mesmo bobo em alguns momentos e excessivamente limitado. Porém, quando falamos sobre os quebra-cabeças, o título ganha um brilho surpreendente e super estimulante.

Raciocínio lógico e matemática

Os quebra-cabeças de D-topia tão envolvidos com todas as mecânicas. Seu loop de gameplay é basicamente o seguinte: no início do capítulo, você acorda e sai pra trabalhar. Porém, antes de deixar o apartamento, você passa por um processo semelhante ao de Blade Runner, pra descobrir se sua mentalidade tá ok.

Esse é o puzzle mais simples do jogo. Basicamente é um esquema de ligar os pontos, onde você leva um medidor de A pra B algumas vezes antes de levar o fluxo pro centro. Depois de concluir essa etapa, você tá livre pra avançar.

Agora, é a hora onde Shiro trabalha. Como Mediador, ele precisa provar seu valor não só mediando conflitos entre os NPCs, mas também trabalhando e provando seu valor pro mercado. Aqui, os puzzles são bem mais complexos e envolvem raciocínio lógico e matemática.

Prepare-se pra somar, multiplicar e encontrar caminhos com números. A dificuldade é gradativa, mas profundamente estimulante: há apenas uma forma de completar os quebra-cabeças, mas alguns exigem literalmente que você quebre a cabeça e pense muito, mesmo que aplique métodos de tentativa e erro. Gostei bastante desse sistema mesmo e foge um pouco do ritmo que conhecemos.

Os puzzles de D-topia também são oferecidos como desafios no Metaverso, onde você conserta equipamentos, limpa a instalação e encontra ratos muito espertos. Pela campanha curta, nenhum desses quebra-cabeças são cansativos ou desconexos: basta pouquíssimo tempo pra você se acostumar com esse loop e entender a dinâmica do raciocínio lógico.

Escolha o rumo da sua vida

Os Psicoalinhamentos não são a única opção de escolha dentro do jogo, mas vou falar primeiro deles. Eles surgem quando há uma decisão-chave no jogo, normalmente envolvendo os momentos finais de um capítulo (ou seja, depois do trabalho e da missão principal).

Eles são um esquema de árvore, onde cada diálogo mental selecionado pelo jogador abre duas opções. Aqui, temos discussões morais extremamente válidas que nem sempre têm relação com a inteligência artificial. As escolhas levam pra finais específicos e determinam os destinos dos personagens secundários, que podem ser bons ou bastante trágicos.

D-topia também possui um sistema de personalização do apartamento. Há lojas no jogo que vendem comida e bebida (estendem seu “tempo livre” pelas instalações) e alguns enfeites, móveis e mais. Pra comprá-los, basta gastar o dinheiro ganho no trabalho (quanto melhor o tempo que você conclui o serviço, mas grana você ganha) e como recompensas por ações bondosas.

Os objetos, por sinal, são bem bonitos e caprichados. A estética minimalista do game é lindíssima, e como a customização do apê não é exagerada, todos os objetos comprados ou ganhos deixam o quarto muito bonito e harmônico; claramente houve uma consultoria arquitetônica pra criação de todo o design de D-topia.

O game também possui um sistema de vínculos. Conversar com os NPCs, ser legal com eles e ajudá-los em eventos perdíveis fortalece esses laços e garante não apenas o máximo de afinidade, como também recompensas exclusivas que podem ser desembrulhadas quando Shiro chegar em seu apartamento.

D-topia é simples, mas profundamente humano

Mesmo sendo um game muito simples em termos de mecânicas e de jogabilidade, D-topia não perde seu carisma. O jogo é muito profundo e conta com uma história quase didática, onde você sente que participa ao tomar decisões que podem determinar o destino dos habitantes.

Os visuais são bem diferentes, a movimentação é legal, os quebra-cabeças são muito estimulantes e o drama de cada personagem faz você se importar genuinamente com cada um. Apesar das discussões sobre IA entrarem em clichês meio pobres, suas relações com o que realmente acontece com as pessoas dali são muito válidas.

D-topia tem uma campanha pequena, mas com alto fator replay devido a colecionáveis, eventos perdíveis, múltiplos finais e missões secundárias. Fora isso, esse “New Game” poderia ser melhor trabalhado; talvez com a opção de avançar diálogos ou de pular eventos semelhantes, pois tem uma seleção de capítulos.

No geral, o título publicado pela Annapurna me agradou em vários sentidos. Joguei mais de uma dezena de horas, e vendo os eventos diferentes me senti um pouco dentro daquele mundo, que mesmo muito distante de nossa realidade se destaca por ser bem identificável por quem ainda pensa sobre formas de tornar a Terra um lugar bom de se viver.

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E talvez seja justamente por isso que, quando um título do gênero realmente acerta, ele consiga despertar uma sensação difícil de explicar: a de voltar a ser criança por algumas horas. Foi exatamente isso que senti ao começar Teeto.

Confesso que fazia tempo que um jogo de plataforma não me divertia tanto. O último havia sido Astro Bot, que mostrou como ainda existe espaço para aventuras criativas e leves sem abrir mão de mecânicas inteligentes.

Desde então, joguei outros títulos do gênero, alguns bons, outros nem tanto (Bubsy 4), mas nenhum conseguiu despertar aquele sorriso espontâneo que só um bom plataforma proporciona, mas Teeto conseguiu.

Desenvolvido pela Eat Pant Games, ele chega no dia 15 de julho de 2026 para PC, Switch e PS5. O jogo não tenta reinventar a roda nem criar um novo padrão para o gênero. Em vez disso, aposta em criatividade, bom humor e uma jogabilidade extremamente divertida para entregar uma aventura que entende exatamente o que faz esse estilo de jogo ser tão querido pelos jogadores.

Se você gosta de explorar cenários e experimentar mecânicas diferentes a todo momento, vale a pena acompanhar esta review de Teeto e te garanto que ele pode te surpreender. Caso prefira, você pode conferir a análise em vídeo abaixo:

Uma história simples, mas que surpreende mais do que eu esperava

Normalmente, quando começo um jogo de plataforma, não espero encontrar uma narrativa elaborada. Na maioria dos casos, a história existe apenas para justificar a aventura, enquanto todo o restante fica por conta da jogabilidade.

Com Teeto, a surpresa foi bastante positiva.

Tudo começa quando um experimento realizado em um laboratório sai completamente do controle. O desastre provoca um colapso que leva à extinção da humanidade e transforma diversos objetos inanimados em seres vivos. Ao mesmo tempo, criaturas conhecidas como Sombras passam a ameaçar o pouco que restou desse mundo.

É nesse cenário que conhecemos Nory, uma coelhinha que decide criar uma última esperança para restaurar o equilíbrio. Dessa experiência nasce Teeto, uma pequena criatura gelatinosa extremamente carismática que recebe uma mochila especial capaz de absorver diferentes elementos espalhados pelo cenário.

A missão parece simples no início: impedir o avanço das Sombras e descobrir uma forma de salvar aquele mundo. No entanto, conforme a aventura avança, a narrativa começa a apresentar novas informações sobre Nory, sobre o experimento que deu origem ao protagonista e sobre tudo o que aconteceu antes do colapso.

Não espere uma história tão complexa quanto a de um RPG, mas também não imagine uma desculpa qualquer para justificar as fases. Teeto consegue construir uma narrativa interessante e ainda reserva algumas revelações que tornam a reta final muito mais envolvente do que eu esperava.

Foi uma grata surpresa perceber que os desenvolvedores dedicaram atenção a esse aspecto, mesmo sabendo que a jogabilidade seria o verdadeiro destaque da experiência.

Salve os Michaels

Além da campanha principal, existe uma missão paralela bastante divertida envolvendo os chamados Michaels.

Antes de criar Teeto, Nory realizou outros experimentos que acabaram fugindo pelo laboratório. Agora, cabe ao jogador encontrar essas pequenas criaturas espalhadas pelos cenários.

Cada Michael possui uma aparência diferente, com profissões, roupas e personalidades próprias. Existem surfistas, mecânicos, cantores, atletas e diversas outras versões extremamente criativas.

Essa busca funciona como um dos principais colecionáveis do jogo e incentiva bastante a exploração de cada fase. Funciona muito como vimos em Astrobot.

Jogabilidade que entende perfeitamente o espírito dos jogos de plataforma

Se existe um aspecto em que Teeto realmente brilha, é na jogabilidade.

Logo nos primeiros minutos fica evidente que os desenvolvedores entenderam exatamente o que torna um bom jogo de plataforma divertido. O grande diferencial está na mochila utilizada por Teeto.

Ao longo da campanha, ela ganha a capacidade de absorver diferentes elementos encontrados pelo cenário, e cada um deles abre novas possibilidades de exploração e resolução de pequenos desafios ambientais.

É uma mecânica simples de entender, mas incrivelmente criativa na execução.

Ao absorver uma flor, por exemplo, Teeto pode lançar cipós para alcançar plataformas mais altas. Já o fogo permite incendiar determinados objetos para abrir novos caminhos. A pedra serve para destruir obstáculos resistentes, enquanto o papelão possibilita atravessar frestas extremamente estreitas.

Outros elementos também entram em cena conforme a aventura avança. O gelo permite congelar jatos d’água para criar plataformas improvisadas, enquanto a eletricidade ativa máquinas espalhadas pelos cenários.

O mais interessante é que essas habilidades nunca parecem estar ali apenas para cumprir tabela.

Cada fase encontra maneiras diferentes de utilizá-las, criando desafios inéditos o tempo inteiro. Quando você acredita que já viu tudo o que uma determinada habilidade pode fazer, o jogo apresenta uma nova situação que obriga o jogador a enxergar aquela mecânica de outra forma.

Esse cuidado impede que a aventura se torne repetitiva. Em vez de simplesmente repetir as mesmas ideias até o final da campanha, Teeto mantém a sensação constante de descoberta, algo fundamental para qualquer jogo de plataforma.

Use a Aerobusca

Além disso, existe uma ferramenta extremamente útil chamada Aerobusca. Sempre que você fica perdido, basta acioná-la para que um pequeno avião de papel indique o caminho correto até o próximo objetivo. É uma solução elegante para evitar frustrações sem comprometer a exploração, já que o recurso só entra em ação quando o próprio jogador decide utilizá-lo.

A Hub central e a progressão da aventura

Entre uma fase e outra, Teeto conta com uma área central que funciona como o ponto de encontro de toda a aventura. A Hub não serve apenas como um menu bonito entre os capítulos, já que ela reúne diversos recursos que incentivam o jogador a continuar explorando e coletando itens durante a jornada.

É nesse espaço que ficam armazenados todos os Michaels encontrados pelo caminho. Depois de resgatá-los durante as fases, o jogador pode voltar para a Hub e interagir com eles, criando uma relação maior com esses personagens que fazem parte do universo do jogo.

Além disso, o local possui uma loja de roupas para o Teeto. Ao todo, são 51 opções de personalização disponíveis, permitindo mudar o visual do protagonista conforme o progresso. As peças podem ser compradas utilizando as estrelas coletadas durante as fases, mas algumas roupas exigem objetivos específicos para serem liberadas.

Determinados trajes ficam disponíveis ao completar missões oferecidas pelos NPCs espalhados pelo jogo ou ao encontrar moedas especiais escondidas pelos cenários. Dessa forma, a personalização acaba funcionando como uma recompensa extra para quem decide explorar cada canto das fases.

A própria Hub também apresenta o mapa geral da aventura, mostrando as quatro grandes fases do jogo. Cada uma delas é dividida em capítulos, com áreas que possuem entre quatro e cinco partes diferentes até chegar ao confronto contra o chefe daquela região.

Variedade das fases e referências aos clássicos de plataforma

A estrutura das fases é um dos pontos que mais chama atenção no game. Apesar de manter uma identidade própria, o jogo claramente busca inspiração em grandes nomes do gênero plataforma, principalmente quando muda sua perspectiva e apresenta desafios diferentes durante a campanha.

Em alguns momentos, a aventura lembra bastante Crash Bandicoot, especialmente nas fases em que o jogador precisa fugir de algum perigo enquanto avança em uma visão vertical. Essas sequências colocam o foco nos reflexos e no tempo dos movimentos, criando momentos mais acelerados em comparação com a exploração tradicional.

Já em outras situações, o jogo muda para uma visão lateral, trazendo uma experiência que remete aos antigos jogos da franquia Super Mario. Essa mudança de perspectiva altera a forma de enfrentar os obstáculos e mostra uma tentativa do estúdio de variar o ritmo da campanha.

Cada fase traz uma ideia nova, e isso faz toda a diferença

Depois de algumas horas, percebi uma coisa que me fez gostar ainda mais de Teeto: ele nunca parece confortável em repetir a mesma ideia por muito tempo.

É comum encontrar jogos de plataforma que apresentam uma mecânica interessante e passam o restante da campanha explorando aquilo até cansar o jogador. Aqui acontece o contrário. Sempre que eu começava a pensar “acho que já vi tudo o que esse poder faz”, a fase seguinte encontrava um jeito diferente de utilizá-lo.

A fase da casa, por exemplo, foi uma das minhas favoritas. O cenário parece comum à primeira vista, mas rapidamente começa a brincar com tudo o que você aprendeu até aquele momento.

Em poucos minutos eu estava congelando um jato d’água para criar uma plataforma, atravessando um espaço apertado transformado em papelão e procurando um Michael escondido em cima de um armário. Tudo acontece de forma tão natural que você quase não percebe como o jogo está ensinando novas possibilidades.

Cada ambiente tem personalidade própria e faz questão de apresentar um pequeno desafio diferente. Você passa por florestas, construções abandonadas e outros cenários que conseguem mudar o ritmo da aventura sem precisar recorrer a grandes reviravoltas.

Talvez o maior mérito da Eat Pant Games esteja justamente aí. Em vez de apostar em fases enormes, o estúdio preferiu criar cenários mais compactos, mas cheios de pequenas ideias espalhadas pelo caminho. Funcionou muito bem. Em nenhum momento tive a sensação de que estava apenas caminhando para chegar ao final da fase.

Explorar vale a pena

Quem conhece o meu estilo de jogador já sabe: eu simplesmente não consigo seguir em frente enquanto sinto que deixei alguma coisa para trás.

Em Teeto, isso virou quase uma regra. Antes de atravessar qualquer portal para a próxima fase, eu fazia questão de olhar cada canto do cenário. E o jogo recompensa esse comportamento.

Os Michaels são o melhor exemplo disso. Eles funcionam como um grande colecionável da campanha, mas cada um aparece de um jeito diferente. Alguns ficam escondidos atrás de pequenos quebra-cabeças, enquanto outros exigem que você use corretamente determinada habilidade da mochila.

É impossível não sorrir quando encontra um deles.

Cada Michael possui um visual próprio, inspirado em profissões, esportes ou situações curiosas. Tem surfista, cantor, mecânico, atleta… São detalhes simples, mas que dão muito charme à exploração e fazem você querer encontrar todos.

As Vionitas cumprem outro papel importante. Além de servirem para a progressão da aventura, elas praticamente conduzem o jogador pelo cenário. Quando eu ficava em dúvida sobre qual caminho seguir, bastava observar onde elas estavam espalhadas para entender que estava na direção certa.

E quando nem isso resolvia, bastava usar a Aerobusca. Em vez de transformar o jogo em uma sequência de marcadores gigantes na tela, Teeto opta por um sistema muito mais elegante. O pequeno avião de papel aponta a direção sem tirar o prazer da exploração.

Um mundo cheio de pequenos detalhes

Outro aspecto que me chamou atenção foi o cuidado colocado nos cenários.

Enquanto explorava as fases, encontrei diversas referências escondidas. Algumas fazem homenagem a filmes bastante conhecidos. Outras aparecem em cartazes inspirados em pintores famosos. Não são elementos que interferem diretamente na jogabilidade, mas ajudam a dar personalidade ao mundo.

Esse tipo de detalhe costuma passar despercebido por quem corre até o final da fase. Como gosto de explorar tudo com calma, acabei encontrando várias dessas pequenas homenagens pelo caminho.

Os próprios NPCs ajudam bastante nisso. Como os objetos ganharam vida depois do desastre que atingiu o mundo, você acaba conversando com sofás, utensílios domésticos e diversos outros personagens inusitados. Alguns apenas fazem comentários engraçados. Outros oferecem pequenas missões secundárias que rendem Vionitas e incentivam ainda mais a exploração.

Um jogo que sabe a hora de terminar

Hoje em dia parece existir uma obrigação de fazer qualquer jogo durar dezenas de horas. Felizmente, Teeto não cai nessa armadilha.

Levei aproximadamente nove horas para terminar a campanha explorando praticamente tudo o que encontrava pelo caminho. Não fiz 100%, mas porque encontrei alguns problemas relacionados aos troféus, assunto que vou comentar mais adiante.

Sinceramente, achei uma duração excelente. A aventura entrega conteúdo suficiente para desenvolver todas as suas ideias sem começar a repetir situações apenas para aumentar artificialmente o tempo de jogo. Quando os créditos sobem, a sensação não é de alívio por finalmente ter terminado.

O Charme Visual e a Identidade de Teeto

Basta dar os primeiros passos no game para sacar que o maior trunfo do jogo não está na contagem de pixels ou em gráficos realistas, mas sim na sua direção de arte.

E essa estética conversa perfeitamente com a narrativa. A premissa de objetos que ganham vida após um experimento maluco abre margem para muita criatividade, e o jogo abraça isso no level design e nos NPCs. Os Michaels que a gente encontra pelo caminho são a prova viva disso.

O próprio Teeto é um acerto. O design do nosso protagonista é simples, quase minimalista, e é exatamente aí que mora o charme. Ele tem aquela carinha clássica de mascote da era de ouro dos jogos de plataforma: simpático o suficiente para os momentos relaxantes de exploração, mas com um visual dinâmico que combina perfeitamente quando o bicho pega e o jogo exige mais precisão e habilidade no controle.

Acompanhando tudo isso, a trilha sonora faz um trabalho de fundo bem “ok”.

No fim das contas, a identidade visual de Teeto se sustenta muito bem sozinha. Dá para ver que o jogo bebe, sim, de várias fontes e clássicos do gênero, mas ele não se escora na nostalgia alheia.

Desempenho, bugs e experiência no PS5

Durante minha experiência com Teeto no PS5, o jogo apresentou um desempenho satisfatório na maior parte da campanha. O game roda de forma estável.

Os carregamentos são rápidos e os comandos respondem bem durante a exploração. Mesmo nas fases que mudam a perspectiva e trazem desafios mais próximos de outros clássicos do gênero, Teeto consegue manter uma boa jogabilidade, sem apresentar problemas técnicos que prejudiquem o controle do personagem.

No entanto, alguns problemas acabam afetando a experiência, principalmente para quem pretende buscar todos os troféus. Durante a campanha, encontrei bugs relacionados às conquistas do jogo, com alguns troféus que não foram desbloqueados mesmo após cumprir os requisitos necessários.

Também tive um problema de progressão durante a campanha. Em determinado momento, um item necessário simplesmente desapareceu, impedindo que eu continuasse a interação esperada naquela parte da fase. A solução acabou sendo simples, bastando fechar o jogo e abrir novamente para que o item voltasse a aparecer, mas a situação mostrou que ainda existem alguns pontos que precisam de ajustes.

Esse tipo de problema merece atenção, principalmente porque Teeto possui uma estrutura que incentiva bastante a exploração. O jogador passa horas procurando Michaels, coletando estrelas, completando missões de NPCs e buscando itens escondidos, então encontrar uma conquista travada depois de realizar todo o processo acaba sendo frustrante.

Review de Teeto – Vale a Pena?

Cravo, ao final desta review de Teeto, que ele foi uma das boas surpresas que encontrei em 2026. O jogo não tenta ser uma aventura extremamente difícil ou criar desafios que vão testar a paciência do jogador, como acontece em alguns títulos de plataforma mais exigentes.

Durante a campanha, fica claro que o foco está na exploração e na sensação de descoberta. Encontrar novos Michaels, voltar para a Hub para interagir com eles, liberar roupas para o Teeto e procurar todos os segredos espalhados pelas fases fazem parte de uma jornada que recompensa quem gosta de explorar cada canto do cenário.

As fases também conseguem variar bastante, trazendo momentos que lembram clássicos como Crash Bandicoot e os antigos jogos do Super Mario, principalmente quando mudam a perspectiva e apresentam desafios diferentes. Além disso, a possibilidade de jogar em cooperativo local aumenta ainda mais o potencial do jogo para quem procura uma aventura para aproveitar em família ou com amigos.

É claro que Teeto não está livre de problemas. Os bugs encontrados, principalmente envolvendo troféus e pequenos problemas de progressão, mostram que o jogo ainda precisa de alguns ajustes. Felizmente, essas situações não foram suficientes para tirar o brilho da experiência ou impedir que a aventura fosse concluída.

No fim, Teeto entrega exatamente aquilo que se propõe: uma aventura leve, carismática e divertida. Se você gosta de jogos como Astro Bot e procura uma experiência mais tranquila, com foco na diversão e na exploração, ele merece sua atenção.

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• Review: Echoes of Aincrad (PS5)
• Review: Star Fox (Switch 2)
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O que é Endless Ragnarok?

Endless Ragnarok é o nome da DLC. Quem já conhece o modus operandi das expansões recentes de Monster Hunter vai se sentir em casa rapidamente.

Um dos pontos mais criticados do jogo base, especialmente por fãs do título original de 2014, era a falta de um foco maior na história e na construção de mundo. Posso confirmar com firmeza que Endless Ragnarok melhora bastante nesse aspecto.

Além das cutscenes e cenas de diálogo tradicionais, praticamente toda missão traz, na introdução ou na conclusão, arquivos de texto que explicam muita coisa interessante. Não vou dar spoilers aqui, mas quem é fã de longa data da franquia deve ficar bem satisfeito.

Entretanto, como falei há pouco, jogadores familiarizados com Monster Hunter vão se sentir em casa principalmente pelo foco da expansão em expandir o endgame e as mecânicas de combate — e a Cygames não decepcionou.

As novidades do DLC

Logo de cara temos 6 novos personagens jogáveis, incluindo figuras já conhecidas de Relink, como Gallanza (o vilão redimido do jogo base), e Fediel, inédita no game e que representa um nível de poder absurdo por ser integrante dos Seis Dragões Primordiais. Temos também acesso a vario níveis de dificuldade maiores nas quests, entregando desafios que superam ate mesmo os mais desafiadores do jogo base.

Porém, devo confessar: passei pouquíssimo tempo testando os novos personagens por causa da inclusão excepcional do sistema de Master Traits. Trata-se de uma nova aba de customização com dezenas de opções que liberam stats aprimorados e, mais importante, novos jeitos de jogar com todos os personagens do jogo, incluindo os antigos.

A Narmaya, por exemplo, no jogo base tinha uma mecânica praticamente obrigatória de alternar constantemente entre sua forma de golpes rápidos e golpes lentos para maximizar o dano. Isso frustrava quem preferia ficar em apenas uma das posturas. Uma das Master Traits dela na DLC permite liberar um “cancel” que mantém o ganho de dano mesmo ficando na mesma postura, permitindo jogar a luta inteira no modo rápido ou no modo lento.

Esse sistema foi, para mim, o grande destaque de Endless Ragnarok. Ele dá um sopro de novidade para todos os personagens, inclusive para quem, como eu, já tinha investido dezenas e dezenas de horas no jogo base.

Outra mecânica muito bem vinda é a das invocações, que me lembrou bastante de Final fantasy. Podemos escolher 4 invocações no total para levar em combate, e a variedade delas é bem bacana: podemos invocar um dragão de escuridão gigante para dar um dano em linha reta, ou um golem de rubi que carrega um soco gigante e solta atravessando a arena, ou ate mesmo outros mais focados em suporte como os residentes da vila que curam e restauram o uso de poções de reviver do grupo. as invocações trazem consigo também as “explosões primais”, animações incríveis que acontecem após todos os integrantes do time usarem seus golpes especiais um seguido do outro.

E não foram só os jogadores que receberam novidades: vários inimigos retornaram com novos golpes, mecânicas mais difíceis e um ritmo bem mais rápido no geral. Algumas lutas no final da expansão são dignas de raids de MMO, com explosões e golpes em área ridículos e divertidos de tentar esquivar. Várias quests me fizeram parar, farmar upgrades de armas e Master Traits para conseguir vencê-las com mais facilidade.

Para facilitar esse grind (um dos maiores problemas que tive no lançamento de 2024), a expansão traz o modo Conflux, um mini roguelike bem divertido em que você escolhe melhorias a cada fase completada, com caminhos diferentes (bem parecido com Hades). Completar o modo até o final entrega ótimas recompensas.

Porém nem tudo é perfeito, e tive alguns problemas com Endless Ragnarok. Creio que o maior esteja ligado com justamente a melhor parte da DLC, as master traits, que apesar de adicionarem BASTANTE coisa nos personagens, não tivemos golpes novos ou coisas do tipo (coisa que monster hunter sempre adiciona em suas DLCs por exemplo), então apesar de conseguirem sim entregar um sobrevida muito boa para os personagens antigos, ele ainda vão ser bastante familiares pra quem já jogou. Outro problema é que apesar de ter inimigos inéditos bem legais, a quantidade de oponentes 100% novos é bem baixa, creio que menos de 5 ou 6, e espero que Cygames, assim como fez com o jogo base, adicione conteúdo no decorrer dos meses.

A parte visual também ficou meio mista na minha opinião, pois apesar de ser muito boa, principalmente nas arenas dos novos bosses, fases originais são pouquíssimas e nenhuma é marcante como algumas do jogo base.

Review Granblue Fantasy: Relink – Endless Ragnarok: Vale a pena?

A Cygames entregou um produto que vai ser muito bem recebido pelos fãs de longa data da franquia, os que chegaram em Relink e pelos novos jogadores que embarcarem com a DLC. O nível de qualidade do gameplay, espetáculo das lutas e animações, grind legal e conteúdo que entrega dezenas e dezenas de horas divertidíssimas faz de Granblue Fantasy Relink e Endless Ragnarok uma fácil recomendação por minha parte.

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Meu único conhecimento era aquele que praticamente qualquer pessoa já ouviu falar: jogadores ficam presos dentro de um MMORPG e morrer dentro dele significa morrer também na vida real. Curiosamente, acredito que essa falta de bagagem acabou sendo uma vantagem.

• Preview: Echoes of Aincrad (PC)

Entrei no game sem nostalgia, sem comparações com jogos antigos e sem qualquer apego aos personagens clássicos da franquia. Minha experiência foi a de alguém que simplesmente queria descobrir se aquele RPG de ação conseguiria se sustentar por conta própria.

Depois de dezenas de horas explorando Aincrad, posso dizer que encontrei um jogo competente, divertido em boa parte do tempo e que acerta principalmente no combate e na evolução do personagem. Ao mesmo tempo, ele também apresenta problemas que se repetem durante praticamente toda a campanha e impedem que a experiência alcance um nível muito maior.

Echoes of Aincrad não é um jogo ruim. Muito pelo contrário. Mas é justamente aquele tipo de título que faz você pensar, durante vários momentos: “Se alguns detalhes tivessem recebido mais atenção, ele poderia ter sido excelente.”

Sem mais enrolação, fica comigo nesta review de Echoes of Aincrad, o game chega no dia 10 de julho de 2026 para PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC. Caso prefira, segue abaixo a análise em vídeo:

Uma história que prende, mas não emociona como poderia

Logo nas primeiras horas fica claro que a Bandai Namco tentou contar a história sob uma perspectiva diferente.

Em vez de controlar Kirito durante toda a aventura, você cria seu próprio personagem e acompanha os acontecimentos do incidente de Aincrad pelos olhos de um jogador comum.

Mesmo chegando completamente “cru” ao universo de Sword Art Online, consegui acompanhar a narrativa sem dificuldades.

O jogo apresenta bem seu contexto e faz um bom trabalho ao explicar a gravidade da situação. Aos poucos, conhecemos novos personagens, visitamos diferentes regiões e entendemos como cada grupo tenta sobreviver dentro daquele mundo virtual.

A campanha consegue manter a curiosidade do jogador durante boa parte do tempo. Sempre existe aquele incentivo para concluir a próxima missão e descobrir quais desafios aparecerão pela frente. Ainda assim, terminei a aventura com a sensação de que a história poderia ter causado um impacto muito maior.

O principal motivo está justamente no protagonista.

Um protagonista que nunca deixa de ser um avatar

Criar o próprio personagem é algo que costuma funcionar muito bem em RPGs. Existe uma sensação de liberdade maior e, em teoria, fica mais fácil imaginar que aquele herói representa você dentro daquele universo.

Na prática, porém, o game não consegue aproveitar todo esse potencial.

Durante praticamente toda a campanha, nosso personagem permanece em silêncio. Ele não conversa naturalmente com os demais integrantes do grupo, não demonstra personalidade e raramente participa das cenas além de alguns gestos simples com a cabeça. Quando surgem escolhas de diálogo, normalmente elas se resumem a confirmar algo ou demonstrar dúvida, sem qualquer impacto relevante na narrativa.

Pode parecer um detalhe pequeno, mas senti falta de alguém que realmente conduzisse a história.

Enquanto diversos personagens possuem personalidade, opiniões e objetivos bem definidos, o protagonista acaba funcionando apenas como um observador dos acontecimentos. Isso fez com que eu nunca criasse um vínculo emocional com ele.

Não chega a prejudicar completamente a campanha, porque os acontecimentos continuam interessantes, mas diminui bastante o peso de algumas cenas importantes.

O combate é, sem dúvida, o grande destaque da experiência

Se existe um aspecto que realmente me fez continuar jogando mesmo quando algumas missões começaram a ficar repetitivas, foi o combate.

Echoes of Aincrad entrega uma jogabilidade extremamente dinâmica, rápida e bastante satisfatória.

Logo nas primeiras horas já é possível perceber que existe uma boa variedade de estilos de luta. Espadas longas, adagas, machados, montantes e outras categorias oferecem formas diferentes de enfrentar cada batalha. Cada arma possui habilidades próprias, tempos de ataque distintos e incentiva o jogador a experimentar novas combinações ao longo da campanha.

O sistema de evolução também me agradou bastante.

Conforme subimos de nível, podemos investir pontos em atributos como Vitalidade, Resistência, Força, Destreza, Inteligência e Mente. O interessante é que cada melhoria libera pequenos bônus adicionais, incentivando a criação de builds específicas em vez de simplesmente distribuir pontos de maneira aleatória.

Essa sensação de evolução constante faz diferença durante toda a aventura. A cada novo equipamento encontrado ou atributo melhorado, o combate ganha novas possibilidades, e isso ajuda bastante a manter o interesse nas primeiras dezenas de horas.

Escolher a build certa faz mais diferença do que parece

Uma das coisas que mais gostei foi perceber que o jogo recompensa quem realmente presta atenção na construção do personagem.

Depois de testar diferentes combinações, acabei priorizando companheiros com habilidades de cura e investi vários pontos em Mente para aumentar a quantidade de PE disponível durante os combates. Foi uma escolha que mudou completamente minha experiência.

As habilidades especiais são utilizadas praticamente o tempo inteiro e fazem enorme diferença contra inimigos mais resistentes. Sem uma boa quantidade de PE, várias batalhas acabam ficando muito mais difíceis do que deveriam. Outro detalhe importante é o uso do parry.

Durante boa parte da campanha utilizei escudos que recuperavam PE sempre que uma defesa perfeita era executada. Isso criava um ciclo muito interessante: eu defendia, recuperava recursos e imediatamente podia utilizar outra habilidade especial.

São pequenas decisões como essa que tornam o sistema de combate muito mais estratégico do que aparenta nas primeiras horas.

O Ranque Cardinal impede que a progressão fique desequilibrada

Outro sistema que merece elogios é o Ranque Cardinal Normalmente, em RPGs de ação, basta dedicar algum tempo ao farm para transformar uma arma comum em um equipamento absurdamente poderoso logo no início da campanha. Aqui isso não acontece.

Mesmo que você tenha materiais suficientes, o jogo limita a evolução dos equipamentos de acordo com o avanço da história e do seu nível dentro do ranque. Achei essa uma decisão bastante inteligente.

Além de incentivar o jogador a continuar realizando missões principais e secundárias, ela evita que o combate perca completamente o equilíbrio nas primeiras horas. Nunca tive a sensação de estar forte demais a ponto de eliminar qualquer inimigo com facilidade.

Ao contrário, mesmo jogando na dificuldade Normal, encontrei vários confrontos capazes de oferecer um bom nível de desafio. E isso acabou tornando cada melhoria conquistada muito mais significativa.

Um bom combate preso em um mundo aberto repetitivo

Infelizmente, foi justamente quando Echoes of Aincrad começou a abrir seu mundo que percebi seus maiores problemas.

Visualmente, explorar Aincrad é bastante agradável. As cidades possuem identidade própria, algumas paisagens chamam atenção e existe aquele sentimento clássico de RPG, em que cada nova região desperta a curiosidade para descobrir o que existe além da próxima montanha. O problema é que essa curiosidade dura pouco.

Depois de algumas horas, comecei a perceber que a estrutura das missões praticamente não mudava. Era comum aceitar uma tarefa, atravessar uma grande área do mapa, derrotar alguns inimigos ou coletar determinado material e voltar para entregar o objetivo.

Logo depois, outra missão repetia praticamente a mesma fórmula. Nas primeiras vezes isso funciona. Mais adiante, a sensação é de que o jogo começa a reciclar suas próprias ideias.

Em vários momentos eu me peguei pensando que estava jogando apenas para chegar ao próximo combate importante, porque o caminho até ele raramente conseguia ser tão interessante quanto deveria.

Os pontos de descanso salvam boa parte da exploração

Se existe um recurso que realmente melhorou minha experiência, foram os pontos de descanso espalhados pelo mapa.Eles funcionam como verdadeiros centros de apoio. Além de recuperar a vida e servir como ponto de renascimento, também permitem viajar rapidamente entre todas as áreas já descobertas.

Na prática, isso acaba sendo indispensável. Minha recomendação para qualquer jogador é simples: sempre que encontrar um ponto de descanso, ative-o imediatamente.

Pode parecer apenas mais um item colecionável do cenário, mas ele economiza muito tempo durante toda a campanha. Diversas vezes aceitei uma missão secundária e percebi que já existia um ponto de descanso próximo do objetivo. Bastava utilizar a viagem rápida, concluir a missão em poucos minutos e retornar para a cidade.

Sem esse sistema, acredito que a repetição das missões seria muito mais cansativa.

O level design desperdiça o tempo do jogador

Entre todos os problemas que encontrei durante a campanha, talvez esse tenha sido o que mais me incomodou.

Echoes of Aincrad cria diversos caminhos alternativos que parecem esconder equipamentos raros, segredos ou algum tipo de recompensa especial. Naturalmente, comecei a explorar esses desvios.

Só que, na maioria das vezes, eles não levavam a absolutamente nada. Perdi a conta de quantas vezes caminhei durante vários minutos esperando encontrar um item importante e, no final, havia apenas um penhasco, uma parede ou um inimigo comum parado em um canto do mapa.

Não existe recompensa. Não existe descoberta. Existe apenas a necessidade de voltar pelo mesmo caminho. Esse tipo de situação aconteceu tantas vezes que, perto da metade da campanha, comecei a ignorar completamente boa parte dos caminhos secundários.

E isso é uma pena. Explorar deveria ser uma das atividades mais prazerosas de um RPG. Aqui, em muitos momentos, ela se transforma apenas em perda de tempo.

Nem sempre vale a pena sair do caminho principal

Outro aspecto que reforça essa sensação é o sistema de recompensas. Em um RPG de ação, normalmente esperamos encontrar equipamentos melhores, armas raras ou itens capazes de mudar nossa build quando resolvemos explorar um caminho escondido.

O game raramente recompensa essa curiosidade. Na maior parte das vezes, os baús escondem materiais comuns ou equipamentos que rapidamente acabam sendo substituídos.

Pouquíssimas vezes senti aquela satisfação de pensar: “Ainda bem que resolvi explorar esse lugar.”. As únicas exceções realmente interessantes aparecem depois de derrotar alguns mini-chefes espalhados pelo mapa. Nessas situações, novos caminhos são desbloqueados e os baús costumam oferecer recompensas melhores.

Infelizmente, isso acontece com pouca frequência.

Pouca variedade de inimigos faz a aventura perder força

Outro problema que ficou evidente conforme as horas passaram foi a falta de variedade de inimigos. Durante boa parte da campanha enfrentei praticamente os mesmos lobos, javalis e criaturas espalhadas pelas diferentes regiões do mapa.

No início isso passa despercebido. Depois de várias horas, começa a cansar. O problema fica ainda mais evidente quando surgem alguns mini-chefes. Em diversos casos, eles não passam de versões maiores dos próprios inimigos comuns.

Recebem uma nova aparência, mais pontos de vida e um ou outro ataque adicional, mas continuam transmitindo a sensação de que você já enfrentou aquele mesmo adversário dezenas de vezes. Para um RPG tão focado em combate, senti falta de uma criatividade maior na construção do bestiário.

Fugir dos combates quase nunca funciona

Existe outro detalhe que acabou me incomodando bastante e que talvez passe despercebido por algumas pessoas. Em vários momentos eu simplesmente queria atravessar determinada região para chegar ao próximo objetivo da missão.

Sem lutar, só ir para o objetivo, pois estava cansando de enfrentar os mesmo inimigos. Só que o game praticamente não permite isso. Assim que um inimigo percebe sua presença, ele passa a persegui-lo por uma distância enorme.

Enquanto isso, seu personagem continua consumindo vigor apenas por correr. O resultado é previsível. Poucos segundos depois, a barra de estamina está praticamente vazia.

Portanto, você desacelera. Os inimigos alcançam seu personagem. E o combate se torna inevitável. Isso me obrigou inúmeras vezes a enfrentar exatamente os mesmos monstros apenas porque o jogo não oferecia uma maneira eficiente de evitá-los. Depois de algumas horas, essa decisão de design começou a desgastar bastante o ritmo da aventura.

As masmorras foram a parte que menos gostei

Confesso que, sempre que o jogo me dava liberdade para escolher outro caminho, eu evitava entrar nas masmorras. Não porque elas fossem difíceis. Mas porque raramente eram divertidas.

Visualmente, quase todas seguem a mesma identidade. Os corredores se parecem e os inimigos mudam muito pouco. E o mapa vai sendo revelado apenas conforme caminhamos.

Na teoria, isso deveria aumentar a sensação de exploração. Na prática, várias vezes passei mais tempo tentando descobrir por onde continuar do que realmente aproveitando o conteúdo daquela área. Quando a história obrigava a passar por uma dungeon, obviamente eu seguia em frente.

Mas nas missões secundárias, sempre que existia uma alternativa, preferia deixá-las de lado. Foi um dos poucos momentos da campanha em que senti que o jogo realmente quebrava o ritmo da experiência.

Chefes divertidos, mas pouco criativos

Apesar das críticas que já fiz nesta review de Echoes of Aincrad, as batalhas contra os chefes continuam entre os momentos mais divertidos da campanha. Elas exigem atenção, incentivam o uso das habilidades especiais e fazem bom uso das mecânicas de defesa e esquiva.

Ainda assim, senti falta de mais criatividade. Vários chefes possuem duas ou até três fases, mas essas mudanças raramente alteram a dinâmica da luta.

Na maioria dos casos, eles continuam utilizando praticamente os mesmos golpes. A principal diferença costuma ser a invocação de inimigos comuns para aumentar a dificuldade. As batalhas continuam divertidas graças ao excelente sistema de combate.

O Modo “Jogo da Morte” leva a proposta da franquia ao pé da letra

Um dos recursos mais interessantes do game é o Modo Jogo da Morte, que transforma a principal premissa da franquia em uma mecânica de gameplay.

Nesse modo opcional, qualquer morte significa o fim definitivo da campanha. O arquivo de salvamento é apagado permanentemente, obrigando o jogador a recomeçar toda a jornada. Para reforçar essa proposta, os desenvolvedores afirmam que o sistema impede a duplicação de saves, tornando cada decisão ainda mais importante.

O interessante é que esse modificador funciona de forma independente da dificuldade. Ele pode ser combinado com os modos História, Normal, Difícil ou Muito Difícil, permitindo que cada jogador escolha o nível de desafio que melhor combina com seu estilo de jogo.

É uma ideia que conversa diretamente com o universo de Sword Art Online. Afinal, viver sabendo que qualquer erro pode colocar dezenas de horas de progresso a perder aproxima a experiência do sentimento de tensão que marcou a obra original.

Um visual competente, mas que ainda precisa de polimento

Visualmente, Echoes of Aincrad me surpreendeu de forma positiva e, por alguns momentos, enquanto fechava o game para produzir esta review, eu parei pra admirar alguns cenários, algo que não fiz em Code Vein 2, por exemplo. Só pra citar um outro jogo com gráficos de anime.

As paisagens são bonitas, as cidades possuem bastante personalidade e alguns cenários conseguem transmitir muito bem a sensação de estar explorando um mundo vivo. A direção de arte faz um bom trabalho ao reproduzir o universo da franquia sem abrir mão de cenários agradáveis de explorar.

Não é um jogo que busca realismo, e nem precisava ser. Dentro da proposta artística escolhida pela Bandai Namco, considero que o resultado é bastante competente. Infelizmente, essa boa impressão acaba sendo prejudicada por alguns problemas técnicos.

Joguei toda a campanha no PlayStation 5, alternando entre os modos Qualidade e Desempenho. Independentemente da configuração escolhida, encontrei algumas quedas de taxa de quadros durante combates com muitos inimigos na tela.

Nada que torne o jogo injogável, mas o suficiente para chamar atenção.

Outro problema foi o pop-in, que apareceu com bastante frequência durante a exploração. Árvores, pedras, montanhas e até partes do cenário surgiam poucos metros à minha frente conforme eu avançava pelo mapa. Depois de algum tempo, isso deixa de ser um detalhe e passa a quebrar parte da imersão.

Como tive acesso a uma versão anterior ao lançamento, é possível que parte desses problemas seja corrigida por atualizações futuras. Ainda assim, eles fizeram parte da minha experiência e precisam ser considerados na análise.

Uma trilha sonora discreta, mas efeitos sonoros de qualidade

No departamento de áudio, o game entrega exatamente o que eu esperava. A trilha sonora acompanha bem o ritmo da aventura e combina com cada situação apresentada durante a campanha. Ela ajuda a construir a atmosfera dos combates e dos momentos de exploração, mas dificilmente será lembrada depois que você terminar o jogo.

Já os efeitos sonoros me agradaram muito mais. O impacto das armas é bem legal, as habilidades especiais possuem efeitos satisfatórios e os golpes combinados com os companions tornam as batalhas ainda mais empolgantes.

Pequenos detalhes que fazem diferença

Apesar das críticas que fiz ao longo desta review, Echoes of Aincrad também apresenta algumas decisões de design que melhoram bastante a qualidade de vida do jogador. Uma das que mais gostei foi a organização da cidade.

Em vez de obrigar o jogador a caminhar até cada NPC sempre que precisa utilizar algum serviço, basta abrir um menu rápido para acessar diretamente o ferreiro, os comerciantes, o baú ou o quarto do protagonista. É uma solução simples, mas extremamente eficiente.

Outro recurso que merece elogios são as viagens rápidas entre os pontos de descanso. Considerando o tamanho dos mapas e a quantidade de missões que exigem retornar para áreas já visitadas, esse sistema acaba economizando muito tempo durante a campanha.

São pequenas escolhas como essas que mostram que a equipe realmente se preocupou em tornar algumas tarefas do dia a dia menos cansativas.

Review de Echoes of Aincrad – Vale a Pena?

Concluo esta eeview de Echoes of Aincrad dizendo que ele é, sim, bastante divertido. Depois de passar dezenas de horas explorando o mundo do game, terminei com a sensação de que joguei um RPG que me divertiu mais do que imaginava, mas que também me fez enxergar diversas oportunidades desperdiçadas.

O combate é, sem dúvida, o grande destaque da experiência. Experimentar diferentes armas, montar builds, escolher os companions ideais para cada missão e enfrentar chefes desafiadores fez com que eu sempre tivesse vontade de continuar jogando.

Ao mesmo tempo, o jogo insiste em decisões de design que acabam prejudicando seu próprio ritmo. O mundo aberto raramente recompensa a exploração, a estrutura das missões se torna repetitiva com o passar das horas, existe pouca variedade de inimigos e as masmorras dificilmente conseguem quebrar essa sensação de repetição.

Mesmo chegando completamente de fora do universo de Sword Art Online, consegui aproveitar bastante essa aventura. A história consegue prender a atenção, embora pudesse desenvolver melhor seu protagonista. Os gráficos entregam cenários bonitos dentro da proposta artística do jogo e várias mecânicas mostram que existe uma base bastante sólida para a franquia evoluir nos próximos títulos.

Se você já é fã da franquia, provavelmente encontrará aqui uma experiência bastante divertida. Agora, se procura um RPG de ação capaz de disputar espaço com os grandes nomes do gênero, vale a pena controlar um pouco as expectativas.

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Mas entre tantos períodos e personagens, um deles conquistou um espaço enorme no coração da comunidade – Assassin’s Creed IV: Black Flag. A jornada de Edward em busca de uma vida melhor conquistou o mundo e, graças à sua enorme popularidade, resultou no desenvolvimento de Black Flag Resynced, um remake que chega 12 anos após o original.

História se sustenta mesmo após anos

Uma história bem escrita é atemporal. Ainda mais se tratando de uma narrativa com temas que se conectam com a realidade. A busca por uma vida melhor é uma jornada quase que universal. Reforçado, é claro, pelo fato de estarmos controlando um homem vivendo em plena época da era de ouro da pirataria.

Para tornar a experiência ainda mais marcante, e com cara de novidade, a Ubisoft adicionou novas missões de história e 3 oficiais inéditos que podem ser recrutados para o Gralha, o navio de Edward. 

As cadeias de missões desses oficiais estão ótimas e conseguem manter o nível de qualidade do roteiro original, servindo como um complemento muito positivo para a experiência. Todos os textos do jogo estão localizados e o game está dublado, contudo, confesso que não achei a dublagem das melhores no sentido de imersão.

Uma mudança impactante diz respeito ao design das missões principais. Em certos casos, precisamos ouvir conversas estando escondido, por exemplo. No original, ser visto gerava a dessincronização, o que não é mais o caso aqui. O design das missões foi modernizado, pensando nos mais variados estilos de jogo.

A remoção das seções do Animus e da Abstergo visam enxugar a narrativa, contudo, deixam lacunas na narrativa. Eu entendo perfeitamente que o produto foi pensado para os fãs existentes da franquia mas preciso destacar que o processo de onboarding para novatos não é dos melhores. Alguns trechos da história ficam um pouco soltos com a remoção desses trechos.

Combate e exploração refinados

Um dos principais temores da comunidade é que Black Flag Resynced seguisse o DNA de RPG dos jogos recentes. Contudo, para a alegria de muita gente, esse não foi o caminho escolhido pelos desenvolvedores. 

O combate está mais agressivo e ágil, fazendo uso do conhecido sistema de ataque leve, pesado, aparo e esquiva. Somado a isso, podemos usar as pistolas e vários dispositivos, como bombas de fumaça, para causar terror nas ondas dos inimigos.

Tudo funciona bem no começo e é divertidíssimo, contudo, após 5-6 horas, o combate se torna incrivelmente repetitivo e você passa a fazer de tudo para evitar as lutas ou ao menos terminar elas da maneira mais rápida possível. A pouca variedade de animações de ataques finalizadores também decepciona e reforça o sentimento de repetição.

Outro sistema que exala simplicidade é o da progressão de Edward. Precisamos caçar animais para obter peles, fabricando novas bolsas. Além disso, podemos obter armamentos com diferentes níveis de raridade.

Assim como no original, o combate naval continua sendo a estrela do jogo. É incrivelmente viciante comandar o Gralha e afundar os navios adversários. A jornada de comandar o navio do zero e ir evoluindo ele aos poucos continua prazerosa. Por ser um remake, eu confesso que esperava mudanças na customização estética, mas o time de desenvolvedores apostou na simplicidade.

Os novos oficiais trazem consigo bônus passivos interessantes que adicionam muito à jogabilidade. Outro ponto é a implementação de tiros secundários, tornando as batalhas ainda mais táticas e cinematográficas. Um aspecto que melhorou e muito foi a movimentação. Edward é mais ágil, os movimentos e animações são fluídas, tornando a experiência mais prazerosa.

Somado a isso, temos novas ilhas para serem exploradas, tirolesas para agilizar a navegação e verticalidade, a possibilidade de nadar livremente (com a limitação da barra de oxigênio). Até o esconderijo Grande Inagua foi refeito, com novos segredos e missões.

Motor ANVIL revitalizado brilha

O remake de Black Flag é impulsionado por uma revitalização completa do motor ANVIL. Praticamente todos os assets foram recriados, com texturas aprimoradas, novas técnicas de iluminação com ray tracing e muito mais.

O jogo é lindíssimo, dando um charme extra para o Caribe fictício da Ubisoft, contudo, não se empolgue tanto. Apesar de ser bonito, temos múltiplos games recentes com visuais e uma direção de arte mais impactante.

Posso estar sendo exigente aqui, mas a nível gráfico e de texturas, eu esperava um trabalho melhor. Ainda mais no departamento das expressões faciais, pelos e cabelo. A narrativa teria um impacto ainda maior e cenas icônicas certamente seriam imortalizadas com um polimento visual premium.

O motor atualizado também possibilita que o combate ganhe um peso bem mais perceptível. Sentimos cada aparada, explosão e ataque pesado, ganhando pontos na imersão. A trilha continua fantástica e os efeitos sonoros foram amplificados, tornando os embates navais por exemplo ainda mais épicos.

No campo do desempenho, eu surpreendentemente não tive nenhum bug, mas tive 3 crashes. Vale mencionar que eu comecei a jogar bem antes do lançamento e um patch Day One pode resolver definitivamente o problema. O poder dos consoles da geração atual também permitem viagens rápidas e a eliminação quase que completa dos loadings, o que é algo muito bem vindo!

Review de Assassin’s Creed: Black Flag Resynced – Vale a Pena?

A resposta para a pergunta é: depende. Se você se considera um fã de Assassin’s Creed ou busca por uma nova experiência de ação e aventura com calibre de AAA, é uma boa pedida. Se você não se enquadra em nenhuma das opções, Resynced não tem muito a oferecer além do que o game original já entregou 12 anos atrás. 

Olhando de maneira macro, quase não existem jogos desse tipo e proposta com a temática de piratas. É louco pensar que mesmo uma década depois, Resynced continua sendo a experiência single-player definitiva dentro desse tema. Com o remake, a Ubisoft mostra, com novos conteúdos e visuais repaginados, os motivos. 

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