Minhas expectativas pelo metroidvania eram tão altas que mergulhei nele e mal vi a hora passar, conquistando a primeira platina do jogo no mundo inteiro! Isso já dá um spoiler deste review de Constance… Sim, eu amei o game! Para conferir minha opinião de uma maneira mais aprofundada, confira o texto completo abaixo.

Uma história sobre suficiência

Constance é um jogo relativamente curto; vasculhei cada canto dele em cerca de 16 horas. Por conta disso, não darei tantos detalhes acerca da trama. Como o título do game sugere, acompanhamos a história de Constance, uma jovem que acaba indo parar em um mundo surreal cheio de criaturas místicas e um antagonista misterioso.

O jogo engenhosamente explica tudo o que se passa de maneira direta e bem expositiva; logo, a história e seus temas são bem fáceis de compreender. Mas, muito mais do que a fácil compreensão, preciso destacar aqui a coragem de abordar temas tão pertinentes.

A narrativa é quase como um grito de socorro do estúdio. A protagonista, que trabalha como designer no mundo real, está sobrecarregada de todos os lados. Com burnout e incapaz de exercer seu potencial criativo, Constance acaba entrando no que parece ser um estado de depressão.

É aí que o surrealismo entra em cena e acabamos indo parar em um “universo mágico”, aos moldes de A Viagem de Chihiro, dando o pontapé inicial em uma aventura que vou levar sempre comigo! O curioso é que a tinta, a arte e a cor são pautas importantíssimas no game, e isso me fez pensar em outro indie que eu amo: Chicory: A Colorful Tale. O mais curioso ainda é que Chicory trata de temas parecidos.

Além da campanha tradicional, podemos concluir missões secundárias para os habitantes desse mundo surreal. Fiquei positivamente surpreso com a complexidade de algumas delas. Algumas demandam que o jogador aplique o raciocínio lógico para saber como prosseguir. Como o game não apresenta uma quantidade elevada dessas tarefas, é nítido que o estúdio pensou bem em cada uma, afastando-se completamente das tradicionais fetch quests encontradas em títulos do gênero.

Tinta para todo lado

Constance é um metroidvania; logo, você já sabe o que esperar da jogabilidade: cenários intransponíveis até encontrar habilidades de travessia específicas, lutas contra chefes, seções de plataforma desafiadoras… A maior diferença de Constance em relação a metroidvanias recentes é que ele tem mais trechos de plataforma do que de ação propriamente dita.

E, vou te dizer, alguns desses trechos são surpreendentemente desafiadores. A progressão acontece de maneira simples. Precisamos vasculhar o mapa para encontrar partes de um coração que, quando completo, aumenta a barra de vida. O mesmo vale para a barra de tinta, recurso usado para acionar habilidades especiais.

Fiquei muito surpreso (e feliz) com o design dos chefes de Constance. Além de serem visualmente fantásticos, eles são mecanicamente ricos, tornando as lutas bem legais e com um nível de desafio justo. Cada bioma do jogo abriga novos cenários e tipos de inimigos, evitando a sensação de repetição que costuma aparecer no gênero.

A maior diferenciação de Constance em relação aos demais acontece por meio de sua temática. Ao concluir missões e encontrar telas específicas, aprendemos novas Inspirações — habilidades equipáveis com grande aplicabilidade no combate. Também senti falta de uma maior escala de poder. No final do jogo, mesmo com várias habilidades de travessia e de combate, não vi tanta diferença em relação a como iniciamos a jornada.

Por fim, mas não menos importante, o jogo pode ser um pesadelo para speedrunners (temos troféus de tempo para a platina). Caso você abra o menu, o jogo não é pausado e o tempo continua correndo, demandando que o jogador volte para o menu principal para impedir que as horas passem. O problema? Voltamos ao último ponto de salvamento visitado, e não ao local onde selecionamos a opção para fechar e voltar ao menu.

Bonito feito pintura em aquarela

A aquarela é considerada uma das técnicas mais difíceis da pintura. É necessário aprender e ter uma precisão fora do comum sobre a água e o pigmento. E, bom, isso define muito bem toda a parte técnica e artística de Constance.

Tudo no jogo existe com propósito, tem alma, sentido e funciona perfeitamente bem. Você ficaria surpreso com a quantidade de metroidvanias que eu já joguei com controles não tão responsivos, e fico muito feliz em dizer que não é o caso aqui.

Ele tem uma quantidade maior de seções de plataforma do que outros games do gênero; logo, a precisão é fundamental. Ainda mais com várias mecânicas de travessia: precisamos quicar em espinhos usando o pincel mágico da protagonista, além de bater em barreiras de corrupção. Em muitas das vezes, precisamos fazer várias coisas em sequência e numa velocidade absurda. A curva de dificuldade do jogo pode frustrar alguns, principalmente os novatos.

A trilha e os efeitos sonoros são formidáveis, aumentando o grau de rebuscamento em certos trechos da trama e aprimorando a experiência das lutas contra os chefes. No quesito técnico, platinei o jogo sem nenhum percalço. Não tive bugs, quedas de frames, problemas com áudio, absolutamente nenhum problema! Constance foi polido com esmero, e tudo nele grita a identidade e a paixão da equipe que o criou.

O elenco de NPCs remete perfeitamente aos personagens oníricos, casando muito bem com a proposta da aventura. Além de servirem como um ponto de conforto para Constance, eles aumentam o grau de imersão graças ao excelente design de criaturas.

Review de Constance: Um dos melhores do gênero!

Eu já esperava que Constance fosse ótimo; contudo, certamente não esperava que ele fosse um dos melhores do gênero. A meu ver, ele não fica devendo em nada a grandes nomes recentes, como Hollow Knight e Nine Sols, tornando-se, portanto, um jogo que considero obrigatório para todo e qualquer fã de metroidvanias.

Um ponto importante para o jogador brasileiro é que Constance chegou às lojas digitais por um preço convidativo: R$ 59,90 na PS Store, R$ 53,99 na Nintendo eShop e R$ 58,95 na Xbox Store.

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Jogo esse gênero desde sempre, cresci com Mortal Kombat e Street Fighter, e também passei por Fatal Fury, The King of Fighters e Killer Instinct. Ou seja, sei reconhecer quando um jogo de luta funciona e/ou quando ele ainda precisa evoluir.

Eu gosto de jogo com impacto, com violência e muito sangue. Por isso, um título baseado em Invincible, obra do Robert Kirkman, me chamou atenção na hora.

O game chega no dia 30 de abril para PC, PlayStation 5 e Xbox Series. É o título de estreia do estúdio Quarter Up, o primeiro estúdio interno da Skybound Games, comandado por antigos membros da equipe que desenvolveu Killer Instinct.

Depois de jogar bastante, posso cravar: é um jogo muito divertido, mas que ainda não entrega tudo que poderia no lançamento.

Sem mais enrolação, fica comigo nesta review de Invincible VS, realizada na versão de PlayStation 5 base e saiba se ele vale o seu tempo e seu dinheiro suado. Caso prefira, segue abaixo a nossa análise em vídeo:

Modo história curto e esquecível

O modo história existe, mas está longe de ser um diferencial. Joguei no normal e terminei em cerca de uma hora e meia. Se você jogar bem e morrer pouco, esse tempo cai ainda mais. E isso pesa, porque além de curto, ele também não consegue prender.

A narrativa é mediana, embora seja um roteiro original de um dos criadores da série, não cria momentos marcantes e passa mais a sensação de algo feito para cumprir tabela. Fica aquela impressão de que deixaram espaço para expandir depois, seja com DLC ou continuação e vimos, em outros exemplos, que isso nem sempre funciona bem.

Se a ideia for comprar o jogo pelo modo história, não vale. É simples assim.

Invincible VS é muito gostoso de se jogar

Aqui está o coração do jogo e onde ele mais acerta. Invincible VS é brutal e escrachado, sim. Tem sangue, impacto e finalizações que combinam com a proposta da animação. Talvez não seja o nível mais extremo possível, confesso que eu queria mais violência ainda, mas funciona bem e agrada quem busca esse tipo de experiência.

O sistema 3 contra 3 ajuda muito no ritmo das lutas. A troca de personagens acontece o tempo todo e abre espaço para estratégias variadas, principalmente quando você começa a entender melhor cada lutador.

Os personagens, inclusive, são um ponto positivo. Cada um tem seu estilo e mobilidade, o que deixa a montagem de times interessante e evita aquela sensação de que todo mundo joga igual.

Por exemplo, o Invencível ele é o mais balanceado, afinal é agil e forte ao mesmo tempo, já o personagem Menina Monstro é pesado, mas cada golpe é devastador, no melhor estilo Zangielf de Street Fighter.

Acessibilidade vs complexidade

O jogo tenta facilitar a vida do jogador em alguns pontos. Não existe aquele comando clássico de meia-lua para fazer um Radouken como em Street Fighter. Aqui, muitos especiais saem com apenas um botão, e os auto combos ajudam bastante quem não quer decorar sequência longa.

Por outro lado, ele compensa isso com uma quantidade grande de mecânicas. Assistências, troca de personagens, gerenciamento de barra, variações de golpes, combo breakers à todo tempo… é muita coisa acontecendo ao mesmo tempo.

No começo, isso confunde. Não tem como fugir dessa curva de aprendizado. Portanto, eu indico que você passe pelo modo treino antes de encarar as lutas. Me agradeça depois.

Mapeamento de botões confuso

Esse foi um ponto que me incomodou bastante. Algumas combinações de botões simplesmente não são naturais, principalmente no meio da luta. Em momentos de pressão, fazer certos comandos pode atrapalhar mais do que ajudar.

Para você ter uma noção, na hora de soltar o especial de cada personagem, é preciso segurar o R1+X+O no controle do PlayStation 5 e qualquer jogador sabe o quanto essa sequência pode ser complicada de fazer, ainda mais no calor de uma luta frénetica. Isso só pra citar um exemplo!

Dá para se adaptar com o tempo? Dá. Eu mesmo me adaptei. Mas isso não muda o fato de que poderia ser mais simples e melhor pensado.

Mas, quando o jogo encaixa…

Depois que você aprende as mecânicas e se acostuma com os comandos, o jogo muda completamente. O combate começa a fluir, as decisões fazem mais sentido e a experiência melhora muito. É aí que você percebe o potencial real de Invincible VS. Ele passa a ser divertido até quando você perde, justamente porque você entende o que aconteceu.

Modos de jogos e o conteúdo raso no lançamento

Aqui entra, pra mim, uma das principais críticas de Invincible VS: o jogo chega no lançamento com pouco conteúdo. Não é que não tenha modos, mas a sensação geral é de um pacote raso, principalmente pelo preço cobrado.

O modo história, como já falei, você termina em cerca de uma hora e meia. É muito pouco. E quando você sai dele, o que sobra basicamente é repetir modos tradicionais ou partir pro online.

O principal deles é o modo arcade, que funciona de forma bem parecida com as torres de Mortal Kombat. Você escolhe um time com três personagens e enfrenta uma sequência de oponentes, até ver o final do primeiro lutador selecionado.

Esse modo é dividido em quatro progressões:

• Progressão Rápida, com cerca de 5 oponentes
• uma padrão, com 7 lutas
• Progressão dos Guardiões, com 10 oponentes
• e a mais difícil, com 12 lutas, a Progressão Invencível, exigindo bem mais domínio do jogo

Na prática, é um conteúdo que funciona, mas não traz novidade. É aquele tipo de modo que você joga algumas vezes com personagens diferentes, vê os finais… e pronto.

Além disso, o jogo conta com modo versus (local e online), modo treino e sistemas de progressão para liberar extras. E é justamente nessa progressão que o jogo tenta segurar o jogador por mais tempo.

Você vai liberando skins, músicas, títulos, emblemas e personalizações para o seu perfil. Existe também um sistema de evolução dos personagens, que libera conteúdos visuais conforme você joga.

Quantidade de personagens

O jogo chega com 18 personagens no lançamento, o que é um bom número e já existe um passe com novos lutadores planejados. E aí entra outro ponto importante: pra ter acesso a esse conteúdo futuro, você precisa investir mais. Entre os lutadores estão: Invencível, Omni-Man, Rex-plosão, Menina Monstro, Robô, Eve Atômica, entre outros.

A versão base já chega perto dos R$300, enquanto a versão Deluxe — que inclui o passe — sobe ainda mais. Ou seja, além de um conteúdo inicial limitado, ainda existe a expectativa de gastar mais pra ter a experiência completa no futuro.

E é exatamente por isso que a sensação de conteúdo raso fica ainda mais evidente.

Se você for um jogador casual, principalmente alguém que busca campanha ou variedade offline, você vai zerar o principal modo em poucas horas e depois vai ficar repetindo atividades que não têm tanta profundidade.

Gráficos, desempenho e som

Visualmente, o jogo é bonito e fiel à animação. Os efeitos de dano durante a luta são bem feitos e ajudam na imersão. Os cenários, por outro lado, deixam a desejar. São poucos e acabam se repetindo, e as transições poderiam ser mais trabalhadas.

No desempenho, rodou liso no PS5 base, sem problemas técnicos. Já o online, pelo menos na minha experiência, ficou prejudicado por ping alto.

A trilha sonora e os efeitos sonoros são um destaque. Impacto dos golpes, vozes e especiais são bem trabalhados e ajudam bastante na imersão. Ponto muito positivo da experiência.

Review de Invincible VS – Vale a pena?

Finalizo esta review de Invincible VS dizendo que ele é um jogo que tem qualidade e diverte bastante, principalmente quando você aprende suas mecânicas e entra no ritmo dele. O combate funciona, os personagens são variados e existe um potencial claro de crescimento.

O problema está no pacote de lançamento. O conteúdo ainda é limitado, o modo história é curto e algumas decisões de design atrapalham o ritmo das lutas. Com o preço atual no Brasil, fica difícil recomendar de imediato para todo mundo.

Se você gosta muito de jogo de luta e curte essa proposta mais brutal, vale a pena ficar de olho. Agora, se a ideia é custo-benefício, o melhor caminho é esperar uma promoção ou a chegada em algum serviço.

Porque no fim, é isso: qualidade ele tem e muita, só ainda não entrega tudo o que poderia pelo preço que cobra hoje.

Curtiu esta review de Invincible VS? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: Moomintroll: Calor do Inverno (Switch 2)
• Review: Adorable Adventures (PS5)
• Review: Aphelion (PS5)

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Se você já assistiu a diversos desenhos que têm urso, sabe como é o período de hibernação. Para esses personagens, é algo bem parecido, só que há um toque humano da casa, do conforto, da lareira, do “só acordamos na primavera, meu bem, se aqueça”. Só que uma janela acabou se abrindo no meio desse descanso. 

Quando Moomintroll acorda antes do tempo, tudo já está diferente. O Vale dos Moomins, antes acolhedor, aparece coberto por neve e silêncio. Sem ninguém por perto, ele precisa lidar com algo novo: a sensação de estar completamente sozinho. Aproveitamos essa aventura no Switch 2 e já adiantamos: não tem PT-BR.

Cadê o verde do vale? Ele foi em busca!

Essa mudança de cenário não é só estética. O personagem pertence a um mundo que simplesmente ignora o inverno, já que sua espécie passa esse período dormindo. Estar acordado significa encarar um lado da realidade que ele nunca conheceu.

É daí que surge a motivação principal. Sem saber exatamente o que fazer, Moomintroll decide procurar por mais personagens desse vale e entender como lidar com o frio. No meio disso, após conversar com alguns deles, surge a ideia de construir uma grande fogueira para aquecer quem estiver por perto.

O problema é que nada acontece de forma direta. Antes mesmo de avançar nesse objetivo, o jogador começa a receber pedidos constantes de outros personagens. Aos poucos, a jornada deixa de ser sobre sobrevivência e passa a girar em torno de favores.

Essa mudança de foco aparece principalmente na casa dos Moomin. Mesmo com a chegada de vários visitantes, Moominpapa e Moominmama continuam dormindo. Enquanto isso, o protagonista assume sozinho a responsabilidade de acolher todo mundo — e nem sabe como seus pais reagirão ao acordar quando a primavera chegar.

No começo, isso tem seu charme. Conhecer novos personagens e entender como cada um vive durante o inverno cria curiosidade. Existe um interesse natural em descobrir como aquele mundo funciona fora do período de hibernação.

Só que essa curiosidade perde força conforme o jogo avança. A estrutura não muda: andar pelo mapa, conversar e resolver problemas. O que antes parecia descoberta começa a parecer obrigação, principalmente pela quantidade de tarefas acumuladas.

Alguns personagens ajudam a quebrar esse ritmo. Little My, por exemplo, aparece com mais energia e propõe momentos diferentes, como guerras de bola de neve. Essas pequenas variações trazem leveza, mas não mudam o todo.

Na prática, o jogador passa muito tempo realizando ações simples. Tirar neve do caminho, cortar árvores, deslizar pelo cenário e usar bolas de neve em situações específicas formam a base da experiência.

O problema não está nessas mecânicas isoladamente, mas na falta de evolução. Elas continuam iguais do começo ao fim, o que faz o jogo perder ritmo rapidamente. A sensação é de estar repetindo as mesmas tarefas sem avanço real.

Os colecionáveis nem tentam dar um incentivo extra. Encontrar itens como peças de louça da Moominmama espalhadas pelo mapa e pequenos pedaços de lenha até adiciona um motivo para explorar, mas não muda a forma como o jogo é conduzido.

Essa repetição pesa ainda mais por causa da estrutura do mapa. O vai e vem constante entre diferentes pontos acaba cansando, principalmente porque o progresso depende diretamente desses deslocamentos.

Em vários momentos, a quantidade de pedidos chama mais atenção do que a própria história. Em vez de aprofundar os personagens, o jogo insiste em colocar mais tarefas, o que pode gerar irritação com o passar do tempo.

Mesmo assim, existem momentos que funcionam. Alguns personagens apresentam conflitos mais interessantes, com inseguranças e formas diferentes de encarar o inverno. Nessas horas, o jogo mostra mais personalidade.

Moomintroll: Calor do Inverno não é tão revolucionário — “e tá tudo bem”

Visualmente, o cenário cumpre o básico. A inspiração nórdica marca presença, sim, mas falta impacto. A neve, as florestas e as montanhas criam ambientação, porém sem aquele tipo de imagem que fica na memória. A trilha sonora segue o mesmo caminho. Ela acompanha o jogo sem atrapalhar, mas também sem ter algo especial. Em uma proposta “cozy”, isso acaba fazendo falta.

Ainda assim, a ideia central continua interessante. A experiência de alguém que nunca viveu o inverno tentando entender esse mundo tem potencial. Em vários momentos, isso aparece de forma sincera. O problema é que o jogo não consegue sustentar esse conceito o tempo todo. Entre tarefas repetidas e deslocamentos constantes, o que poderia ser mais envolvente acaba se diluindo.

Como sucessor espiritual de Snufkin: Melodia do Vale dos Moomins, ele funciona de forma independente. Não é necessário conhecer o outro jogo para entender a proposta ou acompanhar a história. No fim, Moomintroll: Calor do Inverno entrega uma experiência simples, com bons momentos espalhados ao longo da jornada. Existe sensibilidade na ideia, mas a execução segura demais impede que o jogo vá além.

Para quem busca algo leve e curto, pode funcionar. Mas é bom saber que, assim como o inverno do jogo, a experiência alterna entre momentos acolhedores e outros que parecem longos demais para o que oferecem.

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É exatamente esse o caminho seguido por Adorable Adventures, novo projeto da Wild Sheep Studios em parceria com a PQube. O jogo chega no dia 30 de abril de 2026 para PC, PlayStation 5 e Xbox Series, o jogo propõe uma jornada mais contemplativa, colocando o jogador no controle de um pequeno javali em busca da própria família.

Mas será que essa proposta consegue se sustentar do começo ao fim? Fica comigo nesta review de Adorable Adventures e saiba se ele vale o seu tempo e investimento. Caso prefira, segue abaixo a nossa análise também em vídeo:

Uma história simples, mas com uma boa densidade

Em Adorable Adventures, você controla Boris, um javali ainda filhote que precisa reencontrar seus irmãos após um incêndio florestal devastar o parque onde vivem. A missão inicial é reunir a família para, só então, conseguir salvar a mãe.

A narrativa é conduzida por um narrador, o guarda florestal Maxime, que acompanha a jornada com uma abordagem quase documental. À primeira vista, a história pode parecer simples, mas ela ganha força quando o jogador presta atenção nas entrelinhas.

O jogo aborda temas como queimadas, impacto ambiental e a interferência humana na natureza. Ao longo da jornada, Boris encontra outros animais afetados pela destruição, como uma mamãe coelho em busca dos seus filhotes, o que ajuda a dar densidade ao que está acontecendo.

Não é uma história que busca emocionar de forma direta, mas ela constrói bem sua mensagem — especialmente para quem se permite absorver o contexto além do objetivo principal.

Gameplay possui identidade própria com boas ideias

A gameplay gira em torno de exploração, pequenos puzzles e coleta. O mapa funciona como um “mundo aberto compacto”, com áreas bloqueadas que exigem a presença de mais javalis para serem liberadas. Isso cria uma progressão natural: encontrar irmãos não é só parte da história, mas também da mecânica.

Cada irmão encontrado envolve algum tipo de interação ou desafio leve, o que ajuda a variar o ritmo. Um precisa que Boris traga uma planta luminosa para iluminar a escuridão, fazendo com que ele perca o medo e se junto à jornada, outra irmã está precisando de plantas específicas para semear uma nova flora em um local de queimada, etc.

Ou seja, não é somente achar seus irmãos e irmãs, mas também resolver os “problemas” que estão ao redor deles, para que assim eles se juntem ao Boris em sua aventura.

O cheiro é tudo

O grande diferencial está no sistema de olfato. Como um javali, Boris utiliza o cheiro para localizar objetivos, itens e personagens. É uma mecânica central, funcionando quase como uma “bússola sensorial”.

Esse sistema tem boas ideias, como a possibilidade de bloquear certos cheiros para focar em outros, mas também pode gerar confusão em alguns momentos, principalmente quando muitos estímulos aparecem ao mesmo tempo.

A ação de bloquear certos olfatos é importante, mas isso não pode ser feito a qualquer momento. Para bloquear um odor específico, é necessário encontrar aquele mesmo elemento várias vezes no cenário, atingindo uma quantidade mínima exigida pelo jogo.

Só depois disso o Boris passa a ignorar aquele cheiro, permitindo um rastreamento mais limpo de outros objetivos. Esse mesmo sistema também se conecta aos colecionáveis: ao encontrar ainda mais unidades daquele item, ele pode ser transformado em um acessório visual, como um “chapéu” para o personagem.

Ainda assim, quando muitos cheiros estão ativos ao mesmo tempo, a leitura pode ficar confusa, especialmente nas primeiras horas.

Algumas atividdes parelelas

Outro ponto interessante são as atividades paralelas. O jogo inclui:

• Desafios de tempo

• Coleta de lixo pelo cenário (com recompensa narrativa)
• Fotografias

• Interações com outros animais

Além disso, elementos do cenário também impactam diretamente o gameplay. Áreas afetadas por queimadas, por exemplo, impedem o uso do olfato, criando um obstáculo contextual que conversa com a narrativa.

Por outro lado, é importante deixar claro: não há combate. Não existem inimigos, nem qualquer tipo de ameaça direta. É uma experiência totalmente focada em exploração e contemplação.

Um mapa que poderia ajudar mais

Um dos pontos mais fracos do jogo está na interface do mapa. Ele é pouco funcional e não oferece recursos básicos, como marcação de objetivos ou indicação clara de posição.

Para quem busca completar tudo, isso se torna um problema real. A falta de direcionamento em atividades como fotografia e coleta pode gerar frustração desnecessária.

É um sistema que claramente precisava de mais refinamento.

Visual bonito, mas com limitações técnicas

Visualmente, Adorable Adventures surpreende dentro do seu escopo. O parque de Cévennes, situado no sul da França, o qual serviu como inspiração real, é bem construído, com cenários agradáveis e momentos que convidam à contemplação.

Não é um jogo tecnicamente impressionante, mas entrega um resultado consistente e, em vários momentos, bonito de se observar.

No entanto, na versão de PlayStation 5, onde realizei todo o meu gameplay, há alguns problemas técnicos. Existem quedas de desempenho pontuais, especialmente na transição entre áreas mais escuras e abertas.

Além disso, alguns bugs chamam atenção, principalmente relacionados aos irmãos que acompanham Boris. Em certos momentos, eles apresentam movimentações estranhas ou até atravessam elementos do cenário.

Nada que quebre completamente a experiência, mas são problemas visíveis.

Som funcional, com destaque nos efeitos

A trilha sonora segue uma linha mais discreta, funcionando como apoio para a proposta contemplativa do jogo. Ela não se destaca muito, mas também não compromete.

Já os efeitos sonoros são mais bem trabalhados. Os passos do Boris, os sons do ambiente, e principalmente as interações com o olfato e os grunhidos do Boris ajudam a dar mais identidade à experiência.

Review de Adorable Adventures – Vale a pena?

Finalizo esta review de Adorable Adventures dizendo que ele me surpreendeu mais do que eu esperava. Eu fechei o jogo em cerca de quatro horas, mesmo vasculhando bastante o cenário em busca de colecionáveis, desafios e interações paralelas. Sim, é um jogo curto.

O que mais me pegou foi justamente a forma como a história se constrói nas entrelinhas. Se você só seguir o objetivo principal, pode parecer algo simples demais. Mas quando você observa o contexto das queimadas, dos animais afetados e tudo que o jogo tenta passar, a experiência ganha mais nuances.

A jogabilidade é agradável na maior parte do tempo, principalmente pela ideia do olfato e pela exploração, mesmo com alguns momentos de confusão e limitações claras no mapa e nos sistemas de colecionáveis. Tecnicamente, também tem pontos que poderiam ser melhor trabalhados, mas nada que tenha estragado minha experiência.

No fim das contas, é um jogo que eu recomendo, principalmente se você curte experiências mais contemplativas e diferentes do padrão. Não é algo que vai agradar todo mundo, mas dentro da proposta dele, entrega uma jornada honesta e bem construída.

Curtiu esta review de Adorable Adventures? Fica de olho em outras análises do nosso time:

• Review: Aphelion (PS5)
• Review: The Spell Brigade (PS5)
• Review – Mouse: P.I. For Hire (PC)

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Mesmo com um lançamento discreto, Altered Echoes deixa claro que preserva a identidade da franquia, trazendo de volta personagens conhecidos e diversas conexões com o segundo jogo, já que sua narrativa ocorre em paralelo aos eventos de Little Nightmares II. No fim das contas, experiências em realidade virtual vão além de uma boa história: o que realmente faz diferença é a imersão. Sensações como medo e adrenalina ganham força ao fugir de um inimigo ou atravessar ambientes controlados por criaturas perturbadoras, criando momentos que impactam diretamente o jogador.

Mas será que Altered Echoes realmente entrega esse nível de imersão? Ele consegue honrar o legado dos jogos clássicos da franquia? É isso que você irá descobrir em nossa Review!

Uma nova perspectiva

Com uma narrativa enigmática e envolvente, Little Nightmares VR: Altered Echoes coloca o jogador no controle de Dark Six, a versão sombria da protagonista conhecida por sua icônica capa de chuva amarela. A história começa em um quarto com uma televisão de tubo, enquanto o misterioso Homem Magro (Thin Man) passa a perseguir as crianças. Durante a tentativa de fuga, Six acaba sendo capturada, deixando para trás um fragmento de sua essência.

A partir desse momento, o jogador assume o controle desse “eco”, embarcando em uma jornada para entender o que realmente está acontecendo, descobrir o motivo por trás do sequestro e tentar se reagrupar novamente ao corpo original.

Logo nos primeiros minutos, o jogo funciona como uma introdução às suas mecânicas, ensinando o jogador a interagir com o cenário, seja arrastando objetos, como uma cadeira para alcançar uma porta, coletando itens escondidos para avançar ou até escapando de criaturas. Nesse aspecto, ele mantém a premissa original da franquia, com uma narrativa enigmática e a clássica sensação de vulnerabilidade com ambientes gigantes e criaturas imensas.

O que mais chama atenção nesta versão é a forma como ela apresenta as criaturas, aproximando o jogador e criando um momento único de tensão. Em determinado trecho da campanha, a Iconik, estúdio responsável pela versão em Realidade Virtual (VR), recriou momentos marcantes de Little Nightmares II, como a icônica cena em que o Homem Magro (Thin Man) captura Six. Além disso, há outros trechos emblemáticos, como a passagem pela escola, onde a professora observa atentamente os alunos que estão bagunçando na aula.

Embora essa atmosfera sombria já estivesse presente no lançamento original em 2021, ela ganha uma dimensão completamente diferente na realidade virtual, tornando tudo mais intenso e assustador. Vale destacar também que Little Nightmares nunca exigiu que o jogador conhecesse os títulos anteriores para compreender sua narrativa, mas as diversas referências tornam a experiência ainda mais rica para quem já acompanha a franquia há muitos anos.

Sem oferecer armas ou qualquer meio direto de confronto, Altered Echoes mantém o jogador em constante vulnerabilidade, limitando suas opções a se esconder atrás de móveis, buscar abrigo em salas ou simplesmente correr para escapar das ameaças. Essa sensação é ainda mais bizarra na realidade virtual, que reforça a ideia de um mundo desproporcional, onde pequenos sobreviventes enfrentam perigos gigantescos. A ideia de recriar esse universo em VR é simplesmente genial, além de muitos jogadores já terem pedido por isso!

Uma experiência confortável em VR

Diferente de muitos títulos em realidade virtual, Little Nightmares VR: Altered Echoes pode ser jogado tanto em pé quanto sentado. Em termos de locomoção, o jogo adota apenas o movimento via analógico, sem a tradicional opção de teletransporte. Isso pode incomodar alguns jogadores, mas, na prática, a movimentação com os controles do PS VR2 Sense se mostra mais fluida e natural. Além disso, há a opção de giros rápidos, que ajudam a reduzir o desconforto e tornam a navegação mais confortável para quem tem sensibilidade a enjoo.

Outro elemento que contribui para reduzir o motion sickness é o uso da vinheta, que uma borda escura nas laterais da tela, estilizada para simular o capuz da capa da Six. Embora seja uma forma de reduzir os danos nesse quesito, ele serviu como uma funcionalidade e estética para o game.

Para quem opta por jogar sentado, o título oferece comandos simplificados que permitem realizar ações como escalar, descer e se agachar atrás de móveis com apenas um botão. Essas facilidades fazem diferença no conforto geral e não comprometem a imersão, funcionando como uma alternativa prática para reduzir o desconforto, especialmente para quem prefere uma experiência mais tranquila após um dia cansativo, sem precisar jogar o tempo todo em pé.

Com aproximadamente 5 horas de duração, o jogo mantém um ritmo consistente do início ao fim, exatamente o que se espera de Little Nightmares, ainda mais em uma experiência no PS VR2. Mesmo sem diálogos, o jogo entrega uma jogabilidade sólida com mecânicas simples, surpreendendo principalmente pela presença de criaturas perturbadoras.

Review de Little Nightmares VR: Altered Echoes – Vale a Pena?

Não é exagero dizer que Little Nightmares VR: Altered Echoes é um dos jogos mais divertidos de terror do PlayStation VR2. Com uma gameplay simples, onde é possível aprender todas as mecânicas rapidamente, o jogo conta com momentos marcantes dos títulos anteriores e coloca os jogadores em ambientes únicos e sombrios.

As opções de acessibilidade não são muito amplas, mas cumprem bem o papel de minimizar o motion sickness. Ao longo das cerca de 6 horas que passei com o jogo, não tive qualquer desconforto nesse aspecto e acabei me divertindo bastante, ainda mais por já ser fã da franquia. A versão em realidade virtual se destaca como uma experiência praticamente indispensável, e mesmo chegando mais tarde, mostra que há muito espaço para novos spin-offs ou até continuações nesse formato.

Um jogo perfeito e essencial para todos os jogadores!

• Código cedido gentilmente pela equipe da Bandai Namco Brasil.

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Embora possa parecer algo muito diferente de tudo o que a Nintendo tem oferecido em seu console híbrido, vale informar àqueles que não saibam que Tomodachi Life: Living the Dream é, na realidade, a mais nova sequência de uma série que surpreendentemente já possuía três títulos anteriormente. Tomodachi Collection (lançado apenas no Japão para DS em 2009), Tomodachi Life de 3DS (2013) e o jogo mobile Miitomo (2016) são os títulos anteriores dessa série cuja proposta é criar um simulador de vida utilizando os Miis como protagonista.

Para aqueles que já jogaram algum jogo anterior da franquia, Tomodachi Life: Living the Dream pode se configurar como uma sequência segura, cuja proposta é basicamente expandir tudo aquilo que a série fez anteriormente. Com mais opções de customização tanto para os Miis quanto para a sua ilha, com opções mais diversificadas (e engraçadas) de falas e interações, e com um número absurdo de itens, personagens e detalhes que podem ser colocados na tela ao mesmo tempo, Tomodachi Life: Living the Dream promete a melhor experiência na franquia.

Porém, a pergunta que muitas pessoas devem se fazer ao ver qualquer imagem ou vídeo de Tomodachi Life: Living the Dream é: essa franquia é pra mim? E a resposta é complexa, já que diferente de um jogo mais convencional, Tomodachi Life tem um senso de progressão, estilo e, principalmente, humor, muito, mas muito particulares. De antemão, já adianto que esse é um daqueles jogos ame-ou-odeie. É fácil entender que muita gente pode se apaixonar pela experiência esquisita oferecida por esse jogo, ao mesmo tempo em que isso pode afastar muitos jogadores.

Vivendo o sonho dos Miis

Para começo de conversa, eu acho que é até mesmo meio difícil responder à pergunta “o que é Tomodachi Life?”, porque esse é um jogo que é muito diferente de qualquer outro título do mercado. A comparação que pode fazer mais sentido é aproximá-lo a um jogo como The Sims, pois Tomodachi Life: Living the Dream pode ser encarado à primeira vista como um jogo de simulação da vida dos Miis, durante o qual pode customizar suas aparências, suas casas (e a ilha), suas roupas, enquanto você tenta mantê-los felizes e saciados.

A grande coisa de Tomodachi Life: Living the Dream, que o difere enormemente de todo e qualquer jogo, está em justamente como os Miis funcionam como essas criaturinhas esquisitas, engraçadas e altamente customizáveis. Desde o início, é você que cria cada um dos habitantes da sua ilha (e é possível ter um total de 70 deles!), incluindo sua aparência, personalidade, e até mesmo voz.

É aqui que entra outro elemento muito próprio de Tomodachi Life: esse é um jogo que trabalha com um sistema de text-to-speech. Esse é um tipo de tecnologia que está presente desde os jogos anteriores, que permite que o texto que aparece na tela seja “dublado por um robô”. Isso é utilizado tanto para acrescentar uma personalidade própria aos Miis e ao jogo, quanto como um sistema que incentiva um humor e comédia próprios.

A grande sacada da Nintendo com esse sistema está no modo como ele permite que você, o jogador, consiga alimentar o jogo com seu próprio vocabulário. Os Miis conversam, dialogam, brigam, discutem, e é o jogador que pode criar as principais palavras que serão utilizadas nessas interações. Com isso, o sistema de text-to-speech do jogo vai ditar qualquer coisa que você escrever, alimentando um sistema que pode ser tão engraçado quanto a sua imaginação permitir.

O humor é uma faca de dois legumes

Eu acredito que aqui esteja justamente o aspecto de Tomodachi Life: Living the Dream que possa ser fundamental para o seu aproveitamento. No final das contas, esse é um dos raros jogos que se propõem a ser quase que inteiramente a respeito de comédia. E, por possuir um tipo de humor muitas vezes bobo ou nonsense, é possível que você ame ou odeie tudo o que Tomodachi Life se propõe a fazer.

Particularmente, eu acho a maior parte das interações do jogo extremamente divertidas. Se você tem um “humor de quinta-série”, você pode ajudar a criar situações hilárias ao fazer dois Miis conversarem a respeito do seu tipo de peido favorito. Ou, ainda, você frequentemente verá cenas do “Mii News”, um telejornal diário que trará notícias a respeito de Miis publicando livros sobre fotos tiradas com comidas. Ou, por fim, você será testemunha de um triângulo amoroso dando super errado.

De modo geral, essas interações todas tem uma vibe exagerada e nonsense, próximas do que a gente encontra nos jogos da série WarioWare, por exemplo. É um tipo de humor que pode não ser para todo mundo, mas que soa muito “fresco” em tempos atuais, já que é muito difícil vermos quaisquer jogos sequer tentar focar em experiências mais comidas desse tipo.

Há, contudo, alguns pequenos problemas que surgem dos temas e do tipo de humor de Tomodachi Life: Living the Dream. Em primeiro lugar, não há muita substância (ou narrativa) para além do humor e dessas situações de “simulação de vida”. Quem busca uma história ou campanha pode ficar na mão, já que o jogo é um verdadeiro sandbox, nesse sentido. Além disso, as interações mais frequentes podem se tornar repetitivas, já que pode ocorrer rapidamente de você ver uma interação pela segunda ou terceira vez.

Uma caixinha de areia em forma de ilha

O que Tomodachi Life: Living the Dream oferece para amenizar um pouco a possível repetição é um palco absurdamente customizável, que pode se tornar uma ferramenta poderosa na mão de jogadores criativos, que gostam de jogos onde eles podem se expressar.

Basicamente, você pode editar quase todos os aspectos da sua ilha e dos personagens que nela habitam. Terreno, objetos, prédios e outros elementos podem ser realocados a qualquer momento, desde que você tenha os recursos necessários para isso. Nesse sentido, inclusive, o jogo tem um sistema de meta-progressão que funciona na base da felicidade dos seus Miis.

Resumidamente, tudo o que você fizer para um Mii, como dar uma comida que ele goste, participar de um mini-game com ele, ou ainda ajudá-lo a criar uma nova amizade (ou finalmente se declarar para aquele crush) é recompensado com pontos de felicidade, que evoluem tanto aquele Mii individualmente, quanto a ilha como um todo. Ao melhorar um Mii, você pode presenteá-lo com um “little quirk” (uma característica que o tornará mais único), ou um objeto interativo. Ao melhorar a ilha, por sua vez, você pode liberar novos terrenos, construções ou outros elementos.

Do sistema de criação de Miis ao sistema de edição da ilha, a liberdade que Tomodachi Life: Living the Dream oferece é surpreendente. Se você tiver a paciência e habilidade o suficiente, é possível transpor as mais diversas pessoas para sua ilha, ou ainda construir verdadeiras metrópoles com os mais variados designs possíveis. O único ponto negativo desse aspecto, é que a Nintendo não permite que você compartilhe seus Miis ou criações online — só é possível fazê-lo localmente.

A beleza está nos olhos de quem vê

Em termos de apresentação, Tomodachi Life: Living the Dream é um caso curioso, pois ele é ao mesmo tempo muito bonito em alguns aspectos, mas propositalmente “tosco” em outros. A performance do jogo no Nintendo Switch 2 é perfeita, e ele não apresenta quaisquer engasgos, mesmo se você decidir encher sua ilha com 70 Miis e uma tonelada de objetos e itens de decoração.

Visualmente, contudo, ele me parece ser “tão bonito quanto poderia ser”, já que devido à sua mistura meio bizarra de elementos 2D e 3D, ele é um jogo visualmente esquisito — mas eu diria isso de uma maneira até que positiva. A tosqueira de ter um PNG hyper-detalhado de uma comida, por exemplo, sobreposto aos modelos 3D da ilha e dos personagens cria um efeito cômico, que pode funcionar muito bem, apesar das limitações.

A trilha sonora do jogo também faz um bom trabalho em pontuar os diferentes momentos do dia. Por falar nisso, aliás, vale ressaltar que Tomodachi Life: Living the Dream apresenta alguns elementos que estão atrelados ao tempo no mundo real. Seguindo a mesma cartilha de Animal Crossing e Pokémon Pokopia, o tempo do jogo segue o tempo do mundo real, o que faz com que você desbloqueie interações diferentes se você jogar de manhã, de tarde, ou de noite.

Um último aspecto limitando de Tomodachi Life: Living the Dream está na ausência de localização em português do Brasil. O sistema de text-to-speech do jogo é bastante livre, e permite que você escreva palavras em português para as interações dos Miis (que as lerão com um “sotaque” gringo), mas ter todos os textos pré-feitos em uma língua que não a nossa certamente limita o apelo do humor do jogo apenas àqueles que sejam fluentes em inglês.

Review de Tomodachi Life: Living the Dream — um simulador divertido, que não é pra todo mundo

Eu sei que é muito clichê dizer que um jogo “não é pra todo mundo”, mas Tomodachi Life: Living the Dream é quase que a epítome desse termo. Quando você considera que o jogo anterior da série, lançado no Nintendo 3DS, vendeu absurdos 6.7 milhões de cópias, não é nenhum exagero afirmar que essa série possui sim um apelo muito próprio, e certamente pode atingir um público muito amplo nas plataformas modernas da Nintendo.

Todavia, como um jogo muito focado no humor, cujo principal aspecto de progressão e gameplay estão intrinsecamente ligados às capacidades criativas do jogador, Tomodachi Life: Living the Dream é um jogo com um público bastante específico. Se você gosta do humor estilo WarioWare e gosta de experiências focadas no aspecto mais criativo, então esse certamente é um jogo que tem tudo para te agradar.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Nintendo. 

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Aphelion, game que chega nesta semana aos consoles e PC, é uma jornada espacial muito única. Cheia de embasamento científico e com uma boa proposta narrativa, ela foge muito das contações de histórias tradicionais pra investir em algo muito mais voltado pros protagonistas. E olha… baita protagonistas.

Viajar ao espaço nunca foi tão remoto e desafiador. E sabendo que essa aventura está sob seu controle, não tem como negar que isso seria algo bem mais especial.

Há vida em Persephone?

Enviados pra uma missão de alto risco, os astronautas Ariane e Thomas, da Agência Espacial Europeia, chegam ao limite do Sistema Solar, mais precisamente ao planeta Persephone, onde devem executar uma varredura a fim de descobrir se a região é a melhor chance para a humanidade voltar a prosperar.

Como até 2060 a Terra se tornará inabitável devido às condições climáticas, a missão da dupla é tratada com uma certa urgência. Porém, depois de um incidente com a nave espacial, tudo vira de cabeça pra baixo quando eles descobrem que algo no planeta resiste às suas ações e que pode estar respondendo com uma força inimaginável.

Agora, Ariante e Thomas devem encontrar respostas não apenas pra esse contra-ataque, mas pra uma série de eventos chocantes que começam a acontecer à medida que eles se aproximam cada vez mais da fonte de Persephone.

Aphelion é um game de aventura, com foco narrativo, que leva de 7h a 8h pra ser finalizado. Ele possui uma estrutura bastante linear, mas algumas questões importantes podem abrir rotas alternativas (que levam ao mesmo lugar) e aumentar o sentimento de fator replay; apesar de não ser um fator replay em si.

Ao longo da campanha, enquanto buscam suas respostas, os protagonistas atravessam cenários dos mais paradisíacos até os mais remotos, que conseguem passar tanto uma sensação de segurança quanto uma de desespero puro. E tudo isso ocorre com um excelente senso de cinematografia, pois tudo é retratado de forma quase perfeita, quando falamos em termos narrativos.

A história de Aphelion, por sinal, é redonda por si só, mas pode ser muito expandida por meio de uma série de pistas. Elas incluem coletáveis, registros, quebra-cabeças muito simples e até mesmo detalhes nos ambientes, como enfeites, quadros, destruição e rastros de que algo ou alguém passou por lá.

Por fim, o jogo se prende a cerca de 10 capítulos, transitando a jogabilidade entre os protagonistas e mostrando como a distância e seus objetivos distintos se prendem a um único interesse: encontrar, a todo custo, o que está impedindo aquele planeta de ser próspero.

Objetivo em comum, mecânicas distintas

Por conta do acidente com a nave espacial, Ariane e Thomas se separam e passam a percorrer trechos totalmente distintos. Essa escolha narrativa mexe não apenas com o destino de cada um deles, mas também com as próprias mecânicas de jogo, que abordam aspectos diferentes a depender da situação.

Ariane, uma experiente montanhista, parte para um lado mais extremo do planeta, onde o gelo tomou conta praticamente de toda a região. Com isso, ela deve andar por trechos finos onde qualquer peso a mais pode fazer a camada ceder, correr de tempestades de raios e fugir desesperadamente de uma série de infortúnios.

Porém, seu fundamento tá na escalada. Aphelion é um jogo quase casual de escalada, onde Ariane pode se prender a saliências para chegar a pontos de interesse, descobrir atalhos e encontrar colecionáveis e outros itens importantes. Porém, fique de boa, pois a mecânica é simples: sua única preocupação é ter cuidado pra não cair após saltos e apertar o quick-time event na hora certa.

Outro ponto importante é a existência de um perseguidor que passa a ser chamado de Nêmesis no jogo. Ele é implacável e reage ao menor barulho que seja, principalmente durante saltos, escaladas e caminhadas na água. Esses trechos são essencialmente furtivos e até que funcionam bem, oferecendo recursos de distração e de proteção que conversam de forma ok com o game.

Infelizmente, aqui vemos alguns problemas. As escaladas são cheias de inconsistências, com comandos sem responder e falhas nas animações de Ariane. Enquanto isso, as perseguições em Aphelion não são boas, pois a câmera trava e sua movimentação fica muito limitada, transformando o jogo em um Temple Run, ou seja, em uma experiência travada e sem qualquer tipo de fluidez.

E Thomas?

Quanto ao Thomas, ele é bem mais narrativo. Basicamente seu papel é interagir com pontos de interesse e sobreviver a uma região mais quente, mas nada que seja insuportável. Assim, devido a outro infortúnio, ele precisa, a todo instante, reabastecer seu filtro de oxigênio; senão não respirará mais.

Os pontos de reabastecimento são bem distribuídos, mas nem todos são óbvios. Então, há um desafio em conseguir alcançá-los dentro de um determinado tempo, pois Thomas tem sua movimentação restringida devido ao acidente com a nave espacial.

Outro elemento, agora em comum entre os protagonistas, diz respeito a um gancho. Ele não somente permite que ambos puxem estruturas mais pesadas e abram atalhos, como também que Ariane se balance entre abismos pra alcançar lugares mais distantes. Nesse caso, a limitação de Thomas é muito bem explorada pela narrativa e pela própria jogabilidade.

O Pathfinder

Outro recurso interessante usado por Ariane é o Pathfinder. Esse comando de varredura ambiental é uma tecnologia de ponta da Agência Espacial que permite se reencontrar no ambiente e definir as melhores rotas pro seu objetivo.

Através dele, o jogo mostra não apenas pra onde ir, mas também outros locais alternativos que contam a história do jogo. Entre eles, estão desde antigas formações rochosas até estruturas alienígenas que destacam traços deixados em épocas onde aparentemente a vida ainda era uma lenda em Persephone.

Visualmente falando, é um recurso muito interessante e muito bem construído. Quando falamos de escala ambiental, ele vai longe e mostra como a Don’t Nod foi ambiciosa em termos conceituais e artísticos, criando mapas realmente impressionantes que mostram como a natureza se formou em regiões muito distantes da Terra.

Aphelion é muito mais que uma aventura interativa

Aphelion é um ponto fora da curva na história da Don’t Nod por não ser um jogo interativo. Aqui, vemos quick-time events e alguns comandos que se assemelham ao que presenciamos em Life is Strange, mas as coisas vão além por existir, de fato, uma estrutura narrativa bem consolidada que conversa muito com a jogabilidade.

O título possui uma excelente atmosfera, tornando a exploração geral, por mais simples que ela seja às vezes, em algo realmente fantástico. Aphelion, sem sombra de dúvidas, é uma experiência pra ser contemplada e que facilmente pode entrar no rol das grandes produções de ficção científica, fazendo frente até mesmo a premiados filmes e séries.

Cientificamente honesto, o jogo é belo em tudo que propõe. Porém, algumas questões de desempenho afetam sua solidez, pois quedas de fps são nítidas, bem como bugs visuais e algumas falhas na animação. E pra além disso, as sequências de perseguição/fuga são bem travadas e sem graça.

De toda forma, tive momentos emocionantes com Aphelion, e acredito fortemente que você terá. O jogo tem uma excelente história, e a forma como os fatos se desenrolam são simplesmente magníficos. Não tem jeito: quando se trata de narrativa, a Don’t Nod mostra que ainda tem o molho.

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O game estava em acesso atencipado e ultrapassou 1 milhão de jogadores. Agora a versão 1.0 está chegando ao Steam, assim como o lançamento do título no PlayStation 5, no dia 29 de abril de 2026.

Essa versão atualizada do game traz uma nova trilha sonora, mais um mago para enfrentar o caos, assim como, novos inimigos e um novo sistema de progressão.

O jogo mistura ação e um sistema de combate baseado em magia, colocando até quatro jogadores para enfrentar ondas de inimigos, mas você pode jogar no modo solo também.

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Mas será que esse caos mágico consegue se sustentar por mais tempo ou fica preso a uma diversão passageira? Fica comigo nesta review de The Spell Brigade e saiba tudo sobre o game.

Um caos mágico sem muita enrolação

A proposta de The Spell Brigade é simples: você e mais três jogadores assumem o papel de magos e precisam sobreviver ao avanço constante de inimigos em arenas fechadas. Não existe uma narrativa elaborada aqui, afinal o foco está totalmente na ação desenfreada.

Essa decisão funciona bem dentro da proposta. O jogo entende que quer ser uma experiência rápida, no melhor estilo Vampire Survivors da vida. Em poucos minutos você já está dentro da partida, enfrentando criaturas e acumulando melhorias.

Ainda assim, a ausência de qualquer construção de mundo ou progressão narrativa mais consistente faz com que tudo pareça descartável depois de algumas horas.

Gameplay traz diversão com boas ideias

O grande destaque está no combate. Cada jogador pode utilizar feitiços variados, que podem ser modificados ao longo da partida com elementos, relíquias e encantamentos. Esse sistema cria espaço para experimentação e combinações interessantes.

Misturar habilidades e descobrir sinergias inesperadas é, sem dúvida, o ponto mais divertido do jogo. Existe liberdade suficiente para testar estilos diferentes, o que mantém o fator replay do game.

Outro acerto importante é o fogo amigo sempre ativo. Essa escolha transforma o campo de batalha em um verdadeiro caos. Posicionamento passa a importar muito mais, e erros geram momentos imprevisíveis e muitas vezes engraçados.

No entanto, nem tudo diverte! A repetição aparece rápido. Os tipos de inimigos são limitados e começam a se repetir depois de poucas partidas. Os objetivos também não variam muito, e os mapas apresentam pouca mudança estrutural. Isso impacta diretamente na longevidade.

O resultado é um jogo que diverte bastante no início, mas perde força conforme o jogador percebe que já viu praticamente tudo o que ele tem a oferecer. E, além disso, as runs são bem demoradas, para você ter uma noção, na minha primeira partida eu joguei por bastante tempo, cheguei ao nível 30 e nem assim eu cheguei no boss final. Precisam ajustar isso logo.

Visual simples e desempenho sofrível no PlayStation 5

Dentro da proposta indie, The Spell Brigade entrega um trabalho visual gratificante. O estilo artístico é chamativo o suficiente para diferenciar habilidades e inimigos com clareza, algo essencial em um jogo com tanto caos na tela.

Os efeitos de magia cumprem bem o papel, ajudando a dar impacto às habilidades. Não é um jogo que impressiona tecnicamente, mas também não compromete a experiência.

Porém, no PlayStation 5, onde essa análise foi realizada, a performance deixou a desejar em momentos críticos. Quando a run já está mais avançada e há muitos inimigos na tela, a queda de FPS é brutal, em alguns casos, a ponto de comprometer a jogabilidade e causar mortes. Em situações mais extremas, a experiência chega a se tornar praticamente injogável.

Além disso, enfrentei um bug que me obrigou a fechar o jogo e iniciar novamente, já que ele ficou travado na tela de seleção de personagens.

A expectativa é que esses problemas sejam corrigidos no patch de lançamento, previsto para o dia 29 de abril. Ainda assim, no estado atual, são pontos que impactam diretamente a experiência.

Som cumpre o básico, mas cansa rápido

A parte sonora funciona, mas sem grandes destaques.

Os efeitos de feitiços são satisfatórios e ajudam a dar feedback durante o combate. No entanto, a trilha sonora se torna repetitiva rapidamente. A falta de variação musical faz com que as partidas percam parte do ritmo com o tempo.

Review de The Spell Brigade – Vale a pena?

Finalizo esta review de The Spell Brigade dizendo que ele traz uma experiência caótica e divertida. Ele funciona muito bem como um jogo para reunir amigos por 30 a 60 minutos, sem compromisso.

Por outro lado, a falta de variedade em inimigos, mapas e objetivos limita bastante sua longevidade. Não é um jogo pensado para longas jornadas, nem tenta competir com grandes títulos do gênero.

Se você busca algo leve, direto e com foco em cooperação e diversão, vale a pena dar uma chance, especialmente se o preço estiver acessível.

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Isso aconteceu devido à combinação única de elementos do jogo, com destaques para sua direção de arte extremamente singular, e uma abordagem muito única em termos de narrativa. Mais do que contar uma história com começo, meio e fim, OPUS: Prism Peak coloca o jogador como um construtor ativo de uma narrativa que, às vezes, mais parece um grande e caleidoscópico puzzle. É um jogo que me deixou com muitas perguntas, mesmo após os créditos finais — e digo isso da maneira mais positiva possível.

Antes de entrar em mais detalhes, contudo, acho importante dar um passo para trás e contextualizar melhor o que é OPUS: Prism Peak. Criado pelo estúdio independente Taiwanês SIGONO, e publicado pela Shueisha Games, OPUS: Prism Peak é o quarto título de uma série de jogos narrativos. Antes que você pergunte: não, não é preciso jogar qualquer um dos títulos anteriores para apreciar OPUS: Prism Peak, pois o título é totalmente independente, e se distancia bastante de seus predecessores.

Nesse aspecto, OPUS: Prism Peak se difere até mesmo em temática. OPUS: The Day We Found Earth, OPUS: Rocket of Whispers e OPUS: Echo of Starsong são basicamente novelas visuais (aquele tipo de jogo narrativo praticamente desprovido de mecânicas) com um grande foco em cenários e narrativas de ficção científica. Além de apresentar mais mecânicas e elementos de gameplay, OPUS: Prism Peak também muda o seu gênero narrativo com um todo, já que abandona o setting sci-fi para explorar uma história de fantasia envolvendo espíritos e animais antropomorfizados.

A viagem de Chihiro Eugene

Nessa narrativa, que dura cerca de 9 horas, você controla Eugene, um fotógrafo jornalístico que se encontra em um mundo mágico e estranho após um acidente de carro. Neste universo em que elementos do mundo real se mesclam à personagens e acontecimentos fantástico, Eugene decide ajudar Ren, uma cativante garota sem memórias, a chegar a sua casa, que fica no topo de uma gigantesca montanha.

Em termos de estrutura, o jogo é constituído por uma jornada bastante linear, durante a qual Eugene e Ren precisarão atravessar o mundo mágico das “Dusklands”, enquanto ajudam diferentes espíritos no decorrer do seu caminho. Esses espíritos, por sua vez, assumem a forma de diferentes animais, formas essas que refletem diferentes aspectos da sua personalidade, bem como do seu background e verdadeiro papel na vida e aventura de Eugene.

É fácil traçar paralelos entre a narrativa apresentada em OPUS: Prism Peak e filmes consagrados do Estúdio Gibli, como A Viagem de Chihiro. A vibe geral que o jogo passa (tanto em termos visuais, como em batidas narrativas) lembra muito algumas das fantásticas histórias de Hayao Miyazaki e sua equipe. A maior diferença está no papel do jogador em desenovelar o grande emaranhado narrativo de OPUS.

Digo isso, pois a narrativa de OPUS: Prism Peak é composta por diferentes camadas, algumas das quais precisam ser preenchidas pelo jogador tanto em termos mecânicos, quanto em ligações mentais relacionadas aos personagens e acontecimentos da vida de Eugene. Dentro do jogo, isso toma forma como um caderno de anotações, que o jogador precisa preencher com fotos, frases e outras informações que você passa a adquirir ao longo da narrativa.

Magnus Opus?

Essa estrutura focada em puzzle narrativo é, ao mesmo tempo, uma das maiores forças e também uma das poucas fraquezas de OPUS: Prism Peak. Diferente de outros tipos de jogos narrativos que entregam “de mão beijada” os maiores mistérios e batidas narrativas de sua trama, Prism Peak deixa ao cargo do jogador ligar os pontos e preencher o caderno de anotações de Eugene. Diferentes sessões, como páginas a respeito dos espíritos, lendas sobre a criação das Dusklands e até mesmo um alfabeto próprio compartilhado pelos habitantes desse lugar precisam ser preenchidos pelo jogador com as informações que você coleta ao longo do jogo.

O ponto negativo dessa estrutura está relacionada às forças e fraquezas de cada subplot apresentado em Prism Peak. Embora o trabalho mental de montar as peças narrativas do jogo seja bastante divertido, é um pouco frustrante passar boa parte do jogo questionando quem são determinados personagens, quais são seus papéis na trama, para chegar no final de descobrir que suas participações são, na realidade, pouco interessantes ou relevantes para o que Eugene e Ren precisam vivenciar.

É preciso dizer, contudo, que OPUS: Prism Peak apresenta diversas subtramas (além, é claro, do grande arco narrativo geral), e a maior parte de suas batidas narrativas são sim bastante interessantes. Mais do que isso, é interessante como o jogo expressa todo esse quebra-cabeça narrativo em forma de mecânicas. Como mencionei anteriormente, Eugene é um fotógrafo, e sua câmera é uma das principais ferramentas nessa grande aventura fantástica.

Pode parecer simples, mas o ato de “tirar fotos” é explorado de diversas maneiras por OPUS: Prism Peak. Identificar pontos de interesse, bem como os momentos certos de tirar determinadas fotos que servem como essas “peças” para os quebra-cabeças narrativos, é deveras interessante. Personagens podem pedir fotos específicas por meio de enigmas, e descobri-los em sua totalidade é uma tarefa divertida durante o jogo como um todo. O único revés é que é muito fácil perder fotos importantes em uma primeira run, o que pode deixar caminhos narrativos sem conclusões.

Uma bela foto fora de foco

Em termos de apresentação, OPUS: Prism Peak se sobressai enormemente tanto em relação aos seus visuais, quanto sua trilha sonora. O mundo mágico de Dusklands é representado em um estilo artístico cel-shaded que brilha graças ao fantástico uso de cores, bem como a superexposição de elementos comuns e fantásticos. Uma fábrica abandonada construída no topo de um enorme boi, uma estação de trem guardada por uma cachorra rabugenta e uma cidade habitada por sombras sussurrantes são apenas alguns dos belos cenários do jogo.

Infelizmente, contudo, toda essa beleza tem um certo custo, pois a performance no Nintendo Switch 2 deixa a desejar em algumas áreas. Por mais que o jogo seja muito bonito, apresentando uma resolução tanto no modo portátil, quanto na TV, algumas áreas são impactadas por quedas notáveis na taxa de quadros, dando a impressão de que o jogo está rodando lentamente em momentos específicos.

Além disso, também encontrei alguns pequenos bugs durante a minha aventura, como modelos de personagem que “piscam” em posições diferentes conforme você entra ou sai daquele cenário, ou ainda um estranho segmento em que a tela toda ficou preta e verde durante alguns segundos. A desenvolvedora já fez postagens se mostrando cientes de tais problemas, e prometeram lançar patches com correções tanto para o Nintendo Switch 1 quanto o Nintendo Switch 2, então talvez o jogo esteja em melhores condições em alguns meses.

O último “problema” que eu comentaria a respeito de OPUS: Prism Peak está relacionado a uma barreira específica para nós, brasileiros: a ausência de localização na nossa língua. A narrativa do jogo é bastante profunda, com muitos termos próprios que são criados para descrever o mundo das Dusklands e seus habitantes. Consequentemente, aproveitar o que há de melhor no jogo (sua narrativa) pode ser um desafio e tanto para alguém que não seja totalmente fluente na língua inglesa.

Review de OPUS: Prism Peak — um puzzle narrativo excelente, apesar de algumas barreiras

Se tratando de jogos narrativos, poucos jogos oferecem uma experiência similar ao que você encontra em OPUS: Prism Peak. Com um estilo artístico impressionante, ele apresenta uma narrativa profunda, que funciona como um quebra-cabeças que precisa ser completado pelo jogador. Embora nem todas as peças que o compõem sejam incríveis, esse foi um dos jogos mais marcantes que eu joguei esse ano, e me deixou pensativo durante muito tempo após sua conclusão.

Caso a barreira de idioma não seja um problema para você, e você não seja muito sensível a alguns pequenos engasgos e bugs aqui e ali, eu diria que OPUS: Prism Peak é um jogo que vale muito a pena ser testado. Para quem gosta dos filmes e narrativas apresentadas pelo Estúdio Gibli, esse é um jogo imperdível.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Shueisha Games.

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Para quem não sabe, existe uma forte comunidade de Pokémon focada justamente nesses aspectos competitivos dos jogos, incluindo campeonatos envolvendo os títulos mais atuais da franquia. É um nicho relevante e ativo, que explora uma surpreendente profundidade que existe na franquia de monstrinhos, já que para criar times eficientes nas modalidades competitivas, é preciso de muito (mas muito, muito mesmo!) trabalho, capturando os monstrinhos certos e evoluindo-os da maneira mais eficiente — além, é claro, de criar as melhores estratégias para o meta atual.

A ideia básica de Pokémon Champions é unificar esse aspecto competitivo em um lugar só, simplificando passos necessários para se criar times verdadeiramente eficientes. Dessa maneira, a camada competitiva de Pokémon não precisa mais ficar atrelada ao jogo mais recente, como Pokémon Scarlet & Violet, ou os vindouros Pokémon Ondas e Ventos. No plano das ideias, esse conceito de Pokémon Champions torna-se muito interessante, ainda mais considerando seu aspecto free-to-play. Agora, vamos falar sobre como isso acontece na prática?

O competitivo, mais simples do que nunca

O aspecto mais positivo de Pokémon Champions está, justamente, em como ele transforma a camada competitiva de Pokémon em algo muito mais acessível e fácil de se experimentar. Criar um time competitivo em jogos anteriores era um trabalho verdadeiramente hercúleo. Você precisava capturar a criatura certa, com os status corretos (o que por si só demorava horas), para só então treiná-la da maneira mais eficiente possível (gastando mais algumas horas no processo). Formar um time completo, com 6 monstros “azeitados” para o competitivo era uma tarefa para poucos.

Pokémon Champions remove todo esse atrito e simplifica o processo de captura e treinamento. Para começo de conversa, ele remove os chamados IV, os “individual values” dos Pokémon, que eram status com os quais cada monstrinho já nascia, e que basicamente definia se um Pokémon conseguiria se tornar uma boa opção competitiva ou não. em Pokémon Champions, os status base de todos os Pokémon são padronizados, o que torna todo o processo de montar um time muito mais simples.

Além disso, agora você pode customizar facilmente os status em um menu de treinamento, por meio do qual você consegue facilmente redistribuir os pontos extras, gastando apenas algumas moedas internas do jogo para isso. Quando você considera todos esses aspectos facilitadores, fica claro que Pokémon Champions faz um ótimo trabalho ao remover barreiras de tempo e esforço que impediam muitas pessoas de aproveitarem o competitivo.

Um jogo para competidores, e competidores apenas

Se por um lado, esses facilitadores transformam Pokémon Champions em uma opção mais acessível para jogadores que queiram explorar o competitivo de Pokémon, por outro, o jogo não oferece absolutamente nada para jogadores que gostem dos outros aspectos de Pokémon. Isso significa que o jogo não possui qualquer tipo de narrativa, menos ainda modos de jogo que não sejam focados nas batalhas contra outros jogadores.

Em outras palavras, se você não for um jogador interessado no competitivo de Pokémon, Pokémon Champions não vai oferecer nada de muito interessante para te prender. É curioso que, no início, você até é apresentado a alguns novos personagens, que cuidam de diferentes aspectos da Cidade de Frontier, onde acontecem os campeonatos no universo do jogo. Kajima, o prefeito da cidade, Caraway, a líder do cenário das batalhas, e Kitty, a responsável pelo rancho Pokémon (dentre outros personagens), possuem designs e personalidades bacanas. Porém, passado um tutorial inicial, eles basicamente não têm qualquer outro papel no jogo.

Jogadores que busquem por motivos para continuar jogando (além das batalhas em si) encontrarão alguns sistemas de quests bastante simplórias, que são dividas entre missões diárias, missões semanais, e missões limitadas a alguns pacotes de upgrade pagos. Embora elas adicionem algum fator replay para aqueles que se interessem, essas missões são muito simples, limitadas a repetição de batalhas em determinados modos de jogo, na escolha de Pokémons de tipos específicos, ou a utilização de golpes efetivos.

Gratuito, mas a que custo?

Como mencionei anteriormente, Pokémon Champions é um jogo free-to-play, bastante acessível em todos os níveis. Quero dizer com isso que é possível sim jogá-lo sem gastar nenhum dinheiro, desde que você não se importe em lidar com algumas limitações específicas. Ao começar o jogo, você já ganha seis Pokémon para o seu time base, e pode ampliar o seu time por meio de um sistema de gacha, que pode ser ativado gratuitamente uma vez por dia.

A maior limitação está no espaço de armazenamento dentro do jogo, que é limitado a 30 monstrinhos por padrão. Esse espaço pode ser aumentado com um Pacote Inicial (subindo o número para 80), ou ainda com uma assinatura que pode ser feita em modalidade mensal ou anual. Dependendo do tipo de jogador que você seja, a limitação de espaço pode ser comprometedora, principalmente conforme o jogo começar a adicionar novos Pokémon.

Por falar nisso, é preciso destacar que, em seu lançamento, Pokémon Champions traz uma seleção limitada de 187 Pokémon, incluindo as suas Mega Evoluções. Considerando que a quantidade de criaturas atuais já passa da casa do milhar, é possível que alguns dos seus monstros favoritos tenham ficado de fora. A promessa, contudo, é que outros Pokémon sejam adicionados com o passar do tempo.

Beedrill, Pinsir e outros bugs

Além de novos Pokémon, outra coisa que precisa chegar em futuras atualizações de Pokémon Champions são correções de bugs e problemas técnicos que mancham enormemente a experiência de jogo. No momento em que escrevo essa análise, a The Pokémon Company já confirmou que está trabalhando em patches para corrigir falhas nas animações de movimento, problemas no registro de golpes, dentre outros bugs do tipo.

É uma situação estranha, contudo, visto que Pokémon Champions não foi lançado como Early Access, e já possui diferentes formas de monetização em seu estado atual, o que não permite admitir qualquer tipo de bug como esse. Além disso, compromete ainda mais essa situação o fato de o jogo não utilizar o hardware do Nintendo Switch 2 em sua plenitude, trazendo limitações de performance bizarras, como uma taxa de quadros limitada a 30fps.

Além disso, existe um bug bizarro ligado ao modo TV do Switch 2. Basicamente, se você ligar o jogo com o console já conectado na TV, por algum motivo ele carrega a resolução do modo portátil — o que deixa o jogo com um aspecto bastante borrado. Se você tirar o Switch 2 da base e conectá-lo de novo, o sistema do jogo “entende” que você está usando a TV, e passa a enviar uma imagem em 4k nativo. De verdade, eu não me lembro de ter visto nenhum outro jogo se comportar assim. É surreal.

Review de Pokémon Champions — para fãs, e ninguém mais

Na minha opinião, Pokémon Champions é um jogo com uma ideia muito boa, mas que em sua execução atual, deixa muito a desejar. A maneira como ele simplifica os aspectos mais trabalhosos do competitivo de Pokémon é algo extremamente positivo. É uma pena, contudo, que praticamente todos os elementos ao seu redor sejam meio fracos, desinteressantes, ou literalmente quebrados.

Se você gosta da franquia Pokémon, e tem algum mínimo interesse em seu aspecto competitivo, o fator free-to-play permite que você pelo menos dê uma testada no que Pokémon Champions tem a oferecer. Todavia, caso você procure uma experiência mais envolvente de Pokémon, acredito que você possa se divertir mais em qualquer outro jogo da franquia — ao menos até Pokémon Champions receber suas tão necessárias atualizações de correção.

PS: A análise foi feita em um Nintendo Switch 2 através de uma cópia cedida pela Nintendo.=

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