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Depois de algumas horas jogando, percebi que estava completamente enganado. Copa City não é um jogo sobre futebol. É um jogo sobre tudo aquilo que acontece antes de a bola rolar.

Enquanto a maioria dos títulos esportivos coloca o jogador dentro das quatro linhas, aqui a missão é garantir que o espetáculo aconteça sem problemas.

E isso significa administrar absolutamente tudo: segurança, transporte, iluminação, alimentação, infraestrutura, circulação de torcedores, decoração da cidade, limpeza, energia e diversos outros detalhes que normalmente passam despercebidos por quem apenas assiste a uma partida. A proposta é extremamente original e, ao mesmo tempo, incrivelmente ambiciosa.

Desenvolvido pela  Triple Espresso S.A, o game chega para PS5, Xbox e PC no dia 16 de junho de 2026. Sem mais enrolação, vamos fazer a bola rolar com essa review de Copa City:

Um tycoon que leva o gerenciamento ao limite

Logo no tutorial fica claro que Copa City quer oferecer uma experiência muito mais profunda do que aparenta.

O jogador assume a responsabilidade de organizar grandes eventos esportivos em cidades inspiradas em locais reais, como Rio de Janeiro, Berlim e Varsóvia, utilizando estádios famosos como ponto central de toda a operação. Não basta abrir os portões e esperar a torcida chegar.

É necessário construir áreas comerciais, posicionar barracas de alimentação, instalar iluminação, organizar acessos, distribuir banheiros, preparar equipes de segurança e até controlar o deslocamento das torcidas pela cidade. Esse talvez seja o maior diferencial do jogo.

Enquanto outros simuladores focam apenas na administração interna de um local específico, Copa City amplia essa ideia e transforma toda a cidade em parte da experiência. Em diversos momentos tive a sensação de estar organizando uma final de campeonato de verdade.

O cuidado com o futebol impressiona

Outro detalhe que gostei bastante foi o uso de clubes oficialmente licenciados.

Entre as equipes presentes estão Flamengo, Arsenal, Bayern de Munique, Borussia Dortmund, Beşiktaş e Olympique de Marseille. Além do Fluminense que chegará em uma DLC.

Cada torcida possui características próprias e exige cuidados específicos. Em alguns casos, é preciso separar setores inteiros do estádio para evitar conflitos entre rivais. Também é possível criar áreas voltadas para famílias ou para torcidas mais organizadas, influenciando diretamente a organização do evento.

Essa preocupação em representar o comportamento das torcidas deixa tudo muito mais interessante para quem gosta de futebol.

O sistema de gerenciamento é gigantesco

Se existe uma palavra que define Copa City, essa palavra é complexidade. Existe uma quantidade enorme de sistemas funcionando simultaneamente.

Você administra transporte público, posiciona estruturas temporárias, organiza áreas de alimentação, controla iluminação através de geradores, define setores do estádio, cria áreas comerciais e ainda acompanha indicadores de satisfação, segurança e fluxo de pessoas.

Tudo está conectado. Uma decisão aparentemente simples pode afetar diversos outros sistemas do mapa. Confesso que fiquei impressionado com a quantidade de possibilidades oferecidas pelo jogo. Por outro lado, também senti que os desenvolvedores exageraram um pouco.

Complexo até demais

Mesmo familiarizado com jogos tycoon, demorei bastante para me sentir confortável com todas as mecânicas. A interface despeja informações na tela o tempo inteiro, com inúmeros menus, gráficos, indicadores e notificações funcionando simultaneamente.

Em alguns momentos, tive a sensação de estar administrando uma planilha gigantesca em vez de um evento esportivo. Acredito sinceramente que Copa City poderia oferecer um modo simplificado para jogadores iniciantes.

Quem gosta de gerenciamento minucioso certamente vai adorar esse nível de profundidade. Já o público casual provavelmente encontrará uma barreira enorme logo nas primeiras horas. É um daqueles jogos feitos para um nicho bastante específico.

Construir é prazeroso, mas o visual decepciona

Existe algo bastante satisfatório em montar toda a estrutura da cidade. Passei bastante tempo organizando áreas de alimentação, posicionando iluminação e deixando determinados setores exatamente como eu queria.

O problema apareceu quando tudo começou a funcionar. Apesar do enorme trabalho realizado pelo jogador, o resultado visual não acompanha o mesmo nível de capricho. Os gráficos são simples e passam uma sensação de pouca evolução para os padrões atuais da geração.

As construções cumprem seu papel funcional, mas raramente impressionam visualmente. No PlayStation 5 base, plataforma onde joguei, fiquei com a sensação de que Copa City poderia entregar muito mais nesse aspecto.

Interface e câmera também poderiam evoluir

Outro ponto que me incomodou foi a interface. A HUD é extremamente carregada e ocupa boa parte da tela com informações que nem sempre são necessárias naquele momento.

Além disso, a movimentação da câmera também poderia ser melhor. Ela funciona, mas nunca parece totalmente confortável durante a administração da cidade e das construções.

São detalhes pequenos, porém constantes, que acabam tornando longas sessões de jogo mais cansativas do que deveriam.

Trilha sonora e localização ajudam na imersão

Se o aspecto visual deixa a desejar, a ambientação sonora faz um bom trabalho.

A trilha acompanha toda a experiência com músicas leves e relaxantes que combinam perfeitamente com o ritmo do gerenciamento. Gostei especialmente do efeito em que a música ganha intensidade quando afastamos a câmera para observar a cidade de forma panorâmica e diminui quando aproximamos a visão das construções.

É um detalhe simples, mas que aumenta bastante a sensação de imersão. Outro ponto positivo é a localização completa para português do Brasil, algo extremamente importante em um jogo tão complexo.

Desempenho sem problemas

Durante minhas partidas no PlayStation 5, não encontrei problemas técnicos relevantes. As transições entre áreas ocorreram normalmente, não percebi quedas de desempenho e a experiência permaneceu estável durante toda a jogatina.

Também não senti falta de recursos específicos do DualSense. Pelo próprio estilo do jogo, isso acaba não fazendo diferença.

Review de Copa City: Vale a Pena?

Finalizo esta review de Copa City afirmando que vale a pena, sim, ainda mais se você é um fã de jogos tycoon e ama gerenciar tudo e todos, mas já comece o game sabendo o que vai encontrar para não se frustrar com a complexidade, em outras palavras, ele é um jogo extremamente específico.

Quem procura um simulador casual provavelmente ficará assustado com a quantidade de sistemas, menus e decisões necessárias para organizar uma única partida. Por outro lado, quem gosta de jogos tycoon encontrará aqui uma experiência bastante diferente de tudo que existe atualmente.

Administrar um grande evento esportivo, cuidar do entorno do estádio, controlar o transporte dos torcedores, organizar segurança, alimentação e infraestrutura é algo que poucos jogos já tentaram fazer.

Apesar das críticas aos gráficos, à interface e ao excesso de complexidade, não consigo negar que existe um charme enorme em ver toda aquela operação funcionando graças às decisões que tomei durante a partida.

Por fim, Copa City ocupa um espaço praticamente inédito ao transformar os bastidores de um grande evento de futebol em um simulador de gerenciamento profundo e extremamente detalhado. Só esteja preparado para estudar bastante antes de conseguir aproveitar tudo o que ele oferece.

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A narrativa funciona sem o conhecimento prévio por que ela foi estruturada para ser um jogo prequel. Ou seja, os eventos se passam antes dos acontecimentos do primeiro jogo.

Uma coisa que não me agradou aqui é que a história é fragmentada em capítulos. Na maior parte dos capítulos, jogamos com personagens diferentes, em locais diferentes. Essa falta de continuidade me incomodou um pouco e penso que o jogo funcionaria melhor se seguisse o formato tradicional do storytelling. Contudo, é justo mencionar que as partes meio que passam a “conversar entre si” do meio pro final do jogo, contudo os capítulos iniciais causam bastante estranheza.

A atmosfera e a lore lembram muito Stranger Things. Crianças especiais com poderes telepáticos, organizações governamentais e mais. A história é relativamente curta, logo, não vou dar detalhes específicos. Ela se expande muito e aborda temas que certamente vão agradar os fãs mais ferrenhos da temática sci-fi.

O storytelling varia muito graças à inspiração em temáticas de horror e cyberpunk, além disso, fiquei positivamente surpreso com o quão bem cada “episódio” é bem escrito e os personagens são muito bem abordados mesmo com boa parte dos capítulos durando entre 40 a 60 minutos. Um grande ponto negativo pra mim é a falta do voice acting nos diálogos. Isso diminui consideravelmente o impacto narrativo e a retenção da atenção de quem joga.

A jogabilidade

A exploração de Echo Generation 2 é bem direta ao ponto. Como os cenários são relativamente lineares, você pode vagar pelas salas para encontrar cartas e interagir com NPCs.

A grande mudança está no sistema de combate. O primeiro funcionava como um RPG de turnos tradicional, já a sequência conta com um sistema completamente novo, misturando os turnos com mecânicas de deckbuilding.

Fiquei positivamente surpreso com a variedade de cartas e efeitos, e o interessante é que essa variedade permite que os jogadores construam múltiplas maneiras de jogar. Você pode montar um deck completamente ofensivo, que foi o meu caso, ou montar um deck híbrido, com opções de ataque e recuperação de defesa.

Na medida que fui progredindo, fui mesclando as cartas ofensivas com cartas de efeito e utilitárias, permitindo que meu personagem jogasse múltiplas vezes durante um turno. As cartas podem acionar efeitos. Você pode causar queimadura nos inimigos e usar uma carta para desencadear uma explosão por exemplo, causando dano massivo.

Vale mencionar que tudo isso funciona de maneira super intuitiva. Eu não tinha nenhuma experiência com jogos de cartas com exceção de Gwent e consegui progredir normalmente. As horas iniciais do game funcionam bem como uma introdução e a curva de dificuldade é amigável.

O jogo tem até uma mecânica de RPG-lite atrelada à progressão. Os personagens ganham experiência e mudam de nível, ganhando pontos de habilidade que podem ser aplicadas numa árvore de habilidades bem simples.

Direção de arte, som e desempenho

Artisticamente falando, Echo Generation 2 é um jogo super autoral. O estúdio manteve a ideia do primeiro jogo, continuando a aposta nos visuais em voxel art. A cereja do bolo aqui é o incremento nas técnicas de iluminação e sombreamento, dando uma camada extra muito bem vinda de detalhes, favorecendo a imersão.

Graças aos capítulos fragmentados, temos uma variedade impressionante de cenários e ambientes, o que ajuda a afastar o sentimento de repetição mesmo em longas sessões de gameplay.

Outro ponto que preciso destacar é a qualidade das animações. Tanto as cutscenes quanto o acionamento de cada carta é acompanhado de animações e efeitos belíssimos que tornam a experiência ainda mais charmosa.

Eu joguei em um Predator Helios 300 e, por ser indie, o jogo rodou de maneira satisfatória. Não tive nenhum bug, queda de frame ou qualquer coisa do tipo, indicando que o jogo está muito bem otimizado.

A parte sonora acompanha a qualidade visual. Os efeitos e trilha sonora são muito competentes e ajudam na imersão da trama. Como mencionei lá em cima, a parte sonora só deixa a desejar por conta da ausência de vozes nos diálogos.

Review de Echo Generation 2 – Vale a Pena!

Ter jogado Echo Generation 2 me deu uma vontade enorme de jogar o primeiro título da franquia e consumir mais e mais coisas da saga, logo, diria que a Cococucumber acertou em cheio na sequência. Eles entregam uma narrativa intrigante revestida por um sistema de jogabilidade baseado em cartas que é altamente viciante, intuitivo e que está super em alta dentro do mercado. Somado a isso, temos uma parte técnica e artística super competente, com um trabalho sonoro cheio de identidade e visuais em voxel belíssimos que ajudam a destacar Echo Generation 2 perante outros games do gênero. Super recomendo!

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Desenvolvido pela Leap Studio, o game chega no dia 26 de maio para PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch e PC. O jogo já estava disponível em acesso antecipado desde 2024 no PC, onde acumulou avaliações muito positivas na Steam, e agora finalmente estreia em sua versão completa nos consoles.

• RELACIONADO: Testamos Realm of Ink na gamescom Latam 2026

Depois de quase 10 horas jogando no PlayStation 5, ficou fácil entender por que tanta gente gostou do projeto. Realm of Ink possui um loop de gameplay viciante e um fator replay muito forte. Ao mesmo tempo, também apresenta alguns problemas que impedem o jogo de alcançar um nível ainda melhor.

Fica comigo nesta review de Realm of Ink e entenda o que funciona tão bem no jogo e quais pontos ainda precisam de ajustes. Caso prefira, segue a análise em vídeo:

Os personagens carregam boa parte do jogo

Logo nas primeiras runs, fica claro que o principal destaque de Realm of Ink está nos personagens jogáveis. São 10 personagens diferentes, cada um com armas e estilos próprios de combate.

Existem personagens focados em ataques rápidos corpo a corpo, outros mais voltados para magia e até personagens focados em ataques à distância.

O fator replay nasce justamente daí. Em vários momentos eu terminava uma run e já queria começar outra apenas para testar um personagem diferente.

E sinceramente, esse é um dos maiores acertos do jogo.

Builds e relíquias fazem as runs funcionarem muito bem

A estrutura das runs segue aquele modelo clássico do gênero. Você avança por salas derrotando inimigos, enfrenta mini-chefes e bosses principais e escolhe recompensas no final de cada combate.

As builds possuem bastante profundidade graças ao sistema de elementos. Fogo, água, terra e metal, madeira, entre outros, alteram bastante o funcionamento da gameplay e permitem estilos diferentes de construção. Durante boa parte do meu tempo jogando, por exemplo, eu utilizei builds focadas em queimadura e dano contínuo.

O jogo também trabalha com uma grande quantidade de relíquias, elixires, vantagens e melhorias passivas. Por isso, ler os efeitos dos itens faz bastante diferença, principalmente nas dificuldades mais altas. Não é um roguelite onde você pode simplesmente escolher qualquer upgrade no automático esperando que tudo funcione.

Outro ponto positivo está justamente na quantidade de conteúdo. Realm of Ink oferece dezenas de relíquias, muitos NPCs, mascotes, upgrades permanentes e sete níveis de dificuldade. Sempre existe algo novo para desbloquear ou testar.Foi exatamente isso que me manteve jogando por tantas horas seguidas.

Pense bem em como vai evoluir

Constantemente, durante as runs, eu passei pela HUB do game, um local onde ficam os NPC’s prontos para evoluir nosso personagem e/ou ajudar em algo e, aqui fica uma parte crucial para se dá bem em Realm of Ink.

É a hora de tomar as melhores decisões possíveis, qual runa evoluir, como gastar suas suadas moedas, qual comida ingerir, etc.. Fica ligado nisso, vai por mim, é muito importante saber qual decisão tomar.

Os principais NPC’s que estão sempre na HUB pra te ajudar são:

• Grace: Melhora suas relíquias
• Golda: mercador de reliquias e vantagens
• Chefe Jade: prepara os suplementos

• Quilin de tinta: troca pedras por vantagens

O combate diverte, mas a tela vira bagunça em vários momentos

A gameplay é rápida e funciona muito bem quando tudo está sob controle. O problema começa quando a build evolui e o jogo enche a tela de efeitos visuais e partículas acontecendo ao mesmo tempo.

Em vários momentos eu simplesmente não conseguia diferenciar meus ataques dos golpes inimigos. Inclusive, recomendo bastante desativar os números de dano nas configurações e aumentar a transparência dos efeitos. Isso ajuda um pouco na leitura visual do combate.

Mesmo assim, Realm of Ink exagera nos efeitos em diversos momentos. Teve partes em que eu só desviava e apertava os botões quase no instinto porque a tela estava confusa demais. Atrapalha demais e deixa a gente no automático.

As dificuldades finais poderiam ser melhor balanceadas

O game possui sete níveis de dificuldade, e até o quinto nível a progressão funciona bem. O problema aparece na transição para os níveis 6 e 7. A dificuldade sobe muito de uma vez.

Os inimigos passam a absorver bastante dano e o jogo começa a exigir builds muito mais específicas. Até aí tudo bem, porque esse tipo de desafio faz parte do gênero. O problema real está no funcionamento do endgame.

Depois de derrotar o chefe principal nas dificuldades maiores, o jogo libera uma área extra com novos desafios e um chefe verdadeiro. Só que essa parte final praticamente não entrega recursos suficientes para melhorar sua build.

Os NPCs continuam aparecendo normalmente na Hub, mas quase não existem materiais ou moedas suficientes para comprar melhorias relevantes. Em vários momentos eu chegava até os comerciantes sem conseguir fazer praticamente nada.

Foi uma decisão que deixou essa parte final estranha em termos de progressão.

Chefes e cenários ajudam na variedade das runs

Apesar disso, Realm of Ink acerta bastante nos cenários e nos chefes. As áreas possuem boas diferenças visuais entre si, variando entre ruínas, florestas, montanhas, jardins e oásis. O jogo utiliza um estilo inspirado em pinturas tradicionais chinesas e consegue construir uma identidade própria.

Alguns cenários das dificuldades finais são especialmente bonitos.

Já os chefes conseguem variar bem as batalhas. Existem bosses focados em velocidade, outros com invocações e até lutas contra múltiplos inimigos ao mesmo tempo. Os mini-chefes também ajudam a quebrar o ritmo das runs.

A história existe, mas dificilmente será o motivo para continuar jogando

Realm of Ink tenta trabalhar uma narrativa envolvendo a protagonista Espadachim Vermelho (Red) e sua busca por liberdade dentro do chamado Caminho Celestial.Só que a história acaba sendo simples demais.

O jogo tenta seguir aquela estrutura em que NPCs liberam novos diálogos após cada run, mas aqui isso acontece de forma muito limitada. Depois de algumas partidas, vários personagens praticamente deixam de ter algo interessante para dizer.

Os finais também acabam decepcionando bastante e passam longe de entregar um encerramento marcante.Não considero a narrativa ruim, mas ela claramente não foi o que me manteve interessado no jogo.

Visual agradável, boa performance e trilha sonora pouco memorável

Visualmente, Realm of Ink possui personalidade própria graças ao estilo inspirado em pinturas orientais, falando especificamente dele, o mesmo usa o Ink-wash painting, ou Shui-mo, uma pintura tradicional chinesa. O resultado funciona bem, principalmente nos cenários mais avançados.

Em relação ao desempenho, o jogo rodou bem no PlayStation 5 durante praticamente toda a análise. Não encontrei quedas de FPS durante os combates, o que é importante para um roguelite tão rápido.

Por outro lado, senti alguns engasgos em menus, principalmente ao trocar personagens ou substituir relíquias. Também encontrei pequenos problemas de tradução e textos cortados na interface. Nada grave, mas são detalhes que ainda poderiam receber ajustes.

Já a trilha sonora acabou sendo um ponto fraco para mim. Os efeitos sonoros funcionam bem durante o combate, mas as músicas rapidamente começaram a ficar repetitivas. Em boa parte do tempo, eu preferi abaixar o volume do jogo e ouvir música enquanto jogava.

Review de Realm of Ink: vale a pena?

Finalizo esta review de Realm of Ink cravando que ele é um roguelite divertido e com bastante conteúdo para quem gosta do gênero. A variedade dos personagens e a quantidade de builds que podem ser criadas conseguem sustentar muitas horas de jogo.

Ao mesmo tempo, o jogo também sofre com problemas claros de poluição visual, algumas decisões estranhas de progressão nas dificuldades finais e uma narrativa pouco interessante.

Mesmo assim, Realm of Ink consegue acertar justamente no ponto mais importante para um roguelite: a vontade constante de começar mais uma run e nisso ele acerta na mosca. Resumindo, ele pode fazer uma bela pintura na sua biblioteca gamer.

Curtiu esta review de Realm of Ink? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: 007 – First Light (PS5 Pro)
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Meu contato com a franquia começou de um jeito simbólico. Através de meu pai. Ele adora os filmes antigos de James Bond e acabei nutrindo a mesma admiração.

Acho importante deixar isso claro pra ilustrar o tamanho das minhas expectativas para o jogo. Inicialmente, lá na época do anúncio, eu estava cautelosamente otimista.

Apesar da IO Interactive ser um estúdio renomado, não conseguia enxergar a equipe entregando um jogo memorável de James Bond. Nos games, a IP estava simplesmente abandonada. Felizmente, eu estava redondamente enganado.

A IO Interactive entrega um jogo que faz jus ao legado gigantesco do personagem e que se posiciona facilmente como um dos melhores games do gênero em toda a história. Confira abaixo meu review de 007: First Light e saiba por que eu achei a aventura fantástica!

A Serviço Secreto de Sua Majestade

Interpretar James Bond, mesmo que em um jogo eletrônico, não é nada fácil. O personagem apresenta vários maneirismos e um charme que o ajudaram a se tornar um símbolo cultural.

Para a minha surpresa, Patrick Gibson não só brilha no papel como rivaliza com grandes nomes que assumiram o manto, como Roger Moore e Pierce Brosnan. First Light é uma história de origem mas, apesar disso, a IO teve o cuidado em escrever James já com um nível elevado de autoconfiança e carisma.

A escrita precisa ser destacada aqui. O roteiro como um todo do jogo rivaliza com os maiores filmes da saga. Temos vários personagens muito bem escritos e setpieces de tirar o fôlego que se espalham em países conhecidos e exóticos.

O panteão de 007 é revitalizado. Moneypenny, Q, M… todos eles marcam presença na obra de um jeito novo mas mantendo as características centrais que eternizaram esses personagens no imaginário popular.

É impossível um fã de 007 não lembrar de Judi Dench com a atuação de Priyanga Burford. Ela serve como uma necessária dose de controle para a impulsividade enebriante de James. A versão escolhida de Q, interpretada por Alastair Mackenzie, lembra muito a de Desmond Llewelyn.

Uma mudança que me agradou bastante é a relação entre James e Moneypenny. A personagem tradicionalmente era colocada em um papel secundário, muitas vezes de secretária apaixonada, mas em First Light ela tem um papel ativo, servindo como o suporte de TI e meio que a central de inteligência entre missões. A relação entre os dois é divertidíssima graças à um roteiro impecável e diálogos inteligentes.

Um ponto que me deixou em cima do muro foram os antagonistas. Suas motivações, mesmo que atreladas à temas atuais como inteligência artificial e controle de mercados, acabam sendo mal exploradas, o que acaba dando a eles um ar meio caricato e de superficialidade.

Seria fantástico se a equipe fugisse um pouco do esperado para um jogo como esse. Considerando que a franquia apresentou alguns dos vilões mais icônicos do entretenimento como Blofeld, Zorin, Dr. No e Stromberg, eu esperava um pouco mais nesse departamento.

Vale mencionar que não estou afirmando que o game entrega vilões ruins e sim que optaram por jogar um pouco mais no seguro. Também preciso exaltar o tremendo respeito e conhecimento que a IO Interactive demonstrou com a franquia.

Em muitos momentos você se vê jogando um dos filmes da franquia, mas de um jeito extremamente positivo e amplificado. A qualidade da escrita, os Aston Martin e Range Rover, os drinks, os flertes com belas damas… cada peça, pequena ou grande, do que compõe o “mythos” de 007 é apresentada de maneira genial.

É um desafio hercúleo construir um James que ainda está se tornando o lendário 007 mas a equipe sorriu para o perigo e soltou o: Sem Tempo Para Falhar. Poder ver um pouco do treinamento do Programa 00 e o início do que pode se tornar uma das franquias mais icônicas dos games é um privilégio.

No mais, a duração do jogo é bem interessante. São 17 capítulos ao todo e muitos deles possuem um elevado fator replay graças ao brilhantismo da IO Interactive. Uma jogatina em um ritmo normal vai levar entre 14 a 16 horas.

Na maior parte das vezes, os objetivos podem ser concluídos de várias maneiras diferentes. Por exemplo, em uma das missões iniciais, eu precisava garantir o acesso aos andares superiores de uma boate. O próprio jogo sugere subir pela sacada ou passar sorrateiramente pela área dos funcionários.

Eu andei um pouco pela boate e surgiu uma oportunidade de escutar uma das pessoas da boate. Na conversa, ela fala sobre uma lista e avisa pra pessoa falar o nome Jones na bilheteria para conseguir o acesso ao “lounge premium”.

Com a informação, Bond consegue ir até a bilheteria, falar o nome e cumprir o objetivo de um jeito completamente diferente. Outra opção seria entrar sorrateiramente na bilheteria, distrair os funcionários e roubar o carimbo com o selo do lounge vip.

Isso se repete em praticamente todas as missões e objetivos principais, permitindo que o jogador exerça sua criatividade. O level design é inteligente e variado, trazendo um frescor e uma lição importante para a indústria como um todo.

Licença para Matar

A jogabilidade de 007: First Light bebe da fonte de IPs conhecidíssimas. Temos inspirações diretas em Hitman, outro jogo da IO Interactive, Watch Dogs, Uncharted e surpreendentemente Batman: Arkham.

Com a campanha promocional, milhares e milhares de jogadores mundo afora compararam o jogo à Uncharted mas essa é uma das inspirações mais tímidas do game.

Os trechos furtivos e o design aberto das missões lembram muito o que vimos no game mais recente do Agente 47. Pra quem estava preocupado no game ser uma skin de Hitman, a diferenciação é cristalina aqui.

A campanha dosa bem entre espionagem e combate frenético, mas você pode concluir praticamente todos os trechos de combate do jogo indo pra cima dos inimigos. A furtividade é completamente opcional.

Eu joguei na dificuldade Normal e achei que ela proporciona uma experiência justa. Os inimigos conseguem te detectar razoavelmente fácil quando você entra no campo de visão deles, mas existe tempo o suficiente para tomar medidas em relação a isso.

O combate corpo a corpo lembra, surpreendentemente, uma evolução do que vimos em Batman: Arkham. Aparar e desviar de golpes é vital para nocautear os inimigos. É absurdo o quanto o combate, tanto corpo a corpo, quanto com armas, está prazeroso. Tudo tem impacto, com animações de ponta e um leque amplo de opções.

James Bond é versado em várias artes de combate e o título deixa isso claro. Podemos agarrar inimigos e lançar eles de parapeitos e temos uma interatividade bem alta entre o combate e o ambiente. Arremessar inimigos em janelas de vidro faz elas quebrarem e atordoarem o adversário. Jogar eles em direção à um extintor de incêndio causa uma “explosão” e tanto, e por aí vai!

Os abates ambientais são divertidíssimos e funcionam como um charme a mais. No quesito armas de fogos, temos opções como pistolas, submetralhadoras, fuzis, escopetas… a balística de cada arma está excelente, com o devido impacto ao atingir os inimigos. O uso de armas de fogo não é livre! James só recebe a famosa “Licença Para Matar” caso um inimigo empunhe e use uma arma de fogo.

Somado a isso, os gadgets lendários de Bond retornam. Temos inserções inéditas pensadas exclusivamente para o game e outros dispositivos que se tornaram uma marca registrada da saga. Não vou mencionar em específico quais são, mas se você for um fã de Bond, prepare-se para sorrir bastante.

Agora, você deve estar se perguntando, tá, mas e onde Watch Dogs entra nisso? Bom, o dispositivo central de James é seu super relógio Omega. O relógio usa bateria e consegue hackear dispositivos, disparar feixes de laser e mais. Ele é uma peça essencial para a progressão em certas fases, criando distrações para os adversários e proporcionando uma espécie de Visão de Detetive para quem busca os colecionáveis.

Um ponto que preciso mencionar é que aplicaram melhorias significativas na dirigibilidade dos veículos e os trechos de perseguição estão fantásticos, parecendo ter sido retirados diretamente dos filmes.

Tem uma parte com o caminhão de lixo que, quando combinada com a trilha sonora, se torna um momento incrivelmente emblemático! O estúdio teve cuidado até com as marcas dos veículos, revelando um licenciamento coerente com o legado de 007. A Range Rover e a Aston Martin são presenças constantes ao longo da trama.

Uma grande surpresa na jogabilidade é a existência do TacSim, um simulador de missões e operações que funciona como um modo arcade e adiciona uma bela dose de fator replay no jogo. Através do TacSim podemos obter recursos para desbloquear cosméticos e melhorias para os dispositivos.

Os fãs de Hitman vão se esbaldar nesse modo! São dezenas de desafios que obrigam o jogador a pensar fora da caixa e dominar todos os sistemas do jogo!

Batido, não mexido

A célebre frase de 007 pode ser perfeitamente usada para explicar o quão absurda é a experiência que a IO Interactive criou. Chega a ser engraçado, por que é um jogo com um valor de produção de Hollywood.

As cutscenes são fantásticas e bem editadas, as performances estão absurdas, evidenciando um trabalho impecável de mocap… a trilha sonora tem o mesmo nível de qualidade dos filmes e os efeitos e música-tema tocam em momentos chave, deixando tudo mais épico…

Eu não tive nenhuma queda de frame ou crash durante minhas quase 30 horas com o jogo. A única coisa que notei, com bastante frequência, foram texturas sendo carregadas em tempo real. Um patch aplicado recentemente diminuiu o problema mas ele ainda acontece. Fora isso, toda a parte técnica beira o absurdo.

A Glacier Engine entrega um nível de realismo muito bem-vindo para esse tipo de jogo. Os cenários são ultradetalhados e metódicos, reforçando o nível de paixão aplicado pela equipe no projeto.

Em várias ocasiões eu entrava em salas e ficava admirando os elementos ao redor, como quadros, o acabamento das paredes e mais. O luxo é um elemento constante dentro do universo Bond e por isso visitamos locais emblemáticos repletos de arquitetura e história.

Também fiquei impressionado com a quantidade de NPCs na tela. Tem missões que vemos 150-200 pessoas na tela de maneira simultânea e todas são bem únicas. Visitar um baile lotado aumenta e muito a imersão na aventura.

No mais, 007: First Light entrega uma experiência cinematográfica de altíssima qualidade, com setpieces absurdos e tudo que se espera de um jogo protagonizado por James Bond. Roteiro, engine, game design.. tudo aqui se encaixa para entregar uma experiência digna da atual geração.

Review de 007: First Light – Candidato ao GOTY

007: First Light é o melhor jogo que eu joguei em 2026 até agora. É incrivelmente difícil trabalhar com uma IP tão impactante e importante para o entretenimento, mas a IO Interactive faz isso com maestria, respeitando o legado do maior espião do mundo enquanto entrega uma história de origem que parece ter sido liderada pelo próprio Ian Fleming.

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Ele tinha certa fama, teve vários jogos e muita gente lembra dele até hoje, principalmente pelo jeito extremamente falastrão durante as fases. Mas, sinceramente, ele nunca entrou no meu “top mascotes” daquela época. Meu favorito sempre foi o Mario, então o Bubsy acabava ficando mais como aquele personagem curioso que aparecia aqui e ali.

Só que o mais engraçado é que o próprio Bubsy 4D parece reconhecer a fama meio conturbada do personagem. O jogo faz piada com isso o tempo inteiro.

Ele entende que Bubsy virou quase um personagem “difamado” dentro do mundo dos games depois de alguns títulos bem criticados, especialmente Bubsy 3D, lançado originalmente em 1996 e lembrado até hoje pelos controles confusos e pela tentativa de levar o mascote para o 3D sem muito sucesso.

Agora, em 2026, a Fabraz, junto da Atari — que adquiriu os direitos da franquia em 2023 — tenta novamente trazer o personagem de volta aos holofotes. E olha… apesar de vários problemas claros, eu admito que me diverti mais do que imaginava.

O jogo chega em 21 de maio para Nintendo Switch, PlayStation, Xbox e PC. Quer saber tudo o que eu achei dessa nova empreitada do personagem? Fica comigo nesta review de Bubsy 4D e, caso prefira, segue a análise em vídeo:

História simples, mas isso não é um problema

Começo esta review de Bubsy 4D pela história do game. Ela é extremamente simples, quase como uma desculpa para colocar você nas fases, mas sinceramente? Em jogo de plataforma isso raramente é um problema.

Os eternos inimigos da franquia, os Woolies, roubam todos as ovelhas da Terra. Só que as ovelhas acabam se rebelando contra os próprios captores e retornam como os BaaBots, criaturas armadas com tecnologia Woolie e determinadas a roubar o bem mais precioso do Bubsy: seu novelo dourado.

A partir daí, Bubsy reencontra personagens conhecidos da franquia, como Terri, Terry e Virgil enquanto segue numa jornada para derrotar novamente os vilões.

É uma história extremamente clichê e previsível, mas ela funciona como pano de fundo para a aventura. E sinceramente? Plataforma nunca precisou de uma narrativa ultra complexa para funcionar.

O mais divertido é justamente perceber que o próprio jogo brinca com a imagem meio caótica do Bubsy. Ele continua falastrão, continua soltando frases aleatórias e comentários o tempo inteiro, mas agora parece existir uma autoconsciência muito maior sobre isso.

O problema é que boa parte dessas piadas pode simplesmente passar batida para jogadores brasileiros, porque o jogo não possui qualquer localização em português. Nada. Nem legendas, nem interface, nem dublagem. E como o humor do Bubsy depende bastante de diálogos rápidos e piadas bobas, você acaba perdendo parte da experiência caso não entenda inglês.

Quando a movimentação encaixa, Bubsy 4D realmente fica divertido

O jogo possui três mundos principais divididos em cerca de 15 fases no total, cada um deles encerrando com um chefe. A estrutura lembra bastante algo próximo de Super Mario 3D World, com fases mais delimitadas, mas ainda oferecendo espaço para exploração, coletáveis e desafios opcionais.

Você pode simplesmente correr até o final da fase ou tentar completar objetivos extras, como pegar todos os colecionáveis, finalizar dentro de um determinado tempo ou procurar itens escondidos que desbloqueiam roupas e habilidades para o personagem.

Inclusive, o fator replay vem justamente daí. Embora a campanha principal seja relativamente curta — eu levei entre sete e oito horas para finalizar explorando bastante coisa — existe bastante conteúdo para quem quer fazer 100%, buscar platina ou focar em speedrun.

O game possui um modo chamado Nine Lives, o qual você não pode recever 9 hits, ou seja, levou 10 hits, já era! É Game Over. Bem legal pra quem busca um desafio maior!

O game possui pulo duplo, pode planar, escalar paredes usando as garras, se transformar numa bola gigante para ganhar impulso e ainda fazer um salto diagonal bem legal. Quando tudo isso começa a funcionar junto, o gameplay realmente flui.

Só que existe um problema: o jogo complica demais alguns comandos.

Para jogadores acostumados com plataforma, isso provavelmente não será um problema tão grande. Mas para alguém menos familiarizado, muita coisa pode parecer confusa. Você precisa combinar várias mecânicas ao mesmo tempo em certas plataformas, e isso acaba criando momentos meio desajeitados.

Caso você se perca em meio à vários movimentos, o game conta com um menu de movimentos, o Moveset Menu, onde você pode ver todos os comandos úteis.

A câmera atrapalha mais do que ajuda em vários momentos

Se teve algo que realmente me incomodou durante boa parte da experiência foi a câmera.

Ela frequentemente se perde sozinha, gira de forma estranha e atrapalha bastante em algumas sequências de plataforma mais precisas. Em speedruns isso fica ainda pior, porque você precisa constantemente reajustar a câmera apertando R3 para recentralizar tudo.

Dá até para perceber que os próprios desenvolvedores sabiam desse problema, porque o recurso de reset rápido da câmera claramente existe para minimizar isso. Só que ainda assim, em vários momentos eu acabava brigando mais com a câmera do que propriamente com a fase.

Outro ponto que também não funcionou muito bem para mim foi o uso do DualSense.

O jogo claramente tenta criar uma experiência mais imersiva usando os recursos do controle, principalmente os sons saindo do alto-falante enquanto Bubsy fala ou interage com o cenário. Só que sinceramente? Parece uma tentativa de replicar o que Astro Bot faz de maneira brilhante — mas sem o mesmo cuidado.

Não chega a estragar a experiência, mas também não adiciona praticamente nada.

Divertido, mas tecnicamente bem limitado

Visualmente, Bubsy 4D me decepcionou um pouco.

Eu entendo perfeitamente que estamos falando de um jogo com menor escopo, mas sinceramente, em pleno 2026, eu esperava algo mais caprichado visualmente. Alguns mundos possuem cores agradáveis e um visual simpático, mas o último mapa especificamente eu achei realmente feio. A paleta de cores é apagada e pouco chamativa.

Não é um jogo horrível visualmente, longe disso, mas também passa muito longe de impressionar.

Em compensação, a performance foi estável durante praticamente toda a experiência. Não tive quedas de FPS relevantes no PlayStation 5, mesmo em momentos mais movimentados.

Os problemas aparecem mais na parte técnica visual mesmo:pequenas falhas de colisão, Bubsy atravessando partes do cenário e um bug específico em que fiquei preso numa parede e precisei reiniciar o jogo.

Nada absurdo, mas são detalhes que claramente mostram certa falta de polimento.

A trilha sonora funciona, mas os efeitos sonoros roubam a cena

A trilha sonora segue um estilo mais puxado para jazz e blues, e sinceramente, combina bastante com a proposta do jogo. Não é nada memorável ou algo que eu vou sair ouvindo depois, mas funciona bem enquanto você joga.

Agora, os efeitos sonoros eu gostei bastante.

O Bubsy gritando quando cai de lugares altos, os sons exagerados durante movimentação, os efeitos das habilidades e até os barulhos enquanto ele fica parado ajudam muito a dar personalidade para o personagem e deixam a experiência mais imersiva.

Por outro lado, achei bem ruim a parte de áudio envolvendo diálogos com NPCs. Algumas vozes e efeitos parecem mal mixados ou simplesmente estranhos.

Review de Bubsy 4D – Vale a pena?

Finalizo esta review de Bubsy 4D dizendo que ele me surprrendeu, positivamente e dependendo do que você espera dele, isso pode acontecer contigo também.

A Fabraz claramente entendeu que precisava respeitar a identidade caótica do personagem, mas ao mesmo tempo atualizar sua jogabilidade para os dias atuais. E embora o jogo tenha vários problemas técnicos, uma câmera inconsistente e um visual apenas razoável, existe aqui um plataforma genuinamente divertido.

Quando você domina as mecânicas de movimentação, o gameplay fica muito satisfatório. Explorar as fases, fazer speedrun, coletar itens e testar habilidades realmente funciona.

Ele não tenta ser o próximo grande mascote da indústria. Não tenta competir com Mario. Não tenta reinventar o gênero. E talvez justamente por isso ele consiga funcionar melhor do que muita gente imagina.

Se você gosta de jogos de plataforma 3D mais simples, sente falta daquele clima de mascotes clássicos dos anos 90 ou simplesmente quer algo leve e divertido para jogar por algumas boas horas, Bubsy 4D consegue entregar isso.

Curtiu a review de Bubsy 4D? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: Rune Dice (PS5)
• Review de LEGO Batman – O Legado do Cavaleiro das Trevas após a platina (PS5 Pro)
• Review: Black Jacket (PS5)

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Como tudo em Warhammer, entender a lore e a história por trás desse lançamento é uma das melhores partes da experiência. O jogo trata do embate entre duas das facções mais queridas pela comunidade: os Adeptus Mechanicus, entidade tecno-religiosa com origem em Marte, que cultuam o Deus Máquina como verdade suprema e são os responsáveis por proteger, criar e manter a engrenagem de guerra e tecnologia do Império girando sem parar; e os Necrons, uma dinastia composta por robôs humanoides que já foi a força dominante há muito tempo, mas que se encontra adormecida por dezenas de milhões de anos e aos poucos desperta para reerguer sua antiga dominação galáctica.

A história

A trama do jogo acontece em um novo planeta, onde os Mechanicus estabelecem indústrias de manufatura tão enormes que podem ser vistas até do espaço, mas que, em sua expansão, dão de cara com tumbas de Necrons prontas para defender seus domínios. É uma história bem parecida com a do primeiro jogo, mas, ao contrário do mesmo, esse novo planeta é tão abundante em recursos e valioso para o Império que logo no início da campanha já sabemos que um Exterminatus (destruição completa do planeta) está fora de questão. Por isso, temos que fazer de tudo para conquistá-lo… ou defendê-lo.

Isso mesmo, de forma inédita, temos também o controle dos Necrons, podendo escolher qual das duas campanhas jogar logo após o tutorial. Algo bem interessante, que já existia no primeiro jogo, é o contraste entre os Adeptus Mechanicus — humanos que pregam que “a carne é fraca” e consideram o fator biológico nojento, sempre almejando a implementação de peças biônicas e a remoção de órgãos “inúteis” na busca pela perfeição — e os Necrons, entidades robóticas privadas de suas almas e carne por conta de seu passado, sendo o objetivo de vários lordes necrons o resgate de seus corpos originais. Um dos maiores exemplos dessa dicotomia é como os humanos do jogo falam em Lingua-Technis, um dialeto binário composto de zumbidos eletrônicos, enquanto os alienígenas da trama falam em inglês praticamente nativo.

O gameplay

O gameplay do jogo está significativamente diferente do primeiro. Nele, tínhamos como equipe principal seis techno-padres totalmente customizáveis, com algumas poucas tropas adicionais para servirem como distração ou fonte extra de dano. Porém, um problema dessa liberdade irrestrita era que algumas armas e árvores de habilidades eram claramente superiores, o que resultava, no fim das contas, em seis techno-padres praticamente idênticos, tornando a experiência um pouco repetitiva após certo tempo.

Na sequência, finalmente podemos controlar os líderes da expedição em campo de batalha, e cada um dos personagens traz uma gameplay bem diferente entre si, principalmente porque cada líder tem a possibilidade de seguir mais de uma build.

O Lector-Dogmático Videx, por exemplo, pode ser uma fonte de cânticos que fortalece todas as tropas aliadas e enfraquece as inimigas ao seu redor, ou um “deleta boss” de longa distância com seu canhão Arco-voltaico. Outro exemplo é Captrix, que pode focar em aumentar o desempenho de seu exército Skitarii ou aumentar a quantidade de vezes que a mesma pode entrar em modo furtivo nas batalhas.

Isso também se aplica aos Necrons e seus vários líderes, mas a raça alienígena tem bastante coisa diferente, como um sistema de recrutamento e a própria mecânica de ressurreição icônica dos ciborgues, entregando uma gameplay bem especial.

A parte visual está ótima, uma evolução clara em relação ao primeiro jogo. Claro, não teremos gráficos AAA, ray tracing nem nada do tipo, mas, para o gênero e o estilo de apresentação do jogo, diria que está entre os melhores que já joguei. Os efeitos de alguns ataques e a diversidade dos personagens estão muito bons.

Entretanto, agora vem a parte que mais me decepcionou no jogo — justamente o que eu mais estava hypado e, sem dúvida, o melhor departamento do primeiro jogo: a dublagem e a trilha sonora.

Qualquer pessoa que jogou o primeiro Mechanicus (ou qualquer fã de Warhammer) sabe o quão incrível e única é a dublagem, principalmente a música do jogo. A Lingua-Technis é apresentada de forma majestosa e coesa (principalmente pela Assassina do grupo, Captrix), com uma trilha completamente imersiva e representativa do que é ser parte dos Adeptus Mechanicus, com destaque para as faixas “Noosphere” e “Children of the Omnissiah”, ambas presentes na minha playlist quase diariamente.

A dublagem de Mechanicus 2, à primeira vista, parece idêntica, e realmente alguns personagens novos prenderam minha atenção em suas introduções. Porém, fica claro que a Lingua-Technis do jogo tem muitas faixas repetidas e sem o mesmo impacto do anterior. A trilha sonora consegue ser ainda mais decepcionante, não porque as músicas sejam ruins, mas porque literalmente não dá para ouvi-las durante o jogo! Em várias fases e sessões notei que ou a música era muito tímida, o áudio estava baixo ou simplesmente não havia nada tocando ao fundo, deixando a gameplay totalmente à mercê dos efeitos sonoros do combate (que, ao menos, são excelentes — os tiros de laser são absurdos). Na minha opinião, isso é quase inadmissível, e torço para que seja um bug ou que seja corrigido em breve.

Vale a pena?

Warhammer 40,000: Mechanicus 2 é, no fim das contas, um ótimo jogo ambientado nesse universo do qual sou tão apaixonado. Sua qualidade no gameplay, história e apresentação entregam uma experiência bem bacana. Porém, pessoalmente, a grande queda no departamento de áudio deixou uma ferida considerável no meu coraçãozinho de fã.

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A DLC Bhashiva

Os Homens-Tigres finalmente chegaram ao jogo. Felinos humanoides extremamente ferozes e sorrateiros, eles possuem uma população minguante e precisaram da ajuda do Dragão de Ferro de Cathay, Zhao Ming, para se estabelecerem novamente. Tendo como líder da facção a Tigresa Branca da Profecia, Bashiva, os Homens-Tigres funcionam como um exército privado dentro da nação de Cathay, defendendo as fronteiras ocidentais de Cathay em troca do auxílio recebido.

Em combate, Bashiva e seus conterrâneos focam bastante em utilizar seus bônus de flanqueamento e investida para emboscar os inimigos, infligindo grande dano e abocanhando todos que tentarem fugir do campo de batalha, graças à velocidade adquirida por suas habilidades passivas.

Entretanto, montar exércitos compostos inteiramente por Homens-Tigres não é tão fácil, nem sequer recomendado. Isso porquê os felinos não tem tropas com dano à distância constante, máquinas de artilharia, monstros nem nada do tipo. Por conta disso, existe a mecânica de Exércitos de Shang-Yang, que permite melhorar adquirir e melhorar as tropas tradicionais de Cathay com bônus bem fortes, como aumentar o alcance dos arqueiros ou reduzir o tempo de recarga dos canhões, resultando em um exército variado, composto por tigres, humanos e monstros, bem poderoso.

Banners fazem a diferença

Outra mecânica bem interessante são os banners da Corte do Tigre, com cada banner entregando bônus únicos, como desbloquear a postura sorrateira na campanha, deixando mais fácil pegar inimigos desprevenidos antes da batalha, e tais banners podem se tornar ainda mais fortes conforme você dedica os medalhões sagrados dos tigres espalhados pelo mapa.

Essa DLC entrega de forma satisfatória o que esperávamos dela. Senti falta de um Regimento de Honra ou de algum monstro de entidade única, mas pelo preço cobrado, está tudo nos conformes.

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Estou há dias jogando no PlayStation e, sem exagero, toda vez que eu desligava o console eu continuava pensando nas builds que queria testar, nos personagens que ainda precisava desbloquear e nas combinações de dados que poderiam funcionar melhor numa próxima run. Rune Dice simplesmente entrou na minha cabeça de um jeito que poucos jogos conseguem hoje em dia.

Desenvolvido pela Smart Raven Studio e distribuído pela Kwalee, o game chega no dia 19 de maio para PC, Xbox, Nintendo Switch e PlayStation. O título já possui uma demo disponível na Steam para quem quiser experimentar antes do lançamento completo, e sinceramente? Eu recomendo bastante testar. Essa review, inclusive, foi feita na versão de PlayStation, onde o jogo rodou muito bem durante todo o tempo que passei jogando.

Rune Dice não possui história. O foco aqui é totalmente na jogabilidade, e honestamente, eu acho que essa foi a decisão certa. Portanto, o jogo entende perfeitamente aquilo que quer ser: um roguelike extremamente viciante focado em estratégia, física de dados e construção de builds.

Fica comigo nesta review de Rune Dice e saiba os motivos que podem fazer esse game fazer você ficar grudado no controle. Além disso, caso prefira, segue abaixo a nossa análise em vídeo:

Quando você entende os dados, Rune Dice simplesmente te prende

A mecânica dos dados é, sem dúvida, o coração da experiência. Você normalmente começa uma rodada com um dado número 1 — embora existam runas específicas que permitam iniciar com um dado número 2 — e precisa mirar esse dado em outro dado de mesmo valor espalhado pelo cenário.

Quando o dado 1 acerta outro dado 1, ele evolui para um dado 2. Depois disso, esse dado automaticamente salta para o dado 2 mais próximo, transformando-o em um dado 3. Em seguida, o dado 3 pula para outro dado 3 que esteja mais perto, e assim sucessivamente.

Parece complicado lendo pela primeira vez, mas quando você entende como a mecânica funciona, tudo começa a fazer sentido de uma maneira quase absurda. O interessante é que você não pensa apenas no lançamento inicial.

Você precisa pensar na cadeia inteira de acontecimentos. Qual dado está mais próximo? Qual será o próximo salto? Vale mais a pena focar em dano? Recuperar vida? Gerar moedas? E o mais importante: a soma desses combos e habilidades é justamente o dano que você causará nos inimigos posicionados na parte superior da tela.

Isso transforma Rune Dice quase num jogo de sinuca misturado com roguelike. Em vários momentos eu me pegava calculando ângulos, pensando em ricochetes e planejando jogadas futuras enquanto tentava sobreviver aos chefes. E é justamente aí que o jogo começa a mostrar o quanto ele é estratégico.

Cada personagem muda completamente sua forma de jogar

Outro ponto que me surpreendeu bastante foi a variedade dos personagens. Cada classe possui habilidades próprias, tipos de dados diferentes e estilos únicos de gameplay.

O mago trabalha muito com dano elemental e controle de grupo. O arqueiro consegue afastar inimigos perigosos. Já o ladrino utiliza veneno, esquiva e combos rápidos. Além disso, a build que eu mais gostei foi justamente uma focada em esquiva com recuperação de vida.

Aliás, essa acaba sendo uma dica importantíssima para quem for jogar: priorize itens e habilidades de recuperação de vida sempre que possível, porque os chefes punem demais qualquer erro.

Rune Dice é um daqueles jogos em que você constantemente pensa no futuro da run. Muitas vezes eu deixava de finalizar um combate imediatamente apenas para usar a última jogada coletando vida ou moedas antes da próxima batalha.

Além das diferenças mecânicas, eu gostei muito do humor presente nos nomes dos personagens. Claramente a equipe se inspirou em figuras famosas da cultura pop e fantasia.

Temos Albus Bumbledore, referência evidente ao universo Harry Potter, Nikola Eletresla lembrando Nikola Tesla, John Wicky inspirado em John Wick, Arahorn Passocurto remetendo diretamente ao personagem de Senhor dos Anéis e Maximus Vigesumis, que claramente brinca com Gladiador e muitos outros que não irei citar para não estragar a experiência.

Meu favorito foi o bardo Dan Deliono, uma referência muito divertida ao personagem de The Witcher. São detalhes simples, mas que ajudam bastante a dar personalidade ao jogo.

Rune Dice parece simples, mas exige muita estratégia

O jogo constantemente te obriga a pensar. Os inimigos possuem comportamentos diferentes e você precisa entender como cada um funciona para conseguir avançar. Arqueiros, por exemplo, ficam no fundo da fila causando dano constante enquanto outros inimigos fazem a linha de frente protegendo eles. Então muitas vezes a melhor decisão é usar relíquias que alteram a ordem dos inimigos para trazer os arqueiros para frente e eliminá-los rapidamente.

Já os inimigos corpo a corpo ficam avançando lentamente até você, mas quando conseguem chegar perto o dano costuma ser muito alto.

E tem ainda uma mecânica que eu achei genial: os inimigos bomba-relógio. Eles possuem um contador e vão avançando rodada após rodada. Se o contador acabar antes deles chegarem até você, eles explodem e causam dano nos próprios aliados. Ou seja, em certos momentos você literalmente usa os próprios inimigos como arma, e isso deixa as batalhas ainda mais interessantes.

Tudo em Rune Dice parece pensado para incentivar estratégia. Desde a ordem dos inimigos até o tipo de relíquia que você escolhe carregar. Em muitos momentos eu precisava decidir entre focar em dano imediato ou construir uma run mais segura pensando nos chefes futuros. E isso cria aquele ciclo viciante de sempre querer tentar “só mais uma vez”.

Mesmo com poucos mapas, o fator replay segura tudo

Atualmente, Rune Dice possui três regiões principais: Floresta Próxima, Areias Desoladas e o Círculo do Vazio. Cada mapa possui três chefes, totalizando nove chefes no conteúdo atual do jogo. Aqui entra minha principal crítica construtiva. Eu realmente gostaria que existissem mais mapas. Quando você derrota os nove chefes, praticamente concluiu o conteúdo principal disponível no momento.

Ainda assim, o fator replay consegue compensar bastante essa limitação graças à enorme quantidade de builds, personagens desbloqueáveis e modos difíceis presentes em cada região.

Os próprios desbloqueios ajudam muito nisso. Diversos personagens exigem desafios específicos para serem liberados, incentivando você a testar novas estratégias e estilos de gameplay constantemente.

Então mesmo após concluir os mapas, ainda existe aquela vontade de voltar para experimentar uma build diferente ou desbloquear uma nova classe. Foi exatamente isso que me manteve preso ao jogo por tantas horas. E sinceramente? Eu realmente espero que o jogo faça sucesso e receba novos mapas futuramente, porque potencial ele claramente tem para isso.

Pixel art bonita, boa performance e uma trilha sonora que me cansou rápido

Visualmente, Rune Dice aposta numa pixel art simples, mas muito agradável. O jogo não tenta impressionar com gráficos ultra realistas, e sinceramente, nem precisa. A direção artística funciona muito bem para aquilo que a proposta entrega. Os efeitos sonoros também são bons e ajudam bastante na sensação de impacto durante os combos.

Já a trilha sonora acabou sendo um ponto mais fraco para mim. Depois de algumas horas jogando, as músicas começaram a ficar repetitivas e até um pouco cansativas. Inclusive, eu acabei diminuindo bastante o volume da soundtrack durante as partidas. Não chega a prejudicar a experiência, mas é um aspecto que poderia melhorar futuramente.

Em relação ao desempenho, o jogo rodou muito bem no PlayStation durante toda a análise. Não encontrei travamentos que atrapalhassem a experiência.

Review de Rune Dice – Vale a Pena?

Concluo esta review de Rune Dice dizendo que ele é altamente VICIANTE e foi uma das maiores surpresas indie que joguei recentemente. É um jogo simples visualmente, mas extremamente inteligente em suas mecânicas e criativo nas possibilidades.

Mesmo com poucos mapas atualmente, ele consegue sustentar dezenas de horas graças ao enorme fator replay e à quantidade absurda de estratégias possíveis. Dá pra perceber claramente que existe muita criatividade e muito carinho da equipe no desenvolvimento desse projeto.

Eu realmente espero que Rune Dice cresça, receba novos conteúdos e encontre seu público, porque ele merece bastante atenção.

Curtiu esta review de Rune Dice? Então fica com outras análises do nosso time:

• Review de LEGO Batman – O Legado do Cavaleiro das Trevas após a platina (PS5 Pro)
• Review: Black Jacket (PS5)
• Review: Call of the Elder Gods (PS5)

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Com incontáveis quadrinhos, desenhos, filmes, livros e jogos, o “Homem-Morcego” se tornou um símbolo marcante da luta contra a injustiça.

Após ter retratado uma das sagas mais emblemáticas do cinema, a Saga Skywalker, a TT Games resolveu assumir um desafio ainda maior: recriar e honrar o legado do Cavaleiro das Trevas. Será que o estúdio cumpriu a missão com êxito? É isso que você vai descobrir em nosso review de LEGO Batman: O Legado do Cavaleiro das Trevas.

Eu sou a Vingança

A história do jogo aborda os passos iniciais de Bruce Wayne, sim, começando pelo fatídico dia em que seus pais são assassinados, até os anos em que a aposentadoria do herói se aproxima, mostrando os primórdios do que vem a se tornar a Batfamília.

Assim como em A Saga Skywalker, vemos aqui a recriação de cenas fantásticas da franquia Batman, sejam elas de filmes, desenhos ou dos quadrinhos.

Elas foram organizadas em uma ordem cronológica que facilita o entendimento geral da trama e, claro, adaptadas para o universo LEGO. É muito importante lembrar que o jogo mira no publico infanto-juvenil, afinal, é um LEGO e ele não esconde isso em nenhum segundo da aventura.

O humor galhofa que marca os jogos LEGO é constante e essas cenas emblemáticas são retratadas com piadas e leveza. Considero importante ressaltar isso pra que expectativas sejam bem aplicadas aqui. Se você busca profundidade narrativa, é melhor ir rejogar a franquia Arkham!

No geral, achei a história bem competente mas sinto que o estúdio poderia ter inserido colecionáveis com a finalidade de educar os jogadores um pouco mais sobre o herói e o processo de criação dele.

Um elemento fantástico é que o game conta com localização completa em nosso idioma e vozes marcantes dos desenhos retornam, elevando a experiência e trazendo um senso maior de imersão!

Apesar de ser uma aventura LEGO, o estúdio fez questão de manter a essência de todos os personagens do panteão Batman. É engraçado ver Bane e o Coringa mandando umas piadocas de quinta série enquanto eles mantém a compostura de vilões.

Eu levei 28 horas para platinar o jogo mas sinto que um ritmo normal de jogatina vai colocar a platina em 35 a 40 horas para a maioria dos jogadores.

A duração é menor do que a Saga Skywalker mas essa redução foi uma decisão super acertada da equipe. Mais algumas horas e o jogo sairia do campo da diversão e entraria no vale da repetitividade.

De Volta à Arkham

Se a história do jogo honra vários momentos icônicos do legado do cavaleiro das trevas, o combate é quase que uma réplica da trilogia Arkham, uma das trilogias mais cultuadas no mundo dos games. Os personagens podem socar, usar gadgets, desviar, realizar abates furtivos e dar contra-golpes. O medidor de combo também se faz presente.

As lutas são tão Arkham que você desbloqueia uma habilidade que amplifica o dano ao acionar a cadeia de golpes no momento certo. Apesar da inspiração, o combate se torna muito repetitivo e logo nas primeiras horas por conta da enorme simplicidade que ele carrega. Não temos um sistema de combos complexo aqui.

A TT Games acaba subestimando seu público alvo, entregando um sistema de combate que até crianças de 4 anos conseguem jogar, mas que acaba sendo inexpressivo pra idades maiores. O estúdio tenta combater a repetitividade ao adicionar ferramentas e múltiplos personagens jogáveis mas isso acaba sendo insuficiente para variar os embates.

É legal jogar com Jim Gordon, Robin, Asa Noturna, Batgirl e Talia mas esperava uma variedade maior de golpes e combos. Felizmente a parte técnica das lutas é fantástica. Os golpes tem peso e o controle é altamente responsivo, tornando o ato de enfrentar múltiplos inimigos algo bem satisfatório.

A equipe até pensou e implementou opções para quem prefere abordagens furtivas e as animações de eliminações são bem engraçadas. É memorável ver Batman fazendo uma enterrada com uma lata de lixo na cabeça de um capanga! Por falar em memorável, temos várias batalhas contra chefes e, surpreendentemente, eles são bem ricos mecanicamente falando.

A trilha sonora dos chefes poderia ser mais emblemática mas não chega a ser algo que incomoda. Outro ponto que foi bastante simplificado foi a progressão. Ela acontece em duas grandes vias – através do aprendizado de novas habilidades e ao melhorar os gadgets de cada personagem.

Os pontos de habilidades são obtidos ao concluir missões secundárias e principais, já os dispositivos são melhorados ao abrir Cápsulas Wayne espalhadas por Gotham e em certas missões principais. Eu entendo que é um jogo para a criançada mas sinto que a progressão poderia fugir um pouco da mesmice que conhecemos bem dos jogos de mundo aberto da década passada.

Agora em um lado positivo, o level design. As missões são bem legais e brincam a todo momento com o caráter interativo das peças de LEGO. Cada personagem tem seus dispositivos e expertises e isso é explorado bem tanto nas missões principais quanto no mundo aberto.

A Mulher-Gato por exemplo é a única que consegue cortar vidros. Batman consegue usar o Spray Explosivo para explodir paredes. Asa Noturna consegue energizar dispositivos, Bat-Girl consegue hackear… a individualidade de cada herói é respeitada e podemos trocar livremente entre eles no mundo aberto, o que torna tudo ainda mais especial.

Uma Gotham Vibrante

Um grande protagonista de LEGO Batman: O Legado do Cavaleiro das Trevas é a própria Gotham. A cidade aqui é vibrante e pulsa vida (e crimes é claro).

A TT Games fez um trabalho fantástico em recriar uma das cidades mais icônicas do entretenimento e podemos visitar várias localizações que ficaram eternizadas na mente dos fãs do Morcegão.

O mais impressionante (e meio que esperado) é a enorme interatividade do cenário. Por ser um jogo LEGO, podemos quebrar quase tudo e obter peças, além, claro, de se divertir bastante interagindo com coisas variadas, sejam bancos, caixas-eletrônicos, foguetes de brinquedo e muito mais.

Quase toda esquina da cidade tem alguma coisinha pra gente “brincar” e isso reforça muito a própria essência LEGO. A travessia pelo mapa acontece de três formas – através da viagem rápida, divertidamente chamada aqui de Subwayne – através do gancho + planagem, coisa que está tão satisfatório quanto em Arkham, e através dos veículos.

O jogo conta com 30 veículos diferentes no total e temos veículos específicos para cada personagem. O fantástico aqui, além dos visuais em LEGO, é que o time se atentou até ao som emitido pelos veículos, gerando uma imersão fantástica.

Usar a turbina do Tumpler proporciona uma baita experiência sonora! Se locomover rapidamente é importante aqui. Temos centenas de colecionáveis e atividades secundárias que vão levar boa parte do tempo para a platina.

A variedade é absurda… destruir plantas carnívoras, ajudar Bullock em um caso importante, ajudar Sofia Falcone com um problema, colocar rastreadores em animais que fugiram do zoológico… é bastante coisa e a variedade impressiona.

A cereja do bolo são os enigmas do Charada e do Mestre das Pistas. São mais de 100 enigmas ao todo e que surpreendentemente variam bem no design, desafiando o raciocínio lógico de quem joga. Diferente do combate, os desenvolvedores não seguraram a mão aqui e alguns enigmas são incrivelmente complexos. Temos jogos da memória, puzzles matemáticos, puzzles de “engenharia” e muito mais.

Outro ponto de destaque é a Batcaverna. O centro de operações de Batman é super charmoso, exibindo todos os trajes obtidos na aventura, veículos e permitindo um grau elevado de customização, fazendo com que cada jogador deixe o QG do jeito que preferir!

A TT Games sabe o que faz

O estúdio responsável pelo jogo adquiriu uma expertise absurda ao longo dos anos. Eles conseguem recriar mundos inteiros dentro do contexto LEGO com um nível de precisão absurdo, mantendo, claro, a essência interativa do brinquedo. Isso se repete aqui. Os visuais estão belíssimos, impulsionadas pela Unreal Engine 5.

É estranho falar isso e parece improvável, mas constantemente eu esquecia que estava jogando um LEGO visualmente falando. Após algumas horas, você acaba tão imerso naquele mundo que ele se torna realista na medida do possível.

Como já mencionei, a parte sonora está incrível, tanto dos veículos quanto dos diálogos. A localização completa em nosso idioma ajuda na imersão. O DualSense também se faz presente. Os avisos de crimes no rádio da polícia por exemplo são emitidos no alto-falante do controle.

Apesar disso, eu senti que os recursos do controle poderiam ser mais usados no combate, amplificando a sensação de impacto.

No campo do desempenho, não tive nenhuma queda de frame perceptível, contudo, tive dois bugs em missões que me fizeram ter que voltar para o menu principal para resolver o problema. Também tive um crash. Vale mencionar que joguei antes do lançamento, logo, um patch pontual pode resolver esses problemas!

Review de LEGO Batman: O Cavaleiro das Trevas – Vale a Pena!

Respondendo à pergunta lá do começo do review, sim, a TT Games cumpriu a missão com êxito e entrega um baita jogo que faz jus ao legado de um dos maiores ícones do entretenimento. Apesar de ser uma aventura projetada majoritariamente para crianças, todo fã adulto do Batman vai encontrar algo positivo aqui, suprindo um pouco a saudade deixada pela trilogia Arkham.

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Quando joguei o primeiro game da Out of the Blue Games lá em 2020, gostei bastante da ambientação e das referências ao universo de Lovecraft, mas a gameplay nunca conseguiu me prender por muito tempo. Os puzzles eram simples demais e, depois de algumas horas, tudo começava a parecer repetitivo.

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Por isso, comecei Call of the Elder Gods com um pé atrás. Só que dessa vez a proposta é diferente. O jogo mergulha muito mais no horror cósmico e tenta criar uma experiência mais pesada, focada em mistério, insanidade e puzzles bem mais elaborados.

Depois de zerar a campanha em cerca de seis ou sete horas, fiquei com sentimentos bem mistos. Tem muita coisa legal aqui. Em vários momentos eu realmente queria descobrir o que estava acontecendo naquele mundo. Só que também teve hora em que eu fiquei completamente cansado do jogo, principalmente por causa de alguns puzzles absurdamente confusos.

Lembrando que o game chega agora no dia 12 de maio para PS5, Xbox Series, PC e Switch 2, sendo distribuído pela Kwalee e desenvolvido pela mesma desenvolvedora do seu antecessor, a Out of the Blue Games. Ah! Ele estará disponível Day One no Xbox Game Pass e o primeiro capítulo pode ser jogado, gratuitamente, na Steam.

Quer saber tudo o que eu achei do game? Então fica comigo nesta review de Call of the Elder Gods e saiba se ele vale o seu tempo e investimento e, caso prefira, segue a análise em vídeo:

Uma história que demora demais pra engrenar

A trama acompanha Evangeline Drayton e o professor Harry Everhart enquanto os dois investigam acontecimentos ligados a artefatos antigos e fenômenos estranhos. Harry começa a enxergar sombras pelos cantos da visão, enquanto Evangeline passa a ter sonhos bizarros envolvendo uma descoberta feita anos atrás.

E olha… o jogo bebe MUITO da fonte do Lovecraft. Muito mesmo. Quem gosta daquela pegada de horror psicológico, personagens perdendo a sanidade e criaturas além da compreensão humana provavelmente vai curtir bastante o rumo da história. O problema é que o começo é bem arrastado.

Teve momentos nas primeiras horas em que eu sinceramente estava achando tudo meio sem graça. O jogo demora muito para mostrar o que realmente quer contar e fica segurando mistério demais sem entregar quase nada interessante no começo. Só depois de algumas horas é que a narrativa realmente melhora.

Quando as peças começam a se encaixar, Call of the Elder Gods finalmente encontra sua identidade. A atmosfera fica mais pesada, os cenários começam a ficar mais estranhos e aquela sensação de paranoia passa a funcionar muito melhor.

A narradora ajuda bastante nisso também. Em vários momentos ela conversa diretamente com o jogador, questiona acontecimentos e faz você duvidar do que acabou de ver. Gostei bastante dessa escolha porque ajudou a criar uma sensação constante de desconforto. Só que, infelizmente, o final não me agradou tanto quanto eu esperava.

Não é um final ruim e ele faz sentido dentro da proposta do jogo. O problema é que faltou impacto. Depois de toda a construção envolvendo entidades cósmicas e mistérios sobrenaturais, eu esperava algo mais marcante.

No fim, fiquei com a sensação de que a história melhora bastante no meio da campanha, mas perde força novamente perto do encerramento.

Cenários bonitos, mas exploração limitada

Uma coisa que eu gostei bastante foi da ambientação. Tem cenários muito bonitos aqui. Mansões antigas, bibliotecas, escritórios, cidades estranhas e locais que parecem completamente fora da realidade ajudam muito a criar o clima Lovecraftiano que o jogo quer passar.

Conforme a campanha avança, a direção de arte também melhora bastante. O começo do jogo tem uma estética meio esquisita e até colorida demais em alguns momentos, mas depois tudo vai ficando mais sombrio e interessante.

Também gostei da troca entre Harry e Evangeline durante alguns capítulos. Existem puzzles e situações específicas em que você precisa alternar entre os dois personagens, e isso ajuda a dar uma variada legal no ritmo da gameplay.

Só que existe um problema grande aqui: o jogo é extremamente linear. Extremamente. Os cenários até parecem grandes visualmente, mas quase sempre você está preso em corredores disfarçados de áreas abertas. O excesso de paredes invisíveis incomoda bastante e quebra muito da imersão.

Teve várias horas em que eu olhava para algum canto do cenário e pensava “claramente dá pra passar ali”, mas o jogo simplesmente não deixava. Isso acabou me incomodando mais do que eu imaginava.

Alguns puzzles são ótimos, mas outros são simplesmente irritantes

Call of the Elder Gods praticamente vive dos puzzles. A campanha inteira gira em torno disso e da narrativa. E aqui entra minha maior crítica ao jogo.

Existem puzzles MUITO legais. Alguns realmente fazem você parar, analisar documentos, juntar informações e pensar um pouco antes de chegar na solução. Quando isso funciona, é muito satisfatório. Só que o jogo exagera demais em vários momentos.

Tem puzzles aqui que eu sinceramente não consegui enxergar lógica nenhuma. E eu gosto bastante de jogos de puzzle. Me considero alguém acostumado com esse tipo de gameplay, mas mesmo assim teve hora em que eu fiquei completamente perdido sem saber o que o jogo queria de mim.

Teve um puzzle específico perto do final que me deixou genuinamente irritado. Nem os documentos ajudavam direito e as próprias dicas do jogo eram confusas. Parecia mais tentativa e erro do que raciocínio lógico. E isso começa a cansar.

Muitas vezes eu abria o jogo já pensando “lá vem mais um puzzle maluco”. Então aquela vontade de continuar jogando começava a diminuir porque eu sabia que provavelmente ficaria preso em algum desafio extremamente complicado.

Existe uma linha muito tênue entre puzzle desafiador e puzzle chato. E sinceramente? Acho que Call of the Elder Gods cruza essa linha várias vezes.

O sistema de dicas praticamente resolve os puzzles pra você

O jogo possui dificuldade normal e difícil. No difícil, quase todas as assistências são removidas e os puzzles ficam ainda mais complicados. Sinceramente, eu não consigo imaginar muita gente zerando isso sem usar dicas em alguns momentos.

E o próprio jogo parece saber disso. Logo na primeira vez que você abre o menu de ajuda, ele avisa que não existe punição nenhuma por usar dicas. Você não perde troféus, progresso ou qualquer outra coisa.

Só que tem um detalhe meio estranho nisso tudo: várias dicas praticamente entregam a solução completa do puzzle. Se você precisa abrir um cofre, por exemplo, muitas vezes o próprio sistema te dá o código exato no final das dicas.

Eu entendo a intenção da desenvolvedora em evitar frustração, mas acho que isso tira bastante da graça. Talvez fosse melhor dar orientações mais inteligentes ao invés de simplesmente entregar a resposta.

Review de Call of the Elder Gods – Vale a pena?

Finalizo esta review de Call of the Elder Gods dizendo que ele me intrigou em sua narrativa e me fez bater muita cabeça com certos puzzles. Ele é aquele tipo de jogo que eu consigo recomendar com várias ressalvas.

Se você gosta de horror cósmico, mistério e histórias claramente inspiradas nas obras do Lovecraft, existe uma boa chance de você se envolver bastante com a campanha. A atmosfera funciona, alguns cenários são muito bonitos e a narrativa realmente melhora bastante depois das primeiras horas.

Só que também é um jogo que me cansou em vários momentos. A exploração é limitada demais, o começo da história demora para engrenar e muitos puzzles acabam sendo mais irritantes do que divertidos.

Mesmo assim, eu não achei uma experiência ruim. Muito pelo contrário. Tem personalidade aqui e dá pra perceber que a Out of the Blue Games tentou fazer algo mais ambicioso do que em Call of the Sea. Só acho que faltou um equilíbrio melhor entre desafio e diversão.

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• Review: Outbound (PS5)
• Review: Everything is Crab (PC)

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