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Não basta ter força ou acertar mais golpes que o adversário. Cada combate é um jogo de estratégia e paciência, em que uma decisão errada pode mudar completamente o rumo da luta.

Curiosamente, nunca tive a mesma paixão pelos jogos da franquia. Gostei bastante de EA Sports UFC 4, mas UFC 5 me passou a sensação de que ainda faltava alguma coisa para traduzir essa tensão do octógono para o controle. Por isso comecei EA Sports UFC 6 com a expectativa de descobrir se a EA Vancouver finalmente havia encontrado o equilíbrio entre simulação e diversão.

Depois de boas horas dentro do octógono, saí com uma resposta positiva. Ainda existem ajustes a serem feitos, mas esta é, sem dúvida, a evolução mais consistente que a série recebeu nos últimos anos.

Sem mais delongas, fica comigo nesta review de UFC 6, realizada no PS5 base e saiba se ele vale a pena ou não:

Quando a luta começa, fica difícil não admirar o trabalho da EA

A primeira impressão é excelente e cabe aplaudir o trabalho da EA com motor gráfico Frostbite e a Sapien Technology. Os modelos dos lutadores estão entre os mais realistas que já vi em um jogo de esporte. Basta olhar para nomes como Alex Pereira, Max Holloway ou Islam Makhachev para perceber o cuidado da equipe com expressões faciais, tatuagens, movimentação e até pequenos detalhes da pele.

Mas o que realmente vende a ilusão é a animação. Cada atleta se movimenta de forma muito natural, respeitando seu estilo de luta. As entradas, a apresentação dos eventos, a iluminação da arena e até a maneira como os golpes conectam ajudam a criar uma atmosfera muito próxima das transmissões oficiais do UFC.

Existe apenas um detalhe que poderia ser melhor. Os danos físicos durante as lutas ainda parecem discretos demais. Não estou dizendo que gostaria de ver algo próximo de Mortal Kombat, mas em diversas ocasiões apliquei longas sequências de ground and pound e o rosto do adversário praticamente não apresentava marcas relevantes. Um pouco mais de impacto visual deixaria as vitórias ainda mais convincentes.

Finalmente encontrei lutas que parecem realmente perigosas

Nos jogos anteriores era comum acertar uma sequência absurda de golpes limpos e ver o adversário continuar lutando como se nada tivesse acontecido. Sempre entendi que a EA precisava equilibrar realismo e diversão, afinal, ninguém quer que toda luta termine em dois chutes na cabeça, mas muitas vezes a resistência dos lutadores parecia exagerada.

Em UFC 6 senti que esse equilíbrio finalmente começou a aparecer.

Os golpes transmitem mais impacto e escolher o momento certo para atacar se tornou muito mais importante do que simplesmente pressionar botões.

O novo Flow State

Outro responsável por essa mudança é o novo Flow State ou “Estado de Foco” para os íntimos.

Cada lutador possui características próprias que permitem encher uma barra especial de acordo com seu estilo de luta. Max Holloway, por exemplo, recompensa jogadores que utilizam bastante a movimentação de cabeça antes de responder com contra-ataques.

Quando essa barra é preenchida, o atleta entra temporariamente em um estado de vantagem que fortalece alguns atributos. Não chega a revolucionar a jogabilidade, mas gostei bastante da ideia. Além de dar mais personalidade para cada lutador, o sistema ajuda a tornar os confrontos menos arrastados do que acontecia nas edições anteriores.

Mais fácil de aprender, sem deixar os veteranos de lado

Uma das mudanças que mais percebi em UFC 6 foi a preocupação da EA Vancouver em tornar o jogo mais amigável para quem está chegando agora à franquia. Durante muito tempo, principalmente nas disputas de grappling, a série acabou afastando novos jogadores por conta de comandos pouco intuitivos e de uma curva de aprendizado bastante alta.

Desta vez, a experiência é diferente. Logo nas primeiras lutas, o jogo oferece opções de acessibilidade e assistências que ajudam a entender as mecânicas sem tirar completamente o desafio. É possível ajustar diversos parâmetros de acordo com o seu nível de experiência, o que faz bastante diferença para quem nunca jogou um título da série.

A maior evolução, na minha opinião, está justamente no grappling. Ainda acho que essa mecânica pode evoluir, mas ela deixou de ser aquela barreira quase intransponível para iniciantes. Os comandos estão mais intuitivos e as assistências conseguem orientar o jogador sem transformar tudo em algo automático.

O melhor de tudo é que essas mudanças não simplificam a experiência para quem já conhece a franquia. Quem prefere desligar as assistências e aproveitar o sistema mais técnico continua encontrando um bom nível de profundidade, principalmente nas lutas mais equilibradas.

E os efeitos sonoros?

Se os gráficos impressionam, o trabalho sonoro acompanha o mesmo nível. O impacto dos socos e chutes soam como verdadeiras bombas nos adversários, a reação da torcida muda conforme o andamento da luta e os comentários ajudam a reproduzir o clima das transmissões oficiais do UFC.

É um conjunto que reforça bastante a imersão, principalmente nas disputas mais equilibradas, quando cada golpe parece alterar o comportamento do público.

O Legado é um modo “História” misturado com modo “Carreira”

A maior surpresa da minha experiência foi perceber que a EA Vancouver resolveu investir de verdade em conteúdo. O novo modo história, O Legado, acompanha a trajetória do lutador fictício Chris Carter antes de abrir caminho para o tradicional modo carreira. Ainda existe espaço para melhorias. Algumas sessões de treinamento acabam ficando repetitivas e, em certos momentos, passei mais tempo administrando minha preparação do que propriamente lutando.

Mesmo assim, terminei esse modo bastante otimista. Pela primeira vez tive a sensação de que existe uma base sólida para ser expandida nos próximos anos. Se a EA continuar desenvolvendo essa ideia em UFC 7 e UFC 8, acredito que o modo carreira poderá se tornar um dos grandes atrativos da franquia.

Felizmente, quem prefere criar o próprio lutador também continua muito bem servido. O modo Carreira tradicional mantém a essência das edições anteriores, mas agora conta com mais opções para moldar o atleta ao longo da jornada. Entre uma luta e outra é preciso administrar semanas de treinamento, aprender novos golpes, estudar adversários, lidar com patrocinadores e até responder a interações nas redes sociais.

O Hall das Lendas é muito interessante

Confesso que comecei esse modo sem grandes expectativas. Pouco tempo depois já estava completamente envolvido.

O Hall das Lendas transforma grandes nomes do UFC em pequenas homenagens interativas. Alex Poatan Pereira, Max Holloway e Zhang Weili recebem espaços próprios que funcionam quase como museus, onde podemos conhecer mais sobre suas carreiras antes de reviver algumas das lutas mais marcantes de cada um.

Para quem acompanha o esporte, esse conteúdo tem uma grande importância, afinal, não é apenas uma sequência de desafios. Existe um cuidado em contextualizar cada momento da carreira desses atletas, tornando tudo muito mais interessante do que simplesmente entrar em uma luta histórica pelo menu principal.

Foi, facilmente, uma das minhas partes favoritas do jogo.

A Academia

Outra novidade é a Academia, um espaço pensado para quem gosta de evoluir continuamente fora das lutas principais. Nele é possível recrutar atletas, acumular experiência, desbloquear treinadores, cosméticos e diversas recompensas.

A ideia é interessante porque oferece uma sensação de progresso, mas os menus poderiam ser mais ágeis. Em vários momentos a experiência acaba ficando burocrática demais para algo que deveria incentivar o jogador a voltar com frequência.

Modo Online agora conta com crossplay

Já no online, a chegada do crossplay era uma dívida antiga da EA com a comunidade e finalmente foi paga. Durante meus testes a experiência foi boa na maior parte do tempo, embora eu ainda tenha encontrado pequenas oscilações de conexão em algumas partidas.

Review de EA Sports UFC 6 – Vale a Pena?

Finalizo esta review de UFC 6 dizendo que ele é uma evolução clara da franquia, o ciclo de 3 anos entre um lançamento fez bem ao game.

Pela primeira vez em muitos anos, não fiquei pensando apenas no que ainda falta melhorar. Fiquei curioso para ver até onde a EA Vancouver consegue levar essa base nas próximas edições.

O jogo não reinventa a série e ainda possui mecânicas que precisam evoluir. Ainda assim, ele acerta justamente onde mais precisava: as lutas finalmente transmitem a sensação de estratégia e impacto que fazem do UFC um esporte tão interessante de acompanhar.

Se você é fã de MMA, dificilmente sairá decepcionado. E mesmo para quem acabou se afastando da franquia nos últimos anos, UFC 6 representa um ótimo motivo para voltar ao octógono.

EA FC 26 está disponível para PS5 e Xbox Series desde o dia 19 de junho de 2026.

Curtiu esta review de EA Sports UFC 6? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: Flesh Made Fear (PS5)
• Review: Forgotlings (PS5)
• Review: The Adventures of Elliot – The Millennium Tales (PS5 Pro)

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Agora, o estúdio dinamarquês retorna a esse mesmo mundo com Forgotlings, uma espécie de prelúdio que expande a mitologia apresentada anteriormente e coloca o jogador em uma nova jornada repleta de personagens curiosos.

Lançado no dia 18 de junho para PlayStation e XBOX. Antes de qualquer coisa, existe um detalhe importante que precisa ser destacado: Forgotlings não possui localização em português do Brasil. Em um jogo tão focado na narrativa, isso acaba tendo um impacto muito maior do que em outros gêneros.

A história, os diálogos e até mesmo boa parte da progressão dependem diretamente da compreensão do idioma. Quem não domina inglês ou outra língua disponível pode perder uma parcela significativa da experiência.

Sem mais delongas, fica comigo nesta review de Forgotlings e veja tudo o que ele tem pra oferecer:

Um mundo onde objetos esquecidos ganham vida

Começo esta review dizendo que o grande diferencial de Forgotlings está em seu universo. A proposta de transformar objetos esquecidos em personagens vivos poderia facilmente parecer apenas uma curiosidade visual, mas a ThroughLine Games faz um trabalho muito competente ao construir uma identidade própria para cada criatura encontrada ao longo da jornada.

No game, assumimos o papel de Fig, um boneco que acabou esquecida no mundo dos humanos e agora vive nas Terras Esquecidas, um lugar habitado por objetos abandonados que ganharam vida própria.

Como capitão da nave senciente Volare, sua missão é viajar por esse mundo para unir cinco tribos rivais diante de uma ameaça que pode colocar toda a região em risco.

É comum encontrar barcos falantes, luminárias com personalidade própria, pedras que participam de conversas e figuras que desafiam qualquer expectativa inicial. Cada personagem possui características visuais marcantes, formas únicas de se expressar e uma presença que ajuda a tornar o mundo mais interessante.

Essa criatividade faz com que a exploração seja recompensadora mesmo nos momentos em que o jogo desacelera. Existe sempre a curiosidade de descobrir quem será o próximo personagem encontrado e qual será sua história dentro daquele universo.

A própria narrativa se beneficia dessa construção de mundo. A trama de Fig funciona bem como fio condutor, mas são os habitantes das Terras Esquecidas que frequentemente roubam a cena e tornam a aventura memorável.

Uma direção de arte que impressiona do início ao fim

Se existe um aspecto capaz de chamar atenção imediatamente em Forgotlings, é seu visual. Com uma estética inspirada no Studio Ghibli.

A sensação é de estar acompanhando uma animação desenhada à mão. Os cenários apresentam um nível de cuidado impressionante, enquanto os personagens possuem animações fluidas e expressivas que ajudam a transmitir emoções mesmo durante os momentos mais simples.

O estilo artístico criado pela ThroughLine Games demonstra uma identidade muito forte. Em uma época em que muitos jogos acabam seguindo tendências visuais semelhantes, Forgotlings consegue parecer único.

O cuidado também aparece nos pequenos detalhes. As roupas, os acessórios, os movimentos e até mesmo a forma como cada personagem ocupa a tela ajudam a reforçar sua personalidade. É um daqueles jogos em que vale a pena parar por alguns segundos apenas para observar o trabalho realizado pelos artistas.

Visualmente, é sem dúvida um dos maiores destaques da experiência que tive ao produzir esta review de Forgotlings.

Narrativa é o verdadeiro foco da experiência

Embora exista combate e exploração, Forgotlings é essencialmente uma aventura narrativa.

Grande parte do tempo é dedicada a diálogos e construção do mundo. Em alguns momentos, é possível passar vários minutos apenas acompanhando conversas importantes para a trama. Então pode esperar por conversas longas.

Ao longo da jornada, também surgem decisões que influenciam diretamente o final da história e o destino de diversos personagens. Essas escolhas são chamadas de “tramas” e apresentam sempre quatro respostas possíveis: desafiar, encorajar, ter empatia ou questionar.

A boa notícia é que a história consegue sustentar esse ritmo. A jornada de Fig apresenta temas ligados à identidade e união.

O problema é que essa estrutura reforça ainda mais a questão da localização. Como quase tudo depende dos diálogos, perder informações importantes pode gerar confusão tanto na narrativa quanto na própria progressão da campanha.

Por isso, Forgotlings acaba sendo muito mais recomendado para jogadores que gostam de experiências focadas em história do que para quem procura ação.

Combate simples, mas divertido

O combate não tenta competir com grandes jogos de ação do mercado, mas oferece mecânicas suficientes para manter os confrontos interessantes.

Além dos ataques básicos, Fig pode se esquivar, defender golpes, utilizar sua lanterna para desorientar inimigos e até recorrer a abordagens furtivas em determinados momentos. Existem situações em que eliminar adversários pelas costas acaba sendo a melhor estratégia.

O impacto dos golpes é interessante e existe uma sensação agradável durante os confrontos. Mesmo sem ser particularmente complexo, o sistema cumpre seu papel dentro da proposta do jogo.

O principal problema aparece com o passar das horas. Como não existem árvores de habilidades, melhorias significativas ou sistemas de progressão mais elaborados, o combate permanece praticamente igual do início ao fim.

Isso faz com que os encontros acabem se tornando previsíveis e repetitivos em determinados momentos da campanha.

A exploração sofre com a falta de ferramentas básicas

Se existe uma decisão de design que prejudica a experiência com frequência, é a ausência de recursos para orientar o jogador.

Forgotlings apresenta áreas relativamente amplas e uma estrutura que lembra ocasionalmente jogos de exploração lateral. No entanto, não existe um mapa local que facilite a navegação dentro dessas regiões.

Além disso, o jogo também não possui um sistema tradicional de registro de missões ou objetivos.

Na prática, isso significa que perder uma informação importante durante um diálogo pode gerar longos períodos de dúvida sobre o que fazer em seguida. Como os personagens nem sempre repetem instruções anteriores, encontrar o próximo objetivo pode se tornar uma tarefa mais complicada do que deveria.

Esse problema é agravado justamente pela ausência de localização em português. Quem já estiver enfrentando dificuldades para compreender os diálogos pode acabar ficando perdido com frequência.

A sensação não é de dificuldade proposital, mas sim da falta de algumas ferramentas de qualidade de vida que tornariam a experiência mais acessível.

Dublagem e trilha sonora ajudam a dar vida ao universo

A apresentação sonora acompanha o excelente trabalho visual. A trilha sonora funciona muito bem ao longo da aventura, ajudando a reforçar tanto os momentos mais contemplativos quanto as situações de maior tensão.

Já a dublagem merece destaque especial. As vozes foram escolhidas de forma cuidadosa e combinam perfeitamente com a personalidade dos personagens. Considerando a variedade de criaturas encontradas durante a campanha, esse trabalho era fundamental para que cada uma delas transmitisse identidade própria.

O resultado é um elenco carismático que contribui bastante para a imersão.

INA é um minijogo que não empolga

Forgotlings também inclui um minijogo baseado no uso de runas coletadas durante a aventura, o INA.

A ideia é participar de partidas contra NPCs para obter recompensas e moedas dentro do universo do jogo. No papel, parece uma atividade interessante para complementar a exploração.

Na prática, porém, ele nunca alcança o mesmo nível de qualidade do restante da experiência.

As partidas rapidamente se tornam pouco envolventes e dificilmente despertam vontade de continuar jogando além do necessário. Diferente de outros minijogos marcantes presentes em RPGs e aventuras famosas, aqui a atividade parece mais uma obrigação ocasional do que uma distração divertida.

Review de Forgotlings: vale a pena?

Termino esta review de Forgotlings com uma sensação positiva sobre o game. Ele é uma aventura que entende muito bem quais são suas prioridades. A ThroughLine Games construiu um universo extremamente criativo e sustentado por uma direção de arte que está entre os grandes destaques do gênero.

Ao mesmo tempo, o jogo abre mão de sistemas mais profundos de progressão e de algumas ferramentas básicas de navegação, decisões que acabam prejudicando o ritmo da exploração em diversos momentos. A ausência de português do Brasil também pesa bastante em uma experiência tão dependente de diálogos.

Ainda assim, para quem aprecia experiências cinematográficas e produções independentes que possuem uma identidade própria, Forgotlings oferece uma jornada interessante e repleta de personalidade.

Ele talvez não agrade quem procura ação ou mecânicas complexas, mas encontra seu espaço entre os jogadores que valorizam boas histórias e uma direção artística marcante.

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A fuga

A narrativa de Deer & Boy não é contada do jeito explicíto. Temos cutscenes, mas nada de diálogos e tampouco colecionáveis de texto. Essa pegada interpretativa é o padrão dentro de jogos com essa proposta, logo, é algo que eu já esperava.

Nossa aventura começa ao controlar o Garoto. Lidando com uma aparente perda que o deixou desolado, ele decide fugir de casa numa tentativa de escapar da realidade. Só que no meio do caminho ele se depara com um filhotinho de um cervo, também lidando com uma perda trágica.

O pequenino cervo funciona como um deuteragonista, inicialmente servindo como um ponto de conexão emocional do garoto com o jogador. Logo após a hora inicial, mais mistérios vão surgindo na tela. Uma substância viscosa, chamada de matéria escura, está infectando qualquer ser que entra em contato com ela.

Isso serve como justificativa para o surgimento de figuras monstruosas e raivosas que funcionam como trechos de fuga no jogo. O primeiro deles, o javali, era uma criatura normal, que foi auxiliada pelo Garoto, mas que acaba sendo profundamente transformado pela matéria misteriosa. Após isso, o javali cresce em pelo menos 10x de tamanho, tornando-se imponente e furioso, capaz de arremessar carros para longe.

É diante desse contexto que descobrimos que o cervo não é um cervo comum. Ele consegue acionar uma magia azul que aparenta ter o poder de purificar os seres afetados pela matéria escura. Vários mistérios vão surgindo ao longo da trama, mantendo o jogador engajado e interessado nas respostas. O que é a matéria escura? Como ela foi parar ali? De onde vem a magia do cervo? A narrativa funciona aqui e é bem competente.

Problemas no horizonte

Deer & Boy se posiciona como um jogo de “plataforma cinematográfico”. A parte cinematográfica é facilmente percebida em vários trechos do jogo. A direção das cenas, os recursos de iluminação que lembram um filme animado, a trilha inserida para evocar sentimentos…

Minha maior ressalva com ele reside na parte do “plataforma”. Em jogos dessa proposta, os controles precisam ser extremamente precisos. Seja para pular, subir em beiradas, interagir com objetos… e infelizmente esse não é bem o caso aqui. Notei um delay considerável em certos trechos para que o Garoto cumprisse comandos básicos, como subir em uma pedra para evitar a matéria negra.

Por mais que o jogo seja compacto, essa irresponsividade incomoda e diminui bastante o fator diversão do jogo. Uma surpresa positiva foi o próprio level design. Temos um bom nível de interatividade com o cenário, com o Garoto tendo que remover obstáculos como tábuas de madeira ou interagir com cordas para fazer rochas caírem nas poças de matéria escura.

A tensão no gameplay acontece nos trechos de “perseguição” onde o Garoto precisa agir de maneira furtiva, evitando ser pego. Para entregar um senso de urgência ainda maior, temos trechos que impedem que o Garoto prossiga com o Cervo até que um caminho seja providenciado pelo jovem. Além de ajudar com o senso de urgência, isso também mantém o jogador investido no gameplay.

Uma aventura cinematográfica

Estruturado como um jogo 2.5D, Deer & Boy faz um uso inteligente da palheta de cores para aliar sua estética com o storytelling. No começo da história, temos o uso de cores predominantemente frias, como o cinza e o azul. Isso reflete o estado emocional dos dois personagens principais.

Na medida que o cervo cresce, as cores se alteram e o jogo passa a abraçar mais as cores quentes. Eu achei esse artíficio bem inteligente. Como não temos uma direção de arte realista, o estúdio se empenhou para entregar animações de ponta.

Podemos perceber o estado emocional do cervo ao prestar atenção nos sons que ele emite e o comportamento da criatura. Ele se contrai um pouco quando está com medo por exemplo. Como falei mais acima, outro grande aspecto artístico é o enquadramento escolhido para certas cenas.

Por muitas vezes, a câmera se afasta e dá um foco maior nas paisagens, gerando o sentimento de vastidão e consequentemente solidão. Por fim, mas não menos importante, o som aqui também é protagonista.

A trilha evoca muito bem uma diversidade de sentimentos, indo de tristeza profunda até conforto. Outro ponto que achei genial é que muitas vezes os puzzles contam com pistas auditivas sutis que dão um pequeno indicativo do que fazer caso você fique empacado. Mas, reforçando, elas são incrivelmente sutis, logo, o uso da lógica é demandado constantemente na aventura.

Os puzzles são bem inteligentes e não existe muito o “segurar de mãos” tradicionais de jogos como esse, o que acabou me agradando bastante. Tecnicamente falando, não tive nenhum problema com bugs ou crashes, contudo, em certos momentos, achei os visuais com um nível de qualidade abaixo do que eu esperava.

Em boa parte das cenas, a boa direção de arte ajuda a mitigar esse problema, contudo, em outros trechos essa falta de polimento nas texturas e resolução acaba se tornando bem vísivel, mesmo para um indie.

Review de Deer & Boy – Vale a Pena?

Deer & Boy conta uma história emotiva que deve agradar quem busca por uma experiência mais compacta, ideal para ser aproveitada entre jogos maiores. A amizade entre o garoto e o cervo evoluiu bem e emociona, pilares esses que julgo serem essenciais em games assim. Infelizmente nem tudo é perfeito. A jogabilidade não é tão responsiva quanto deveria, mas não chega a ser algo grave o suficiente para destruir a experiência.

Se você busca por jogos de plataforma cinematográficos com uma duração mais compactada, Deer & Boy pode ser uma excelente pedida!

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Alguns jogos tentam combinar gerenciamento com RPG, outros unem exploração com construção de cidades, mas poucos parecem tão improváveis quanto Beastro. Afinal, como um jogo pode juntar fazenda, minigames de culinária e batalhas com cartas em uma única experiência?

Lançado em 11 de junho de 2026 pela Timberline Studios, Beastro aposta justamente nessa ideia. A proposta pode parecer estranha em um primeiro momento, mas bastam alguns minutos para perceber que existe uma lógica por trás desse mundo onde cozinhar é tão importante quanto enfrentar monstros.

Joguei imaginando encontrar apenas mais um cozy game relaxante, mas acabei descobrindo uma experiência que tenta ir além da fórmula tradicional do gênero.

Nem tudo funciona perfeitamente, como você verá nesta review de Beastro, mas há personalidade suficiente para fazer o jogador querer descobrir o que vem no próximo dia dentro daquele ciclo de exploração e preparo de receitas.

Ressalto que o jogo não possui nenhuma localização para o português do Brasil, ou seja, pode prejudicar a experiência para quem tem dificuldade de ler outros idiomas.

Tudo nas mãos do Panko

O universo de Beastro se passa na vila de Palo Pori, um lugar pequeno e pacífico, cercado por uma rotina centrada em artesãos e na vida comunitária. Esse equilíbrio, no entanto, começa a ruir quando criaturas passam a avançar além dos muros da região, colocando em risco o que resta de estabilidade no local.

É nesse cenário que o jogo posiciona Panko, um jovem chef que acaba assumindo não apenas a cozinha do restaurante da vila, mas também um papel direto na dinâmica entre moradores e os chamados Guardiões, os aventureiros responsáveis por enfrentar as ameaças fora das muralhas.

Quando cozinhar se torna tão importante quanto lutar

A estrutura de Beastro gira em torno de uma rotina bastante simples. Durante o dia, exploramos áreas selvagens, coletamos ingredientes, pescamos, conversamos com personagens e enfrentamos criaturas. Quando a aventura termina, voltamos ao restaurante para transformar tudo o que encontramos em pratos capazes de fortalecer nossos heróis.

É um ciclo que lembra diversos jogos do gênero cozy, mas aqui existe um diferencial importante: cozinhar não é apenas uma atividade casual.

Os pratos preparados servem como combustível para as batalhas, influenciando diretamente o desempenho durante os confrontos. Isso faz com que explorar o mapa e encontrar novos ingredientes seja tão importante quanto vencer uma luta.

Essa ligação entre exploração e culinária acaba dando bastante personalidade ao jogo. Em vez de simplesmente acumular recursos, existe uma sensação de que cada ingrediente pode abrir novas possibilidades dentro da cozinha.

Alimente os guardiões

Um dos pilares de Beastro está na forma como o jogo trata os Guardiões. Eles não são apenas aventureiros enviados para o combate, mas personagens que dependem diretamente da sua cozinha para funcionar bem fora da vila.

Cada um deles traz preferências próprias, ligadas a sabores específicos e também à origem de cada região. Isso influencia diretamente o que faz sentido servir em cada refeição. Não se trata só de “alimentar bem”, mas de entender o perfil de cada Guardião e ajustar o preparo de acordo com isso.

E como bons guardiões, cada um tem seu gosto preferido de prato, alguns preferem os amargos, outros preferem as refeições mais doces, e seguimos assim, adaptando a nossa cozinha ao paladar de cada um deles.

Deckbuilding inteligente deixa os combates mais interessantes

Talvez a maior surpresa de Beastro esteja justamente no sistema de combate. Em vez da ação em tempo real, o jogo utiliza mecânicas de deckbuilding, onde cartas representam ataques e habilidades durante os confrontos.

A ideia funciona melhor do que eu esperava. Existe um ritmo agradável entre atacar e administrar recursos criando confrontos que exigem um pouco mais de planejamento do que normalmente vemos em jogos desse estilo.

Não chega a ser um sistema extremamente profundo, mas consegue prender a atenção e evita que as lutas se tornem apenas um obstáculo entre uma exploração e outra. Essa mistura entre cartas e culinária acaba sendo um dos aspectos mais criativos da experiência.

Um ciclo repetitivo, mas que consegue prender pela curiosidade

Depois de jogar algumas horas para a produção desta review de Beastro, ficou muito claro que Beastro segue uma estrutura bastante definida. O jogador acorda, aceita pequenas missões, coleta ingredientes, enfrenta monstros, retorna ao restaurante, pesquisa novas receitas e começa tudo novamente no dia seguinte.

Em muitos jogos isso poderia rapidamente se tornar cansativo. Aqui, porém, a sensação é diferente. Sempre existe um novo ingrediente para descobrir ou uma melhoria para desbloquear. Isso cria uma curiosidade sobre o que ainda pode aparecer nas próximas áreas.

É aquele tipo de jogo que frequentemente faz o jogador pensar: “vou jogar só mais um dia”. Ao mesmo tempo, também é impossível ignorar que a estrutura pode acabar repetitiva para quem busca uma aventura mais variada ou cheia de grandes acontecimentos. Boa parte do progresso acontece justamente pela repetição desse ciclo principal.

Direção de arte é um dos grandes destaques

Se existe um aspecto que chama atenção desde os primeiros minutos, é o visual. Beastro entrega uma direção artística extremamente simpática, com criaturas carismáticas, ambientes coloridos e personagens que parecem saídos de um livro infantil.

Os ingredientes, os monstros e até os cenários transmitem uma sensação acolhedora que combina perfeitamente com a proposta do jogo. É justamente esse estilo artístico que ajuda a tornar a rotina diária mais agradável, mesmo quando estamos realizando atividades parecidas pela décima vez.

A trilha sonora também acompanha bem esse clima relaxante, funcionando como um complemento discreto para a exploração.

Review de Beastro – Vale a pena?

Finalizo esta review de Beastro cravando que ele é um daqueles jogos que dificilmente chamarão atenção pelo tamanho da produção ou pelo orçamento milionário, mas conseguem conquistar espaço graças à criatividade.

Misturar fazenda, culinária e deckbuilding parecia uma ideia arriscada, mas a Timberline Studios encontrou uma forma interessante de conectar todas essas mecânicas. Existe repetição, algumas atividades poderiam oferecer mais variedade e a estrutura diária pode não agradar todo mundo.

Ainda assim, a combinação entre exploração, pesquisa de receitas, gerenciamento de ingredientes e batalhas estratégicas cria uma experiência bastante agradável para quem gosta de jogos cozy com um toque diferente.

Talvez Beastro não revolucione nenhum dos gêneros que utiliza como inspiração, mas consegue misturá-los de maneira competente e entregar uma aventura charmosa e cativante.

Curtiu esta review de Beastro? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: NBA The Run (PS5)
• Review: The Adventures of Elliot – The Millennium Tales (PS5 Pro)
• Review: Yoshi and the Mysterious Book (Switch 2)

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Lançado em 9 de junho de 2026 pela Play by Play Studios, NBA The Run tenta resgatar justamente essa essência ao colocar estrelas licenciadas da NBA em disputas 3 contra 3 com uma pegada totalmente arcade. Para esta análise, joguei a versão de PlayStation 5, acumulando horas suficientes para explorar seus modos de jogo e mecânicas.

A ideia, no papel, é excelente. Afinal, faz tempo que o mercado não recebe um grande arcade de basquete com jogadores reais da liga americana. Mas será que NBA The Run consegue capturar a mesma magia que transformou tantos clássicos do gênero em jogos inesquecíveis?

Fica comigo nesta review de NBA The Run e saiba se vale a pena dá uma chance ao game.

Diverte, mas falta sal

Como era de se esperar, a jogabilidade é o grande foco de NBA The Run. Afinal, trata-se de um jogo que abre mão de qualquer pretensão de simulação. A proposta é montar seu trio de jogadores e entrar em confrontos online recheados de dribles e jogadas de efeito. E, tecnicamente, o jogo funciona bem.

Os comandos respondem rapidamente e existe uma ótima sensação de controle sobre os atletas. Mesmo sendo uma experiência totalmente online, praticamente não percebi atraso entre o comando executado no controle e a ação realizada dentro da quadra. É um mérito importante da Play by Play Studios e mostra que a base da jogabilidade foi bem construída.

Cada atleta também possui características próprias. Stephen Curry continua sendo uma máquina nas bolas de três, enquanto Victor Wembanyama se destaca pela defesa e proteção de aro. Essa diferenciação incentiva o jogador a montar equipes equilibradas e explorar estilos diferentes de jogo.

O problema é que, apesar da boa base, NBA The Run nunca consegue despertar aquela sensação de espetáculo que marcou os grandes arcades esportivos.

Quando penso em NBA Jam, lembro imediatamente da bola pegando fogo após uma sequência de cestas. Em NBA Street, cada enterrada parecia um evento e cada drible exagerado fazia parte do show. Até mesmo NBA Playgrounds conseguia transformar jogadas simples em momentos memoráveis. Aqui, tudo parece contido demais.

As enterradas existem, os dribles especiais também, mas raramente arrancam um sorriso ou fazem o jogador querer repetir uma jogada apenas porque ela foi divertida de assistir. Falta aquele fator de encantamento que fazia os grandes arcades do passado parecerem imprevisíveis e cheios de personalidade.

É curioso porque a jogabilidade é competente, mas lhe falta justamente aquilo que considero mais importante para um jogo desse gênero: magia.

Pouco conteúdo transforma uma boa ideia em uma experiência repetitiva

Se a jogabilidade mostra potencial, é na quantidade de conteúdo que NBA The Run decepciona de verdade.

O jogo oferece apenas três opções principais: Knockout Squad, onde cada participante controla apenas um atleta em equipes compostas por três jogadores online; Knockout Solo, que permite controlar todo o elenco contra outro jogador; e Knockout Friends, voltado para partidas privadas entre amigos. Vale ressaltar que toda partida é uma mata-mata, ou seja, perdeu é Game Over. E é só.

Não existe modo carreira, torneios offline, desafios individuais ou qualquer experiência contra a inteligência artificial. Todo o conteúdo gira exclusivamente em torno do multiplayer online. Para mim, essa foi facilmente a maior decepção da experiência.

Nem todo mundo possui amigos interessados em jogos de basquete arcade, muito menos dispostos a pagar quase R$ 200 em um lançamento desse nicho. É verdade que existe matchmaking automático, mas quem costuma jogar online sabe muito bem como isso funciona na prática.

Sempre existe alguém que só quer tentar enterradas o tempo inteiro, outro que ignora completamente a defesa e um terceiro que simplesmente abandona a estratégia coletiva.

Em uma das campanhas que disputei, acabei passando praticamente toda a partida defendendo sozinho enquanto meus companheiros permaneciam no ataque. Conseguimos vencer o torneio, mas muito mais por sorte do que por trabalho em equipe. Essa dependência absoluta do multiplayer limita bastante o potencial do jogo.

Cada partida possui um jeito diferente de vencer

Nem tudo, porém, é negativo. Uma das mecânicas mais interessantes está nas diferentes regras de cada confronto. Em algumas partidas, vence quem alcançar primeiro 21 pontos. Em outras, enterradas passam a valer mais do que arremessos de longa distância, mudando completamente a estratégia e obrigando o jogador a repensar a composição do seu elenco.

Gostei bastante dessa proposta porque ela adiciona variedade às disputas e impede que todas as partidas pareçam iguais. O detalhe é que o jogo não informa previamente qual será a condição de vitória, criando um elemento surpresa que torna cada confronto um pouco diferente.

Infelizmente, essa criatividade não é acompanhada por um sistema de progressão igualmente interessante. Ao vencer partidas, o jogador recebe experiência e moedas para gastar na loja, mas quase todas as recompensas são cosméticas, como uniformes, banners, emotes e algumas animações extras.

Depois de poucas horas, a sensação é de estar repetindo as mesmas partidas apenas para desbloquear novos itens visuais, sem qualquer sensação real de evolução.

Também senti pouca diferença no controle entre atletas de estilos completamente distintos. Jogadores rápidos, como LaMelo Ball, e atletas mais físicos, como LeBron James, acabam transmitindo sensações muito parecidas durante a movimentação.

Visual agradável e bom desempenho

Visualmente, NBA The Run entrega um trabalho competente. O estilo artístico aposta em personagens estilizados, com traços que lembram cel shading, enquanto os principais atletas da NBA são facilmente reconhecíveis graças ao bom trabalho de modelagem. As quadras também apresentam boa variedade visual, especialmente nos confrontos finais, onde iluminação e efeitos tornam o ambiente mais chamativo.

Ainda assim, nada impressiona tecnicamente. É um jogo bonito, mas que dificilmente ficará marcado pelo seu aspecto visual.

A narração também acabou me incomodando em diversos momentos. O narrador participa praticamente o tempo inteiro da partida e, para meu gosto, fala mais do que deveria. É uma questão bastante pessoal, mas senti falta de deixar o jogo respirar um pouco mais durante os confrontos.

Pelo menos no aspecto técnico não tenho reclamações. Durante toda a análise no PlayStation 5 não encontrei bugs relevantes nem problemas de desempenho, enquanto o matchmaking encontrou partidas rapidamente na maior parte do tempo.

Review de NBA The Run – Vale a Pena?

Termino esta review de NBA The Run dizendo que ele tinha potencial para resgatar um estilo de jogo que faz falta no mercado atual. Sua proposta arcade é interessante, os controles funcionam bem e existem boas ideias espalhadas pela experiência. O problema é que tudo parece incompleto.

A ausência de modos offline e uma progressão baseada quase exclusivamente em cosméticos fazem com que o entusiasmo desapareça rapidamente. Soma-se a isso uma jogabilidade que, apesar de competente, nunca alcança o espetáculo de clássicos como NBA Jam e NBA Street.

Hoje, eu só recomendaria NBA The Run para quem é extremamente fã da NBA e possui um grupo de amigos disposto a jogar regularmente. Para quem pretende aproveitar sozinho ou busca um arcade capaz de prender por dezenas de horas, a experiência acaba se tornando repetitiva muito cedo.

Por R$ 169,90 na edição Standard e R$ 229,90 na Deluxe Edition, o investimento não parece justificável neste momento. Talvez futuras atualizações adicionem modos de jogo e mais conteúdo, permitindo que o título alcance o potencial que sua proposta sugere. Mas, por enquanto, NBA The Run diverte por algumas horas e pouco depois acaba esquecido na biblioteca.

Curtiu esta review de NBA The Run? Fica com algumas previews que o nosso time produziu na Summer Game Fest:

• Preview: Stranger than Heaven
• Preview – Turok: Origins
• Preview – Tomb Raider: Legacy of Atlantis

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Graças à um código antecipado cedido pela Square Enix, pude conhecer as aventuras de Elliot e eu já adianto, sem cerimônia mesmo – é outro grande acerto da Square, resgatando pilares que ajudaram o gênero a virar uma febre mundial anos atrás.

Um conto de eras

Nossa história é protagonizada pelo aventureiro Elliot, um jovem experiente que adora ajudar os outros. Esse primeiro contato com Elliot já me agradou bastante. Eu particularmente sinto falta de histórias com protagonistas puros e altruístas, e o jogo entrega exatamente isso, fazendo alusão aos RPGs clássicos de outrora.

Após eventos iniciais que servem para introduzir a figura de Elliot, acabamos nos deparando com a investigação de uma ruína que abriga uma porta misteriosa. A porta acaba se revelando uma espécie de portão temporal que leva Elliot para uma era diferente.

Como a narrativa é o grande foco do jogo, não entrarei em mais detalhes específicos sobre a trama. Mas confirmo que eu gostei da história e ela conta com finais múltiplos, adicionando um fator replay ao game.

A construção de mundo fica a cargo dos diálogos e dos colecionáveis que encontramos e podemos aprender mais sobre a cultura, costumes e locais do universo de Elliot. Os diálogos são bons, reais e os personagens aliados são bem escritos.

Eu particularmente achei o antagonista principal um tanto quanto caricato, suas motivações são óbvias, mas não é algo que chega a incomodar. Os dois pontos negativos da narrativa pra mim é que nem todos os diálogos são dublados e, o principal, a ausência de textos em nosso idioma. O inglês aqui é básico, logo, você não precisa ter um nível avançado para entender a trama, contudo, é obrigatório ter uma boa noção do idioma, o que torna a aventura restritiva.

A campanha, sem fazer 100%, levou 13 horas pra ser concluída.

Hora da aventura

Jogar The Adventures of Elliot me fez pensar muito em um dos meus filmes prediletos da infância – A História sem Fim. O sentimento de ficar imerso em um mundo com um alto senso de descoberta e ser a “chave” para a solução de grandes problemas é uma peça central do jogo.

E um aspecto que eleva esse charme é que as mecânicas, incluindo o combate, são simples e diretas ao ponto. Podemos atacar, bloquear, usar habilidades especiais.. o jogo foge das armadilhas de jogos modernos que apostam na complexidade para segurar o jogador.

Os comandos são bem intuitivos e a jornada entrega algo que eu considero ser fundamental em bons RPGs: um excelente senso de progressão. Elliot é um aventureiro experiente, contudo, ele não possui muitos trunfos no começo do jogo. Na metade pro final, vamos desbloqueando novos armamentos poderosos, habilidades de travessia e magicites bem poderosas que elevam a escala de poder de um jeito bem satisfatório.

Adotar o estilo de movimentação livre tornou possível até que o jogo brincasse com trechos de plataforma dentro de calabouços, o que adiciona uma variedade bem vinda no loop de gameplay. As batalhas contra chefes se tornam ainda mais especiais e eles estão com um belo design, tanto visualmente quanto mecanicamente falando.

Tratando-se de progressão do personagem, Elliot se comporta como um Zelda-like e não como um RPG. Não ganhamos experiência ao derrotar monstros. Ganhamos moedas que são usadas para comprar coisas como equipamentos e consumíveis.

O jogo conta com um engenhoso sistema de bônus acumulativo que vai aumentando mediante a quantidade de inimigos que você derrota sem levar dano. Isso é incrivelmente satisfatório e faz com que você preste muita atenção em todos os combates, inclusive contra os adversários comuns.

Por falar neles, essa foi minha única ressalva tratando-se do combate do game. Poderíamos ter uma variedade maior de inimigos. Eles se repetem com frequência. Não é algo que destrói a experiência mas certamente tira um pouco do seu brilho.

Ao longo da campanha, também podemos concluir missões secundárias. Algumas delas concedem novos tipos de armas ou consumíveis importantes como as bombas, item essencial na exploração. Isso adiciona um temperinho de metroidvania no game. Nas horas iniciais da aventura nos deparamos frequentemente com locais que ainda não podemos acessar pela falta de algum item, como a mencionada bomba.

Por falar em exploração, o jogo conta com vários calabouços e templos, como os Templos de Vida. O layout dessas dungeons varia bastante, ajudando a elevar o nível da experiência.

Uma coisa que me agradou muito foi em relação ao mapa e os recursos de qualidade de vida para o jogador. O mapa mostra exatamente onde tem um baú após removermos a “névoa” dele. Outro ponto é que podemos viajar livremente entre os pontos de viagem rápida, mesmo estando em diferentes eras. É legal ver um game facilitando a vida do jogador em questões que realmente deveriam ser facilitadas, como é o caso da travessia pelos cenários.

Charme retrô

Artisticamente falando, temos o retorno da proposta HD-2D mas numa versão evoluída. Como a movimentação aqui é livre e o jogo foi estruturado como um jogo de ação em tempo real e não por turnos, o cenário foi modificado pra dar uma sensação maior de verticalidade e imensidão.

O combate em tempo real, nos moldes dos Zeldas clássicos, exigiu que as animações também evoluíssem, tornando-se mais fluidas e estilosas. A HUD também foi levada em consideração, implementado técnicas como porta-retratos pintados em balões de diálogos, dando um aspecto artesanal bem-vindo ao game. A parte sonora também merece destaque (e muito!).

A trilha sonora está fantástica, lembrando os Dragon Quest originais e os diálogos que possuem dublagem são surpreendentemente “pés no chão”, fugindo dos exageros que marcam jogos com propostas similares.

Os efeitos sonoros, como os das bombas explodindo obstáculos, as gramas sendo cortadas e vasos quebrados, também reforçam o cuidado da equipe nesse departamento.

Um ponto que talvez incomode os veteranos do gênero é que a companion de Elliot acaba dando pistas auditivas em excesso. Por exemplo, ao entrar em uma sala e ver um baú, ela já vai falar coisas como: “olha, um baú, deve ter alguma coisa valiosa dentro”. O game tem um forte intuito em ser acessível, mesmo em situações que não precisava ser.

Review de The Adventures of Elliot – Vale muito a pena!

The Adventures of Elliot: The Millennium Tales é a prova cabal que grandiosidade não reside em visuais de ponta e aventuras mirabolantes com 100 horas de duração e mecânicas super complexas. Compacto, honesto e divertido, o jogo é um dos melhores games da Square nos últimos 5 anos e representa um passo da empresa na direção certa.

Apesar da ausência da localização dos textos em nosso idioma, recomendo as aventuras de Elliot para quem busca uma boa aventura que relembra a era de ouro do gênero na época do PS1.

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Depois de algumas horas jogando, percebi que estava completamente enganado. Copa City não é um jogo sobre futebol. É um jogo sobre tudo aquilo que acontece antes de a bola rolar.

Enquanto a maioria dos títulos esportivos coloca o jogador dentro das quatro linhas, aqui a missão é garantir que o espetáculo aconteça sem problemas.

E isso significa administrar absolutamente tudo: segurança, transporte, iluminação, alimentação, infraestrutura, circulação de torcedores, decoração da cidade, limpeza, energia e diversos outros detalhes que normalmente passam despercebidos por quem apenas assiste a uma partida. A proposta é extremamente original e, ao mesmo tempo, incrivelmente ambiciosa.

Desenvolvido pela  Triple Espresso S.A, o game chega para PS5, Xbox e PC no dia 16 de junho de 2026. Sem mais enrolação, vamos fazer a bola rolar com essa review de Copa City:

Um tycoon que leva o gerenciamento ao limite

Logo no tutorial fica claro que Copa City quer oferecer uma experiência muito mais profunda do que aparenta.

O jogador assume a responsabilidade de organizar grandes eventos esportivos em cidades inspiradas em locais reais, como Rio de Janeiro, Berlim e Varsóvia, utilizando estádios famosos como ponto central de toda a operação. Não basta abrir os portões e esperar a torcida chegar.

É necessário construir áreas comerciais, posicionar barracas de alimentação, instalar iluminação, organizar acessos, distribuir banheiros, preparar equipes de segurança e até controlar o deslocamento das torcidas pela cidade. Esse talvez seja o maior diferencial do jogo.

Enquanto outros simuladores focam apenas na administração interna de um local específico, Copa City amplia essa ideia e transforma toda a cidade em parte da experiência. Em diversos momentos tive a sensação de estar organizando uma final de campeonato de verdade.

O cuidado com o futebol impressiona

Outro detalhe que gostei bastante foi o uso de clubes oficialmente licenciados.

Entre as equipes presentes estão Flamengo, Arsenal, Bayern de Munique, Borussia Dortmund, Beşiktaş e Olympique de Marseille. Além do Fluminense que chegará em uma DLC.

Cada torcida possui características próprias e exige cuidados específicos. Em alguns casos, é preciso separar setores inteiros do estádio para evitar conflitos entre rivais. Também é possível criar áreas voltadas para famílias ou para torcidas mais organizadas, influenciando diretamente a organização do evento.

Essa preocupação em representar o comportamento das torcidas deixa tudo muito mais interessante para quem gosta de futebol.

O sistema de gerenciamento é gigantesco

Se existe uma palavra que define Copa City, essa palavra é complexidade. Existe uma quantidade enorme de sistemas funcionando simultaneamente.

Você administra transporte público, posiciona estruturas temporárias, organiza áreas de alimentação, controla iluminação através de geradores, define setores do estádio, cria áreas comerciais e ainda acompanha indicadores de satisfação, segurança e fluxo de pessoas.

Tudo está conectado. Uma decisão aparentemente simples pode afetar diversos outros sistemas do mapa. Confesso que fiquei impressionado com a quantidade de possibilidades oferecidas pelo jogo. Por outro lado, também senti que os desenvolvedores exageraram um pouco.

Complexo até demais

Mesmo familiarizado com jogos tycoon, demorei bastante para me sentir confortável com todas as mecânicas. A interface despeja informações na tela o tempo inteiro, com inúmeros menus, gráficos, indicadores e notificações funcionando simultaneamente.

Em alguns momentos, tive a sensação de estar administrando uma planilha gigantesca em vez de um evento esportivo. Acredito sinceramente que Copa City poderia oferecer um modo simplificado para jogadores iniciantes.

Quem gosta de gerenciamento minucioso certamente vai adorar esse nível de profundidade. Já o público casual provavelmente encontrará uma barreira enorme logo nas primeiras horas. É um daqueles jogos feitos para um nicho bastante específico.

Construir é prazeroso, mas o visual decepciona

Existe algo bastante satisfatório em montar toda a estrutura da cidade. Passei bastante tempo organizando áreas de alimentação, posicionando iluminação e deixando determinados setores exatamente como eu queria.

O problema apareceu quando tudo começou a funcionar. Apesar do enorme trabalho realizado pelo jogador, o resultado visual não acompanha o mesmo nível de capricho. Os gráficos são simples e passam uma sensação de pouca evolução para os padrões atuais da geração.

As construções cumprem seu papel funcional, mas raramente impressionam visualmente. No PlayStation 5 base, plataforma onde joguei, fiquei com a sensação de que Copa City poderia entregar muito mais nesse aspecto.

Interface e câmera também poderiam evoluir

Outro ponto que me incomodou foi a interface. A HUD é extremamente carregada e ocupa boa parte da tela com informações que nem sempre são necessárias naquele momento.

Além disso, a movimentação da câmera também poderia ser melhor. Ela funciona, mas nunca parece totalmente confortável durante a administração da cidade e das construções.

São detalhes pequenos, porém constantes, que acabam tornando longas sessões de jogo mais cansativas do que deveriam.

Trilha sonora e localização ajudam na imersão

Se o aspecto visual deixa a desejar, a ambientação sonora faz um bom trabalho.

A trilha acompanha toda a experiência com músicas leves e relaxantes que combinam perfeitamente com o ritmo do gerenciamento. Gostei especialmente do efeito em que a música ganha intensidade quando afastamos a câmera para observar a cidade de forma panorâmica e diminui quando aproximamos a visão das construções.

É um detalhe simples, mas que aumenta bastante a sensação de imersão. Outro ponto positivo é a localização completa para português do Brasil, algo extremamente importante em um jogo tão complexo.

Desempenho sem problemas

Durante minhas partidas no PlayStation 5, não encontrei problemas técnicos relevantes. As transições entre áreas ocorreram normalmente, não percebi quedas de desempenho e a experiência permaneceu estável durante toda a jogatina.

Também não senti falta de recursos específicos do DualSense. Pelo próprio estilo do jogo, isso acaba não fazendo diferença.

Review de Copa City: Vale a Pena?

Finalizo esta review de Copa City afirmando que vale a pena, sim, ainda mais se você é um fã de jogos tycoon e ama gerenciar tudo e todos, mas já comece o game sabendo o que vai encontrar para não se frustrar com a complexidade, em outras palavras, ele é um jogo extremamente específico.

Quem procura um simulador casual provavelmente ficará assustado com a quantidade de sistemas, menus e decisões necessárias para organizar uma única partida. Por outro lado, quem gosta de jogos tycoon encontrará aqui uma experiência bastante diferente de tudo que existe atualmente.

Administrar um grande evento esportivo, cuidar do entorno do estádio, controlar o transporte dos torcedores, organizar segurança, alimentação e infraestrutura é algo que poucos jogos já tentaram fazer.

Apesar das críticas aos gráficos, à interface e ao excesso de complexidade, não consigo negar que existe um charme enorme em ver toda aquela operação funcionando graças às decisões que tomei durante a partida.

Por fim, Copa City ocupa um espaço praticamente inédito ao transformar os bastidores de um grande evento de futebol em um simulador de gerenciamento profundo e extremamente detalhado. Só esteja preparado para estudar bastante antes de conseguir aproveitar tudo o que ele oferece.

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A narrativa funciona sem o conhecimento prévio por que ela foi estruturada para ser um jogo prequel. Ou seja, os eventos se passam antes dos acontecimentos do primeiro jogo.

Uma coisa que não me agradou aqui é que a história é fragmentada em capítulos. Na maior parte dos capítulos, jogamos com personagens diferentes, em locais diferentes. Essa falta de continuidade me incomodou um pouco e penso que o jogo funcionaria melhor se seguisse o formato tradicional do storytelling. Contudo, é justo mencionar que as partes meio que passam a “conversar entre si” do meio pro final do jogo, contudo os capítulos iniciais causam bastante estranheza.

A atmosfera e a lore lembram muito Stranger Things. Crianças especiais com poderes telepáticos, organizações governamentais e mais. A história é relativamente curta, logo, não vou dar detalhes específicos. Ela se expande muito e aborda temas que certamente vão agradar os fãs mais ferrenhos da temática sci-fi.

O storytelling varia muito graças à inspiração em temáticas de horror e cyberpunk, além disso, fiquei positivamente surpreso com o quão bem cada “episódio” é bem escrito e os personagens são muito bem abordados mesmo com boa parte dos capítulos durando entre 40 a 60 minutos. Um grande ponto negativo pra mim é a falta do voice acting nos diálogos. Isso diminui consideravelmente o impacto narrativo e a retenção da atenção de quem joga.

A jogabilidade

A exploração de Echo Generation 2 é bem direta ao ponto. Como os cenários são relativamente lineares, você pode vagar pelas salas para encontrar cartas e interagir com NPCs.

A grande mudança está no sistema de combate. O primeiro funcionava como um RPG de turnos tradicional, já a sequência conta com um sistema completamente novo, misturando os turnos com mecânicas de deckbuilding.

Fiquei positivamente surpreso com a variedade de cartas e efeitos, e o interessante é que essa variedade permite que os jogadores construam múltiplas maneiras de jogar. Você pode montar um deck completamente ofensivo, que foi o meu caso, ou montar um deck híbrido, com opções de ataque e recuperação de defesa.

Na medida que fui progredindo, fui mesclando as cartas ofensivas com cartas de efeito e utilitárias, permitindo que meu personagem jogasse múltiplas vezes durante um turno. As cartas podem acionar efeitos. Você pode causar queimadura nos inimigos e usar uma carta para desencadear uma explosão por exemplo, causando dano massivo.

Vale mencionar que tudo isso funciona de maneira super intuitiva. Eu não tinha nenhuma experiência com jogos de cartas com exceção de Gwent e consegui progredir normalmente. As horas iniciais do game funcionam bem como uma introdução e a curva de dificuldade é amigável.

O jogo tem até uma mecânica de RPG-lite atrelada à progressão. Os personagens ganham experiência e mudam de nível, ganhando pontos de habilidade que podem ser aplicadas numa árvore de habilidades bem simples.

Direção de arte, som e desempenho

Artisticamente falando, Echo Generation 2 é um jogo super autoral. O estúdio manteve a ideia do primeiro jogo, continuando a aposta nos visuais em voxel art. A cereja do bolo aqui é o incremento nas técnicas de iluminação e sombreamento, dando uma camada extra muito bem vinda de detalhes, favorecendo a imersão.

Graças aos capítulos fragmentados, temos uma variedade impressionante de cenários e ambientes, o que ajuda a afastar o sentimento de repetição mesmo em longas sessões de gameplay.

Outro ponto que preciso destacar é a qualidade das animações. Tanto as cutscenes quanto o acionamento de cada carta é acompanhado de animações e efeitos belíssimos que tornam a experiência ainda mais charmosa.

Eu joguei em um Predator Helios 300 e, por ser indie, o jogo rodou de maneira satisfatória. Não tive nenhum bug, queda de frame ou qualquer coisa do tipo, indicando que o jogo está muito bem otimizado.

A parte sonora acompanha a qualidade visual. Os efeitos e trilha sonora são muito competentes e ajudam na imersão da trama. Como mencionei lá em cima, a parte sonora só deixa a desejar por conta da ausência de vozes nos diálogos.

Review de Echo Generation 2 – Vale a Pena!

Ter jogado Echo Generation 2 me deu uma vontade enorme de jogar o primeiro título da franquia e consumir mais e mais coisas da saga, logo, diria que a Cococucumber acertou em cheio na sequência. Eles entregam uma narrativa intrigante revestida por um sistema de jogabilidade baseado em cartas que é altamente viciante, intuitivo e que está super em alta dentro do mercado. Somado a isso, temos uma parte técnica e artística super competente, com um trabalho sonoro cheio de identidade e visuais em voxel belíssimos que ajudam a destacar Echo Generation 2 perante outros games do gênero. Super recomendo!

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Desenvolvido pela Leap Studio, o game chega no dia 26 de maio para PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch e PC. O jogo já estava disponível em acesso antecipado desde 2024 no PC, onde acumulou avaliações muito positivas na Steam, e agora finalmente estreia em sua versão completa nos consoles.

• RELACIONADO: Testamos Realm of Ink na gamescom Latam 2026

Depois de quase 10 horas jogando no PlayStation 5, ficou fácil entender por que tanta gente gostou do projeto. Realm of Ink possui um loop de gameplay viciante e um fator replay muito forte. Ao mesmo tempo, também apresenta alguns problemas que impedem o jogo de alcançar um nível ainda melhor.

Fica comigo nesta review de Realm of Ink e entenda o que funciona tão bem no jogo e quais pontos ainda precisam de ajustes. Caso prefira, segue a análise em vídeo:

Os personagens carregam boa parte do jogo

Logo nas primeiras runs, fica claro que o principal destaque de Realm of Ink está nos personagens jogáveis. São 10 personagens diferentes, cada um com armas e estilos próprios de combate.

Existem personagens focados em ataques rápidos corpo a corpo, outros mais voltados para magia e até personagens focados em ataques à distância.

O fator replay nasce justamente daí. Em vários momentos eu terminava uma run e já queria começar outra apenas para testar um personagem diferente.

E sinceramente, esse é um dos maiores acertos do jogo.

Builds e relíquias fazem as runs funcionarem muito bem

A estrutura das runs segue aquele modelo clássico do gênero. Você avança por salas derrotando inimigos, enfrenta mini-chefes e bosses principais e escolhe recompensas no final de cada combate.

As builds possuem bastante profundidade graças ao sistema de elementos. Fogo, água, terra e metal, madeira, entre outros, alteram bastante o funcionamento da gameplay e permitem estilos diferentes de construção. Durante boa parte do meu tempo jogando, por exemplo, eu utilizei builds focadas em queimadura e dano contínuo.

O jogo também trabalha com uma grande quantidade de relíquias, elixires, vantagens e melhorias passivas. Por isso, ler os efeitos dos itens faz bastante diferença, principalmente nas dificuldades mais altas. Não é um roguelite onde você pode simplesmente escolher qualquer upgrade no automático esperando que tudo funcione.

Outro ponto positivo está justamente na quantidade de conteúdo. Realm of Ink oferece dezenas de relíquias, muitos NPCs, mascotes, upgrades permanentes e sete níveis de dificuldade. Sempre existe algo novo para desbloquear ou testar.Foi exatamente isso que me manteve jogando por tantas horas seguidas.

Pense bem em como vai evoluir

Constantemente, durante as runs, eu passei pela HUB do game, um local onde ficam os NPC’s prontos para evoluir nosso personagem e/ou ajudar em algo e, aqui fica uma parte crucial para se dá bem em Realm of Ink.

É a hora de tomar as melhores decisões possíveis, qual runa evoluir, como gastar suas suadas moedas, qual comida ingerir, etc.. Fica ligado nisso, vai por mim, é muito importante saber qual decisão tomar.

Os principais NPC’s que estão sempre na HUB pra te ajudar são:

• Grace: Melhora suas relíquias
• Golda: mercador de reliquias e vantagens
• Chefe Jade: prepara os suplementos

• Quilin de tinta: troca pedras por vantagens

O combate diverte, mas a tela vira bagunça em vários momentos

A gameplay é rápida e funciona muito bem quando tudo está sob controle. O problema começa quando a build evolui e o jogo enche a tela de efeitos visuais e partículas acontecendo ao mesmo tempo.

Em vários momentos eu simplesmente não conseguia diferenciar meus ataques dos golpes inimigos. Inclusive, recomendo bastante desativar os números de dano nas configurações e aumentar a transparência dos efeitos. Isso ajuda um pouco na leitura visual do combate.

Mesmo assim, Realm of Ink exagera nos efeitos em diversos momentos. Teve partes em que eu só desviava e apertava os botões quase no instinto porque a tela estava confusa demais. Atrapalha demais e deixa a gente no automático.

As dificuldades finais poderiam ser melhor balanceadas

O game possui sete níveis de dificuldade, e até o quinto nível a progressão funciona bem. O problema aparece na transição para os níveis 6 e 7. A dificuldade sobe muito de uma vez.

Os inimigos passam a absorver bastante dano e o jogo começa a exigir builds muito mais específicas. Até aí tudo bem, porque esse tipo de desafio faz parte do gênero. O problema real está no funcionamento do endgame.

Depois de derrotar o chefe principal nas dificuldades maiores, o jogo libera uma área extra com novos desafios e um chefe verdadeiro. Só que essa parte final praticamente não entrega recursos suficientes para melhorar sua build.

Os NPCs continuam aparecendo normalmente na Hub, mas quase não existem materiais ou moedas suficientes para comprar melhorias relevantes. Em vários momentos eu chegava até os comerciantes sem conseguir fazer praticamente nada.

Foi uma decisão que deixou essa parte final estranha em termos de progressão.

Chefes e cenários ajudam na variedade das runs

Apesar disso, Realm of Ink acerta bastante nos cenários e nos chefes. As áreas possuem boas diferenças visuais entre si, variando entre ruínas, florestas, montanhas, jardins e oásis. O jogo utiliza um estilo inspirado em pinturas tradicionais chinesas e consegue construir uma identidade própria.

Alguns cenários das dificuldades finais são especialmente bonitos.

Já os chefes conseguem variar bem as batalhas. Existem bosses focados em velocidade, outros com invocações e até lutas contra múltiplos inimigos ao mesmo tempo. Os mini-chefes também ajudam a quebrar o ritmo das runs.

A história existe, mas dificilmente será o motivo para continuar jogando

Realm of Ink tenta trabalhar uma narrativa envolvendo a protagonista Espadachim Vermelho (Red) e sua busca por liberdade dentro do chamado Caminho Celestial.Só que a história acaba sendo simples demais.

O jogo tenta seguir aquela estrutura em que NPCs liberam novos diálogos após cada run, mas aqui isso acontece de forma muito limitada. Depois de algumas partidas, vários personagens praticamente deixam de ter algo interessante para dizer.

Os finais também acabam decepcionando bastante e passam longe de entregar um encerramento marcante.Não considero a narrativa ruim, mas ela claramente não foi o que me manteve interessado no jogo.

Visual agradável, boa performance e trilha sonora pouco memorável

Visualmente, Realm of Ink possui personalidade própria graças ao estilo inspirado em pinturas orientais, falando especificamente dele, o mesmo usa o Ink-wash painting, ou Shui-mo, uma pintura tradicional chinesa. O resultado funciona bem, principalmente nos cenários mais avançados.

Em relação ao desempenho, o jogo rodou bem no PlayStation 5 durante praticamente toda a análise. Não encontrei quedas de FPS durante os combates, o que é importante para um roguelite tão rápido.

Por outro lado, senti alguns engasgos em menus, principalmente ao trocar personagens ou substituir relíquias. Também encontrei pequenos problemas de tradução e textos cortados na interface. Nada grave, mas são detalhes que ainda poderiam receber ajustes.

Já a trilha sonora acabou sendo um ponto fraco para mim. Os efeitos sonoros funcionam bem durante o combate, mas as músicas rapidamente começaram a ficar repetitivas. Em boa parte do tempo, eu preferi abaixar o volume do jogo e ouvir música enquanto jogava.

Review de Realm of Ink: vale a pena?

Finalizo esta review de Realm of Ink cravando que ele é um roguelite divertido e com bastante conteúdo para quem gosta do gênero. A variedade dos personagens e a quantidade de builds que podem ser criadas conseguem sustentar muitas horas de jogo.

Ao mesmo tempo, o jogo também sofre com problemas claros de poluição visual, algumas decisões estranhas de progressão nas dificuldades finais e uma narrativa pouco interessante.

Mesmo assim, Realm of Ink consegue acertar justamente no ponto mais importante para um roguelite: a vontade constante de começar mais uma run e nisso ele acerta na mosca. Resumindo, ele pode fazer uma bela pintura na sua biblioteca gamer.

Curtiu esta review de Realm of Ink? Fica com outras análises do nosso time:

• Review: 007 – First Light (PS5 Pro)
• Review de LEGO Batman – O Legado do Cavaleiro das Trevas após a platina (PS5 Pro)
• Review: Saros (PS5)

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Meu contato com a franquia começou de um jeito simbólico. Através de meu pai. Ele adora os filmes antigos de James Bond e acabei nutrindo a mesma admiração.

Acho importante deixar isso claro pra ilustrar o tamanho das minhas expectativas para o jogo. Inicialmente, lá na época do anúncio, eu estava cautelosamente otimista.

Apesar da IO Interactive ser um estúdio renomado, não conseguia enxergar a equipe entregando um jogo memorável de James Bond. Nos games, a IP estava simplesmente abandonada. Felizmente, eu estava redondamente enganado.

A IO Interactive entrega um jogo que faz jus ao legado gigantesco do personagem e que se posiciona facilmente como um dos melhores games do gênero em toda a história. Confira abaixo meu review de 007: First Light e saiba por que eu achei a aventura fantástica!

A Serviço Secreto de Sua Majestade

Interpretar James Bond, mesmo que em um jogo eletrônico, não é nada fácil. O personagem apresenta vários maneirismos e um charme que o ajudaram a se tornar um símbolo cultural.

Para a minha surpresa, Patrick Gibson não só brilha no papel como rivaliza com grandes nomes que assumiram o manto, como Roger Moore e Pierce Brosnan. First Light é uma história de origem mas, apesar disso, a IO teve o cuidado em escrever James já com um nível elevado de autoconfiança e carisma.

A escrita precisa ser destacada aqui. O roteiro como um todo do jogo rivaliza com os maiores filmes da saga. Temos vários personagens muito bem escritos e setpieces de tirar o fôlego que se espalham em países conhecidos e exóticos.

O panteão de 007 é revitalizado. Moneypenny, Q, M… todos eles marcam presença na obra de um jeito novo mas mantendo as características centrais que eternizaram esses personagens no imaginário popular.

É impossível um fã de 007 não lembrar de Judi Dench com a atuação de Priyanga Burford. Ela serve como uma necessária dose de controle para a impulsividade enebriante de James. A versão escolhida de Q, interpretada por Alastair Mackenzie, lembra muito a de Desmond Llewelyn.

Uma mudança que me agradou bastante é a relação entre James e Moneypenny. A personagem tradicionalmente era colocada em um papel secundário, muitas vezes de secretária apaixonada, mas em First Light ela tem um papel ativo, servindo como o suporte de TI e meio que a central de inteligência entre missões. A relação entre os dois é divertidíssima graças à um roteiro impecável e diálogos inteligentes.

Um ponto que me deixou em cima do muro foram os antagonistas. Suas motivações, mesmo que atreladas à temas atuais como inteligência artificial e controle de mercados, acabam sendo mal exploradas, o que acaba dando a eles um ar meio caricato e de superficialidade.

Seria fantástico se a equipe fugisse um pouco do esperado para um jogo como esse. Considerando que a franquia apresentou alguns dos vilões mais icônicos do entretenimento como Blofeld, Zorin, Dr. No e Stromberg, eu esperava um pouco mais nesse departamento.

Vale mencionar que não estou afirmando que o game entrega vilões ruins e sim que optaram por jogar um pouco mais no seguro. Também preciso exaltar o tremendo respeito e conhecimento que a IO Interactive demonstrou com a franquia.

Em muitos momentos você se vê jogando um dos filmes da franquia, mas de um jeito extremamente positivo e amplificado. A qualidade da escrita, os Aston Martin e Range Rover, os drinks, os flertes com belas damas… cada peça, pequena ou grande, do que compõe o “mythos” de 007 é apresentada de maneira genial.

É um desafio hercúleo construir um James que ainda está se tornando o lendário 007 mas a equipe sorriu para o perigo e soltou o: Sem Tempo Para Falhar. Poder ver um pouco do treinamento do Programa 00 e o início do que pode se tornar uma das franquias mais icônicas dos games é um privilégio.

No mais, a duração do jogo é bem interessante. São 17 capítulos ao todo e muitos deles possuem um elevado fator replay graças ao brilhantismo da IO Interactive. Uma jogatina em um ritmo normal vai levar entre 14 a 16 horas.

Na maior parte das vezes, os objetivos podem ser concluídos de várias maneiras diferentes. Por exemplo, em uma das missões iniciais, eu precisava garantir o acesso aos andares superiores de uma boate. O próprio jogo sugere subir pela sacada ou passar sorrateiramente pela área dos funcionários.

Eu andei um pouco pela boate e surgiu uma oportunidade de escutar uma das pessoas da boate. Na conversa, ela fala sobre uma lista e avisa pra pessoa falar o nome Jones na bilheteria para conseguir o acesso ao “lounge premium”.

Com a informação, Bond consegue ir até a bilheteria, falar o nome e cumprir o objetivo de um jeito completamente diferente. Outra opção seria entrar sorrateiramente na bilheteria, distrair os funcionários e roubar o carimbo com o selo do lounge vip.

Isso se repete em praticamente todas as missões e objetivos principais, permitindo que o jogador exerça sua criatividade. O level design é inteligente e variado, trazendo um frescor e uma lição importante para a indústria como um todo.

Licença para Matar

A jogabilidade de 007: First Light bebe da fonte de IPs conhecidíssimas. Temos inspirações diretas em Hitman, outro jogo da IO Interactive, Watch Dogs, Uncharted e surpreendentemente Batman: Arkham.

Com a campanha promocional, milhares e milhares de jogadores mundo afora compararam o jogo à Uncharted mas essa é uma das inspirações mais tímidas do game.

Os trechos furtivos e o design aberto das missões lembram muito o que vimos no game mais recente do Agente 47. Pra quem estava preocupado no game ser uma skin de Hitman, a diferenciação é cristalina aqui.

A campanha dosa bem entre espionagem e combate frenético, mas você pode concluir praticamente todos os trechos de combate do jogo indo pra cima dos inimigos. A furtividade é completamente opcional.

Eu joguei na dificuldade Normal e achei que ela proporciona uma experiência justa. Os inimigos conseguem te detectar razoavelmente fácil quando você entra no campo de visão deles, mas existe tempo o suficiente para tomar medidas em relação a isso.

O combate corpo a corpo lembra, surpreendentemente, uma evolução do que vimos em Batman: Arkham. Aparar e desviar de golpes é vital para nocautear os inimigos. É absurdo o quanto o combate, tanto corpo a corpo, quanto com armas, está prazeroso. Tudo tem impacto, com animações de ponta e um leque amplo de opções.

James Bond é versado em várias artes de combate e o título deixa isso claro. Podemos agarrar inimigos e lançar eles de parapeitos e temos uma interatividade bem alta entre o combate e o ambiente. Arremessar inimigos em janelas de vidro faz elas quebrarem e atordoarem o adversário. Jogar eles em direção à um extintor de incêndio causa uma “explosão” e tanto, e por aí vai!

Os abates ambientais são divertidíssimos e funcionam como um charme a mais. No quesito armas de fogos, temos opções como pistolas, submetralhadoras, fuzis, escopetas… a balística de cada arma está excelente, com o devido impacto ao atingir os inimigos. O uso de armas de fogo não é livre! James só recebe a famosa “Licença Para Matar” caso um inimigo empunhe e use uma arma de fogo.

Somado a isso, os gadgets lendários de Bond retornam. Temos inserções inéditas pensadas exclusivamente para o game e outros dispositivos que se tornaram uma marca registrada da saga. Não vou mencionar em específico quais são, mas se você for um fã de Bond, prepare-se para sorrir bastante.

Agora, você deve estar se perguntando, tá, mas e onde Watch Dogs entra nisso? Bom, o dispositivo central de James é seu super relógio Omega. O relógio usa bateria e consegue hackear dispositivos, disparar feixes de laser e mais. Ele é uma peça essencial para a progressão em certas fases, criando distrações para os adversários e proporcionando uma espécie de Visão de Detetive para quem busca os colecionáveis.

Um ponto que preciso mencionar é que aplicaram melhorias significativas na dirigibilidade dos veículos e os trechos de perseguição estão fantásticos, parecendo ter sido retirados diretamente dos filmes.

Tem uma parte com o caminhão de lixo que, quando combinada com a trilha sonora, se torna um momento incrivelmente emblemático! O estúdio teve cuidado até com as marcas dos veículos, revelando um licenciamento coerente com o legado de 007. A Range Rover e a Aston Martin são presenças constantes ao longo da trama.

Uma grande surpresa na jogabilidade é a existência do TacSim, um simulador de missões e operações que funciona como um modo arcade e adiciona uma bela dose de fator replay no jogo. Através do TacSim podemos obter recursos para desbloquear cosméticos e melhorias para os dispositivos.

Os fãs de Hitman vão se esbaldar nesse modo! São dezenas de desafios que obrigam o jogador a pensar fora da caixa e dominar todos os sistemas do jogo!

Batido, não mexido

A célebre frase de 007 pode ser perfeitamente usada para explicar o quão absurda é a experiência que a IO Interactive criou. Chega a ser engraçado, por que é um jogo com um valor de produção de Hollywood.

As cutscenes são fantásticas e bem editadas, as performances estão absurdas, evidenciando um trabalho impecável de mocap… a trilha sonora tem o mesmo nível de qualidade dos filmes e os efeitos e música-tema tocam em momentos chave, deixando tudo mais épico…

Eu não tive nenhuma queda de frame ou crash durante minhas quase 30 horas com o jogo. A única coisa que notei, com bastante frequência, foram texturas sendo carregadas em tempo real. Um patch aplicado recentemente diminuiu o problema mas ele ainda acontece. Fora isso, toda a parte técnica beira o absurdo.

A Glacier Engine entrega um nível de realismo muito bem-vindo para esse tipo de jogo. Os cenários são ultradetalhados e metódicos, reforçando o nível de paixão aplicado pela equipe no projeto.

Em várias ocasiões eu entrava em salas e ficava admirando os elementos ao redor, como quadros, o acabamento das paredes e mais. O luxo é um elemento constante dentro do universo Bond e por isso visitamos locais emblemáticos repletos de arquitetura e história.

Também fiquei impressionado com a quantidade de NPCs na tela. Tem missões que vemos 150-200 pessoas na tela de maneira simultânea e todas são bem únicas. Visitar um baile lotado aumenta e muito a imersão na aventura.

No mais, 007: First Light entrega uma experiência cinematográfica de altíssima qualidade, com setpieces absurdos e tudo que se espera de um jogo protagonizado por James Bond. Roteiro, engine, game design.. tudo aqui se encaixa para entregar uma experiência digna da atual geração.

Review de 007: First Light – Candidato ao GOTY

007: First Light é o melhor jogo que eu joguei em 2026 até agora. É incrivelmente difícil trabalhar com uma IP tão impactante e importante para o entretenimento, mas a IO Interactive faz isso com maestria, respeitando o legado do maior espião do mundo enquanto entrega uma história de origem que parece ter sido liderada pelo próprio Ian Fleming.

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